Depósitio Sonoro

Estrenos

Napalm Death lleva cuatro décadas de furia al Tiny Desk de NPR con una presentación histórica

El mismo espacio donde se escriben y editan historias sobre música fue tomado por una de las bandas más influyentes y radicales del metal extremo: Napalm Death. El resultado fue uno de los Tiny Desk Concerts más insólitos, intensos y memorables. Mientras un pequeño circle pit se abría entre escritorios, cámaras y empleados vestidos de negro, la agrupación británica demostró que la potencia del grindcore no depende del volumen de un escenario gigantesco ni de una producción monumental. Bastaron unos cuantos metros cuadrados, una batería, amplificadores y la inconfundible voz de Mark “Barney” Greenway para convertir la oficina de NPR en un auténtico campo de batalla sonoro. Con más de cuarenta años de trayectoria, Napalm Death continúa siendo mucho más que una banda extrema. Desde mediados de los años ochenta, el grupo redefinió los límites del punk y el metal al convertirse en uno de los principales arquitectos del grindcore, un género que llevó la velocidad, la agresividad y la intensidad a territorios inexplorados. Sin embargo, detrás de su brutalidad sonora siempre ha existido un discurso profundamente político y humanista, utilizando el ruido como una herramienta para denunciar la opresión, la desigualdad y la deshumanización. Lejos de suavizar su propuesta para adaptarse al ambiente íntimo del Tiny Desk, Napalm Death hizo exactamente lo contrario: trasladó toda la energía de sus conciertos a uno de los escenarios más particulares del mundo. El resultado fue una presentación que demuestra que la violencia sonora de la banda nunca ha sido gratuita; cada explosión de riffs, cada blast beat y cada grito funcionan como vehículos de protesta y reflexión. El recorrido musical funcionó como un resumen de una carrera que sigue evolucionando. La banda abrió con “Instinct of Survival”, una de las piezas fundamentales de Scum (1987), álbum considerado piedra angular del grindcore. A partir de ahí, el repertorio transitó por distintas etapas de su discografía, mostrando cómo Napalm Death ha sabido expandir constantemente su lenguaje musical sin perder identidad. Temas como “Strong-Arm” y “Scum” conectaron directamente con sus raíces más abrasivas, mientras que “Everyday Pox” exhibió el lado más técnico y cercano al death metal disonante que la agrupación ha desarrollado en las últimas décadas. Por su parte, “Throes of Joy in the Jaws of Defeatism”, proveniente de Throes of Joy in the Jaws of Defeatism (2020), confirmó que el grupo sigue encontrando nuevas formas de combinar ferocidad con experimentación. Uno de los momentos más inesperados llegó con “Amoral”, una composición escrita por el bajista Shane Embury, quien no pudo participar en esta gira por Estados Unidos. La canción introduce una atmósfera cercana al post-punk y evidencia la amplitud estilística que Napalm Death ha incorporado con el paso del tiempo, alejándose de cualquier etiqueta simplista sobre el grindcore. La presentación concluyó con dos auténticos manifiestos de la música extrema: “Dead” y “Scum”, antes de cerrar con la legendaria “You Suffer”, considerada una de las canciones más cortas de la historia. Aunque su duración apenas supera un segundo, su interpretación dentro del Tiny Desk funcionó como un guiño a la propia historia de la banda y, al mismo tiempo, como un recordatorio de que incluso los gestos más breves pueden contener un poderoso mensaje sobre la desesperanza y la condición humana. Más allá de la curiosidad que representa ver a una banda de grindcore en un formato tradicionalmente asociado con el folk, el jazz o el indie, la aparición de Napalm Death confirma la apertura que el proyecto Tiny Desk Concert ha mostrado durante los últimos años hacia propuestas cada vez más diversas. El contraste entre la violencia controlada de la banda y la serenidad habitual de las oficinas de NPR genera una experiencia tan surrealista como fascinante. La alineación para esta sesión estuvo conformada por Mark “Barney” Greenway en la voz, John Cooke en la guitarra y coros, Matt Sheridan en el bajo y Danny Herrera en la batería, quienes demostraron por qué Napalm Death sigue siendo una referencia absoluta dentro del metal extremo contemporáneo. Con esta presentación, el grupo británico no solo celebra más de cuatro décadas de trayectoria; también reafirma que su música continúa siendo tan relevante, incómoda y necesaria como cuando ayudó a fundar el grindcore a finales de los años ochenta. Incluso en un espacio reducido y con el volumen contenido por las circunstancias, Napalm Death logró recordar que la verdadera intensidad nunca ha dependido de los decibeles, sino de la convicción con la que se transmite un mensaje. Setlist:

Napalm Death lleva cuatro décadas de furia al Tiny Desk de NPR con una presentación histórica Leer más »

Mastodon honra la memoria de Brent Hinds con el documental The Mastodon in the Room

Casi un año después de la muerte de Brent Hinds, Mastodon ha publicado el documental The Mastodon in the Room, un homenaje íntimo y doloroso dedicado a uno de los músicos más importantes en la historia de la banda. Hinds, cofundador, guitarrista y cantante del grupo, falleció en agosto de 2025 a los 51 años tras un accidente de motocicleta. Su muerte sacudió profundamente a la comunidad del metal y dejó una herida abierta en una agrupación que durante más de dos décadas construyó una de las discografías más influyentes del metal contemporáneo. El nuevo documental fue concebido como una herramienta de duelo tanto para los integrantes de Mastodon como para sus seguidores alrededor del mundo. Lejos de funcionar únicamente como una pieza conmemorativa, The Mastodon in the Room intenta mirar de frente la compleja relación que existía entre Hinds y el resto de la banda durante los últimos años de su vida. El filme reúne entrevistas inéditas, grabaciones de conciertos, material detrás de cámaras y momentos personales que muestran el impacto creativo y humano que Brent dejó en sus compañeros. También aborda los episodios más incómodos de esa historia: las tensiones internas, los problemas de adicción que marcaron una etapa difícil y la abrupta salida del músico de Mastodon apenas unos meses antes de su fallecimiento. Más que construir una narrativa idealizada, el documental parece apostar por la honestidad. Reconoce las fracturas, los silencios y las contradicciones que acompañaron a la banda, al mismo tiempo que celebra el legado de un guitarrista cuya forma de tocar ayudó a definir discos fundamentales como Leviathan, Blood Mountain y Crack the Skye. El resultado es un retrato profundamente humano: el de un músico brillante, impredecible y esencial para entender la identidad sonora de Mastodon. Un recordatorio de que detrás de los riffs monumentales y las giras interminables también existen vínculos frágiles, pérdidas difíciles de procesar y memorias que continúan resonando mucho después de que termina la música. The Mastodon in the Room ya se encuentra disponible de forma gratuita en YouTube.

Mastodon honra la memoria de Brent Hinds con el documental The Mastodon in the Room Leer más »

Oranssi Pazuzu lleva su ritual de psicodelia extrema a KEXP con una hipnótica sesión en vivo

