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Liturgy regresará a Ciudad de México para una presentación íntima e irrepetible en CHICO

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El proyecto liderado por Haela Hunt-Hendrix regresará a la Ciudad de México el próximo 3 de julio para ofrecer una presentación especial en CHICO, un formato cercano que permitirá experimentar de manera distinta una de las propuestas más innovadoras surgidas del metal contemporáneo. La visita marcará el regreso de Liturgy a la capital mexicana tras su aclamada participación en festival Aural, festival que fue uno de los encuentros más importantes dedicados a la música experimental y de vanguardia en Latinoamérica. Desde su formación en Brooklyn en 2005, Liturgy se ha convertido en una de las agrupaciones más influyentes de la música extrema del siglo XXI. Aunque sus raíces se encuentran en el black metal, la banda ha construido una identidad que desafía cualquier clasificación sencilla, incorporando elementos de música clásica contemporánea, noise, ambient, electrónica y composición experimental. Más que reinterpretar un género, Liturgy ha desarrollado un lenguaje propio. A través de conceptos filosóficos, exploraciones espirituales y una constante búsqueda de trascendencia sonora, Haela Hunt-Hendrix ha impulsado una obra que ha sido objeto tanto de admiración como de debate dentro de la comunidad musical internacional. Discos como Aesthethica (2011), The Ark Work (2015), H.A.Q.Q. (2019) y 93696 (2023) han consolidado a Liturgy como una de las propuestas más arriesgadas de las últimas décadas, combinando explosiones de violencia sonora con momentos de extraordinaria belleza melódica y complejidad compositiva. Su más reciente trabajo, 93696, fue recibido con entusiasmo por la crítica especializada. Pitchfork destacó la manera en que el álbum logra equilibrar brutalidad y delicadeza, describiéndolo como una obra donde la banda alcanza uno de los puntos más altos de su evolución artística. “Liturgy siempre ha aportado una ambición expansiva y progresiva a su música, pero pocas veces todas las piezas habían encajado con tanta elegancia. Escuchar a la banda dominando por completo su sonido da la impresión de que finalmente ha encontrado una especie de tierra prometida”, señaló el medio estadounidense. La presentación en CHICO tendrá además un carácter particularmente especial. En esta ocasión, Hunt-Hendrix llegará a la Ciudad de México en un formato centrado en guitarra y voz, ofreciendo una experiencia más íntima que permitirá apreciar de cerca la dimensión emocional y conceptual que atraviesa toda la obra de Liturgy. Para quienes han seguido la trayectoria del proyecto, será una oportunidad única para experimentar su universo creativo desde una perspectiva distinta. Para quienes apenas comienzan a descubrirlo, representa una puerta de entrada a una de las propuestas más fascinantes que han surgido de la intersección entre la música extrema, la experimentación sonora y el arte contemporáneo. Una noche donde la catarsis, la espiritualidad y el ruido convergerán en un mismo espacio. Liturgy en Ciudad de México 📅 Viernes 3 de julio de 2026 📍 CHICOColima 367, Roma NorteCiudad de México 🎟 Boletos: $220 MXN Las entradas ya se encuentran disponibles.

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Death By Stereo regresa a la Ciudad de México para desatar el caos en Fuck Off Room

