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Cuando el silencio pesa: revisitando el disco Rest, de Gregor Samsa

Hay discos que parecen hechos para esos momentos donde el mundo entero baja la velocidad. Rest, el segundo y último álbum de larga duración de Gregor Samsa, pertenece exactamente a esa categoría: una obra que no necesita imponerse para dejar una marca profunda. Lanzado en 2008, Rest apareció en un momento extraño para la música independiente. El post-rock comenzaba a mutar hacia terrenos más cinematográficos y emocionales, mientras el slowcore y el ambient encontraban nuevas generaciones de escucha gracias a internet y los blogs musicales de la época. En medio de todo eso, Gregor Samsa creó uno de los discos más delicados, melancólicos y silenciosamente devastadores del underground estadounidense. Y quizá precisamente por eso sigue sintiéndose tan especial. Un disco que parece suspendido en el tiempo Originarios de Virginia, Gregor Samsa nunca encajó del todo en una sola escena. Su música tomaba elementos del: Pero más allá de etiquetas, lo suyo era la construcción de atmósferas. Canciones que parecían flotar lentamente entre capas de piano, cuerdas, guitarras etéreas y voces apenas susurradas. En Rest, la banda perfeccionó completamente ese lenguaje. Desde los primeros minutos del álbum queda claro que aquí no hay prisa. Todo respira lentamente. Los silencios tienen tanto peso como los instrumentos y cada arreglo parece colocado con una precisión casi emocional. No hay explosiones grandilocuentes típicas del post-rock clásico; en cambio, Gregor Samsa apuesta por la contención, por la tristeza contenida y la belleza que aparece cuando una canción apenas parece sostenerse en pie. La melancolía como paisaje Escuchar Rest es como caminar solo de madrugada por una ciudad vacía. Hay algo profundamente invernal en el disco, incluso en sus momentos más luminosos. Temas como: se sienten menos como canciones tradicionales y más como pequeños paisajes emocionales suspendidos en el tiempo. Las voces masculinas y femeninas funcionan casi como otro instrumento más, apareciendo y desapareciendo entre reverberaciones y capas ambientales. Todo el álbum transmite una sensación constante de distancia: recuerdos borrosos, despedidas largas y emociones que nunca terminan de decirse por completo. Y ahí está precisamente una de sus mayores virtudes. Mientras gran parte del indie de finales de los 2000 comenzaba a buscar himnos inmediatos o crescendos épicos, Gregor Samsa decidió hacer un disco introspectivo, frágil y profundamente humano. Un clásico secreto del slowcore moderno Aunque nunca alcanzaron popularidad masiva, Gregor Samsa terminó convirtiéndose en una banda de culto dentro de comunidades: Con el paso de los años, Rest ha ganado todavía más relevancia entre oyentes que buscan discos capaces de crear espacios emocionales completos. Su influencia puede sentirse indirectamente en proyectos posteriores de dream pop ambiental, ambient folk y post-rock minimalista. También ayudó el factor internet: durante años, el álbum circuló como una especie de “joya escondida” recomendada en foros, blogs y comunidades melómanas obsesionadas con descubrir discos emocionalmente devastadores. Y sí, Rest pertenece completamente a esa tradición de álbumes que parecen descubrirse en silencio, casi accidentalmente, para luego quedarse contigo durante años. El arte de desaparecer lentamente Quizá lo más fascinante sobre Gregor Samsa es que nunca intentaron convertirse en una banda grande. Incluso su trayectoria tuvo algo fantasmal. Pocos lanzamientos, escasas presentaciones y largos periodos de silencio terminaron construyendo alrededor del grupo una especie de misticismo involuntario. Eso hace que Rest se sienta todavía más especial hoy: un disco que parece existir fuera de las dinámicas modernas de hiperexposición y consumo rápido. No busca llamar la atención. No quiere volverse viral. No necesita gritar. Simplemente está ahí, esperando ser escuchado en el momento correcto. Y cuando eso ocurre, pocas cosas suenan tan profundamente humanas como Rest.

