Oscar Adame

¿Qué pasaría si, en un mundo donde estamos conectados todo el tiempo, todavía estuviéramos buscando una señal? Esa es una de las preguntas que atraviesa “Algoritmos”, el nuevo sencillo del músico, productor y compositor chileno José Biggs, quien une su universo musical con la historia de John Shepherd, el hombre que dedicó casi 30 años a transmitir música al espacio con la esperanza de contactar vida extraterrestre. La colaboración nació después de que Biggs conociera la historia de Shepherd a través del documental de Netflix John Was Trying to Contact Aliens. Fascinado por su búsqueda, el músico chileno lo contactó y, tras intercambiar ideas y música, lo invitó a participar en la canción. Desde su casa-estudio en Michigan, Estados Unidos, Shepherd grabó narraciones que conectan su experiencia con una reflexión sobre nuestra propia necesidad de encontrar compañía y comprensión. En “Algoritmos”, la búsqueda de vida extraterrestre se convierte en un espejo de la sociedad actual. Mientras las redes sociales prometen acercarnos, las métricas, los “me gusta” y la necesidad de aprobación parecen ocupar cada vez más espacio en nuestras relaciones. A través de una mezcla de indie pop y R&B, Biggs cuestiona qué significa realmente estar conectados y nos invita a mirar más allá de las pantallas para recuperar los vínculos auténticos. El sencillo también llega acompañado de un videoclip dirigido por José Biggs y editado por Miguel Rees, que utiliza imágenes generadas con inteligencia artificial para recrear a ambos protagonistas en los años setenta, a bordo de una nave espacial desde la que comparten y transmiten música. El viaje conecta distintas épocas y convierte la historia de Shepherd en un puente entre el pasado, el presente y las posibilidades del futuro. “Algoritmos” adelanta el segundo álbum de colaboraciones de José Biggs, un proyecto que reunirá a artistas como Sofía Stainer, Leiden, C-Funk, Rulo de Los Tetas, Pehuenche, Connie Isla y Paola Navarrete, entre otros. Con este lanzamiento, el músico propone una idea sencilla pero necesaria: quizá la conexión que buscamos no se encuentre en una pantalla ni en las profundidades del universo, sino en la posibilidad de compartir algo verdadero con alguien más.

La compositora e intérprete Azaeth consolida una de las propuestas de exploración sonora más singulares de la escena independiente con el lanzamiento de “Oxum”, un corte que funciona como mantra de abundancia, misticismo y prosperidad. La pieza se erige a partir de una cuidada arquitectura rítmica donde las percusiones de raíz africana se entrelazan con sub-bajos de gran profundidad y capas vocales de carácter etéreo y dinámico. La estructura del tema responde a un diseño narrativo en dos fases: un primer tramo interpretado estrictamente en lengua yoruba a manera de rezo devocional, seguido por una sección canalizada en la que la voz se convierte en un instrumento de diseño tonal que evoca la imagen conceptual de la deidad derramando oro y miel sobre la humanidad. Este sencillo se posiciona como una pieza clave dentro del universo sonoro de Tejedora, el álbum debut de Azaeth grabado en Kaya Records. La dirección y producción ejecutiva del proyecto corre a cargo de Raúl Sotomayor (mente creativa detrás de Tonga Conga), quien ha impregnado al material de una identidad sónica que bascula entre la vanguardia electrónica, el pulso orgánico y el folclor místico. La mano de Sotomayor se percibe en la cohesión estética del disco: desde la sutileza dream pop de “Sueños”, sencillo inaugural donde las guitarras de Ruby Solán crean atmósferas envolventes sobre el control del subconsciente, hasta la fuerza telúrica de “Raíces”, tema compuesto y producido a cuatro manos junto a Daher Azuri para honrar la conexión orgánica con la tierra. En la pista homónima, “Tejedora”, la producción de Sotomayor articula un juego de textura y dinámicas que simula la trama de un telar invisible, donde las frecuencias graves y la guitarra de Solán construyen portales armónicos hacia el autoconocimiento. El catálogo sonoro de esta producción tendrá su puesta en escena dentro de un showcase multidisciplinario que reunirá las propuestas de Azaeth, Ampersan, Daher y Crystal Cave. El encuentro, pensado como un foro de inmersión musical enfocado en la sonoridad, el arte y el bienestar, mantiene su fecha y formato original: se llevará a cabo el próximo 18 de octubre, en un horario de 16:00 a 21:00 horas. Por ajustes logísticos ajenos a la producción, el evento traslada su sede del Hotel Flow Condesa a Bar Liebre, espacio ubicado en Tabasco 195, en la colonia Roma Norte de la Ciudad de México.

