Depósitio Sonoro

experimental

El legado de “Dream Baby Dream” de Suicide desde aquel 1979

Alan Vega y Martin Rev fueron más punks que el propio punk y sus derivados, Suicide sacudió Nueva York en los años 70.     Si bien eran unos irreverentes anárquicos y antimúsicos declarados, crearon una de las obras pop más bellas, la inalcanzable “Dream Baby Dream”. Desde entonces, el dueto inspiró movimientos musicales underground, hasta causar impacto en el arte del performance hasta el día de hoy, siendo un hito al culto de la contracultura.     Marcados por su paso en el mítico CBGBs, “Dream Baby Dream” rompió con todos los estereotipos que una canción punk tenía, ser transgresora, ruidista y furiosa, al demostrar que podía hacerse cosas maravillosas desde una estética pop casi perfecta y simple.   Sus presentaciones fueron legendarias; recién pudimos ver a Martin Rev en su visita a la Ciudad de México y tener un poco de esa esencia. Alan Vega, lamentablemente, ya no está más con nosotros y hoy 23 de junio, hubiera cumplido 82 años, pero lo recordamos a 40 años de su creación de esta bella balada del new wave, punk, de los terrenos experimentales.    

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Stolen & Contaminated Songs de Coil, así era el experimental de 1992

Se anuncia la reedición del álbum de 1992 Stolen & Contaminated Songs, de Coil vía Cold Spring, que en su momento fue publicado en CD y, ahora, por primera vez en vinilo   De acuerdo con un comunicado de prensa, el álbum está compuesto por canciones inéditas de su disco anterior Love’s Secret Domain. El disco contiene pasajes muy densos, poco condescendientes y una gran carga de frecuencias fuera de lo convencional, arraigadas y definidas por el comienzo de la década de los 90. El lanzamiento del vinilo que incluye un LP de color hueso será limitado a 800 copias junto con un vinilo doble negro. Durante aquella época los integrantes de esta creación fueron las mentes de John Balance, Peter Christopherson, Stephen Thrower y Danny Hyde, considerados hoy como un referente memorable en cuanto a música oscura y experimental como pocos.

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Reseña del nuevo disco de Nymbvs

Por Ruvaak Malembe Estamos de estreno con la más reciente producción de Nymbvs, que más que un disco se siente como una experimentación sonora desde la libertad e inocencia en su máxima expresión Nymbvs es una banda originaria de la Ciudad de México, destable por tener un sonido fresco y lleno de juventud. En anteriores producciones, la banda nos había presentado un sonido muy promesa del post rock en nuestro país con su debut de 2016 Hidrometeoro, producido por una de las personalidades más respetadas de la música alternativa en México Mario Sánchez “Chavo“, ex guitarrista de Austin TV. Ahora, con este nuevo álbum con título homónimo buscan una experimentación mayor, tanto a la hora de la composición como de la producción, potenciando su sonido que llevan trabajando desde hace varios años.  N y m b v s es un disco repleto de texturas, voces dulces con melodías muy sencillas, y que llegan a sonar hasta infantiles, pero para nada simplonas. Es un juego con efectos como un genial vocoder, algunas canciones con letras cercanas y otras más en las que crean espaciosos ambientales sonoros con un uso excesivo de reverb y delay en coros espaciales con los que es fácil perderse. Al contrario de las anteriores producciones de la banda, en este disco las guitarras son más tenues y contagiadas con sintetizadores juguetones y percusión electrónica muy bien hecha; igualmente, cuenta con arreglos que llamaría “ruidismo dulce”, pero que, en ocasiones, se muestra estruendoso creando un contraste único y unos matices que hacen que las canciones no sean aburridas o tediosas. No todas las canciones usan el recurso de la percusión electrónica y se agradece demasiado, ya que da un dinamismo más amplio al disco extendiendo su panorama, con temas como “Noctámbulo” en el que la banda nos recuerda sus raíces en el post rock con una batería cañera y guitarras eléctricas con más protagonismo que en otros temas. Sin duda, N y m b v s es un álbum honesto y original sin pretensiones: es lo que es, para disfrutarse de principio a fin.  Te recomendamos escucharlo completo y en orden porque varias de las canciones están unidas entre sí, lo que hace este viaje musical una gran experiencia. Facebook | Instagram