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La legendaria agrupación originaria de Orange County, California, regresará a la Ciudad de México el próximo 26 de junio para presentarse en Fuck Off Room, uno de los espacios más activos de la escena alternativa capitalina, en una noche que promete convertirse en una descarga de hardcore punk, metal y actitud sin concesiones. Formados en 1998 bajo el liderazgo del vocalista Efrem Schulz, Death By Stereo se consolidó rápidamente como una de las bandas más explosivas surgidas de la fértil escena del sur de California. Su propuesta logró distinguirse gracias a una combinación agresiva de hardcore punk, punk rock, metal y melodic hardcore, construyendo una identidad que les permitió compartir escenarios con nombres fundamentales de la música pesada y desarrollar una sólida base de seguidores alrededor del mundo. A diferencia de muchas agrupaciones de su generación, Death By Stereo siempre apostó por una fórmula que mezcla velocidad, riffs contundentes, coros memorables y letras críticas que abordan problemáticas sociales, políticas y personales. El resultado es una discografía que ha evolucionado constantemente sin perder la intensidad que caracteriza a la banda. Desde álbumes como If Looks Could Kill, I’d Watch You Die, Into the Valley of Death y Death for Life, hasta su más reciente producción We’re All Dying Just in Time (2020), el grupo ha mantenido intacta su reputación como uno de los actos más enérgicos del hardcore contemporáneo. Sin embargo, si hay un aspecto por el que Death By Stereo sigue siendo una referencia obligada dentro del género, es por sus presentaciones en vivo. Durante más de dos décadas han construido una reputación basada en conciertos frenéticos, interacción constante con el público y una intensidad que rara vez disminuye de principio a fin. Diversos seguidores y medios especializados coinciden en señalar que la experiencia de ver a Death By Stereo en directo es una de las grandes fortalezas de la agrupación. Por ello, su llegada a Fuck Off Room resulta especialmente atractiva. Con una capacidad reducida y un formato íntimo, el recinto permitirá experimentar la potencia de la banda a muy corta distancia, algo cada vez menos común para agrupaciones con una trayectoria internacional tan consolidada. Para los seguidores del hardcore punk, el punk rock melódico y las expresiones más agresivas de la música alternativa, la cita del próximo 26 de junio representa una oportunidad ideal para reencontrarse con una de las bandas más emblemáticas de Orange County y comprobar por qué Death By Stereo continúa siendo sinónimo de energía, velocidad y resistencia dentro de la cultura punk. Si quieres asistir a verlos envía correo a: [email protected] (las primeras 4 personas en hacerlo, ganarán un pase doble). Death By Stereo📅 26 de junio de 2026📍 Fuck Off Room, Ciudad de México🎟 Boletos disponibles a través de Superboletos. En este link_ https://www.superboletos.com/landing-evento/UZQB45WanudsPy_A2dljdA

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Los Cubanos Postizos: cuando Marc Ribot reinventó el legado de Arsenio Rodríguez

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El 16 de junio de 1998 llegó a las tiendas The Prosthetic Cubans, conocido en español como Los Cubanos Postizos, un disco singular dentro del catálogo de Atlantic Records y una de las obras más fascinantes del guitarrista estadounidense Marc Ribot. Más que un ejercicio de nostalgia, el álbum fue una reinterpretación libre, vibrante y contemporánea de la música de Arsenio Rodríguez, figura fundamental en la evolución del son cubano. A finales de los años noventa, Ribot ya era reconocido por su trabajo junto a artistas como Tom Waits, así como por su capacidad para moverse entre el jazz, el rock experimental y la música de vanguardia. Sin embargo, pocos esperaban que dedicara un proyecto completo a reinterpretar el repertorio de Arsenio Rodríguez, uno de los arquitectos del son moderno y precursor de muchas de las estructuras que posteriormente darían forma a la salsa. Lejos de intentar reproducir fielmente las grabaciones originales, Ribot reunió a un grupo de músicos neoyorquinos para reconstruir aquellas composiciones desde una perspectiva contemporánea. El resultado fue un sonido crudo y eléctrico donde convivían el espíritu de la música afrocubana, la improvisación jazzística y una sensibilidad claramente vinculada al downtown neoyorquino. Canciones como “Aurora en Pekín”, “La Vida Es Un Sueño” y “María Cervantes” muestran el respeto de Ribot por el repertorio original, pero también su interés por expandir sus posibilidades sonoras. La guitarra ocupa un papel central, sustituyendo en muchos momentos la función tradicional del tres cubano y aportando una textura distinta que acerca la música tanto al jazz moderno como al rock experimental. Uno de los mayores logros de Los Cubanos Postizos fue acercar la obra de Arsenio Rodríguez a nuevas generaciones de oyentes fuera de Cuba. Mientras el fenómeno del Buena Vista Social Club captaba la atención internacional con una mirada más tradicional hacia la música cubana, Ribot proponía una lectura distinta: irreverente, urbana y profundamente personal. Con el paso de los años, el álbum se ha convertido en una referencia obligada para quienes exploran los puntos de encuentro entre la música latina y la experimentación contemporánea. Su influencia puede rastrearse en numerosos proyectos que han buscado reinterpretar tradiciones musicales desde perspectivas modernas sin perder de vista sus raíces. A casi tres décadas de su publicación, Los Cubanos Postizos sigue sonando fresco y desafiante. Es la prueba de que el legado de Arsenio Rodríguez no pertenece únicamente al pasado, sino que continúa ofreciendo posibilidades creativas para músicos dispuestos a dialogar con la tradición desde nuevos territorios sonoros.

