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“Escuchar profundamente ahora no es un lujo, es una necesidad. El mundo está saturado de estímulos, y el acto de simplemente detenerse y atender con precisión se ha convertido en algo raro y casi radical”, nos comenta el productor Rafael Anton Irisarri en esta interesante entrevista que tuvimos con él. Portrait by Iulia Alexandra Magheru. Barcelona, 2026. 📷Foto de portada tomada por: @pervitineBarcelona, 2026 6.Black Knoll se ha convertido en un espacio de referencia para artistas muy distintos entre sí. ¿Qué buscas cuando decides involucrarte en un proyecto ajeno?Bueno, primero que nada que me guste a mi y pueda relacionarme con el material. Es lo mas importante. Para mi seria muy jodido hacer un buen trabajo con una musica que no me llame la atencion, que no me mole, vamos, tendria que comerme menudo marron! Es imprecindible que me guste. Y bueno, lo otro que me gusta es cuando se relaciona a musica que tenga que ver algo con lo que yo hago o artistas que admiro mucho. Por ejemplo, cuando he trabajado en algunos discos de William Basinski o Terry Riley, o haber podido trabajar con Ryuichi Sakamoto o MONO, artistas que han influido mi propia manera de componer o ver la musica en general. Es muy especial cuando esto sucede. 7.Has sido crítico con la manera en que las plataformas de streaming han transformado la música en contenido de consumo rápido. ¿Cómo percibes actualmente el estado de la música ambient?Tengo sentimientos encontrados. Por un lado, nunca había habido tanta gente escuchando música ambient. Es evidente que el género ha crecido muchísimo en los últimos años y que ha encontrado una audiencia enorme a través de las plataformas de streaming. Pero también creo que ese crecimiento ha venido acompañado de ciertos problemas. He dicho alguna vez que la música ya no se comercializa principalmente como música, sino como contenido. Las plataformas están diseñadas para maximizar tiempo de uso, recopilación de datos y consumo continuo, y eso inevitablemente afecta a cómo se crea y se escucha la música. En el caso del ambient, muchas veces se ha reducido a una función: música para dormir, para estudiar, para concentrarse o para aliviar el estrés. No hay nada malo en esos usos, pero cuando eso se convierte en el marco dominante, corres el riesgo de que una forma artística muy rica y diversa acabe percibiéndose como mero fondo sonoro. Lo que algunos llaman “Spotify Ambient” es un buen ejemplo de ello. Hay muchísima música hecha específicamente para alimentar playlists algorítmicas, música que funciona como una especie de papel pintado sonoro. Y cuando escuchas a compositores con una voz propia, gente que realmente está intentando comunicar algo personal, la diferencia se percibe inmediatamente. Aun así, no soy pesimista. Creo que sigue existiendo una comunidad muy fuerte de artistas que entienden el ambient como un medio de expresión profunda y no simplemente como un producto funcional. Hay músicos haciendo trabajos extraordinarios, explorando nuevas formas, nuevas texturas y nuevas ideas. El reto es que el público pueda encontrarlos en medio de un ecosistema que premia la inmediatez y el consumo pasivo. Para mí, el ambient sigue siendo una música que exige atención, incluso cuando es sutil. Sus mejores obras no están pensadas para llenar el silencio, sino para transformar la manera en que escuchamos. Y mientras haya artistas comprometidos con esa idea, el género seguirá teniendo un futuro muy interesante. Photo credit: R.J. Irisarri, taken in Biarritz, 2020. 9. Qué descubriste durante la realización de ese disco que no sabías sobre ti mismo antes de comenzarlo?Creo que lo que descubrí fue hasta qué punto sigo confiando en la intuición. Cuando empecé a trabajar en el disco no tenía una tesis ni una narrativa completamente definida. Tenía una serie de sensaciones, algunos lugares, determinadas experiencias y una serie de materiales sonoros que me resultaban interesantes. El significado fue apareciendo poco a poco. Muchas veces la gente asume que hay un concepto claro desde el principio, pero a veces suele ocurrir al revés. Paso meses trabajando y, de repente, empiezo a reconocer los temas que han estado presentes todo el tiempo. Es como si la música supiera antes que yo de qué trata el proyecto. Durante la realización del disco me di cuenta de que cada vez confío más en ese proceso. En lugar de intentar imponer una idea preconcebida, prefiero escuchar lo que el material está sugiriendo. Las conexiones entre memoria, distancia, aislamiento o percepción no fueron el punto de partida; fueron cosas que fui descubriendo a medida que avanzaba. Eso también me recordó algo importante: que no siempre necesitas entender completamente una obra mientras la estás haciendo. A veces el trabajo consiste precisamente en seguir una intuición y aceptar que las respuestas llegarán más tarde, si es que llegan.

