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El Ajelandro: “Nublar” o el arte de despedirse sin gritar

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“Nublar”, el nuevo sencillo de El Ajelandro, es una canción que no busca imponerse, sino habitar el espacio del oyente con la paciencia de quien sabe que lo importante no es llegar rápido, sino llegar hondo. El cantautor poblano, cuyo nombre real es Alejandro Hernández Arenas, estrenó el pasado 24 de julio este tema que funciona como el cierre de su más reciente producción discográfica, Cartejaulí. Y vaya cierre. “Nublar” no es una canción que busque epifanías ni grandilocuencias. Es, en cambio, una pieza que se sostiene en la sugerencia, en la atmósfera, en lo que no se dice pero se intuye. Es el epílogo de un viaje, pero también una puerta abierta hacia lo que viene. El tema se mueve en las coordenadas del Indie Folk y el Folk Pop, con matices de Indie Rock que aparecen en los momentos justos. La producción, fiel a la estética del artista, apuesta por capas de guitarras acústicas y eléctricas que dialogan entre sí con la complicidad de quienes se conocen bien. No hay aquí un solo instrumento que quiera robar protagonismo. Cada elemento está en su lugar, y cada silencio está tan cuidadosamente colocado como cada nota. La voz de El Ajelandro se despliega con una contención que resulta casi íntima. No hay esfuerzo, no hay impostación. Hay, en cambio, una naturalidad que solo se logra cuando el intérprete confía en lo que está diciendo. La canción no necesita gritar para ser escuchada. Al contrario, se gana al oyente precisamente por su capacidad de susurrar. El estribillo, cuando llega, no explota como cabría esperar en una canción pop. Se insinúa, se repite con una cadencia que invita a quedarse, a no irse, a habitar ese espacio de bruma emocional que da nombre al tema. “Nublar” es, efectivamente, una canción sobre no ver con claridad el futuro, pero decidir caminar hacia él de todas formas. Y esa sensación de caminar sin certeza está presente en cada compás. El Ajelandro ha construido su carrera sobre la base de transformar experiencias reales en obras musicales capaces de conservar emociones, momentos y personas. “Nublar” no es una excepción. La letra habla de la incertidumbre, de la bruma que a veces nubla el horizonte, pero también de la decisión de seguir adelante a pesar de no ver con claridad. No hay en la canción un mensaje de superación en el sentido más trillado del término. No hay afirmaciones grandilocuentes ni frases de autoayuda envueltas en melodía. Hay, en cambio, una aceptación. La aceptación de que no siempre se ve el camino, pero que caminar es el único acto posible. Esa honestidad es lo que distancia a El Ajelandro de otros artistas que confunden la introspección con el lugar común. Originario de Puebla capital, El Ajelandro inició su camino musical en 2015 con una filosofía clara: ser un cronista de su propia vida. No busca sonar a algo en específico, busca que cada canción suene exactamente a lo que sintió cuando pasó. Esa honestidad ha sido su sello y su fortaleza, y “Nublar” es una continuación natural de esa búsqueda. Lejos de encasillarse en un solo género, su identidad sonora transita con naturalidad entre el Rock Alternativo, el Pop, y hasta ritmos tropicales y huapangos. En “Nublar”, sin embargo, se inclina hacia el costado más folk de su personalidad artística, y lo hace con un oficio que demuestra que los años de camino no han sido en vano. “Nublar” no es una canción para todos los oídos. Es para quienes entienden que la música puede ser un refugio, un espejo, una compañía en los momentos de incertidumbre. Es para quienes saben que no todas las canciones necesitan ser himnos para ser importantes. El Ajelandro ha logrado con este sencillo algo que muchos artistas buscan y pocos consiguen: una canción que se queda. No por su pegajosidad, sino por su honestidad. “Nublar” es una canción que invita a la pausa, a la reflexión, a mirar hacia adentro sin miedo a lo que se encuentre. El cierre de Cartejaulí no podría ser más acertado. Y si este es el punto final de una era, el futuro que se anuncia para 2027 promete seguir profundizando en ese territorio donde la introspección y la música se encuentran.