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Genghis Tron: los arquitectos olvidados de una mutación extrema

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Durante buena parte de los años 2000, cuando el metal extremo buscaba nuevas formas de expandirse más allá de sus propios límites, pocas bandas resultaron tan extrañas, visionarias y difíciles de clasificar como Genghis Tron. Originarios de Nueva York, el trío formado por Mookie Singerman, Hamilton Jordan y Michael Sochynsky apareció en una época dominada por el auge del metalcore, el mathcore y el grindcore. Sin embargo, mientras muchos de sus contemporáneos apostaban por la agresión pura, Genghis Tron comenzó a construir algo distinto: una fusión entre la brutalidad del metal extremo, la precisión matemática del hardcore técnico y una sensibilidad electrónica más cercana al IDM y la música experimental. Su debut de larga duración, Dead Mountain Mouth (2006), se convirtió rápidamente en una pieza de culto. El disco desafiaba cualquier categorización sencilla: blast beats convivían con secuencias digitales, sintetizadores atmosféricos y estructuras que parecían más interesadas en la exploración sonora que en las convenciones del metal tradicional. Años después, Board Up the House (2008) amplió aún más esa visión. Publicado a través de Relapse Records, el álbum mostró una banda que entendía la tecnología no como un accesorio, sino como una extensión natural de su lenguaje creativo. En retrospectiva, resulta fácil identificar cómo muchos de los elementos que hoy aparecen en propuestas de metal experimental, post-metal o electrónica pesada ya estaban presentes en aquellas composiciones. Lo más notable es que Genghis Tron logró esta síntesis antes de que la convergencia entre música extrema y producción electrónica se volviera una tendencia ampliamente aceptada. Su trabajo anticipó movimientos posteriores dentro del metal progresivo, el djent más experimental y las corrientes híbridas que actualmente dominan buena parte de la música pesada contemporánea. Tras más de una década de silencio discográfico, la banda regresó en 2021 con Dream Weapon, una obra inesperadamente distinta. En lugar de retomar la agresividad caótica que los hizo célebres, el grupo optó por una aproximación más contemplativa, influenciada por el krautrock, el ambient y el post-rock. El resultado fue un álbum que confirmó algo que siempre había estado presente en su ADN: Genghis Tron nunca fue una banda interesada en repetir fórmulas. Quizá por eso siguen siendo una referencia tan fascinante. Mientras muchas agrupaciones de su generación quedaron atrapadas en una escena específica, Genghis Tron continúa siendo difícil de definir. Y precisamente ahí reside su legado: en haber imaginado un futuro para la música pesada mucho antes de que ese futuro existiera. A casi dos décadas de sus primeros lanzamientos, su catálogo sigue sonando como una anomalía. Una banda adelantada a su tiempo, capaz de conectar el metal extremo con la experimentación electrónica cuando ambos mundos parecían irreconciliables.