La designación de Dambó como Artista Oficial de la FIFA World Cup 2026™ no fue una casualidad, sino el resultado de cuatro años de operación continua construyendo una oferta artística de excelencia internacional basada en la vibración del tambor. Ayer, durante el encuentro mundialista entre Colombia y Uzbekistán celebrado en el Estadio Azteca, la compañía multidisciplinaria sumó un hito histórico a su portafolio al poner a bailar en vivo al astro de la música urbana Maluma. A diferencia de los formatos convencionales, Dambó destaca en el panorama cultural por el diseño de activaciones masivas, shows escénicos teatrales complejos y workshops corporativos de team-building. Su estructura operativa cuenta con un comité artístico especializado que supervisa áreas críticas como la coreografía, el diseño de vestuario personalizado, la logística de campo y la proyección escénica. Este nivel de rigor institucional es lo que ha llevado a más de 100 creadores de la agrupación a pisar escenarios de alta exigencia, respaldados por la confianza previa de firmas globales como HSBC, Banamex y marcas de retail de lujo. Durante el juego de la fase de grupos, Maluma fue testigo de esta sincronía visual y auditiva. El cantante paisa no dudó en bajar de su palco para integrarse directamente a la coreografía en movimiento y dejarse llevar por el ritmo latinoamericano que la compañía promueve con orgullo. El cruce entre el reggaetonero y los percusionistas mexicanos no solo validó la alta calidad del espectáculo, sino que ejemplificó el formato de flashmob de alto impacto que caracteriza a la academia. Con compromisos vigentes que abarcan 7 fechas estelares en la Verbena CDMX y múltiples apariciones en partidos clave dentro del Coloso de Santa Úrsula, el paso de Dambó por esta justa deportiva ya es histórico. Con este gran estándar de espectacularidad demostrado ante los ojos del mundo, la afición y los críticos culturales se preguntan de forma inevitable: ¿con qué más nos sorprenderá la batucada en sus próximas participaciones durante el mundial?

El caåntautor Fran Diego continúa revelando poco a poco el universo sonoro de Caminos de Cuerda, su próximo álbum de estudio, ahora con el estreno de “Ecos de Suspiros”, el cuarto sencillo de este nuevo material. A través de una balada pop cargada de sensibilidad y honestidad, el artista abre una ventana emocional hacia una etapa marcada por la memoria, la ausencia y el proceso de reconstrucción personal. “Ecos de Suspiros” presenta una atmósfera nostálgica que acompaña una narrativa íntima y reflexiva. La canción expone el difícil proceso de hacer frente a la pérdida de una persona, así como el peso emocional que permanece en los recuerdos y en aquello que alguna vez significó amor. Sin buscar volver atrás, el sencillo reconoce el dolor de aceptar un final y aprender a vivir con los ecos que deja. El tema también funciona como una representación de esos recuerdos que permanecen intactos pese al paso del tiempo. Fran Diego aborda la sensación de sentirse perdido, sin rumbo y sin claridad después de una ruptura, pero al mismo tiempo deja entrever la necesidad de volver a levantarse y encontrar una nueva versión de sí mismo. Todo esto acompañado por una producción que mezcla melodías suaves con una interpretación vocal profundamente emocional. Con este lanzamiento, el cantautor consolida una identidad artística cercana y auténtica, apostando por canciones que conectan desde la vulnerabilidad y la honestidad emocional. Además, “Ecos de Suspiros” confirma el camino que ha venido trazando rumbo a Caminos de Cuerda, un álbum que continúa generando expectativa con cada nuevo adelanto. “Ecos de Suspiros” ya se encuentra disponible en plataformas digitales, consolidando a Fran Diego como una de las propuestas emergentes que buscan conectar con el público a través de emociones reales, letras sinceras y una esencia musical cada vez más sólida.

