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Locura, quinto álbum de estudio de Virus, fue publicado en 1985, en plena reconstrucción cultural de la Argentina posterior a la dictadura, Locura encontró en el pop, los sintetizadores y la pista de baile una manera distinta de hablar de libertad. Virus ya había construido una identidad propia, pero aquí Federico Moura y compañía llevaron esa búsqueda hacia un territorio mucho más sensual, provocador y abiertamente hedonista. El disco terminó vendiendo más de 200 mil copias y se convirtió en el gran punto de consagración popular de la banda. Desde “Pronta entrega”, con ese piano que abre el álbum antes de que aparezca la voz de Moura, Virus plantea una música elegante pero inquieta. Hay algo nocturno en sus teclados, en las guitarras y en esas baterías que parecen diseñadas para moverse antes que para golpear. Locura no necesita endurecerse para ser rock: su fuerza está precisamente en la sofisticación. Y después aparece “Tomo lo que encuentro”, seguida por “Pecados para dos” y “Destino circular”, canciones donde el deseo deja de ser un asunto escondido para convertirse en materia pop. El sexo, el placer, la culpa, la ansiedad y la intimidad atraviesan buena parte del álbum, pero Virus evita convertirlos en declaraciones obvias. Hay insinuación, humor, erotismo y ambigüedad. Entonces llega “Una luna de miel en la mano”, probablemente el momento más emblemático del disco. Una canción sobre la masturbación convertida en una pieza de pop luminoso, juguetón y profundamente sensual. Su título toma como referencia Ulises de James Joyce, y su lenguaje demuestra una de las grandes virtudes de Virus: decir lo prohibido sin necesidad de gritarlo. Pero quizá el gesto más radical aparece en “Sin disfraz”. En una época en la que la homosexualidad todavía era motivo de estigma y silencio, Federico Moura convirtió la ambigüedad en una forma de libertad. La canción no necesita convertirse en manifiesto: simplemente propone existir sin esconderse. Esa sutileza terminó siendo mucho más poderosa que cualquier consigna. Musicalmente, Locura se encuentra justo en el punto donde el rock argentino comienza a mirar definitivamente hacia el synth-pop, la new wave y la música electrónica. Los teclados tienen tanto peso como las guitarras; el ritmo se vuelve parte central de la composición y la producción adquiere una pulcritud que contrasta con la actitud provocadora de las letras. El resultado es un álbum que puede escucharse como rock, como pop o, sencillamente, como música para bailar. Quizá por eso Locura sigue funcionando. Porque debajo de sus sonidos ochenteros hay algo que no envejeció: el deseo de vivir el cuerpo, el placer y la identidad con libertad. Virus entendió algo que todavía resulta vigente: que la provocación no siempre necesita escándalo. A veces basta con una melodía perfecta, un sintetizador, una pista de baile y alguien dispuesto a cantar aquello que los demás todavía no se atreven a decir. Escuchar Locura hoy no es solamente volver a 1985. Es recordar que hubo un momento en que bailar también podía ser una forma de emancipación. Locura fue grabado en Buenos Aires y mezclado en Nueva York; incluye ocho canciones y contó con Cachorro López como músico invitado.

El proyecto de música alternativa originado en la CDMX presenta su primer trabajo de larga duración: siete canciones donde el rock, la cumbia y la psicodelia conviven al servicio de la emoción. Kurt Ceron, el proyecto musical que entiende cada canción como un universo narrativo, lanza hoy su primer EP: El Jardín de los Delirios. Disponible en todas las plataformas digitales, el trabajo reúne siete temas que exploran las contradicciones humanas desde una perspectiva que privilegia la emoción por encima de las etiquetas de género. Iniciado en 2022 en la Ciudad de México, el proyecto encontró su identidad a partir de una búsqueda constante por crear música que conecte desde lo humano antes que desde lo estilístico. Lejos de responder a un género específico, Kurt Ceron construye cada pieza a partir de la historia que necesita contar. Así, en este EP conviven el rock alternativo, la psicodelia, el funk, la cumbia sonidera, influencias de la música latinoamericana y, de manera orgánica, matices del jazz, el rock progresivo e incluso el metal. “El Jardín de los Delirios” está compuesto por seis canciones que conforman el cuerpo central de la obra, más un bonus track que funciona como una puerta de regreso al universo del proyecto. A lo largo del recorrido, aparecen temas como el miedo, la amistad, la incertidumbre, la memoria, el amor, la euforia y la fragilidad humana. El título no es casual: el “delirio” no alude a la pérdida de la razón, sino a la intensidad con la que, a veces, vivimos nuestras emociones. Las letras están construidas con imágenes y símbolos que permiten distintas lecturas, pero sin convertirse en un acertijo. El objetivo, explica el proyecto, es que cualquier persona pueda encontrar algo propio en cada canción, ya sea desde la emoción inmediata o desde la curiosidad de quien decide adentrarse en capas más profundas. Además de sus lanzamientos como solista, Kurt Ceron ha compuesto música original para un documental, explorando su interés por la relación entre la imagen y el sonido. También ha participado en diversas bandas y proyectos como compositor, productor e instrumentista. Con El Jardín de los Delirios, Kurt Ceron da el primer paso en la construcción de un universo artístico donde la música, la narrativa y el simbolismo dialogan constantemente. Una propuesta que nace de una convicción sencilla: la música puede acompañarnos incluso cuando no tiene respuestas.

