Sin categoría

Altar es un álbum colaborativo delgrupo japonés de música experimental Boris y la bandaestadounidense de drone metal Sunn O))) , lanzado el 31 de octubre de 2006 a través de Southern Lord Records ( SUNN62 ). Una edición limitada de dos CD fue lanzada el 23 de octubre a través de Southern Lord con una pista extra de 28 minutos con Sunn O))), Boris y Dylan Carlson , titulada “Her Lips Were Wet with Venom”. Hay discos que no se escuchan: se atraviesan. Obras que no fueron pensadas para acompañar una tarde, sino para desfigurar la percepción del tiempo, poner al cuerpo en alerta y recordarnos que la música pesada también puede ser una experiencia casi espiritual. Altar, la monumental colaboración entre Sunn O))) y Boris, pertenece exactamente a esa clase de álbumes. Publicado originalmente en 2006, el disco reunió a dos de los proyectos más radicales y visionarios del sonido pesado y experimental de su tiempo: por un lado, el abismo drónico y ceremonial de Sunn O))); por el otro, la naturaleza mutante de Boris, una banda capaz de navegar con la misma naturalidad entre el sludge, el noise, el shoegaze, el psych rock y la devastación absoluta. El resultado fue una obra que no se conformó con sonar pesada: quiso sonar total. Un encuentro inevitable Más que un “split de lujo” o una simple colaboración entre nombres de culto, Altar fue la consolidación de una afinidad artística profunda. Ambas entidades compartían una visión: entender la distorsión, la repetición y el volumen no como trucos de impacto, sino como herramientas de trance, densidad emocional y expansión sensorial. Desde su portada hasta su ejecución, Altar se siente como un ritual de comunión entre dos formas distintas de entender la oscuridad. Sunn O))) llega con sus riffs lentísimos, sus capas tectónicas y su obsesión por el peso físico del sonido; Boris aporta una sensibilidad más elástica, más psicodélica, más impredecible. La mezcla de ambas fuerzas no genera caos gratuito: genera arquitectura sonora. Un disco que no teme mutar Lo extraordinario de Altar es que, a pesar de su reputación de álbum “pesado”, no está construido únicamente desde la aplastante brutalidad. Claro, temas como “Etna” y “Blood Swamp” son verdaderas masas de lava sonora: lentas, ominosas, aplastantes. Pero en medio del humo aparecen grietas de belleza extraña, momentos donde el disco parece levitar. Ahí entra “The Sinking Belle (Blue Sheep)”, probablemente el corazón emocional del álbum. La participación de Jesse Sykes convierte la pieza en una anomalía hermosa dentro del paisaje dronero: una canción fantasmagórica, melancólica y profundamente hipnótica que demuestra que el peso también puede ser delicado, seductor y emocionalmente devastador. Luego está “Akuma No Kuma”, donde la oscuridad adquiere una forma más lúdica y surrealista, casi como si el álbum se permitiera sonreír con los colmillos puestos. Y más adelante, “Fried Eagle Mind” funciona como un puente perfecto entre la agresividad y la abstracción, reafirmando que este disco nunca quiso ser lineal ni cómodo. Pesadez como lenguaje, no como pose Uno de los mayores méritos de Altar es que entiende la pesadez como una experiencia física y psicológica, no solo como una estética metalera. Aquí el volumen no es un accesorio cool, sino una forma de alterar la escucha. El disco trabaja con la repetición, la textura, el aire, el eco y la espera como si estuviera construyendo un templo hecho de amplificadores y ceniza. Eso explica por qué Altar ha envejecido tan bien. No está atrapado en una tendencia de época ni en una escena específica. Aunque nace del drone metal, del doom y del noise, su verdadero territorio está en otro lado: en el arte de hacer que el sonido se sienta como una presencia viva. Y quizá ahí radica su importancia: no fue solo un gran disco colaborativo. Fue una obra que ayudó a demostrar que la música extrema podía ser también cinematográfica, abstracta, poética y profundamente inmersiva. Un altar para la música pesada de culto Con los años, Altar se ha consolidado como una pieza fundamental dentro de la discografía de ambas agrupaciones. No solo por lo ambicioso del cruce, sino porque representa un momento en el que dos mundos compatibles decidieron no contenerse en absoluto. La presencia de colaboradores como Kim Thayil, Dylan Carlson y otros músicos cercanos a este universo expandió todavía más el carácter comunal, casi litúrgico, del proyecto. Escuchar Altar hoy sigue siendo una experiencia exigente, pero también profundamente gratificante. No es un disco para poner “de fondo”. Es un disco para entrar. Para dejarse envolver por sus frecuencias, su niebla, su tensión y su misterio.