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Mira parte del live act de Thom Yorke tocando “Twist” y “Dawn Chorus” del Anima

Thom Yorke se encuentra de gira por Estados Unidos con la promoción de su último disco Anima   El show de Jimmy Kimmel -uno de los de mayor audiencia en Estados Unidos- fue el escenario para interpretar “Twist” y “Dawn Chorus” del Anima. Disco en el que Thom Yorke retracta los recuerdos de su trabajo anterior a través de una cápsula más formada. Anima es y, sigue siendo, para muchos críticos musicales uno de los mejores discos del 2019. Deseamos pronto ver su acto en vivo en la Ciudad de México. https://www.youtube.com/watch?v=4Yo54Xoxq3g

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Hildur Guðnadóttir, la chelista detrás del soundtrack de la película JOKER

El estreno de la semana es Joker de Todd Phillips. Película rodeada de mucha controversia en todo el mundo desde su premiación en el Festival de Cine de Venecia el pasado mes de septiembre, que ha generado una interminable cantidad de reacciones: desde el surgimiento de haters que han reclamado a Warner la entrega de una película violenta y misógina; hasta la preocupación del ejército de los EU y el FBI por una supuesta conversación filtrada desde la deep web por grupos que tienen planificados una serie de tiroteos o mass shootings durante las proyecciones de dicha película Todo esto ha generado cierto temor entre los ciudadanos del vecino país del norte, y más teniendo en cuenta que hace 7 años, en el condado de Aurora, Colorado, durante el estreno de The Dark Knight, un sujeto asesinó a sangre fría a 12 personas y dejó más de 50 heridos, todo bajo la firme creencia de que él era el villano de la película: The Joker. Cierto es que dichos temores (fundados o infundados) no han hecho más que darle un gran impulso a la promoción previa al estreno. Es marketing gratuito que eleva la expectativa y el morbo de la gente para acudir en masa a los cines sólo para comprobar una de dos cosas: que se trate ciertamente de una gran película o de un gran fraude. No obstante ya habrá pagado su boleto. Sin embargo, más allá de cualquier crítica, este texto pretende centrase en un elemento muy poco abordado por los medios: el score original creado por Hildur Guðnadóttir, una chelista islandesa que ha colaborado en películas como The Revenant, Sicario: The day of the soldado, Mary Magdalene, Prisioners, Arrival y, recientemente,en la miniserie Chernobyl. Con tremendas credenciales en su haber y colaboraciones que incluyen a Animal Collective y Sun O))), era de esperarse un trabajo sólido y escalofriante que en conjunto con la interpretación de Joaquín Phoenix, reflejara de manera desoladora la espiral descendiente y oscura que atraviesa una persona con serios trastornos mentales en un sociedad que poco hace por comprender. Los cambios en la composición de las armonías reflejan el inestable ánimo del personaje, desde un pequeño e indefenso susurro contenido en una nota por varios segundos, hasta una explosión de emotividad y locura que rayan en lo ridículo. Pareciese por momentos como una extraña combinación de sentimientos encontrados como la añoranza y la desesperación. La misma Guðnadóttir aseguró en una entrevista hace unos días, que mucho de este material ya se encontraba listo antes de que la película estuviera en rodaje y que incluso el director y al actor retomaron mucho de su sonido para crear y darle forma y fondo al guion y al personaje principal, por lo que su música bien podría ser una parte fundamental en la estética de toda la película y de la creación del Joker de Phoenix y la visión del propio Todd (aunque, bueno, esto es pura especulación). El domingo 9 de febrero de 2020 Hildur Guðnadóttir se convirtió en la primera compositora que gana el Óscar a la mejor música original en más de 20 años, en la 92ª gala de los Premios de la Academia.  La islandesa llegó como favorita tras ganar el Globo de Oro y el BAFTA por la música de ‘Joker’. Finalmente se llevó el Óscar, convirtiéndose en la primera compositora que recibe el premio en los últimos 23 años.