Oranssi Pazuzu apareció en el estudio de KEXP. Conocida por abrir espacio tanto a figuras consolidadas como a algunos de los proyectos más innovadores de la música contemporánea, la emblemática estación de Seattle publicó este martes una nueva sesión en vivo protagonizada por la agrupación finlandesa, una de las propuestas más singulares surgidas del metal experimental en las últimas dos décadas. Filmada el pasado 7 de mayo y estrenada hace apenas unas horas, la presentación captura a la banda en uno de sus elementos más poderosos: el escenario. Lejos de limitarse a reproducir sus canciones, Oranssi Pazuzu construye una experiencia inmersiva donde el black metal psicodélico se mezcla con krautrock, noise, electrónica, space rock e improvisación, dando forma a un viaje sonoro tan inquietante como hipnótico. Desde su formación en Tampere, Finlandia, en 2007, el grupo ha desafiado constantemente las convenciones del metal extremo. Su música evita las estructuras tradicionales para privilegiar largos desarrollos atmosféricos, texturas envolventes y una tensión permanente entre el caos y la contemplación. Esa búsqueda los ha convertido en una referencia obligada para quienes entienden el metal como un territorio abierto a la experimentación. La sesión de KEXP permite apreciar con claridad la intensidad de esa propuesta. Las guitarras crean capas de sonido que parecen expandirse en todas direcciones, mientras los sintetizadores, la percusión y las voces transforman el estudio en un paisaje casi ritual. Más que una ejecución técnica impecable, la banda apuesta por construir una atmósfera que absorbe al espectador desde los primeros minutos. Las presentaciones de KEXP suelen convertirse en documentos esenciales para descubrir el verdadero alcance de una banda fuera del contexto de un disco de estudio. En el caso de Oranssi Pazuzu, la sesión confirma por qué sus conciertos son considerados experiencias inmersivas donde la improvisación, la psicodelia y la intensidad física ocupan un papel central. Para quienes aún no se han acercado a la agrupación, este registro representa una de las mejores puertas de entrada a un universo sonoro que escapa de cualquier etiqueta convencional. Y para quienes ya siguen su trayectoria, es una nueva muestra de que Oranssi Pazuzu continúa expandiendo los límites del metal experimental sin perder un ápice de su identidad. La sesión completa ya puede verse a través del canal oficial de KEXP y se perfila como uno de los lanzamientos audiovisuales más destacados de la semana para los seguidores de la música pesada y de vanguardia.

Oranssi Pazuzu lleva su ritual de psicodelia extrema a KEXP con una hipnótica sesión en vivo Leer más »

Pere George inicia el camino de Peregrino con el estreno de “|||. Soltar (18.899582, -99.175867)”

Pere George presenta “|||. Soltar (18.899582, -99.175867)”, el primer sencillo de “Peregrino”, un álbum continuo y bilingüe que explora temas como la migración, la pertenencia y la búsqueda de conexión. A través de una propuesta que combina soul house, indie pop y alt dance, el músico da el primer vistazo a un proyecto profundamente personal. Construida sobre una base rítmica envolvente y una atmósfera melancólica, la canción invita a transformar el desarraigo en movimiento. Entre la introspección y la energía de la pista de baile, el sencillo convierte el acto de soltar aquello que ya no pertenece a nuestras vidas en una experiencia de catarsis y renovación. El título de la canción hace referencia a las coordenadas geográficas de la primera casa a la que llegó Pere George en Jiutepec, Morelos, durante 1996. Ese lugar marcó el inicio de su primera migración, un momento que se convierte en el eje narrativo de una composición que conecta su historia personal con experiencias universales relacionadas con el desplazamiento y la construcción de identidad. En la grabación participa Dan Zlotnik, quien aporta vientos y saxofón para enriquecer la textura sonora del tema, mientras que el mastering estuvo a cargo de Ricardo Sangiao. El resultado es una producción que dialoga con influencias contemporáneas como Kaytranada, Blood Orange y El Guincho, sin perder la identidad artística de Pere George. Con este lanzamiento, Pere George abre el camino hacia “Peregrino”, un proyecto que busca integrar música, voz e identidad visual en una experiencia continua. “|||. Soltar (18.899582, -99.175867)” marca el inicio de un recorrido donde el movimiento, tanto físico como emocional, se convierte en una herramienta para explorar la memoria, la resistencia y el encuentro.

Pere George inicia el camino de Peregrino con el estreno de “|||. Soltar (18.899582, -99.175867)” Leer más »

Diles que no me maten presenta su video las noches que dormimos en sillas, pieza homenaje al cine de los años veinte