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YOB: espiritualidad, peso y trascendencia en el doom metal contemporáneo

YOB. Formados en Eugene, Oregon, a finales de los noventa, el proyecto liderado por Mike Scheidt ha construido una de las discografías más respetadas y trascendentes del metal extremo moderno. Lejos del cliché del metal únicamente oscuro o destructivo, YOB encontró identidad en algo mucho más complejo: convertir riffs monolíticos y tempos lentos en vehículos de introspección, meditación y catarsis. Su música no solamente aplasta; también abraza, eleva y confronta emocionalmente. Con influencias que van desde Black Sabbath hasta corrientes de música experimental y filosofía oriental, la banda desarrolló un sonido donde el sludge, el stoner y el funeral doom conviven con pasajes psicodélicos y momentos casi contemplativos. La voz de Scheidt, capaz de pasar de cantos etéreos a gritos devastadores, terminó por convertirse en uno de los elementos más distintivos del grupo. Discos como The Unreal Never Lived, Clearing the Path to Ascend o Our Raw Heart son considerados hoy piezas fundamentales del doom metal del siglo XXI. Particularmente Our Raw Heart adquirió una dimensión especial tras los problemas de salud que casi terminan con la vida de Mike Scheidt en 2017. El álbum se convirtió en un documento sobre supervivencia, fragilidad humana y renacimiento. A diferencia de muchas bandas del género que permanecen únicamente dentro del circuito metalero, YOB logró conectar también con públicos cercanos al post-metal, el drone, la psicodelia y la música experimental. Por eso no resulta extraño verlos compartiendo conversación con proyectos como Neurosis, Sleep, Boris o Bell Witch. En vivo, YOB es una experiencia física. Sus canciones suelen superar los diez minutos y funcionan más como viajes inmersivos que como composiciones tradicionales. El volumen, las frecuencias graves y la repetición hipnótica crean una sensación casi ritual que ha convertido a la banda en un acto de culto absoluto dentro del metal contemporáneo. Más allá de tendencias o modas pasajeras, YOB representa algo poco común: una banda extrema capaz de transmitir vulnerabilidad, humanidad y búsqueda espiritual sin perder un solo gramo de pesadez. En tiempos donde gran parte de la música vive obsesionada con la inmediatez, ellos siguen apostando por la paciencia, la profundidad y el poder transformador del sonido

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Tim Hecker convierte el MUAC en una experiencia de ruido, memoria y contemplación

La relación entre el arte contemporáneo y el sonido experimental pocas veces encuentra un espacio tan natural como el que hoy ocurre en el MUAC. Ahí, el compositor y productor canadiense Tim Hecker presenta una instalación sonora que transforma el museo en un territorio inmersivo donde el ruido, la arquitectura y la percepción dialogan constantemente. Reconocido por haber redefinido los límites entre ambient, drone y música electroacústica contemporánea, Hecker lleva décadas construyendo piezas que funcionan tanto como discos de escucha íntima como experiencias físicas. En el MUAC, esa lógica se expande: el sonido deja de ser acompañamiento y se convierte en espacio. La instalación propone una experiencia profundamente sensorial. Capas de frecuencias graves, drones suspendidos, distorsiones digitales y resonancias ambientales recorren las salas del museo generando una sensación casi fantasmal. No se trata de “escuchar canciones”, sino de habitar el sonido. Parte de la fuerza del trabajo de Hecker radica en cómo manipula la saturación y el deterioro sonoro para producir emociones ambiguas: belleza, ansiedad, contemplación y melancolía coexistiendo al mismo tiempo. Su obra siempre ha parecido provenir de ruinas digitales o memorias fragmentadas, y dentro del contexto arquitectónico del MUAC eso adquiere una dimensión todavía más poderosa. La presentación también confirma el creciente interés de la Ciudad de México por propuestas de arte sonoro y música experimental de talla internacional. Durante años, figuras como Hecker ocuparon únicamente circuitos especializados o festivales de nicho; hoy su presencia dentro de un museo como el MUAC evidencia cómo el ambient experimental y el drone contemporáneo se han integrado a conversaciones culturales mucho más amplias. Para buena parte del público mexicano, la obra de Tim Hecker representa además una referencia fundamental dentro de la electrónica experimental de las últimas dos décadas. Discos como Harmony in Ultraviolet (2006), Ravedeath, 1972 (2011) o Virgins (2013) ayudaron a construir una nueva sensibilidad dentro del ambient moderno: una donde el ruido y la abrasión emocional podían convivir con momentos profundamente contemplativos. Más que una exhibición tradicional, la instalación funciona como un ejercicio de percepción. El visitante no solamente observa: atraviesa físicamente un paisaje sonoro en constante transformación. En tiempos dominados por estímulos veloces y consumo inmediato, experiencias como esta recuerdan que el sonido también puede ser arquitectura, memoria y silencio expandido.

