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TV On The Radio: vanguardismo, innovación y su regreso en 2024

TV On The Radio es una banda que ha definido una era de experimentación musical y lirismo profundo dentro de la escena indie y alternativa. Desde su formación en Brooklyn en 2001, este grupo ha logrado desafiar categorizaciones simples, fusionando géneros como el rock, soul, funk, electrónica y post-punk. Su capacidad para innovar y conectar emocionalmente con su público los ha convertido en uno de los actos más influyentes del siglo XXI. Ahora, en 2024, después de varios años de ausencia de los escenarios, la banda regresa, reavivando la pasión de sus fanáticos y recordándonos por qué son una fuerza única en la música. Los Primeros Pasos de TV On The Radio El grupo nació en el vibrante entorno cultural de Brooklyn, conformado inicialmente por Tunde Adebimpe (voz y loops) y David Andrew Sitek (guitarras, producción y programación). Más tarde se unirían Kyp Malone (guitarra, voz), Jaleel Bunton (batería, teclados, bajo) y Gerard Smith (bajo y teclados), quien lamentablemente falleció en 2011. Su primer EP, Young Liars (2003), fue un adelanto de su capacidad para mezclar sonidos atmosféricos con un lirismo poético. La canción “Staring at the Sun” se convirtió en un himno de culto, destacando por su intensidad emocional y producción minimalista. El Ascenso a la Fama El lanzamiento de su álbum debut, Desperate Youth, Blood Thirsty Babes (2004), marcó el comienzo de su éxito crítico y comercial. Este disco les valió el Premio Shortlist (ahora Premio New Pantheon), catapultándolos a la atención internacional. Con canciones como “Dreams” y “The Wrong Way”, TV On The Radio mostró su habilidad para abordar temas de identidad, política y relaciones humanas con una sensibilidad única. En 2006, con Return to Cookie Mountain, consolidaron su estatus como una banda esencial en la escena musical. Este álbum incluyó colaboraciones con artistas como David Bowie en “Province” y destacó por su producción compleja, que entrelazaba capas de instrumentos y sonidos electrónicos. La Trilogía del Éxito: 2008-2011 El lanzamiento de Dear Science en 2008 representó un momento culminante para la banda. Este álbum recibió una abrumadora aclamación de la crítica, siendo nombrado el mejor disco del año por publicaciones como Rolling Stone y The Guardian. Canciones como “Golden Age” y “DLZ” (esta última utilizada en la serie Breaking Bad) demostraron la capacidad del grupo para crear música tanto pegajosa como reflexiva. En 2011, lanzaron Nine Types of Light, un álbum que exploró un sonido más melódico y accesible, sin perder su profundidad lírica. Sin embargo, el fallecimiento de Gerard Smith ese mismo año fue un golpe devastador para la banda, marcando una pausa en su actividad. Regreso y Renovación: Seeds (2014) Después de un breve descanso, TV On The Radio regresó con Seeds en 2014, un álbum que abordó temas de pérdida, amor y esperanza con un sonido más optimista. Canciones como “Happy Idiot” y “Careful You” capturaron una energía renovada, mostrando que la banda seguía evolucionando sin perder su esencia. Aunque Seeds fue bien recibido, la banda optó por reducir sus actividades, con cada miembro explorando proyectos individuales. Este período de inactividad prolongado dejó a sus fanáticos con incertidumbre sobre el futuro de TV On The Radio. El Regreso a los Escenarios en 2024 En 2024, TV On The Radio sorprende con un anuncio emocionante: su regreso a los escenarios después de casi una década sin giras importantes. Este regreso no solo celebra su legado, sino que también genera expectativas sobre la posibilidad de nueva música. Según declaraciones recientes de la banda, este retorno busca reconectarlos con su público y explorar el impacto de su música en un mundo transformado. El anuncio de presentaciones en festivales como el Coachella y el Primavera Sound, además de conciertos íntimos en ciudades clave, ha encendido el entusiasmo entre los fanáticos. Esta gira promete ser un recorrido por los momentos más destacados de su carrera, así como una muestra de su evolución musical. La Importancia y el Legado de TV On The Radio TV On The Radio es más que una banda; es un fenómeno cultural que ha logrado trascender géneros y generaciones. Su capacidad para combinar lo experimental con lo emocional ha influido en numerosos artistas y ha establecido nuevos estándares en la música indie y alternativa. Aspectos Clave de su Importancia: El Futuro de TV On The Radio El regreso de TV On The Radio en 2024 marca un capítulo emocionante en la historia de una de las bandas más influyentes de las últimas dos décadas. Con una trayectoria marcada por la innovación y la autenticidad, su impacto sigue siendo profundo en un panorama musical en constante cambio. La posibilidad de nueva música y la oportunidad de revivir sus presentaciones en vivo son un recordatorio de su poder como fuerza creativa. TV On The Radio continúa siendo una banda que desafía, inspira y conecta, reafirmando su lugar como una de las propuestas más importantes en la música contemporánea. Su regreso promete ser una celebración de todo lo que han logrado y un vistazo al potencial que aún tienen por delante.