Si estás al tanto del mundo musical, conoces el nombre de Homer Steinweiss y sabes que es uno de los bateristas más solicitados de su generación. A lo largo de su carrera ha participado en grabaciones con artistas que van desde Amy Winehouse y Solange hasta Adele y Silk Sonic, consolidándose como una figura clave en el resurgimiento del soul contemporáneo. Tras más de dos décadas como músico de sesión, Steinweiss da un paso al frente con su proyecto en solitario en Big Crown Records, asumiendo plenamente su rol como músico, compositor y productor. Este nuevo trabajo reúne la experiencia acumulada desde que comenzó a tocar profesionalmente a los 16 años, pero también refleja un proceso personal de transformación tras el fin de su banda Holy Hive y una etapa de turbulencia emocional que lo llevó a replantearse su camino creativo. De ese proceso nace su próximo y segundo álbum, un proyecto que canaliza pérdida, reconstrucción y autoconocimiento, y que lo posiciona definitivamente como líder artístico con una visión propia. Como primer adelanto llega “New Wellness”, una meditación sobre el universo de la salud y el bienestar. Con la voz de Kendra McKinley, la canción seduce al oyente como si fuera un anuncio de una nueva rutina o estilo de vida para luego girar sutilmente hacia una reflexión más profunda. En lo musical, combina una base rítmica firme con una atmósfera etérea, un contraste que se ha convertido en una de las señas de identidad del músico. “Una vez que ya estás convencido, la intención es hipnotizar, llevando al escucha en un breve viaje mientras reflexiono de manera lúdica sobre años de mi propio recorrido en el bienestar”, explica Steinweiss. Con este lanzamiento, el baterista no solo reafirma su legado dentro del soul moderno, sino que abre una nueva etapa como productor y artista con una voz creativa propia.

La emblemática dupla europea se presentará en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes el próximo 9 de mayo de 2026. El misticismo y la estética gélida de Lebanon Hanover regresan a tierras mexicanas. El dúo conformado por Larissa Iceglass y William Maybelline, referentes indiscutibles de la escena darkwave y post-punk contemporánea, ha confirmado una presentación especial en el Pabellón Oeste para la primavera de 2026. Tras una trayectoria que los ha consolidado como la voz de una generación que abraza el minimalismo y la introspección, Lebanon Hanover traerá a la capital su característico sonido de guitarras afiladas y sintetizadores melancólicos. Los fans podrán esperar un recorrido por sus clásicos como “Gallowdance” y “Totally Focused”, además de material de sus producciones más recientes. El concierto promete ser una experiencia inmersiva para los amantes de las sombras y el sonido analógico. A continuación, los datos clave para asistir: Desde su formación en 2010, Lebanon Hanover ha logrado lo que pocos: crear un culto global basado en la honestidad emocional y una estética visual estrictamente curada. Su música, descrita a menudo como “una respuesta fría a un mundo alienado”, resuena profundamente en el público mexicano, que históricamente ha mostrado una conexión especial con la propuesta de la banda. “La elegancia de la tristeza se apodera de la CDMX en una noche que promete ser inolvidable para la comunidad gótica y alternativa.” Para más información y actualizaciones sobre el boletaje, se recomienda seguir las redes sociales oficiales de ACK Promote y EyeScream Productions, los encargados de traer este espectáculo a la capital.