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20 discos para entender el legado de la disquera Thrill Jockey

Mientras muchas disqueras independientes de los 90 terminaron atrapadas en una sola escena o sonido, Thrill Jockey hizo exactamente lo contrario: sobrevivió gracias a la mutación constante. Fundada en 1992 por Bettina Richards en Chicago, la disquera nació en plena explosión del indie estadounidense, pero rápidamente encontró un territorio propio entre el post-rock, la electrónica experimental, el noise, el jazz libre, el avant-garde y el heavy psych. Hablar de Thrill Jockey es hablar de una disquera que ayudó a definir cómo sonaría el underground moderno. Su catálogo es uno de los más importantes de los últimos 30 años porque nunca siguió tendencias: las creó. En sus filas convivieron: La gran virtud del sello siempre fue su curaduría. No importaba el género; importaba la sensación de descubrimiento. Y aunque Chicago fue su núcleo creativo, Thrill Jockey terminó conectando escenas de Japón, Alemania, Estados Unidos y Europa bajo una misma filosofía: experimentar sin pedir permiso. 20 discos y bandas esenciales para entender el legado de Thrill Jockey 1. Tortoise — Millions Now Living Will Never Die (1996) El disco definitivo del post-rock noventero. Jazz, dub, krautrock y minimalismo convertidos en algo completamente nuevo. “Djed” sigue siendo una pieza monumental. 2. Tortoise — TNT (1998) Más cálido, más sofisticado y profundamente influyente para el indie instrumental de los 2000. Una obra maestra absoluta. 3. The Sea and Cake — Oui (2000) Minimalismo pop con ADN jazz. Uno de sus discos más pulidos y accesibles. 4. Trans Am — Futureworld (1999) Synths futuristas, krautrock y paranoia digital. Un disco adelantado a la obsesión retrofuturista actual. 5. OOIOO — Gold and Green (2000) Experimentalismo libre, groove y energía orgánica. Muy representativo del lado japonés del sello. 6.Mouse on Mars — Niun Niggung (1999) Electrónica mutante, abstracta y rítmica. Uno de los discos más representativos del enfoque avant del sello en los 90. 7. The Body — Christs, Redeemers (2013) Drone metal + noise con coros industriales. Pesado y profundamente experimental. 8. Freakwater — Springtime (1999) Alt-country oscuro y narrativo. Representa el lado más tradicional del sello reinterpretado. 9. Eleventh Dream Day — Eighth (2011) Indie rock crudo con sensibilidad Chicago. Conecta la raíz rock del sello con su evolución. 10. Rose City Band — Earth Trip (2021) Psych-country moderno, relajado y cósmico. Refleja la etapa más reciente del sello. 11. Matmos — A Chance to Cut Is a Chance to Cure (2001) Cirugías convertidas en música electrónica. Uno de los discos conceptuales más extraños e importantes de la electrónica experimental. 12. Freakwater — Old Paint (1995) Thrill Jockey también abrazó el alt-country oscuro y melancólico. 13. Califone — Roomsound (2001) Folk fantasmagórico, loops y Americana experimental. 14.Sam Prekop — Sam Prekop (1999) Debut solista del vocalista de The Sea and Cake. Pop minimalista, elegante y profundamente íntimo. Un puente perfecto entre el lado más accesible y el más experimental del sello. 15. The Body — I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer. (2018) Uno de los discos más devastadores emocionalmente del metal experimental reciente. 16. Black Pus — All My Relations (2012) Brian Chippendale llevando el ruido a niveles absurdos y brillantes. 17. Pontiak — Maker (2009) Heavy psych moderno con producción analógica gigantesca. 18. OOIOO — Feather Float (1999) Experimentalismo japonés libre, funky y completamente impredecible. 19. Rose City Band — Summerlong (2021) La etapa moderna del sello también abraza el cosmic country y el psych relajado. 20. Claire Rousay — Sentiment (2024) Thrill Jockey sigue encontrando artistas capaces de romper formatos. Ambient emocional y collage sonoro contemporáneo. El verdadero legado de Thrill Jockey Lo impresionante de Thrill Jockey no es solamente cuántos discos clásicos lanzó. Es que logró mantenerse relevante durante más de tres décadas sin convertirse en nostalgia.