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“Chasing Trane”: un viaje al alma de John Coltrane

El documental Chasing Trane: The John Coltrane Documentary es una obra que trasciende los límites del cine musical para convertirse en un profundo homenaje a uno de los músicos más influyentes e innovadores del siglo XX: John Coltrane. Dirigido por John Scheinfeld y estrenado en 2016, este documental ofrece una exploración íntima y emotiva de la vida, música y legado del legendario saxofonista de jazz. Un Retrato Complejo John Coltrane no solo es conocido por su virtuosismo y técnica en el saxofón, sino también por su capacidad de transformar el jazz en un lenguaje espiritual y emocional. Chasing Trane examina a Coltrane no solo como músico, sino también como ser humano complejo, profundamente influido por las circunstancias de su vida y su búsqueda espiritual. A través de entrevistas con familiares, colegas, músicos contemporáneos y admiradores (incluidos personalidades como Sonny Rollins, Kamasi Washington y Bill Clinton), el documental revela aspectos desconocidos de Coltrane: su infancia en Carolina del Norte, la lucha con sus demonios internos, su adicción y su posterior transformación tras encontrar la espiritualidad. La Narrativa de Coltrane, Narrada por Denzel Washington Una de las decisiones más cautivadoras del director Scheinfeld fue emplear la voz de Denzel Washington para narrar los escritos y pensamientos de Coltrane. Esta elección da vida a las palabras del músico, añadiendo un peso emocional que conecta profundamente con el espectador. Washington presta su voz a las reflexiones personales de Coltrane sobre la vida, la música y la trascendencia, aportando una dimensión que humaniza aún más al icono del jazz. La Música: El Corazón del Documental La música es, naturalmente, el núcleo de Chasing Trane. Las interpretaciones de Coltrane de piezas como “My Favorite Things”, “A Love Supreme” y “Giant Steps” son presentadas con una narrativa que explica su impacto cultural y musical. El documental detalla cómo Coltrane empujó los límites del jazz convencional hacia terrenos innovadores, fusionando géneros y explorando nuevas estructuras melódicas. También pone en perspectiva el contexto social y político en el que Coltrane creó su música, desde los movimientos por los derechos civiles hasta su compromiso por transmitir un mensaje universal de esperanza y unidad. Impacto Cultural y Legado Chasing Trane no solo celebra la música de Coltrane, sino que también destaca su impacto cultural. Su álbum A Love Supreme, por ejemplo, es presentado como una obra maestra espiritual que trascendió el jazz para convertirse en un manifiesto de fe y redención. El documental también aborda cómo Coltrane, un hombre afroamericano en la América segregacionista, usó su música como una forma de resistencia y de expresión de su identidad. Canciones como “Alabama”, compuesta en respuesta al atentado racista en una iglesia de Birmingham en 1963, ejemplifican su compromiso con la justicia social. Reflexiones de los Músicos Contemporáneos El testimonio de artistas como Kamasi Washington y Wynton Marsalis muestra cómo el legado de Coltrane sigue siendo una inspiración para generaciones actuales. Estos músicos destacan la capacidad de Coltrane para conectar con lo más profundo del alma humana, recordando que su música no solo era compleja técnicamente, sino también profundamente emocional y espiritual. Una Experiencia Cinematográfica Transformadora Chasing Trane no es simplemente un documental sobre música; es un viaje hacia el entendimiento de un hombre cuya vida y obra continúan inspirando. Con una narrativa envolvente y una cinematografía que captura tanto el contexto histórico como la esencia de Coltrane, el documental ofrece una experiencia transformadora para aficionados al jazz y para cualquier persona interesada en el poder de la música para cambiar el mundo. Conclusión: Coltrane, Más Allá del Tiempo A través de Chasing Trane, John Coltrane es revelado no solo como un genio musical, sino como un visionario cuya obra trasciende géneros, épocas y fronteras. Su búsqueda incansable de la verdad a través de la música sigue siendo un faro para músicos, artistas y soñadores de todo el mundo. Este documental es una invitación no solo a conocer al hombre detrás del saxofón, sino también a redescubrir el poder transformador del arte y la espiritualidad en tiempos de adversidad. Chasing Trane es un testimonio de cómo Coltrane no solo cambió el jazz, sino también nuestra comprensión de lo que significa ser verdaderamente humano.