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Escucha un tributo a Genesis P-Orridge de Psychic TV y Throbbing Gristle

Genesis P-Orridge es enteramente un icono del mundo de la cultura alternativa moderna y, en este trabajo, le rinden un homenaje a todas sus sonoridades más destacadas a lo largo de su carrera   A Tribute To Genesis Breyer P​-​Orridge es un disco en el que se refleja la influencia que Genesis ha tenido en artistas como Alice Botté, Esplendor Geométrico, Le Chocolat Noir, Blind Delon y The Horrorist. Durante su carrera, Genesis fundó el Templo de la Juventud Psíquica, y se convirtió en un referente cultural por incomodar siempre a la industria por medio de sus acciones o declaraciones. Puede gustarte o no,  lo que sin duda es innegable es el legado musical que ha dejado principalmente en su paso por Throbbing Gristle  y Psychic TV. Escucha este oasis de versiones retorcidas e inéditas que engloban perfectamente el aura que ha seguido por una línea original de sonidos estruendosos:

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La música en modo nostalgia, o de cómo cancelamos el futuro

El futuro, aquello que excitaba las mentes en décadas pasadas, ha quedado reducido a unas cuentas obras de la ciencia ficción. La cultura pop ha encontrado un oasis de contenidos en el pasado. Se dice que la innovación es uno de los estímulos más seductores para la cultura contemporánea, sin embargo, lo innovador ha quedado lejos de imaginar algo más allá del presente y su pasado, vivimos en una constante cancelación del futuro. Series de TV, reencuentros, reediciones de discos y libros, películas en live action de clásicos animados de nuestra infancia. Es la tendencia, es lo de hoy. ¿Qué nos hace desbordar las emociones del recuerdo y la añoranza? El pasado y la idealización del mismo; dicha idealización dotan al pasado de momentos significativos, mismos que hacen importante nuestra constitución de la identidad y cómo nos experimentamos a nosotros mismos frente al mundo.   En el caso de la música, nos conduce de manera directa a nuestro pasado, y a la forma en la que nos experimentamos a nosotros mismos. Simon Frith lo dice de una mejor manera: “Lo estético describe la calidad de una experiencia (no la de un objeto); significa experimentarnos a nosotros mismos (no solo el mundo) de una manera diferente.” Por ello, cuando escuchamos a la banda favorita de nuestra preparatoria, revivimos la experiencia estética, más allá de lo que la banda o artista, pueda decir melódica o líricamente; sin embargo, es un pasado muerto, un lugar al que no tenemos acceso, por ningún medio más que el de la fantasía. La filósofa mexicana Julieta Lomelí en su reciente texto “Poética de la nostalgia” cita a la a escritora Svetlana Boym: “es un anhelo por un hogar que ya no existe o que nunca ha existido. La nostalgia es un sentimiento de pérdida y desplazamiento, pero también es un romance con la propia fantasía”.   Ése romance con la fantasía, ha sido muy bien canalizado por el consumo, que ha explotado la idealización de esa fantasías, porque sin idealización no hay romance. Vivimos en un éxtasis cada vez más compulsivo por el pasado. ¿Nos estamos esforzando de más por montar una vida lo más apegada al pasado? ¿Por qué una banda hoy en día querría más sonar a los Ramones que postular una imaginativa del futuro al estilo Kraftwerk? No encontramos muchas referencias al futurismo, sin embargo, si encontramos muchas versiones actuales de referencias a artistas del pasado. Es más común escuchar que una “nueva” banda hizo una versión de indie rock sobre el estilo de Chuck Berry.   Frederic Jameson lo explica mejor: No obstante, la palabra “versión” resulta anacrónica en el sentido de que nuestra conciencia de la pre existencia de otras versiones. El mismo Jameson habla del “modo nostálgico” el cual deja fuera a la nostalgia desde la óptica de la psicología. El modo nostálgico atañe más bien a las técnicas “un apego formal a las técnicas y formulas del pasado, una consecuencia del abandono del desafío modernista de crear formas culturales innovadoras adecuadas a la experiencia contemporánea”.   