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David Byrne vuelve a mirar hacia México con “¿Cuál es la razón?”

David Byrne a sus 73 años sigue encontrando nuevas maneras de dialogar con el mundo. Su nuevo sencillo, “¿Cuál es la razón?”, no solamente representa otro capítulo en su obsesión permanente por la reinvención musical; también funciona como una carta de amor extraña, elegante y profundamente emocional hacia México. a canción es una reinterpretación en español de “What Is The Reason For It?”, tema incluido en Who Is The Sky?, el más reciente álbum de Byrne, publicado vía Matador Records. Pero esta nueva versión no es un simple remix latino para mercados hispanohablantes. Aquí hay una reconstrucción completa de la pieza. Natalia Lafourcade toma el rol vocal originalmente interpretado por Hayley Williams, mientras que Mexican Institute of Sound transforma el track en una experiencia más cálida, llena de metales, percusiones y una energía que se siente particularmente cercana a la Ciudad de México. Y eso es precisamente lo más interesante del lanzamiento: Byrne no está “usando” una estética mexicana. Está entrando en conversación con ella. Desde hace décadas, Byrne ha demostrado fascinación por los sonidos globales. Ya sea explorando ritmos afro-latinos con Talking Heads, colaborando con músicos brasileños o construyendo proyectos como American Utopia, siempre ha entendido la música como un territorio híbrido. “¿Cuál es la razón?” continúa esa lógica, pero ahora desde un enfoque más íntimo y nostálgico. La participación de Natalia Lafourcade es clave porque aterriza emocionalmente la canción. Su voz aporta humanidad y cercanía a una composición que en inglés tenía una vibra más cerebral y art-pop. Aquí, la melancolía se vuelve más romántica, más callejera, incluso más nocturna. Hay algo en el fraseo en español que convierte el tema en una especie de bolero futurista disfrazado de pop alternativo. La producción de IMS también cambia por completo la textura del track. Los metales y la percusión generan una sensación cinematográfica que remite tanto al caos elegante de la CDMX como a la nostalgia urbana de Byrne por Latinoamérica. Según medios cercanos al lanzamiento, la nueva versión fue inspirada directamente por las experiencias del músico en México y por “los eternos misterios del amor”. El timing tampoco parece casual. El lanzamiento llega justo cuando Byrne anunció nuevas fechas en México como parte de su gira Who Is The Sky? Tour, incluyendo conciertos en el Teatro Metropólitan de CDMX, el Auditorio Telmex y el Escenario GNP Seguros. Y aunque Byrne nunca ha necesitado validación cultural externa, “¿Cuál es la razón?” sí se siente como un gesto genuino hacia el público mexicano. No desde la apropiación superficial, sino desde la curiosidad artística que siempre ha definido su carrera.