El guitarrista, cantante y compositor mexicano Fer Oscos ha presentado “Blusio”, su primer álbum de estudio, un trabajo de 14 temas que parte del blues como columna vertebral para explorar un universo sonoro que abarca el funk, el jazz, el folk y el rock alternativo. El material, disponible en todas las plataformas digitales, se presenta como un viaje emocional que transita desde la euforia hasta la introspección más profunda. “Blusio” no es un disco de género, sino un compendio de influencias donde el blues sirve como punto de partida para una mutación sonora. Bajo una estética vintage y onírica, Fer Oscos combina texturas atmosféricas, guitarras líquidas y ritmos que van del funk al soul, siempre priorizando la musicalidad orgánica y la ejecución instrumental. El álbum explora el amor como una forma de conciencia universal, transformando las experiencias cotidianas en oro sonoro. El tracklist guía al oyente a través de un arco emocional meticulosamente construido. El disco abre con la energía de “Sueño Azul Zz”, “Viaja Conmigo” y “Me Rindo”, para luego dar un giro con “Mujer de Negro”, un tema bossa con toques de blues al estilo Santana. “Right” introduce el soul con un dueto vocal, mientras que “Luna Roja” añade una capa experimental con influencias de Gorillaz y Radiohead. La mitad del álbum marca un punto de inflexión introspectivo con “Oro y Plata” , un viaje melódico con guitarra clásica y beat atípico que se convierte en el centro emocional del disco. A partir de ahí, la introspección se profundiza con temas como “Cerca”, que introduce el jazz con trompeta y guitarra; “Vidas Pasadas”, una balada con piano acústico; y “Más”, la balada blues romántica por excelencia. El disco cierra con un tramo de reflexión profunda. “Flores” y “Mano de Plata”, el único tema instrumental, sirven como interludios antes del final. “Palabras Olvidadas” mezcla influencias de los Beatles y Café Tacvba, mientras que “¿Qué Es Lo Que Ves?” culmina el viaje con una balada acústica estilo country-blues, devolviendo al blues a su forma más esencial: voz, guitarra y conexión humana. Fer Oscos combina lo clásico con lo moderno en un sonido que explora el blues, el R&B, el folk y el rock clásico, infusionados con la frescura del indie y la música alternativa. Con “Blusio”, el artista busca ser un espejo de reflexión ante la vida, ofreciendo un viaje sonoro que invita a reconocer la conexión universal a través de la música.

La banda regiomontana Azulla estrenó el pasado 29 de junio su segundo lanzamiento del año. Se trata de un triple sencillo conformado por los temas “Destinos”, “Angel Nova” y “Mi Nombre es Phil”, canciones que ya están disponibles en todas las plataformas digitales y que confirman el crecimiento de la agrupación dentro de la escena independiente del norte de México. Azulla nació a finales de 2024, cuando Diego convenció a su hermano Jaime de armar una banda. Con los ahorros de ambos compraron equipo usado y convirtieron la recámara de la casa en un estudio de grabación. Desde entonces, el proyecto ha ido tomando forma con una propuesta que combina la energía del rock clásico con letras que invitan a la reflexión y a la aventura. Influenciados por Scorpions, AC/DC, Alejandro Sanz y Coldplay, los hermanos han construido un sonido propio que no busca encajar en etiquetas, sino contar historias. Eso es precisamente lo que logran con su nuevo lanzamiento. “Destinos” abre el trío con una invitación a la paciencia y a disfrutar el camino. La canción se mueve sobre bases rockeras firmes y su estribillo se convierte en un mantra optimista que recuerda que la música es compañía en el viaje.  “Angel Nova” es la pieza más atmosférica del conjunto. La canción habla de los aromas como vehículos de recuerdos, de esos instantes que no queremos que terminen. Con guitarras etéreas y una voz en registro íntimo, el tema logra transmitir una sensación táctil que envuelve al oyente. “Mi Nombre es Phil” cierra el lanzamiento con un giro inesperado. Es el tema más rockero del trío, con un riff pegadizo y una letra que celebra la aventura y la libertad de perderse a uno mismo. “No todos los piratas buscan un tesoro perdido, algunos sólo desean la aventura”, plantea la canción, que se convierte en un respiro lúdico dentro del repertorio de la banda. El triple sencillo funciona como un tríptico narrativo: la reflexión, la emoción y la liberación. Tres canciones que dialogan entre sí y que muestran la versatilidad de una banda que ha encontrado su voz sin necesidad de apresurar el proceso. El 2025 fue el año del debut para Azulla. La banda grabó sus primeros temas y se presentó en Café Asamblea y Café Iguana. El 2026 es el año de la consolidación. Con los lanzamientos de mayo y este triple sencillo de junio, la banda demuestra que el crecimiento es cuestión de pisar firme.