En una época en la que la inteligencia artificial comienza a transformar la manera en que se producen imágenes, videos e incluso obras musicales, la banda mexicana Diles que no me maten ha decidido mirar hacia el pasado para hacer una declaración profundamente contemporánea. El grupo presentó el video de “las noches que dormimos en sillas”, una pieza concebida como un homenaje al cine de los años veinte y, al mismo tiempo, como un acto de resistencia frente a la automatización de la imagen. Lejos de recurrir a efectos digitales o herramientas generativas, el videoclip fue filmado íntegramente en Super 16 mm a 18 cuadros por segundo, replicando la cadencia del cine silente. Todos los efectos visuales y trucos de magia que aparecen en pantalla fueron realizados de manera práctica, frente a la cámara y sin ningún tipo de intervención digital. El resultado es una obra que reivindica el error, la imperfección y el trabajo manual como elementos esenciales de la creación artística. Más que un videoclip, la banda lo define como un sueño materializado por humanos para humanos. La decisión estética no responde únicamente a una búsqueda visual. También funciona como una reflexión sobre el momento que atraviesa la producción audiovisual contemporánea, donde la inmediatez y la generación artificial de imágenes parecen desplazar lentamente los procesos artesanales. En ese sentido, el video propone una experiencia distinta: una pieza construida desde la paciencia, el oficio y la presencia física de quienes la realizaron. La canción forma parte de Escrito en agua, el cuarto álbum de estudio de Diles que no me maten, publicado el pasado 12 de junio a través del sello Moonlight Activities. A lo largo de sus diez composiciones, el disco continúa expandiendo el universo sonoro de la agrupación, transitando entre el art rock, el post-rock, el krautrock, el jazz y la experimentación atmosférica. Se trata de un trabajo introspectivo que explora la fugacidad de las cosas y la naturaleza cambiante de la memoria. El título del álbum toma inspiración de una inscripción presente en la tumba del poeta palestino Mahmoud Darwish, una imagen que sugiere que cualquier intento por fijar un recuerdo, una emoción o una obra artística está inevitablemente destinado a transformarse y desaparecer. Ese concepto atraviesa también “las noches que dormimos en sillas”. Tanto la canción como su video dialogan con la fragilidad de la experiencia humana, apostando por lo efímero frente a la ilusión de permanencia que promete la tecnología. Con una duración de poco más de 3 minutos, el videoclip se convierte en una pieza donde la fotografía analógica, los juegos de perspectiva, las ilusiones ópticas y la puesta en escena construyen un universo onírico que parece suspendido en el tiempo. En lugar de competir con las posibilidades infinitas de la inteligencia artificial, Diles que no me maten elige otra ruta: recordar que todavía existen imágenes que solo pueden nacer del encuentro entre personas, cámaras, película y luz. En un panorama donde la conversación sobre el futuro de la creación artística apenas comienza, “las noches que dormimos en sillas” funciona tanto como una extensión conceptual de Escrito en agua como una defensa del trabajo humano detrás de la imagen.

Diles que no me maten presenta su video las noches que dormimos en sillas, pieza homenaje al cine de los años veinte Leer más »

LILI estrena “Cuando el mundo se congela” y abre una nueva etapa sonora

La banda mexicana LILI presenta “Cuando el mundo se congela”, su nuevo sencillo disponible en plataformas digitales. Originarios de Cancún, los integrantes del grupo han construido una propuesta de rock alternativo pop marcada por la diversidad de influencias musicales de sus integrantes, dando forma a una identidad propia que continúa evolucionando con cada lanzamiento. “Cuando el mundo se congela” es una canción que habla sobre aquellos amores que perduran en el tiempo y que tienen la capacidad de detenerlo todo a su alrededor. Con una combinación de melodías emotivas y una instrumentación sólida, el tema muestra una faceta más madura de la banda, explorando sentimientos universales desde una perspectiva cercana y honesta. El sencillo fue producido por Erik Canales, vocalista y compositor de Allison, mientras que la mezcla y masterización estuvieron a cargo de Jason Livermore en The Blasting Room, reconocido por su trabajo con bandas como NOFX, The Ataris, Descendents y A Day to Remember. Además, el lanzamiento está acompañado por un video oficial grabado en la Ciudad de México bajo la dirección de Coco Duciel, quien capturó la esencia natural y la energía característica de la agrupación. Aunque LILI ya cuenta con una sólida trayectoria de lanzamientos en plataformas digitales, este nuevo sencillo marca el inicio de una etapa importante en su carrera. Con un sonido renovado y una propuesta cada vez más definida, la banda busca seguir consolidando su lugar dentro de la escena alternativa mexicana y conectar con nuevos oyentes a través de canciones que combinan emoción, identidad y una fuerte presencia en vivo.