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Aphex Twin celebra los 25 años de Drukqs con una esperada reedición

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A 25 años de su lanzamiento original, Warp Records anunció una nueva edición conmemorativa del álbum que llegará el próximo 30 de octubre, devolviendo a circulación uno de los trabajos más complejos y fascinantes de Richard D. James. Publicado originalmente en 2001, Drukqs representó un momento singular dentro de la trayectoria de Aphex Twin. Después de cinco años sin un álbum de estudio, James entregó una obra monumental de 30 composiciones que desafiaba cualquier expectativa: frenéticos ejercicios de drill’n’bass convivían con delicadas piezas para piano preparado, pasajes ambientales, experimentación electroacústica y estructuras que parecían oscilar constantemente entre el caos y la contemplación. Durante años, el disco dividió opiniones. Algunos críticos lo interpretaron como una colección dispersa de ideas, mientras que otros encontraron en él una de las expresiones más libres del productor británico. Con el paso del tiempo, esa percepción cambió considerablemente. Canciones como “Vordhosbn”, “Mt Saint Michel + Saint Michaels Mount”, “Avril 14th” o “QKThr” terminaron convirtiéndose en piezas fundamentales dentro del catálogo de Aphex Twin, llegando incluso a nuevas generaciones gracias a plataformas como TikTok. La reedición del 25 aniversario estará disponible en vinilo, CD y casete, marcando la primera vez que el álbum vuelve a editarse oficialmente en estos formatos desde su lanzamiento original. Además de las ediciones estándar, Warp lanzará una versión especial de cuatro LP que incluirá un póster desplegable de seis paneles y un esténcil con el icónico logotipo AFX. Aunque no incorpora material inédito, la publicación completa un importante proceso de recuperación del catálogo físico de Aphex Twin, que ahora vuelve a encontrarse íntegramente disponible. Más allá de su importancia musical, Drukqs también representa una de las facetas más impredecibles de Richard D. James. El álbum alterna composiciones extremadamente agresivas con piezas de una sensibilidad casi clásica, reforzando la idea de que Aphex Twin nunca ha entendido la música electrónica como un género, sino como un territorio donde cualquier lenguaje puede coexistir. Incluso The Quietus destaca cómo el álbum reforzó la relación de James con sus raíces celtas, incorporando títulos en lengua córnica, referencias a Gales y a lugares emblemáticos de Cornualles y Bretaña, elementos que amplían el universo conceptual de un disco tan inclasificable como influyente. Veinticinco años después, Drukqs sigue sonando como una obra adelantada a su tiempo: un álbum capaz de pasar del frenesí digital a la intimidad del piano en cuestión de segundos, manteniendo intacta la capacidad de sorprender. Su regreso en formato físico no solo celebra un aniversario, sino que confirma el lugar que ha terminado ocupando dentro de la historia de la música electrónica: el de un clásico que necesitó tiempo para ser comprendido. En este link puedes conocer y comprar el material y mercancia del disco.

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Ibeyi encuentra una nueva forma de sanar en Offering, su álbum más libre e independiente