“Tóxica”, su nuevo sencillo y primer video oficial, marca el inicio de una nueva era artística para la banda fundada en 2015 Después de once años de trayectoria, la banda independiente John Salami decidió cambiar las reglas del juego. El grupo originario de Tabasco presentó “Tóxica”, su más reciente sencillo, acompañado del primer videoclip oficial en su historia. Pero el anuncio no termina ahí. La agrupación confirmó que a partir de ahora funcionará como un power trío, dejando atrás formaciones variables para apostar por un sonido más directo, crudo y contundente. Un formato exigente El power trío (guitarra, bajo y batería) es uno de los formatos más demandantes del rock. Sin instrumentos adicionales ni capas de producción que disimulen errores, cada músico debe ocupar un espacio sonoro claro. En el caso de John Salami, la nueva alineación queda integrada por: Fernando Cadenas Gustavo Salinas Fabián Cadenas “Es la primera vez en ocho años que tocamos así”, explicó la banda en un comunicado. “Nos permite experimentar un sonido más sólido, tanto en vivo como en estudio”. Una canción sobre el apego “Tóxica”, el sencillo que sirve como carta de presentación de esta nueva etapa, aborda el tema de las relaciones amor-odio. La letra describe cómo el apego emocional puede desarrollar una necesidad de permanecer con alguien, incluso cuando la relación no es saludable. Musicalmente, la canción bebe de influencias que van del punk y la new wave al garage y el industrial metal. Fue grabada en Sónico Estudio, con producción, mezcla y masterización de José Mendoza (El Pillín). El videoclip, filmado en distintas locaciones de *Villahermosa, apuesta por una estética urbana y sobria, alejada de los excesos digitales. Primer adelanto de un EP “Tóxica” es apenas la primera entrega de un nuevo EP que se encuentra en etapa de producción. La banda lo describe como “el mayor cambio a nivel artístico y estructural” desde su fundación en 2015. Trayectoria local John Salami nació en Tabasco hace once años con la intención de crear un sonido original, mezclando los gustos dispares de sus integrantes. Ese cóctel, que ellos llaman “Sonido Salami”, ha evolucionado con el tiempo. En 2019 alcanzaron popularidad local con el sencillo “Twinkies”, lo que les valió invitaciones a festivales. Su discografía incluye los EPs Págame mi ampli (2018), Radio Garca (2022) y los sencillos “El ritmo que quema” (2019), “Loca” (2024) y “Muertos” (2024).