En el libro de “Los fantasmas de mi vida”, Mark Fisher postula como ejemplo de lo antes mencionado, el vídeo de los Arctic Monkeys con la canción de “I Bet You Look Good On The Dancefloor”. Genuinamente creí que era algún tipo de artefacto perdido de un momento cercano a 1980- comenta. Vídeos como esto donde las bandas no representan si no simulan estar en décadas pasadas y pertenecer a ellas, es cada vez más común. The Strokes con “Last Nite” o The Growlers con “Love Test” son 2 ejemplos cercanos al modo nostalgia. Fisher abrocha espléndidamente explicado esto: Las discrepancias en la textura –resultado de las técnicas de grabación y los estudios modernos – denotan que no pertenecen ni al presente ni al pasado, sino a una era implícita “sin tiempo”. La moda de la nostalgia y su consumo.   Sin duda, el pasado nunca estuvo más en tendencia que en nuestros días. Aún recuerdo las vueltas que di por las tiendas de tenis tratando de encontrar un modelo de Adidas. Quería los Gazelle, pero no la nueva versión del modelo, quería la pasada, los que usaba Jay Kay. ¿Mis argumentos? Lo clásico del modelo, los colores y el diseño. ¿Cómo es posible que un producto lanzado en 1960 sea el objeto del deseo por moda? En realidad, el objeto no es la moda ni la tendencia, sino lo retro. Lo que simula. Dentro de ello no sólo existe un sentimiento de originalidad, también de superioridad y distinción, esto afirma que el paso fue superior al presente negado el futuro, al punto en el que la vanguardia cultural nos parezca anticuada o muchas veces ridícula. Recuerdo el film de Noah Baumbach con: Ben Stiller, Naomi Watts, Amanda Seyfried y Adam Driver. La historia va de una pareja sumida en la cotidianidad de una vida sin sobresaltos pero en crisis; ella con la presión social de no tener hijos y él, atravesando un bloqueo creativo para su próximo documental, hasta que conocen a una pareja de jóvenes hipsters y enamorados del pasado. Dicha pareja de jóvenes retrata perfectamente el culto desmesurado hacia el pasado, dejando ver sus postulados en los diálogos, idealizando no sólo la forma en la que se vivía, sino los objetos y escenarios, creando un montaje que a toda costa busca escapar de su presente.   En la música no es muy diferente. La industria del disco marcó toda una forma de consumir música en los años 90, y aunque el CD sea casi obsoleto, el casete ha encontrado un segundo aire para las bandas emergentes que deciden sacar su música por medio de ese canal, o bien, bandas consolidadas que recurren a la nostalgia para recuperar sus inversiones. Hace unos días en Berlín, Sony confirmó el relanzamiento de uno de sus aparatos más entrañables: el Walkman TPS-L2. El Walkman tal como lo conocemos, en su momento fue una ruptura de la forma en la que se escuchaba y

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Swans presenta su nueva canción “It’s Coming It’s Real”

Michael Gira comanda rituales de sonido donde los instrumentos son el vehículo para canalizar lo divino. Swans ha vuelto y con un nuevo sencillo desciende desde los cielos como un ave negra.   El día de hoy los iluminados por los ritmos cadenciosos de Michael Gira y compañía, los siempre itinerantes y fascinantes Swans volvieron al globo musical. Ellos. Sumos sacerdotes de todo lo relacionado al rock experimental, agro, psicodélico, industrial e hipnótico y que siguen en esos terrenos en esta nueva entrega.   Si ya eres un iniciado, seguro vas a conectar de inmediato. Y si eres apenas un aprendiz del gospel de estos encantadores de serpientes y brujos del voodoo rockero, créeme, son el camino correcto. La canción es sólo un pre ambulo de lo que será su nuevo disco Leaving Meaning, que saldrá el 25 de Octubre de 2019.

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