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La Historia de la Psicodelia: Orígenes, Influencias y Evolución Cultural

La psicodelia es mucho más que un movimiento artístico; es una manifestación de exploración espiritual, artística y cultural que desafió las normas y moldeó generaciones. Surgió en los años 60 como una contracultura, una forma de entender y percibir la realidad, influyendo profundamente en la música, el arte, la literatura, la filosofía y la vida cotidiana. En su esencia, la psicodelia se caracteriza por su interés en las experiencias alternativas de la conciencia, promoviendo un sentido de unidad y trascendencia en aquellos que la exploraron. Primeros Trazos: Orígenes Científicos y Filosóficos La historia de la psicodelia comenzó antes de su explosión en la cultura popular. En 1938, el científico suizo Albert Hofmann sintetizó el LSD (dietilamida de ácido lisérgico), una sustancia que en un principio estaba destinada a la investigación médica. Sin embargo, en 1943, Hofmann descubrió los efectos psicoactivos del LSD de forma accidental, y sus experiencias con esta sustancia abrieron nuevas puertas para la investigación de la mente humana y el potencial de los psicodélicos. Durante la década de 1950, las sustancias psicodélicas comenzaron a ser utilizadas en ensayos médicos en América y Europa, siendo investigadas como posibles tratamientos para enfermedades mentales, especialmente en contextos controlados. Los psicólogos y psiquiatras, como Humphry Osmond y Timothy Leary, encontraron en estas sustancias un potencial transformador que podría abrir nuevas fronteras en el tratamiento de la mente. La fascinación con las sustancias psicodélicas también comenzó a capturar la imaginación de los artistas y filósofos. Autores como Aldous Huxley abordaron en sus libros, especialmente en Las Puertas de la Percepción, la posibilidad de que los psicodélicos fueran una “llave” para acceder a realidades alternas, cambiando la percepción y trascendiendo las barreras del ego y la consciencia. Los Años 60: El Despertar de una Contracultura La década de 1960 fue el escenario de profundos cambios sociales y culturales. Movimientos como la lucha por los derechos civiles, el feminismo y el movimiento pacifista influyeron en la juventud que buscaba nuevas maneras de experimentar el mundo. En este contexto, los psicodélicos comenzaron a ser usados por grupos de jóvenes interesados en cuestionar las normas establecidas y experimentar con la conciencia. El movimiento psicodélico encontró en la música una de sus expresiones más poderosas. La música rock se convirtió en el vehículo ideal para expresar los ideales de la psicodelia, y artistas como The Beatles, The Grateful Dead, Jimi Hendrix y Pink Floyd comenzaron a incorporar sonidos experimentales, letras introspectivas y efectos de estudio que evocaban las experiencias psicodélicas. El álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de los Beatles (1967) es un emblema de esta era, con una mezcla de sonidos, efectos y estilos que cautivaron a toda una generación. Los festivales de música como el Monterey Pop Festival en 1967 y Woodstock en 1969 se convirtieron en escenarios emblemáticos de la psicodelia, no solo por la música sino por la atmósfera de libertad, comunidad y apertura a nuevas experiencias que promovían. La Psicodelia en el Arte Visual Paralelamente a la música, el arte visual psicodélico comenzó a ganar terreno. Inspirados en las experiencias de los viajes psicodélicos, artistas como Wes Wilson, Victor Moscoso y Rick Griffin crearon carteles, portadas de discos y obras que capturaban las visiones y el espíritu de la época. Estos artistas se caracterizaban por el uso de colores vibrantes, patrones hipnóticos y tipografía fluida que evocaban el movimiento y la intensidad de una experiencia psicodélica. La estética psicodélica no solo influyó en el arte gráfico, sino también en la moda, con prendas de colores intensos, patrones repetitivos y diseños bohemios. Los carteles y las portadas de discos se convirtieron en un símbolo visual de la contracultura psicodélica. Literatura y Filosofía Psicodélica La literatura y el pensamiento también jugaron un papel fundamental en la psicodelia. Escritores como Ken Kesey y Jack Kerouac exploraron temas de libertad, rebeldía y autodescubrimiento en sus obras, mientras que poetas como Allen Ginsberg abrazaron la experiencia psicodélica como una forma de expresión espiritual y artística. El filósofo y psicólogo Timothy Leary, uno de los defensores más prominentes del LSD, se convirtió en una figura clave en la psicodelia. Con su famosa frase “Turn on, tune in, drop out”, Leary promovió el uso del LSD como una herramienta para la transformación personal y la expansión de la conciencia, alentando a la gente a desafiar las normas establecidas y explorar nuevas dimensiones de la mente. La Psicodelia en los 70: Un Declive y Nueva Evolución Con el final de la década de 1960, la psicodelia comenzó a declinar, ya que las autoridades de varios países comenzaron a prohibir el uso de sustancias psicodélicas. Además, los conflictos internos dentro de la contracultura y el cambio en las prioridades sociales llevaron a un interés decreciente en los ideales psicodélicos. Sin embargo, aunque la era psicodélica original llegó a su fin, su influencia persistió en la música y en la cultura pop. Bandas de rock progresivo, como Pink Floyd y King Crimson, continuaron desarrollando temas y sonidos que derivaban de la psicodelia, mientras que el punk y el new wave adaptaron algunos elementos de la contracultura para sus propias agendas. El Renacimiento Psicodélico en los 90 y la Música Electrónica En los años 90, la psicodelia experimentó un renacimiento, especialmente en la música electrónica y el movimiento rave. Artistas de psytrance como Shpongle y Infected Mushroom retomaron el legado de la psicodelia, combinando ritmos electrónicos y sonidos espaciales que evocaban experiencias psicodélicas. Los festivales de música electrónica se convirtieron en el equivalente moderno de los festivales de rock de los 60, creando ambientes donde la música, la tecnología y las experiencias sensoriales se fusionaban. Psicodelia en la Actualidad: Psicoterapia y Cultura Pop En los últimos años, la psicodelia ha vivido un resurgimiento con el renovado interés en la terapia psicodélica. Estudios en países como Estados Unidos, Canadá y Suiza han demostrado que sustancias psicodélicas como el LSD, la psilocibina y la MDMA pueden ser efectivas para tratar enfermedades mentales, como la depresión, el trastorno de estrés postraumático y la ansiedad.