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Emma Ruth Rundle regresa con These Killing Times, un álbum nacido del caos contemporáneo

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Después de varios años explorando territorios más íntimos y despojados, Emma Ruth Rundle ha anunciado el lanzamiento de These Killing Times, su sexto álbum de estudio, programado para el próximo 18 de septiembre a través de su propio sello, Errant Child. La noticia llega acompañada de “Powerless”, un primer sencillo que marca el regreso de la artista estadounidense a una instrumentación de banda completa tras la desnudez emocional de Engine of Hell (2021). El tema presenta una versión más directa y combativa de Rundle, sin abandonar la vulnerabilidad que ha definido gran parte de su obra. Conocida por transitar entre el folk oscuro, el post-rock, el doom y la experimentación sonora, Emma Ruth Rundle ha construido una de las trayectorias más singulares de la música alternativa contemporánea. Sin embargo, These Killing Times parece estar impulsado por una urgencia distinta: la necesidad de responder artísticamente a un mundo marcado por la incertidumbre política, la crisis climática y el deterioro social. Según la propia compositora, gran parte del material del disco surge como reacción a las injusticias y tensiones que atraviesan la actualidad. Lejos de entregarse al derrotismo, la intención del álbum parece orientarse hacia la resistencia y la construcción de comunidad, una idea que también se refleja en la amplia lista de colaboradores que participan en el proyecto. Para este nuevo capítulo, Rundle reunió a músicos como Jess Gowrie (Chelsea Wolfe, Mrs. Piss), Gina Gleason (Baroness), Patrick Shiroishi, Nick Reinhart (Tera Melos), Marissa Nadler y otros colaboradores cercanos. La producción estuvo a cargo de Sonny DiPerri, reconocido por su trabajo con artistas como My Bloody Valentine y Trent Reznor. El álbum estará compuesto por ocho canciones: A nivel sonoro, los primeros adelantos apuntan a un regreso parcial a las atmósferas expansivas y eléctricas que caracterizaron discos como Marked for Death o On Dark Horses, aunque con una perspectiva más madura y una carga política mucho más explícita. Durante los últimos años, Emma Ruth Rundle se ha consolidado como una de las figuras más respetadas dentro de la música alternativa contemporánea, gracias tanto a su obra solista como a colaboraciones celebradas junto a Thou. La expectativa alrededor de These Killing Times confirma que su voz continúa siendo una de las más relevantes para interpretar las contradicciones, ansiedades y pequeñas esperanzas de nuestra época.

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Los discos que construyeron el mito de 4AD: un recorrido por los lanzamientos esenciales del sello británico