El amor sin condiciones es una de esas ideas que todos romantizan pero pocos se atreven a vivir. Felipe Moon, el joven artista ecuatoriano que acaba de lanzar “Paradiso”, parece haber decidido que la música es el territorio donde esa entrega total puede existir sin reservas ni ironías. Su nuevo sencillo no es solo una canción de amor; es una declaración de principios artísticos y personales. El tema, disponible en todas las plataformas digitales, es un viaje sonoro que combina ritmos bailables con atmósferas profundas, una fusión que en manos menos hábiles podría sonar a collage forzado pero que aquí fluye con una naturalidad sorprendente. El productor Predi on the Drums logra un equilibrio delicado: mantener la energía rítmica necesaria para que el cuerpo se mueva sin sacrificar la calidez emocional que la letra requiere. El resultado es un sonido que invita tanto al baile como a la introspección, una dualidad que refleja perfectamente la complejidad del sentimiento que describe. La intensidad como compromiso Lo que distingue a “Paradiso” de la abrumadora oferta de canciones románticas en el mercado es su falta de ambivalencia. No hay en la letra ese “te quiero pero no sé si me quieres” que domina tanta música contemporánea. No hay cálculo, no hay distancia de seguridad, no hay una puerta trasera por si las cosas salen mal. Hay, en cambio, una decisión firme: la de estar presente “cada segundo que hay en este mundo”. La frase es casi existencial, como si el amor fuera no una emoción que se padece, sino una elección que se hace cada día. Felipe Moon canta sobre desafiar lo desconocido, sobre rendirse por completo a esos besos que lo transportan a su propio paraíso. No es la promesa de un final feliz; es la apuesta por un presente intenso. En un mundo donde las relaciones se construyen cada vez más sobre la base de la desconfianza, los chats que no se responden, los perfiles que se ocultan, los sentimientos que se miden para no sufrir—, esta declaración suena casi contracultural. No por ingenua, sino por valiente. El videoclip como espejo El trabajo audiovisual, dirigido por Gabriel Ruiz T, entiende que esta canción necesita una narrativa visual a su altura. Ruiz T apuesta por una estética moderna e inmersiva, alejándose de los clichés del género para construir algo más íntimo. La participación de la modelo Romina Trujillo no es un adorno, sino un elemento central de esa historia. Las miradas que se sostienen, la cercanía que no busca ser exhibida sino compartida, la vulnerabilidad que no se disfraza de fortaleza: todo eso construye un universo visual que amplifica el emocional. El video no muestra un paraíso edénico e inalcanzable; muestra un paraíso cotidiano, hecho de complicidad y presencia. Hay en la dirección una comprensión profunda de la canción: el paraíso no es un lugar al que se llega, sino una persona con la que se está. Y esa persona no es perfecta, pero es real. Y en esa realidad, en esa cercanía compartida, habita lo sagrado. Ecuador como plataforma de despegue Hay un contexto que no puede ignorarse al hablar de Felipe Moon: su origen ecuatoriano. En el mapa de la música latina, Ecuador ha sido históricamente un país con menor proyección internacional que sus vecinos. No por falta de talento, sino por una combinación de factores que tienen que ver con la industria, las redes de distribución y la atención mediática. Que un artista ecuatoriano entregue una producción de esta calidad, con un sonido contemporáneo que dialoga con tendencias globales sin perder identidad, es un síntoma alentador. Felipe Moon se suma a una nueva generación de músicos del país andino que están demostrando que hay mucho más allá del folclore y los estereotipos. Canciones como “Paradiso” funcionan como tarjetas de presentación que no piden permiso para trascender fronteras. La interpretación como vehículo La voz de Felipe Moon es otro de los aciertos del sencillo. Lejos de los alardes técnicos o los efectos de estudio que saturan la producción actual, Moon opta por una entrega directa, casi conversacional en momentos, que transmite autenticidad. Hay sensualidad en su interpretación, pero también vulnerabilidad. Hay seguridad, pero también la conciencia de que entregarse es siempre un acto de riesgo. Esa dualidad, la fuerza y la fragilidad, la certeza y la duda, es lo que hace que “Paradiso” se sienta genuina. No es la declaración de quien no tiene nada que perder; es la declaración de quien, sabiendo lo que puede perder, decide entregarse de todas formas. Y esa tensión, esa decisión consciente de asumir el riesgo, es lo que hace que la canción resuene más allá de su superficie pegadiza. Una declaración artística “Paradiso” no es un lanzamiento más en la carrera de Felipe Moon. Es, como él mismo lo ha definido, una declaración artística sobre la intensidad de amar sin reservas. En un panorama donde el desamor y la desconfianza se han convertido en los grandes temas del pop, una forma, quizás, de procesar colectivamente una época de crisis de los vínculos, Moon se atreve a cantar un amor total, sin condiciones, sin red de seguridad. No es una ingenuidad. Es una elección consciente. La canción propone que el paraíso no es un lugar al que se llega, sino una persona a la que se elige. Que la entrega no es pérdida, sino ganancia. Que el riesgo de amar sin reservas vale la pena. Esa declaración, en el contexto actual, tiene un valor casi simbólico. Felipe Moon no solo está lanzando una canción; está ofreciendo una posibilidad. Un paraíso pequeño pero sólido. Un lugar donde, al menos por los minutos que dura el tema, vale la pena rendirse por completo.