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El nacimiento del Detroit Techno: Un viaje hacia el futuro de la música electrónica

El Detroit Techno, surgido a mediados de los años 80, es uno de los géneros más influyentes dentro de la música electrónica y la cultura del dance mundial. Su desarrollo en Detroit, una ciudad marcada por la industria automotriz y la decadencia económica, moldeó un sonido futurista y mecánico que, a la vez, capturaba el alma de la ciudad y sus habitantes. Hoy en día, el Detroit Techno es considerado un pilar fundamental en la historia de la música, tanto por su innovación sonora como por su impacto cultural. Los pioneros y su visión del futuro El Detroit Techno fue creado por un grupo de jóvenes afroamericanos que crecieron en una ciudad industrializada y en decadencia, pero que vieron en la música una forma de escapar de su entorno. Entre los fundadores del género destacan tres figuras clave, conocidas como los “Belleville Three”: Juan Atkins, Kevin Saunderson, y Derrick May. Estos tres amigos de Belleville, un suburbio de Detroit, lograron fusionar la música electrónica europea con el funk y el soul afroamericano, creando un sonido que, aunque nacido en Detroit, tenía una proyección global. El contexto socioeconómico de Detroit y su influencia Detroit, apodada “Motor City”, fue el centro de la industria automotriz en Estados Unidos, pero para los años 80 la ciudad enfrentaba una fuerte crisis económica y social. La decadencia industrial y la pobreza generalizada crearon un ambiente desolador, lo que influyó profundamente en los creadores de techno. La música reflejaba este paisaje urbano mecanizado: beats repetitivos y sonidos fríos que evocaban tanto las máquinas de la fábrica como la soledad de una ciudad en crisis. Sin embargo, el techno no solo fue una respuesta al entorno de Detroit; fue también una afirmación de esperanza y un medio para imaginar un futuro diferente. Los artistas pioneros veían en la tecnología una forma de superar las limitaciones de su contexto. El uso de cajas de ritmos y sintetizadores se convirtió en un símbolo de emancipación y posibilidad. El Detroit Techno, en este sentido, no era simplemente música para bailar, sino una visión futurista y una crítica implícita a la sociedad industrial. La expansión global del Detroit Techno Aunque el Detroit Techno tuvo un impacto limitado inicialmente en Estados Unidos, fue en Europa donde encontró su público más ferviente. Ciudades como Berlín y Londres acogieron el sonido con entusiasmo, y sellos como Warp y R&S Records comenzaron a lanzar producciones de artistas de Detroit. La fusión de Detroit Techno con la escena rave europea ayudó a dar forma al surgimiento de otros géneros electrónicos como el acid house y el trance. Festivales y clubes legendarios en Europa, como el Tresor en Berlín, se convirtieron en epicentros del techno, donde los DJs y productores de Detroit eran tratados como visionarios. Este intercambio entre continentes no solo llevó la música a nuevas alturas, sino que también solidificó la influencia cultural de Detroit en la música electrónica global. El legado en la actualidad Hoy en día, el Detroit Techno sigue siendo una referencia fundamental dentro de la música electrónica. Artistas contemporáneos continúan rindiendo homenaje a sus raíces, y el techno ha evolucionado en múltiples direcciones, pero su corazón sigue latiendo con fuerza en Detroit. Festivales como el Movement Electronic Music Festival, que se celebra cada año en la ciudad, mantienen viva la conexión entre la comunidad local y los amantes del techno a nivel global. Además, el legado del Detroit Techno ha inspirado a nuevos artistas que ven en la música electrónica una forma de explorar la tecnología, la humanidad y el futuro. A pesar de que el contexto socioeconómico de la ciudad ha cambiado, la esencia del techno —la búsqueda de una utopía futurista a través de la tecnología— sigue siendo tan relevante como siempre. Conclusión El Detroit Techno no es solo un género musical; es una manifestación cultural y una forma de resistencia frente a la adversidad. Nacido en una ciudad marcada por la industrialización y la crisis, el techno capturó las emociones de una generación que buscaba el escape y la esperanza en el sonido de las máquinas. Hoy, su impacto sigue resonando en todo el mundo, con Detroit como el epicentro de una revolución musical que sigue inspirando a millones.