LILI estrena “Cuando el mundo se congela” y abre una nueva etapa sonora Leer más »

LA GRIEGA presenta “EL AMOR”, nuevo adelanto de su próximo álbum

LA GRIEGA continúa revelando detalles de su próximo trabajo discográfico con el lanzamiento de “EL AMOR”, el cuarto sencillo que anticipa el álbum. En esta nueva canción, el artista madrileño explora uno de los sentimientos más universales desde una perspectiva personal y contemporánea. Musicalmente, “EL AMOR” combina influencias del hip hop de los años noventa con sonidos actuales del trap. Inspirado por figuras como 2Pac y artistas contemporáneos como Travis Scott, Drake o Duki, el tema ofrece una reflexión sobre la capacidad del amor para unir, transformar y fortalecer a las personas. LA GRIEGA ha construido una propuesta que mezcla rap, hip hop y elementos de otros géneros como el rock, el pop y el reggae. Antes de iniciar su carrera en solitario, formó parte de la banda Sexy Zebras como baterista, cantante y compositor, recorriendo escenarios de España, Estados Unidos y México. Este lanzamiento también refleja el carácter independiente de su proyecto actual. Tras un periodo alejado de la música, el artista decidió comenzar de nuevo y financiar su álbum de forma autónoma, apostando por una propuesta sincera y cercana. Con “EL AMOR”, LA GRIEGA continúa mostrando una nueva etapa artística marcada por la autenticidad y la búsqueda de conexión con su audiencia.

LA GRIEGA presenta “EL AMOR”, nuevo adelanto de su próximo álbum Leer más »

Emma Ruth Rundle regresa con These Killing Times, un álbum nacido del caos contemporáneo

Después de varios años explorando territorios más íntimos y despojados, Emma Ruth Rundle ha anunciado el lanzamiento de These Killing Times, su sexto álbum de estudio, programado para el próximo 18 de septiembre a través de su propio sello, Errant Child. La noticia llega acompañada de “Powerless”, un primer sencillo que marca el regreso de la artista estadounidense a una instrumentación de banda completa tras la desnudez emocional de Engine of Hell (2021). El tema presenta una versión más directa y combativa de Rundle, sin abandonar la vulnerabilidad que ha definido gran parte de su obra. Conocida por transitar entre el folk oscuro, el post-rock, el doom y la experimentación sonora, Emma Ruth Rundle ha construido una de las trayectorias más singulares de la música alternativa contemporánea. Sin embargo, These Killing Times parece estar impulsado por una urgencia distinta: la necesidad de responder artísticamente a un mundo marcado por la incertidumbre política, la crisis climática y el deterioro social. Según la propia compositora, gran parte del material del disco surge como reacción a las injusticias y tensiones que atraviesan la actualidad. Lejos de entregarse al derrotismo, la intención del álbum parece orientarse hacia la resistencia y la construcción de comunidad, una idea que también se refleja en la amplia lista de colaboradores que participan en el proyecto. Para este nuevo capítulo, Rundle reunió a músicos como Jess Gowrie (Chelsea Wolfe, Mrs. Piss), Gina Gleason (Baroness), Patrick Shiroishi, Nick Reinhart (Tera Melos), Marissa Nadler y otros colaboradores cercanos. La producción estuvo a cargo de Sonny DiPerri, reconocido por su trabajo con artistas como My Bloody Valentine y Trent Reznor. El álbum estará compuesto por ocho canciones: A nivel sonoro, los primeros adelantos apuntan a un regreso parcial a las atmósferas expansivas y eléctricas que caracterizaron discos como Marked for Death o On Dark Horses, aunque con una perspectiva más madura y una carga política mucho más explícita. Durante los últimos años, Emma Ruth Rundle se ha consolidado como una de las figuras más respetadas dentro de la música alternativa contemporánea, gracias tanto a su obra solista como a colaboraciones celebradas junto a Thou. La expectativa alrededor de These Killing Times confirma que su voz continúa siendo una de las más relevantes para interpretar las contradicciones, ansiedades y pequeñas esperanzas de nuestra época.

Emma Ruth Rundle regresa con These Killing Times, un álbum nacido del caos contemporáneo Leer más »

Scroll al inicio