En una era donde la música suele fabricarse en soledad frente a una pantalla, donde los beats se programan y las voces se autoajustan hasta perder cualquier imperfección humana, el gesto del Karen Zárate Quartet al grabar “Impulso” en tomas únicas, sin red, sin posibilidad de corrección, adquiere una dimensión casi política. Es una declaración de principios: esto sucedió, y sucedió así, y no volverá a suceder igual. Hay algo profundamente conmovedor en escuchar un disco donde se percibe a los músicos escuchándose mutuamente. Parece obvio, pero no lo es. En gran parte de la producción musical contemporánea, la escucha ha sido reemplazada por el click, por la pista separada, por la posibilidad infinita de editar hasta que todo encaje en una perfección estéril. El cuarteto de Karen Zárate, en cambio, nos recuerda que el jazz, en su esencia más pura, no es un género: es una ética. La ética de estar presente, de responder, de asumir el riesgo de que el otro haga algo inesperado y tener que seguirle el paso. La decisión de trabajar a partir de fragmentos, “frases, dibujos o escenarios a completar” en lugar de partituras cerradas es reveladora. Zárate no impone; propone. No dicta; sugiere. Y al hacerlo, confía en sus músicos no como ejecutantes, sino como coautores. Enrique Jiménez (saxofón), Katzer Suárez (piano) e Ian Gurman (batería) no están ahí para “interpretar” las ideas de la contrabajista; están para completarlas, para darles carne y aliento, para llevarlas a lugares que quizás ella no había imaginado. Esa confianza, esa generosidad creativa, es quizás el gesto más radical en un medio artístico a menudo dominado por el ego y el control. “Lluvia”, la pieza más celebrada del EP, funciona como manifiesto de esta filosofía. No describe la lluvia desde afuera; la construye desde dentro. Cada instrumento aporta una textura, una capa, un matiz. Y el contrabajo, gracias también al trabajo excepcional de grabación de Jan Boker, puede permitirse el lujo de ser melódico sin dejar de ser rítmico, de flotar sobre la textura colectiva sin perder su función de ancla. Es una lección de equilibrio: cómo ser protagonista sin dejar de ser parte. Pero lo que hace verdaderamente especial a “Impulso” es que esta filosofía colectiva no resulta en un producto frío o intelectual. Por el contrario, hay una calidez, una humanidad, que atraviesa cada nota. Se siente la incertidumbre real en los compases iniciales de “Carnaval”, cuando piano y batería aún no saben bien qué hacer. Se siente el riesgo asumido en “Armolodía”, esa pieza que su propia autora describe como “la más fea” y que sin embargo contiene una honestidad desarmante. Se siente, sobre todo, el placer de cuatro personas haciendo música juntas, en el mismo lugar, al mismo tiempo. En un mundo que nos empuja cada vez más hacia el aislamiento digital, hacia la comunicación mediada por pantallas, hacia la producción musical en compartimentos estancos, escuchar “Impulso” es un recordatorio de lo que estamos perdiendo. La música, en su forma más vital, no es un producto: es un encuentro. Y el Karen Zárate Quartet nos invita a ser testigos de ese encuentro, a asomarnos a esa habitación donde cuatro almas deciden, durante el tiempo que dura una toma, confiar la una en la otra. Que haya sido grabado en un estudio que lleva la palabra “free” en su nombre —Pesticide Free Music— no es casualidad. La libertad, aquí, no es ausencia de reglas, sino **presencia de escucha**. Libertad para proponer y para responder, para guiar y para dejarse llevar, para equivocarse y para acertar colectivamente. “Impulso” es un disco breve —apenas un EP— pero su resonancia promete ser larga. No solo por la calidad de sus composiciones o la destreza de sus intérpretes, sino por lo que representa: la supervivencia de una forma de hacer música que confía en lo humano por encima de lo tecnológico, en el riesgo por encima de la seguridad, en el encuentro por encima del aislamiento. En tiempos de inteligencia artificial y producción algorítmica, el jazz sigue siendo, afortunadamente, un territorio donde lo único que no se puede simular es la escucha genuina. Karen Zárate y su cuarteto lo saben. Y nos lo recuerdan con cada nota.