“Escuchar profundamente ahora no es un lujo, es una necesidad. El mundo está saturado de estímulos, y el acto de simplemente detenerse y atender con precisión se ha convertido en algo raro y casi radical”, nos comenta el productor Rafael Anton Irisarri en esta interesante entrevista que tuvimos con él. Portrait by Iulia Alexandra Magheru. Barcelona, 2026. 📷Foto de portada tomada por: @pervitineBarcelona, 2026 6.Black Knoll se ha convertido en un espacio de referencia para artistas muy distintos entre sí. ¿Qué buscas cuando decides involucrarte en un proyecto ajeno?Bueno, primero que nada que me guste a mi y pueda relacionarme con el material. Es lo mas importante. Para mi seria muy jodido hacer un buen trabajo con una musica que no me llame la atencion, que no me mole, vamos, tendria que comerme menudo marron! Es imprecindible que me guste. Y bueno, lo otro que me gusta es cuando se relaciona a musica que tenga que ver algo con lo que yo hago o artistas que admiro mucho. Por ejemplo, cuando he trabajado en algunos discos de William Basinski o Terry Riley, o haber podido trabajar con Ryuichi Sakamoto o MONO, artistas que han influido mi propia manera de componer o ver la musica en general. Es muy especial cuando esto sucede. 7.Has sido crítico con la manera en que las plataformas de streaming han transformado la música en contenido de consumo rápido. ¿Cómo percibes actualmente el estado de la música ambient?Tengo sentimientos encontrados. Por un lado, nunca había habido tanta gente escuchando música ambient. Es evidente que el género ha crecido muchísimo en los últimos años y que ha encontrado una audiencia enorme a través de las plataformas de streaming. Pero también creo que ese crecimiento ha venido acompañado de ciertos problemas. He dicho alguna vez que la música ya no se comercializa principalmente como música, sino como contenido. Las plataformas están diseñadas para maximizar tiempo de uso, recopilación de datos y consumo continuo, y eso inevitablemente afecta a cómo se crea y se escucha la música. En el caso del ambient, muchas veces se ha reducido a una función: música para dormir, para estudiar, para concentrarse o para aliviar el estrés. No hay nada malo en esos usos, pero cuando eso se convierte en el marco dominante, corres el riesgo de que una forma artística muy rica y diversa acabe percibiéndose como mero fondo sonoro. Lo que algunos llaman “Spotify Ambient” es un buen ejemplo de ello. Hay muchísima música hecha específicamente para alimentar playlists algorítmicas, música que funciona como una especie de papel pintado sonoro. Y cuando escuchas a compositores con una voz propia, gente que realmente está intentando comunicar algo personal, la diferencia se percibe inmediatamente. Aun así, no soy pesimista. Creo que sigue existiendo una comunidad muy fuerte de artistas que entienden el ambient como un medio de expresión profunda y no simplemente como un producto funcional. Hay músicos haciendo trabajos extraordinarios, explorando nuevas formas, nuevas texturas y nuevas ideas. El reto es que el público pueda encontrarlos en medio de un ecosistema que premia la inmediatez y el consumo pasivo. Para mí, el ambient sigue siendo una música que exige atención, incluso cuando es sutil. Sus mejores obras no están pensadas para llenar el silencio, sino para transformar la manera en que escuchamos. Y mientras haya artistas comprometidos con esa idea, el género seguirá teniendo un futuro muy interesante. Photo credit: R.J. Irisarri, taken in Biarritz, 2020. 9. Qué descubriste durante la realización de ese disco que no sabías sobre ti mismo antes de comenzarlo?Creo que lo que descubrí fue hasta qué punto sigo confiando en la intuición. Cuando empecé a trabajar en el disco no tenía una tesis ni una narrativa completamente definida. Tenía una serie de sensaciones, algunos lugares, determinadas experiencias y una serie de materiales sonoros que me resultaban interesantes. El significado fue apareciendo poco a poco. Muchas veces la gente asume que hay un concepto claro desde el principio, pero a veces suele ocurrir al revés. Paso meses trabajando y, de repente, empiezo a reconocer los temas que han estado presentes todo el tiempo. Es como si la música supiera antes que yo de qué trata el proyecto. Durante la realización del disco me di cuenta de que cada vez confío más en ese proceso. En lugar de intentar imponer una idea preconcebida, prefiero escuchar lo que el material está sugiriendo. Las conexiones entre memoria, distancia, aislamiento o percepción no fueron el punto de partida; fueron cosas que fui descubriendo a medida que avanzaba. Eso también me recordó algo importante: que no siempre necesitas entender completamente una obra mientras la estás haciendo. A veces el trabajo consiste precisamente en seguir una intuición y aceptar que las respuestas llegarán más tarde, si es que llegan.