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Hablar de 4AD es hablar de uno de los sellos discográficos más influyentes en la historia de la música alternativa. Fundado en Londres en 1979 por Ivo Watts-Russell y Peter Kent, el sello británico se convirtió en mucho más que una casa discográfica: fue una identidad artística completa. Desde sus icónicas portadas diseñadas por Vaughan Oliver hasta su capacidad para detectar talento antes que nadie, 4AD ayudó a definir el sonido del post-punk, el dream pop, el indie rock y buena parte de la música alternativa contemporánea. A lo largo de más de cuatro décadas, el catálogo de 4AD ha reunido algunos de los discos más importantes de la música independiente. Estos son algunos de sus lanzamientos más sobresalientes. Cocteau Twins – Heaven or Las Vegas (1990) Si existe un álbum que sintetiza la esencia de 4AD, probablemente sea Heaven or Las Vegas. La combinación de las guitarras etéreas de Robin Guthrie y la voz inconfundible de Elizabeth Fraser dio forma definitiva al dream pop y abrió el camino para generaciones enteras de artistas de shoegaze y música atmosférica. Más de tres décadas después, sigue siendo una referencia obligada para entender la influencia del sello. Pixies – Doolittle (1989) Pocos discos pueden presumir haber cambiado el curso del rock alternativo de la manera en que lo hizo Doolittle. Con canciones como “Debaser”, “Monkey Gone to Heaven” y “Here Comes Your Man”, los Pixies llevaron la fórmula de calma y explosión a un nuevo nivel. Su impacto sería tan grande que artistas como Nirvana, Radiohead o Weezer han reconocido su influencia. El álbum consolidó a 4AD como una plataforma capaz de exportar el underground estadounidense al mundo entero. Dead Can Dance – Within the Realm of a Dying Sun (1987) Mientras otros sellos apostaban por el rock convencional, 4AD impulsó propuestas que parecían imposibles de clasificar. Dead Can Dance mezcló música medieval, neoclásica, folk, ambient y tradiciones sonoras de distintas regiones del mundo para crear una obra monumental. Este álbum representa uno de los momentos más ambiciosos y visionarios del catálogo del sello. This Mortal Coil – It’ll End in Tears (1984) Más que una banda, This Mortal Coil fue un laboratorio creativo encabezado por Ivo Watts-Russell. Su versión de “Song to the Siren” se convirtió en una de las grabaciones más emblemáticas de la historia de 4AD y ayudó a consolidar la estética melancólica y onírica que caracterizó al sello durante los años ochenta. The Breeders – Last Splash (1993) Kim Deal aprovechó una pausa de Pixies para crear una de las obras fundamentales del rock alternativo de los noventa. Last Splash combinó energía punk, melodías pop y una actitud irreverente que lo convirtió en un clásico instantáneo. El éxito de “Cannonball” llevó a The Breeders mucho más allá del circuito independiente y confirmó la capacidad de 4AD para adaptarse a una nueva década. TV on the Radio – Dear Science (2008) La llegada del nuevo milenio encontró a 4AD reinventándose nuevamente. Dear Science fue una muestra de cómo el sello seguía apostando por propuestas innovadoras. El álbum fusionó rock, soul, electrónica y art rock en una colección de canciones que fue celebrada por la crítica y considerada una de las mejores obras de 2008. Bon Iver – For Emma, Forever Ago (2007) Pocas historias son tan legendarias como la de Justin Vernon escribiendo canciones en una cabaña aislada de Wisconsin. Lo que comenzó como un proyecto íntimo terminó convirtiéndose en uno de los discos más influyentes del folk contemporáneo. La edición europea a través de 4AD ayudó a transformar a Bon Iver en un fenómeno global y marcó una nueva etapa para el sello. The National – Trouble Will Find Me (2013) Durante la década de 2010, The National se convirtió en uno de los estandartes modernos de 4AD. Trouble Will Find Me consolidó a la banda como una de las voces más importantes del indie rock contemporáneo gracias a canciones que equilibran melancolía, elegancia y una enorme profundidad emocional. Big Thief – Dragon New Warm Mountain I Believe in You (2022) La historia reciente de 4AD no puede entenderse sin Big Thief. Su monumental álbum doble de 2022 confirmó a la banda como una de las propuestas más relevantes del folk y el indie rock actual. El disco recibió reconocimiento masivo de la crítica y demostró que el sello sigue siendo un espacio para artistas capaces de expandir los límites de la música alternativa. Throwing Muses – Throwing Muses (1986) El debut de Throwing Muses fue el primer lanzamiento estadounidense importante del sello y ayudó a expandir el alcance de 4AD fuera del Reino Unido. La intensidad emocional de Kristin Hersh y sus estructuras poco convencionales terminaron influyendo en buena parte del indie rock de los años noventa. Lush – Spooky (1992) Lush representó una de las caras más accesibles del sonido 4AD durante la explosión del shoegaze. Producido por Robin Guthrie, el álbum consolidó la estética etérea y melódica que caracterizó al sello durante aquellos años. Pale Saints – In Ribbons (1992) Considerado por muchos seguidores como una joya oculta de 4AD, In Ribbons mezcló dream pop, shoegaze y noise pop en un momento en el que el sello dominaba la conversación alternativa británica. Belly – Star (1993) Tras su salida de Throwing Muses, Tanya Donelly lanzó uno de los discos más exitosos comercialmente en la historia de 4AD. Star obtuvo certificación de oro en Estados Unidos y llevó canciones como “Feed the Tree” a la rotación constante de MTV. Red House Painters – Down Colorful Hill (1992) Antes de que el término slowcore se popularizara, Red House Painters ya estaba definiendo el género. Este álbum es uno de los pilares del rock introspectivo de los noventa y una muestra de la capacidad de 4AD para detectar propuestas profundamente personales. Scott Walker – Tilt (1995) Uno de los discos más arriesgados jamás editados por el sello. En Tilt, Scott Walker abandonó cualquier pretensión comercial para construir una obra experimental que influiría posteriormente en artistas como David