Desde un lugar íntimo y sin concesiones, la artista chilena radicada en CDMX, SAVBIA, presenta el videoclip de “Tu Nombre”, una pieza que se sumerge en las zonas más frágiles del vínculo amoroso. Lejos de la narrativa clásica de la ruptura, “Tu Nombre” se instala en ese territorio ambiguo donde las diferencias comienzan a pesar y la distancia se vuelve inevitable. Más que un desenlace, la canción captura el proceso: el desgaste, la confusión y, finalmente, la aceptación de que soltar también puede ser un acto de cuidado. Dirigido por Diego Chávez Elizalde, con fotografía de Laid Arisai, el video apuesta por una construcción sensorial antes que lineal. Las imágenes aparecen fragmentadas, como destellos de memoria que se resisten a ordenarse, reforzando la idea de un recuerdo que se descompone al mismo tiempo que se intenta sostener. En lo sonoro, la producción, mezcla y masterización corren a cargo de Rodolfo Vázquez, quien envuelve la voz de SAVBIA en una atmósfera cálida, cercana al pop-soul con matices de R&B. El resultado es un paisaje contenido que potencia la carga emocional sin caer en excesos. Hacia el cierre, el videoclip introduce un gesto inesperado: un mensaje directo de la artista que rompe la cuarta pared y aterriza el relato en su presente. Desde ahí, SAVBIA asume la incertidumbre —sin garantías ni finales claros— y elige permanecer, habitar el ahora y entregarse por completo, incluso en medio de lo inestable. “Tu Nombre” forma parte de “Cero”, el próximo EP de SAVBIA, que verá la luz a finales de mayo y perfila una etapa marcada por la introspección y la honestidad emocional.

Hay canciones que funcionan como espejos y otras que funcionan como refugios. “Caracol”, el nuevo sencillo de Tigres los Secretos, pertenece indiscutiblemente a la segunda categoría. En esta entrega, el proyecto liderado por Salvador Güereña abandona la urgencia del asfalto para adentrarse en las profundidades de la psique humana, utilizando la figura del caracol como el vehículo perfecto para hablar de la vulnerabilidad y la reclusión voluntaria. Desde una perspectiva estrictamente musical, “Caracol” es un ejercicio de riesgo. La composición se sostiene sobre una base aparentemente sencilla de dos acordes, pero es en su desarrollo donde reside la verdadera magia. La canción no avanza de forma lineal, sino helicoidal; crece y se transforma, alterando su tempo y su paleta de colores, para finalmente retornar a su origen. Es una estructura que mimetiza la arquitectura de un caparazón, creando una sensación de movimiento perpetuo que atrapa al oyente. Este nivel de detalle técnico es lo que Güereña y el ingeniero Edu Sahe han denominado “Hi-Lo-Fi”: una producción que respeta la honestidad de la grabación independiente pero la dota de una profundidad sonora casi arquitectónica. Para los seguidores de la escena underground, “Caracol” representa la consolidación de un lenguaje que Salvador comenzó a esbozar en 2013. Es un pop ecléctico que no teme a la complejidad ni a la pausa. La banda, integrada por Emilio Ponce, Manuel Galván y Daniel Nicolás, aporta una cohesión que permite que la canción se sienta viva, orgánica y, sobre todo, distinta a lo que el proyecto había mostrado anteriormente. Formando parte del EP Animales y Ciudades, este sencillo es una pieza fundamental para entender la tensión que atraviesa todo el trabajo de Tigres los Secretos: la lucha entre el instinto salvaje y la estructura que nos contiene. Al final, “Caracol” nos recuerda que la introspección no es cobardía, sino una forma de resistencia. Es una inmersión necesaria en un mundo donde lo frágil sigue siendo, contra todo pronóstico, lo más valiente que podemos ser.