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Mira el documental “A Band Called Death”

“A Band Called Death” es un documental de 2012 que cuenta la historia de Death, una banda de punk rock formada en los años 70 en Detroit por los hermanos David, Bobby y Dannis Hackney. A pesar de ser pioneros del punk antes de que el género fuera reconocido, la banda enfrentó dificultades debido a su nombre y la falta de apoyo comercial, lo que llevó a su separación. Décadas más tarde, sus grabaciones fueron redescubiertas, y Death comenzó a recibir el reconocimiento que merecía como una de las primeras bandas de punk rock afroamericanas. Death, una banda proto-punk formada en Detroit en los años 70 por tres hermanos afroamericanos: David, Bobby, y Dannis Hackney. A pesar de su talento y visión innovadora, la banda no alcanzó el éxito comercial en su tiempo debido a su nombre y a la falta de interés de las discográficas. Décadas más tarde, su música fue redescubierta, ganando reconocimiento póstumo como pioneros del punk rock antes de bandas como The Ramones.

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Talking Heads – Live in Rome 1980

Talking Heads – Live in Rome 1980 es uno de los conciertos más icónicos de la banda, capturando su energía y creatividad en un momento crucial de su carrera. Realizado durante la gira de su álbum “Remain in Light”, el show incluye versiones enérgicas de clásicos como “Psycho Killer”, “Once in a Lifetime”, y “Born Under Punches (The Heat Goes On)”. Este concierto es recordado por su innovador uso de ritmos afrobeats, influencias electrónicas, y la intensidad de la actuación de David Byrne y compañía. El concierto de la banda en Roma en diciembre de 1980, inicialmente lanzado como In Concerto en la televisión italiana dos meses después del lanzamiento de su legendario Remain In Light, también comienza con “Psycho Killer”. Pero la experiencia es completamente diferente; Esto no es tanto una producción en escena enmarcada para la pantalla grande sino un documento adecuado de una banda en su apogeo. Byrne no entra solo: está respaldado por la alineación completa de Talking Heads que, en esta etapa de su historia, es un grupo de músicos aún más extenso que incluye al guitarrista Adrian Belew (quien al año siguiente encabezaría King Crimson). , el teclista Bernie Worrell, el bajista Busta Jones y el percusionista Steve Scales junto con dos coristas, Lynn Mabry y Ednah Holt. Lo que quizás le falta en la narración cinematográfica de su homólogo documental más famoso, esta interpretación de “Psycho Killer” lo compensa con creces con su química dinámica entre todos los integrantes de la banda y la intensidad ardiente con la que aumenta en su final. un par de minutos. La frenética interacción entre los ritmos del bajo de Weymouth, el furioso trabajo de batería de Frantz y los chillones solos de Belew es nada menos que asombrosa. Durante décadas, Live In Rome vivió a la sombra de Stop Making Sense por razones perfectamente lógicas: es una producción mucho más cruda, más lo-fi, escenificada no tanto teatralmente sino como un gran espectáculo en vivo, del tipo que desearías haber visto. de primera mano, al menos seguro que lo habría hecho. Byrne es menos el punto focal aquí que una parte clave de una máquina dinámica e intrincadamente diseñada, cada una de sus partes trabajando al unísono para crear algo poderoso en conjunto. No hay coreografías sueltas, ni trajes gigantes, ni cortar una alfombra con una lámpara. (Desafortunadamente, tampoco hay un álbum en vivo equivalente). El nombre de esta banda es Talking Heads, y eso es exactamente lo que ves: una fuerza musical imparable, creando algo mágico e imparable juntos.