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Boards of Canada regresó del silencio: Inferno ya está aquí

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Tuvieron que pasar 13 años para volver a escuchar un nuevo álbum de Boards of Canada. Trece años de silencio, teorías, mensajes ocultos, transmisiones extrañas y una obsesión colectiva que nunca desapareció realmente. Ahora, finalmente, Inferno ya está disponible y el regreso del dúo escocés se siente como uno de los acontecimientos musicales más importantes de la década para la electrónica experimental. Michael Sandison y Marcus Eoin nunca funcionaron como una banda convencional. Mientras otros artistas alimentan constantemente las redes sociales y la sobreexposición digital, Boards of Canada construyó su leyenda desde la ausencia. Cada aparición pública, cada teaser y cada fragmento de audio terminaba convirtiéndose en un evento arqueológico para sus seguidores. Con ellos, internet dejó de sentirse como promoción y comenzó a parecer una investigación conspirativa. La campaña de Inferno fue exactamente eso: VHS enviados misteriosamente a fans, carteles crípticos apareciendo en distintas ciudades del mundo, códigos, símbolos hexagonales y una nueva pieza titulada “Tape 05”, el primer material original del proyecto en más de una década. Todo ocurrió lentamente, como si Boards of Canada quisiera recordarnos que todavía existen artistas capaces de generar expectativa sin depender de la inmediatez. El nuevo álbum aparece después de Tomorrow’s Harvest (2013), un disco que transformó la ansiedad del fin del mundo en música ambiental y que terminó convirtiéndose en uno de los trabajos más importantes de la electrónica contemporánea. Inferno retoma parte de esa oscuridad, pero la lleva todavía más lejos: aquí hay referencias religiosas, señales cósmicas, voces deformadas, paranoia tecnológica y paisajes sonoros que parecen surgir de una civilización olvidada. Desde los primeros minutos, el disco vuelve a demostrar algo que pocas bandas consiguen: nadie suena realmente como Boards of Canada. Sus sintetizadores siguen sintiéndose viejos y futuristas al mismo tiempo. La percusión parece grabada desde una cinta dañada encontrada décadas después. Todo transmite una nostalgia difícil de explicar, una sensación extraña de recordar algo que probablemente nunca vivimos. Canciones como “Prophecy At 1420 MHz”, “Father and Son”, “Deep Time” y “Acts of Magic” expanden la estética melancólica y espectral que el dúo perfeccionó desde Music Has the Right to Children y Geogaddi. Pero también hay algo distinto aquí: Inferno se siente más grande, más cinematográfico y más obsesionado con ideas relacionadas al tiempo, la espiritualidad y la desaparición de la realidad física. Como siempre sucede con Boards of Canada, el álbum ya provocó reacciones intensas entre fans y medios. Algunos lo consideran una obra maestra inmediata; otros creen que el disco sacrifica parte de la calidez emocional de sus trabajos clásicos. Pero incluso las críticas más divididas coinciden en algo: el dúo sigue siendo completamente irrepetible. Parte de la magia de Boards of Canada radica justamente ahí. Nunca fueron una banda diseñada para el consumo rápido. Sus discos funcionan como lugares: espacios densos, inquietantes y profundamente emocionales a los que uno vuelve durante años. Inferno parece construido bajo esa misma lógica. No busca impactar instantáneamente; busca quedarse flotando en la cabeza como un recuerdo incompleto. El lanzamiento también confirmó algo que parecía imposible en plena era del algoritmo: todavía existen proyectos capaces de detener internet entero únicamente con misterio, imaginación y música. Durante semanas, comunidades enteras en Reddit, foros especializados y redes sociales analizaron cada pista relacionada con el regreso del dúo, convirtiendo el estreno en una experiencia colectiva casi ritual. Con Inferno, Boards of Canada no solo regresa después de trece años. Regresa para recordarnos que la electrónica también puede sentirse fantasmal, humana y profundamente emocional. Y quizá eso sea lo más impresionante: después de todo este tiempo, siguen sonando como una transmisión proveniente de otro lugar y otro tiempo.