Hay una obsesión que recorre la música popular contemporánea como un fantasma silencioso: la búsqueda de la identidad sonora. Las disqueras la exigen, los algoritmos la premian, los críticos la celebramos sin pensarlo demasiado. “Encuentra tu sonido”, le decimos a las bandas jóvenes, como si el sonido fuera una llave que se encuentra al fondo de un cajón y no una construcción que se hace y se deshace con los años. CorviX, banda hermosillense fundada en 2015, parece no haber recibido ese memo. O lo recibió y decidió ignorarlo. Su historia es la de tantos proyectos de provincia: dos fundadores: Esteban Zupo Lugo en guitarra y teclados, Weso Osbone en el bajo, una rotación de integrantes que desgasta, una pausa de tres años a partir de 2016 que pudo haber sido el final. No lo fue. A finales de 2019, con Pavel García en la batería y Jesús Gutiérrez en la segunda guitarra, la banda retomó el vuelo. Vinieron dos discos: “CorviX” (2020) y “Memorable” (2021), este último con una canción homónima que se convirtió en su carta de presentación en Spotify y YouTube. En 2023, con la llegada de José Carlos Mendoza, “El Sele”, a la guitarra acústica, la alineación quedó completa. Y entonces, en 2024, hicieron lo que nadie les pidió: un disco de trece canciones donde caben el ska, el hard rock y el rock pop, sin orden aparente, sin disculpas, sin miedo. “R.I.P.” se llama. Y es, quizás, el disco más honesto que ha parido la escena sonorense en los últimos años, precisamente porque renuncia a la coherencia que tanto veneramos. “Skatimando” brinca. “Ciclo Residual” aprieta. “Home Run” respira. Tres canciones, tres mundos, una misma banda. ¿Es un desorden? Para algunos, sí. Para otros, es la prueba de que una agrupación puede ser muchas cosas a la vez sin traicionarse. Yo me quedo con lo segundo. Porque la verdad es que la famosa “identidad sonora” suele ser una cárcel disfrazada de virtud. Se lo decimos a las bandas como si fuera un consejo, pero en realidad les pedimos que se repitan, que se vuelvan predecibles, que encuentren una fórmula y la exploten hasta el cansancio. CorviX, consciente o inconscientemente, se negó a eso. Y en un ecosistema donde el algoritmo premia la repetición y castiga la sorpresa, negarse es un acto casi subversivo. No todo es perfecto. La producción de “R.I.P.” tiene momentos donde la saturación se come el detalle, y trece canciones en un disco tan ecléctico pueden ser demasiadas para un oyente desprevenido. La variedad, además, tiene un costo: saltar del ska al hard rock sin transición puede marear, y algunas canciones se sostienen más por la idea que por la ejecución. Pero esos son los riesgos de quien intenta algo distinto. Y en una escena tan acostumbrada a lo seguro, intentar algo distinto ya es un mérito. Sus presentaciones en las Fiestas del Pitic (2022) y en el Festival Alfonso Ortiz Tirado (2024) confirman que en vivo la apuesta funciona: la energía del ska, el peso del hard rock y la melancolía del rock pop conviven sin fricciones cuando hay un público dispuesto a seguir el viaje. Y ese público existe, aunque no siempre sea el más numeroso. CorviX no es la banda más pulida de Sonora. Tampoco la más famosa. Pero es, quizás, una de las pocas que se atreve a recordarnos algo que el mercado suele olvidar: que una banda puede ser muchas cosas a la vez, y que la evolución no siempre es una línea recta. A veces es un zigzag. Y a veces, el zigzag es el camino. En un mundo que nos quiere idénticos, repetibles, etiquetables, CorviX hace lo contrario: se permite dudar, experimentar, equivocarse. Y eso, en tiempos de algoritmos y fórmulas, es casi un acto de resistencia.

El proyecto de música alternativa originado en la CDMX presenta su primer trabajo de larga duración: siete canciones donde el rock, la cumbia y la psicodelia conviven al servicio de la emoción. Kurt Ceron, el proyecto musical que entiende cada canción como un universo narrativo, lanza hoy su primer EP: El Jardín de los Delirios. Disponible en todas las plataformas digitales, el trabajo reúne siete temas que exploran las contradicciones humanas desde una perspectiva que privilegia la emoción por encima de las etiquetas de género. Iniciado en 2022 en la Ciudad de México, el proyecto encontró su identidad a partir de una búsqueda constante por crear música que conecte desde lo humano antes que desde lo estilístico. Lejos de responder a un género específico, Kurt Ceron construye cada pieza a partir de la historia que necesita contar. Así, en este EP conviven el rock alternativo, la psicodelia, el funk, la cumbia sonidera, influencias de la música latinoamericana y, de manera orgánica, matices del jazz, el rock progresivo e incluso el metal. “El Jardín de los Delirios” está compuesto por seis canciones que conforman el cuerpo central de la obra, más un bonus track que funciona como una puerta de regreso al universo del proyecto. A lo largo del recorrido, aparecen temas como el miedo, la amistad, la incertidumbre, la memoria, el amor, la euforia y la fragilidad humana. El título no es casual: el “delirio” no alude a la pérdida de la razón, sino a la intensidad con la que, a veces, vivimos nuestras emociones. Las letras están construidas con imágenes y símbolos que permiten distintas lecturas, pero sin convertirse en un acertijo. El objetivo, explica el proyecto, es que cualquier persona pueda encontrar algo propio en cada canción, ya sea desde la emoción inmediata o desde la curiosidad de quien decide adentrarse en capas más profundas. Además de sus lanzamientos como solista, Kurt Ceron ha compuesto música original para un documental, explorando su interés por la relación entre la imagen y el sonido. También ha participado en diversas bandas y proyectos como compositor, productor e instrumentista. Con El Jardín de los Delirios, Kurt Ceron da el primer paso en la construcción de un universo artístico donde la música, la narrativa y el simbolismo dialogan constantemente. Una propuesta que nace de una convicción sencilla: la música puede acompañarnos incluso cuando no tiene respuestas.