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Jane’s Addiction “muy probable” lanzará nuevo LP con formación original, dice Dave Navarro

Jane’s Addiction está de regreso con su formación original y comienzan su gira con Love & Rockets en Las Vegas. Antes de eso, el guitarrista Dave Navarro habló con Rolling Stone sobre la reunión y sobre el tiempo que pasó fuera de la actuación debido a largos síntomas de Covid. “Aún no se sabe cuál es el tratamiento adecuado para el Covid prolongado”, dijo a Rolling Stone. “¿Cómo te deshaces de él, si puedes deshacerte de él? Pero estoy en un lugar más fuerte, donde al menos puedo aguantar un espectáculo de 90 minutos y definitivamente puedo sentarme en una silla de estudio durante ocho horas, porque eso no es muy agotador”. Navarro también le contó a Rolling Stone sobre la grabación del primer sencillo original de la banda en más de 30 años, “Imminent Redemption”, y sobre la posibilidad de un nuevo álbum, diciendo: “Es muy probable que eso suceda. Quiero decir, tenemos material grabado. No sé específicamente el modelo, si será una canción a la vez, o si lanzaremos una canción y luego un disco, o realmente no lo sé. De alguna manera me mantengo al margen de esas cosas. Lo que más me importa es que todo esto esté en vinilo”.En cuanto a esta gira, Navarro le dijo a Rolling Stone que los asistentes pueden esperar escuchar otra canción nueva. “Habrá otro, que está en el escenario, y no sé si estoy revelando algo, pero nadie en la gerencia me ha llamado y me ha dicho: ‘No hagas esto o aquello’, sino ‘Redención Inminente’. ‘ estará disponible en vinilo”, afirma. “Y estará respaldado por otra canción. Eso es emocionante para mí porque soy un fanático del vinilo”.Lea la entrevista completa en Rolling Stone. Jane’s Addiction es una banda estadounidense de rock alternativo formada en Los Ángeles, California, en 1985. La banda está compuesta por Perry Farrell (voz), Dave Navarro (guitarra), Eric Avery (bajo) y Stephen Perkins (batería). Después de separarse en 1991, volvieron con una breve gira en 1997 y una breve reunión en 2001. Luego, volvieron a separarse en 2004. Jane’s Addiction continúa activo desde 2008, pero desde 2010 sin la participación de su miembro fundador Eric Avery en el bajo.

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Kankyō Ongaku: Japanese Ambient, Environmental & New Age Music 1980-1990, compilación coral

“Kankyō Ongaku: Japanese Ambient, Environmental & New Age Music 1980-1990” es una compilación que reúne una colección significativa de música ambiental japonesa producida durante la década de 1980. Este proyecto, lanzado por el sello discográfico Light in the Attic en 2019, ha sido crucial para dar a conocer un género y una era musical que anteriormente no habían recibido mucha atención fuera de Japón. Sigue las repercusiones de la serie de discos Ambient de Brian Eno en el Japón de los años 80 y 90. En resumen, “Kankyō Ongaku: Japanese Ambient, Environmental & New Age Music 1980-1990” es una compilación vital que ha reintroducido y conservado un aspecto significativo de la música japonesa. Su papel en redescubrir y promover esta música ha tenido un impacto duradero en la apreciación global del género ambient y en la inspiración de nuevos artistas.

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