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Después de cuatro años sin publicar un álbum de estudio, Ibeyi regresa con Offering, un trabajo que marca una nueva etapa creativa para las hermanas gemelas Lisa-Kaindé y Naomi Díaz, quienes dejan atrás los hechizos de Spell 31 para abrazar una idea más íntima y espiritual: la de ofrecer, en lugar de controlar. El cuarto álbum del dúo franco-cubano llega con un simbolismo especial. No solo representa su primer lanzamiento desde 2022, sino también el inicio de una nueva independencia artística al publicarse bajo su propio sello, IBEYI Records, después de cerrar un ciclo con XL Recordings. Desde sus primeros trabajos, Ibeyi construyó un lenguaje único donde convergen la herencia yoruba, la música afrocubana, el soul, la electrónica, el jazz y el R&B contemporáneo. En Offering, esa identidad permanece intacta, pero ahora se siente menos preocupada por las etiquetas y mucho más abierta a la transformación. El propio título del disco resume ese cambio de perspectiva. En la canción “Offerings”, las hermanas declaran: “Ya no hago hechizos; ahora hago ofrendas”, una frase que funciona como manifiesto del álbum y que surge de una experiencia espiritual vinculada con Yemayá, la orisha asociada al mar y a los ríos dentro de la tradición yoruba. Más que intentar modificar el destino, la propuesta consiste en aceptar el cambio y encontrar libertad en el acto de soltar. Musicalmente, Offering es quizá el trabajo más inquieto de Ibeyi hasta la fecha. Las percusiones afrocubanas conviven con sintetizadores brillantes, arreglos de cuerdas, texturas electrónicas y una producción que no teme acercarse al pop experimental ni al R&B industrial. Canciones como “Moshpit” sorprenden por su energía rítmica, mientras que piezas como “Olokun”, “The Process” o “Good Life” recuperan el carácter contemplativo y espiritual que siempre ha distinguido al proyecto. El álbum también mantiene uno de los rasgos más reconocibles del dúo: la convivencia de distintos idiomas dentro de una misma obra. Inglés, francés, español y yoruba aparecen de manera natural, reflejando la identidad multicultural de las hermanas Díaz y la manera en que entienden la música como un espacio donde convergen distintas tradiciones. Entre los momentos más destacados se encuentra “Aset”, primer sencillo del disco, cuyo videoclip fue filmado en La Habana y funciona como una declaración de principios para esta nueva etapa. A ello se suma “La tendresse d’un mot”, colaboración con el pianista francés Sofiane Pamart, que aporta una dimensión más íntima y cinematográfica al recorrido sonoro. Con apenas doce canciones y poco menos de treinta minutos de duración, Offering evita cualquier exceso. Cada composición parece construida para transmitir una emoción específica, sin perder la capacidad de sorprender mediante cambios de textura, percusiones hipnóticas y armonías vocales que siguen siendo el sello más inconfundible de Ibeyi. Más de una década después de su debut, Lisa-Kaindé y Naomi Díaz demuestran que continúan evolucionando sin renunciar a las raíces que las convirtieron en una de las propuestas más singulares de la música contemporánea. Offering no pretende repetir las fórmulas del pasado; por el contrario, reafirma que la transformación, la memoria y la espiritualidad siguen siendo el centro de una obra que encuentra belleza precisamente en la incertidumbre. Con este lanzamiento, Ibeyi entrega un álbum que no busca imponer respuestas, sino abrir un espacio para la introspección. Una colección de canciones que, como su nombre lo indica, funciona como una ofrenda: a sus ancestros, a sus propias experiencias y a la posibilidad de seguir cambiando sin perder la esencia.

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Mala Fama reúne a Siete Catorce, Kelman Duran, Omaar y más en NDXLLI / Río Cayápas. Tenemos el adelanto del Remix de Siete Catorce

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El productor ecuatoriano Mala Fama regresa con uno de los proyectos más ambiciosos de su trayectoria. NDXLLI / Río Cayápas no es únicamente una colección de remezclas: es un punto de encuentro entre la experimentación sonora, la música ritual y los ritmos de club latinoamericanos, donde productores de distintas latitudes reinterpretan una obra profundamente arraigada en la memoria, el territorio y la identidad. Escucha el adelanto dando clic en la imagen: El lanzamiento adopta la forma de un EP doble, dividido entre dos universos complementarios. Por un lado, el sello Otono explora las posibilidades del ambient, la electrónica de vanguardia y los paisajes sonoros contemplativos. En contraste, el subsello Ekō, dedicado a los ritmos periféricos y alternativos de la pista de baile, presenta versiones orientadas al club, al global bass y a las nuevas mutaciones de la música electrónica latinoamericana. Ambos trabajos llegarán también en una edición limitada en casete, reforzando el carácter de pieza de colección del proyecto. Detrás de Mala Fama se encuentra Esteban Farinango, productor indígena originario de Ecuador cuya obra ha llamado la atención internacional por su capacidad para dialogar entre las tradiciones sonoras andinas y la experimentación electrónica contemporánea. Su trabajo fue reconocido hace algunos años por Pitchfork, que lo incluyó entre sus Artists to Watch, consolidándolo como una de las voces más singulares de la nueva electrónica latinoamericana. La pieza original, NDXLLI / Río Cayápas, funciona como el eje conceptual del proyecto. A partir de ella, una generación de productores provenientes de distintos países construye nuevas lecturas que expanden el universo sonoro de la composición sin perder de vista su esencia espiritual. Entre los nombres más destacados aparece Siete Catorce, productor mexicano cuya obra ha sido fundamental para redefinir la relación entre la música electrónica experimental y los ritmos latinoamericanos. También participa Kelman Duran, una de las figuras más influyentes de la electrónica deconstruida contemporánea, reconocido por borrar las fronteras entre el ambient, el dancehall, el reguetón experimental y la música de club. El recorrido continúa con la participación de Viiaan, además de dos referentes del ambient y el IDM ecuatoriano: Entrañas y Quixosis, quienes aportan reinterpretaciones que profundizan el carácter atmosférico del material original. Desde Tlaxcala llegan M8n y DNZA, este último también encargado de la masterización de los remixes, incorporando nuevas aproximaciones al tribal, el global bass y las percusiones digitales. La lista de colaboradores se completa con Omaar, uno de los productores mexicanos más interesantes de la escena bass contemporánea, y The Hissed, cuyas aportaciones exploran territorios donde convergen el drum & bass, el jazz y las estructuras electrónicas más libres. Más allá de la diversidad estilística, el proyecto encuentra cohesión en una misma idea: construir un puente entre las raíces musicales de Ecuador y las múltiples escenas electrónicas que hoy dialogan desde América Latina. El lanzamiento será presentado de manera escalonada durante las próximas semanas, revelando cada reinterpretación como parte de un álbum que terminará de completarse hacia mediados de julio. Esta estrategia permite apreciar la personalidad de cada productor mientras el conjunto adquiere forma como una obra colectiva. En ese sentido, NDXLLI / Río Cayápas trasciende el formato convencional del disco de remixes. Es una declaración sobre el presente de la electrónica latinoamericana, una escena donde los sonidos ancestrales, los paisajes naturales, la experimentación digital y la música de baile ya no se entienden como universos separados, sino como lenguajes que conviven y se transforman mutuamente. Inspirado en los paisajes fluviales de Esmeraldas y en las raíces culturales que atraviesan la región de Ibarra, el proyecto amplifica un mensaje de paz, memoria y unión latinoamericana, recordando que la música electrónica también puede convertirse en un espacio para preservar identidades, reinterpretar tradiciones y construir nuevos imaginarios desde el sur global.