La designación de Dambó como Artista Oficial de la FIFA World Cup 2026™ no fue una casualidad, sino el resultado de cuatro años de operación continua construyendo una oferta artística de excelencia internacional basada en la vibración del tambor. Ayer, durante el encuentro mundialista entre Colombia y Uzbekistán celebrado en el Estadio Azteca, la compañía multidisciplinaria sumó un hito histórico a su portafolio al poner a bailar en vivo al astro de la música urbana Maluma. A diferencia de los formatos convencionales, Dambó destaca en el panorama cultural por el diseño de activaciones masivas, shows escénicos teatrales complejos y workshops corporativos de team-building. Su estructura operativa cuenta con un comité artístico especializado que supervisa áreas críticas como la coreografía, el diseño de vestuario personalizado, la logística de campo y la proyección escénica. Este nivel de rigor institucional es lo que ha llevado a más de 100 creadores de la agrupación a pisar escenarios de alta exigencia, respaldados por la confianza previa de firmas globales como HSBC, Banamex y marcas de retail de lujo. Durante el juego de la fase de grupos, Maluma fue testigo de esta sincronía visual y auditiva. El cantante paisa no dudó en bajar de su palco para integrarse directamente a la coreografía en movimiento y dejarse llevar por el ritmo latinoamericano que la compañía promueve con orgullo. El cruce entre el reggaetonero y los percusionistas mexicanos no solo validó la alta calidad del espectáculo, sino que ejemplificó el formato de flashmob de alto impacto que caracteriza a la academia. Con compromisos vigentes que abarcan 7 fechas estelares en la Verbena CDMX y múltiples apariciones en partidos clave dentro del Coloso de Santa Úrsula, el paso de Dambó por esta justa deportiva ya es histórico. Con este gran estándar de espectacularidad demostrado ante los ojos del mundo, la afición y los críticos culturales se preguntan de forma inevitable: ¿con qué más nos sorprenderá la batucada en sus próximas participaciones durante el mundial?

El caåntautor Fran Diego continúa revelando poco a poco el universo sonoro de Caminos de Cuerda, su próximo álbum de estudio, ahora con el estreno de “Ecos de Suspiros”, el cuarto sencillo de este nuevo material. A través de una balada pop cargada de sensibilidad y honestidad, el artista abre una ventana emocional hacia una etapa marcada por la memoria, la ausencia y el proceso de reconstrucción personal. “Ecos de Suspiros” presenta una atmósfera nostálgica que acompaña una narrativa íntima y reflexiva. La canción expone el difícil proceso de hacer frente a la pérdida de una persona, así como el peso emocional que permanece en los recuerdos y en aquello que alguna vez significó amor. Sin buscar volver atrás, el sencillo reconoce el dolor de aceptar un final y aprender a vivir con los ecos que deja. El tema también funciona como una representación de esos recuerdos que permanecen intactos pese al paso del tiempo. Fran Diego aborda la sensación de sentirse perdido, sin rumbo y sin claridad después de una ruptura, pero al mismo tiempo deja entrever la necesidad de volver a levantarse y encontrar una nueva versión de sí mismo. Todo esto acompañado por una producción que mezcla melodías suaves con una interpretación vocal profundamente emocional. Con este lanzamiento, el cantautor consolida una identidad artística cercana y auténtica, apostando por canciones que conectan desde la vulnerabilidad y la honestidad emocional. Además, “Ecos de Suspiros” confirma el camino que ha venido trazando rumbo a Caminos de Cuerda, un álbum que continúa generando expectativa con cada nuevo adelanto. “Ecos de Suspiros” ya se encuentra disponible en plataformas digitales, consolidando a Fran Diego como una de las propuestas emergentes que buscan conectar con el público a través de emociones reales, letras sinceras y una esencia musical cada vez más sólida.