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SIRAT: la película que convirtió el rave en una experiencia existencial

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Una obra que utiliza el rave como un portal emocional, espiritual y profundamente humano. La nueva cinta del director español Oliver Laxe se ha convertido en una de las películas más comentadas del circuito internacional gracias a su mezcla de trance, desierto y tensión existencial, llevando la cultura rave a un territorio pocas veces explorado por el cine contemporáneo. Ambientada entre paisajes áridos y escenarios que parecen suspendidos fuera del tiempo, SIRAT sigue el viaje de un padre y su hijo mientras buscan a una joven desaparecida en medio de una comunidad nómada de fiestas electrónicas clandestinas. Lo que inicia como una búsqueda concreta termina transformándose en una travesía física y espiritual marcada por el aislamiento, la música y la desorientación emocional. La película toma elementos del cine contemplativo y del thriller psicológico para construir una experiencia sensorial donde el sonido tiene un papel central. Más que acompañar las imágenes, la música electrónica funciona como lenguaje narrativo: los beats repetitivos, los drones y las secuencias hipnóticas ayudan a transmitir la sensación de pérdida, trance y desconexión que atraviesa toda la historia. Oliver Laxe, conocido por películas como Mimosas y O Que Arde, vuelve a demostrar su fascinación por personajes que viven al margen del sistema y por escenarios naturales que terminan convirtiéndose en protagonistas. En SIRAT, el rave no aparece como una postal cool ni como simple cultura nocturna; aparece como refugio, ritual y comunidad temporal en un mundo cada vez más roto. Uno de los aspectos más interesantes de la película es cómo retrata la escena rave desde un enfoque casi antropológico. Lejos de romantizarla completamente, muestra tanto su libertad como su fragilidad: cuerpos exhaustos, paisajes hostiles, vínculos efímeros y una constante sensación de incertidumbre. La fiesta aquí no es hedonismo vacío, sino un intento desesperado por encontrar conexión. Visualmente, SIRAT apuesta por una fotografía áspera y minimalista que contrasta perfectamente con la intensidad emocional de su soundtrack. Los silencios pesan tanto como los momentos musicales, creando una atmósfera inmersiva que recuerda por momentos al cine de Gaspar Noé, pero con una sensibilidad mucho más contemplativa y humana. Desde su paso por festivales internacionales, la cinta ha generado conversación no solo entre cinéfilos, sino también dentro de comunidades vinculadas a la música electrónica y la cultura alternativa. En tiempos donde el rave ha vuelto a ocupar un lugar importante dentro de la conversación cultural global, SIRAT llega como una obra que entiende el fenómeno desde adentro: no como tendencia estética, sino como experiencia emocional colectiva. Más allá de etiquetas, SIRAT es una película sobre personas perdidas intentando encontrar algo —o encontrarse a sí mismas— en medio del ruido, la oscuridad y el desierto. Y quizás por eso conecta tanto: porque entiende que a veces la música, la noche y el movimiento son las únicas formas posibles de seguir adelante.

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