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Napalm Death lleva cuatro décadas de furia al Tiny Desk de NPR con una presentación histórica

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El mismo espacio donde se escriben y editan historias sobre música fue tomado por una de las bandas más influyentes y radicales del metal extremo: Napalm Death. El resultado fue uno de los Tiny Desk Concerts más insólitos, intensos y memorables. Mientras un pequeño circle pit se abría entre escritorios, cámaras y empleados vestidos de negro, la agrupación británica demostró que la potencia del grindcore no depende del volumen de un escenario gigantesco ni de una producción monumental. Bastaron unos cuantos metros cuadrados, una batería, amplificadores y la inconfundible voz de Mark “Barney” Greenway para convertir la oficina de NPR en un auténtico campo de batalla sonoro. Con más de cuarenta años de trayectoria, Napalm Death continúa siendo mucho más que una banda extrema. Desde mediados de los años ochenta, el grupo redefinió los límites del punk y el metal al convertirse en uno de los principales arquitectos del grindcore, un género que llevó la velocidad, la agresividad y la intensidad a territorios inexplorados. Sin embargo, detrás de su brutalidad sonora siempre ha existido un discurso profundamente político y humanista, utilizando el ruido como una herramienta para denunciar la opresión, la desigualdad y la deshumanización. Lejos de suavizar su propuesta para adaptarse al ambiente íntimo del Tiny Desk, Napalm Death hizo exactamente lo contrario: trasladó toda la energía de sus conciertos a uno de los escenarios más particulares del mundo. El resultado fue una presentación que demuestra que la violencia sonora de la banda nunca ha sido gratuita; cada explosión de riffs, cada blast beat y cada grito funcionan como vehículos de protesta y reflexión. El recorrido musical funcionó como un resumen de una carrera que sigue evolucionando. La banda abrió con “Instinct of Survival”, una de las piezas fundamentales de Scum (1987), álbum considerado piedra angular del grindcore. A partir de ahí, el repertorio transitó por distintas etapas de su discografía, mostrando cómo Napalm Death ha sabido expandir constantemente su lenguaje musical sin perder identidad. Temas como “Strong-Arm” y “Scum” conectaron directamente con sus raíces más abrasivas, mientras que “Everyday Pox” exhibió el lado más técnico y cercano al death metal disonante que la agrupación ha desarrollado en las últimas décadas. Por su parte, “Throes of Joy in the Jaws of Defeatism”, proveniente de Throes of Joy in the Jaws of Defeatism (2020), confirmó que el grupo sigue encontrando nuevas formas de combinar ferocidad con experimentación. Uno de los momentos más inesperados llegó con “Amoral”, una composición escrita por el bajista Shane Embury, quien no pudo participar en esta gira por Estados Unidos. La canción introduce una atmósfera cercana al post-punk y evidencia la amplitud estilística que Napalm Death ha incorporado con el paso del tiempo, alejándose de cualquier etiqueta simplista sobre el grindcore. La presentación concluyó con dos auténticos manifiestos de la música extrema: “Dead” y “Scum”, antes de cerrar con la legendaria “You Suffer”, considerada una de las canciones más cortas de la historia. Aunque su duración apenas supera un segundo, su interpretación dentro del Tiny Desk funcionó como un guiño a la propia historia de la banda y, al mismo tiempo, como un recordatorio de que incluso los gestos más breves pueden contener un poderoso mensaje sobre la desesperanza y la condición humana. Más allá de la curiosidad que representa ver a una banda de grindcore en un formato tradicionalmente asociado con el folk, el jazz o el indie, la aparición de Napalm Death confirma la apertura que el proyecto Tiny Desk Concert ha mostrado durante los últimos años hacia propuestas cada vez más diversas. El contraste entre la violencia controlada de la banda y la serenidad habitual de las oficinas de NPR genera una experiencia tan surrealista como fascinante. La alineación para esta sesión estuvo conformada por Mark “Barney” Greenway en la voz, John Cooke en la guitarra y coros, Matt Sheridan en el bajo y Danny Herrera en la batería, quienes demostraron por qué Napalm Death sigue siendo una referencia absoluta dentro del metal extremo contemporáneo. Con esta presentación, el grupo británico no solo celebra más de cuatro décadas de trayectoria; también reafirma que su música continúa siendo tan relevante, incómoda y necesaria como cuando ayudó a fundar el grindcore a finales de los años ochenta. Incluso en un espacio reducido y con el volumen contenido por las circunstancias, Napalm Death logró recordar que la verdadera intensidad nunca ha dependido de los decibeles, sino de la convicción con la que se transmite un mensaje. Setlist:

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Mastodon honra la memoria de Brent Hinds con el documental The Mastodon in the Room

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Casi un año después de la muerte de Brent Hinds, Mastodon ha publicado el documental The Mastodon in the Room, un homenaje íntimo y doloroso dedicado a uno de los músicos más importantes en la historia de la banda. Hinds, cofundador, guitarrista y cantante del grupo, falleció en agosto de 2025 a los 51 años tras un accidente de motocicleta. Su muerte sacudió profundamente a la comunidad del metal y dejó una herida abierta en una agrupación que durante más de dos décadas construyó una de las discografías más influyentes del metal contemporáneo. El nuevo documental fue concebido como una herramienta de duelo tanto para los integrantes de Mastodon como para sus seguidores alrededor del mundo. Lejos de funcionar únicamente como una pieza conmemorativa, The Mastodon in the Room intenta mirar de frente la compleja relación que existía entre Hinds y el resto de la banda durante los últimos años de su vida. El filme reúne entrevistas inéditas, grabaciones de conciertos, material detrás de cámaras y momentos personales que muestran el impacto creativo y humano que Brent dejó en sus compañeros. También aborda los episodios más incómodos de esa historia: las tensiones internas, los problemas de adicción que marcaron una etapa difícil y la abrupta salida del músico de Mastodon apenas unos meses antes de su fallecimiento. Más que construir una narrativa idealizada, el documental parece apostar por la honestidad. Reconoce las fracturas, los silencios y las contradicciones que acompañaron a la banda, al mismo tiempo que celebra el legado de un guitarrista cuya forma de tocar ayudó a definir discos fundamentales como Leviathan, Blood Mountain y Crack the Skye. El resultado es un retrato profundamente humano: el de un músico brillante, impredecible y esencial para entender la identidad sonora de Mastodon. Un recordatorio de que detrás de los riffs monumentales y las giras interminables también existen vínculos frágiles, pérdidas difíciles de procesar y memorias que continúan resonando mucho después de que termina la música. The Mastodon in the Room ya se encuentra disponible de forma gratuita en YouTube.