El productor, músico y compositor José Biggs lanza “Deseos Hipnóticos”, una pieza que fusiona de manera sutil y envolvente sonidos del R&B, el Neo Soul y el Indie Pop, explorando una de las fuerzas más antiguas e inherentes al ser humano: el deseo. El placer, el contacto y la conexión con el otro se convierten en el eje central de esta propuesta profundamente íntima. Compuesta, producida, arreglada y mezclada por Biggs en su estudio LaZotea, en Ciudad de México, la canción cuenta con las interpretaciones vocales de Elvis De Yongol y Connie Isla. Elvis aporta un rap urbano potente y contagioso, sumándose también como compositor, mientras que Connie impregna el tema de sensualidad y calidez a través de una interpretación delicada, marcada por susurros y matices envolventes. La colaboración con Elvis surgió tras coincidir en una gira de Kim Loaiza y JD Pantoja, donde Biggs reconoció su talento y afinidad artística. Aunque el cantante ha destacado principalmente en el urbano y el reggaetón, esta invitación lo llevó a explorar una faceta más cercana al R&B y a una estética indie, logrando una interpretación más desnuda y emocional. Para completar la triada vocal, Biggs encontró en Connie Isla la voz ideal tras descubrir su álbum “Isla Mater”. Su experiencia en el Neo Soul y la sensualidad natural de su timbre aportaron la pieza faltante para construir una interacción vocal cargada de intimidad y complicidad. La grabación se realizó en LaZotea (CDMX), en un proceso orgánico que refleja el espíritu de la canción: suave, lenta y profundamente emocional. “Deseos Hipnóticos” cuenta además con un videoclip oficial dirigido por Faride Schroeder, una propuesta visual que traduce la carga sensorial del tema en una narrativa sutil entre la cercanía emocional y la distancia, reforzando la idea del deseo como una experiencia tanto física como imaginada.

El multiinstrumentista y productor Marco Benevento anuncia su llegada al aclamado sello Big Crown Records con el lanzamiento de su vibrante nuevo sencillo, “Frizzante”. Este movimiento marca un nuevo y emocionante capítulo para un artista cuya carrera se ha definido por una curiosidad sin límites y una maestría en el estudio que lo ha convertido en un colaborador codiciado. Benevento, un nombre respetado tanto en circuitos de jazz como de indie, ha forjado su reputación siendo un “alquimista de géneros”. Desde los escenarios de Coachella y el Newport Jazz Festival hasta las credenciales de producción para artistas como Clairo y Leon Bridges, su enfoque siempre ha priorizado la textura, la atmósfera y la colisión fértil entre el groove y la experimentación. Como señaló NPR, su música equilibra “el empuje del rock, la exploración del jazz y el éxtasis experimental del jam”. “Frizzante”, su debut en el catálogo de Big Crown, es una declaración de principios sonora. La pista es un banger soul-jazz efervescente, diseñado para la pista de baile. Desde un riff de piano contagioso e inmediato, la canción construye un edificio sonoro en ascenso constante, con capas de metales exuberantes, piano eléctrico y sintetizadores que orbitan alrededor de un groove implacable. Es una celebración pura, sin respiros, que encapsula el espíritu lúdico y la energía palpable que caracterizan su sonido. El lanzamiento se complementa con el lado B “Turandot”, una colaboración con la vocalista italiana Marianne Mirage. Esta pieza ofrece un contraste atmosférico y onírico, evocando un cruce entre Stereolab y Portishead, y demuestra la versatilidad y profundidad del proyecto de Benevento. Con este nuevo hogar en Big Crown, conocido por su cuidado catálogo de soul y funk contemporáneo de alta calidad, Marco Benevento se prepara para llevar su singular visión musical a un público aún más amplio.