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Oranssi Pazuzu lleva su ritual de psicodelia extrema a KEXP con una hipnótica sesión en vivo

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Oranssi Pazuzu apareció en el estudio de KEXP. Conocida por abrir espacio tanto a figuras consolidadas como a algunos de los proyectos más innovadores de la música contemporánea, la emblemática estación de Seattle publicó este martes una nueva sesión en vivo protagonizada por la agrupación finlandesa, una de las propuestas más singulares surgidas del metal experimental en las últimas dos décadas. Filmada el pasado 7 de mayo y estrenada hace apenas unas horas, la presentación captura a la banda en uno de sus elementos más poderosos: el escenario. Lejos de limitarse a reproducir sus canciones, Oranssi Pazuzu construye una experiencia inmersiva donde el black metal psicodélico se mezcla con krautrock, noise, electrónica, space rock e improvisación, dando forma a un viaje sonoro tan inquietante como hipnótico. Desde su formación en Tampere, Finlandia, en 2007, el grupo ha desafiado constantemente las convenciones del metal extremo. Su música evita las estructuras tradicionales para privilegiar largos desarrollos atmosféricos, texturas envolventes y una tensión permanente entre el caos y la contemplación. Esa búsqueda los ha convertido en una referencia obligada para quienes entienden el metal como un territorio abierto a la experimentación. La sesión de KEXP permite apreciar con claridad la intensidad de esa propuesta. Las guitarras crean capas de sonido que parecen expandirse en todas direcciones, mientras los sintetizadores, la percusión y las voces transforman el estudio en un paisaje casi ritual. Más que una ejecución técnica impecable, la banda apuesta por construir una atmósfera que absorbe al espectador desde los primeros minutos. Las presentaciones de KEXP suelen convertirse en documentos esenciales para descubrir el verdadero alcance de una banda fuera del contexto de un disco de estudio. En el caso de Oranssi Pazuzu, la sesión confirma por qué sus conciertos son considerados experiencias inmersivas donde la improvisación, la psicodelia y la intensidad física ocupan un papel central. Para quienes aún no se han acercado a la agrupación, este registro representa una de las mejores puertas de entrada a un universo sonoro que escapa de cualquier etiqueta convencional. Y para quienes ya siguen su trayectoria, es una nueva muestra de que Oranssi Pazuzu continúa expandiendo los límites del metal experimental sin perder un ápice de su identidad. La sesión completa ya puede verse a través del canal oficial de KEXP y se perfila como uno de los lanzamientos audiovisuales más destacados de la semana para los seguidores de la música pesada y de vanguardia.

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Pere George inicia el camino de Peregrino con el estreno de “|||. Soltar (18.899582, -99.175867)”

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Pere George presenta “|||. Soltar (18.899582, -99.175867)”, el primer sencillo de “Peregrino”, un álbum continuo y bilingüe que explora temas como la migración, la pertenencia y la búsqueda de conexión. A través de una propuesta que combina soul house, indie pop y alt dance, el músico da el primer vistazo a un proyecto profundamente personal. Construida sobre una base rítmica envolvente y una atmósfera melancólica, la canción invita a transformar el desarraigo en movimiento. Entre la introspección y la energía de la pista de baile, el sencillo convierte el acto de soltar aquello que ya no pertenece a nuestras vidas en una experiencia de catarsis y renovación. El título de la canción hace referencia a las coordenadas geográficas de la primera casa a la que llegó Pere George en Jiutepec, Morelos, durante 1996. Ese lugar marcó el inicio de su primera migración, un momento que se convierte en el eje narrativo de una composición que conecta su historia personal con experiencias universales relacionadas con el desplazamiento y la construcción de identidad. En la grabación participa Dan Zlotnik, quien aporta vientos y saxofón para enriquecer la textura sonora del tema, mientras que el mastering estuvo a cargo de Ricardo Sangiao. El resultado es una producción que dialoga con influencias contemporáneas como Kaytranada, Blood Orange y El Guincho, sin perder la identidad artística de Pere George. Con este lanzamiento, Pere George abre el camino hacia “Peregrino”, un proyecto que busca integrar música, voz e identidad visual en una experiencia continua. “|||. Soltar (18.899582, -99.175867)” marca el inicio de un recorrido donde el movimiento, tanto físico como emocional, se convierte en una herramienta para explorar la memoria, la resistencia y el encuentro.

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