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Draco Rosa regresa con Olas de Luz: un disco nacido del caos, la sanación y la raíz

El universo creativo de Draco Rosa vuelve a expandirse. Este viernes 24 de abril, el mítico artista puertorriqueño estrena Olas de Luz, un nuevo álbum de estudio que promete reconectar con la esencia más cruda, espiritual y honesta de su música. Definido por el propio Draco como un trabajo “nacido del caos y el pulso crudo de la vida”, el disco se presenta como una obra profundamente emocional, donde conviven la introspección, la memoria y la sanación. Lejos de buscar tendencias, Olas de Luz apuesta por algo más difícil: autenticidad. En tiempos donde la inmediatez domina, Draco Rosa entrega un material pensado para escucharse con atención, casi como un ritual. Un álbum que dialoga tanto con quienes han seguido su trayectoria durante décadas como con nuevos oyentes en búsqueda de una conexión más real con la música. El lanzamiento viene acompañado del video oficial de “Carro de Heno”, uno de los momentos centrales del disco, que refuerza la identidad visual y emocional de esta nueva etapa. Un recorrido por la luz y la sombra A lo largo de sus 12 canciones, Olas de Luz construye un viaje que transita entre la penumbra y la claridad, entre la fragilidad y la fuerza: Hay una narrativa clara: del caos hacia la redención. Del dolor hacia la reconstrucción. Un artista que trasciende generaciones Hablar de Draco Rosa es hablar de una de las figuras más influyentes de la música latina contemporánea. Su carrera, que abarca décadas, lo ha llevado a recorrer el mundo y consolidarse como un artista total: compositor, productor, intérprete y visionario. Ganador de múltiples premios Grammy y Latin Grammy, e integrante del Salón de la Fama de los Compositores Latinos, su impacto va mucho más allá de los escenarios. Su obra ha marcado a distintas generaciones, tanto por su sensibilidad lírica como por su constante búsqueda sonora. Pero también hay una dimensión humana que atraviesa su carrera. A través de iniciativas como Vox Forte Alliance y la Fundación Royal Isabela, Draco ha enfocado parte de su vida en apoyar a pacientes con cáncer y en la preservación ambiental y educativa en Puerto Rico. Más que un disco, una declaración Olas de Luz no es solo un nuevo lanzamiento en la discografía de Draco Rosa. Es una declaración de principios. Un recordatorio de que la música todavía puede ser un espacio de verdad, de vulnerabilidad y de transformación. En un mundo saturado de ruido, Draco apuesta por lo esencial: emoción, identidad y profundidad. Y ahí, justamente ahí, es donde su música sigue encontrando sentido.

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Where Light Pauses In The Silence Of The Sun: el encuentro entre dos arquitectos del silencio

En un territorio donde el sonido se diluye hasta convertirse en atmósfera, Abul Mogard y Rafael Anton Irisarri encuentran un punto de convergencia con Where Light Pauses In The Silence Of The Sun, un álbum colaborativo que se mueve entre la contemplación, la abstracción y una profunda sensibilidad emocional. Black Knoll Editions lanzará Where Light Pauses In The Silence Of The Sun el 26 de junio de 2026. Autor de la foto de portada: Alessio Pizzacannelli. Dos visiones que dialogan en la quietud Por un lado, Mogard ha construido una discografía marcada por la nostalgia y el deterioro sonoro, trabajando con texturas que parecen emerger de memorias fragmentadas. Por el otro, Irisarri ha desarrollado un lenguaje propio dentro del ambient contemporáneo, donde la reverberación, el ruido y las capas densas generan paisajes inmersivos de gran carga emocional. En este nuevo trabajo, ambos lenguajes no chocan: se entrelazan. El resultado es una obra que evita el protagonismo individual y apuesta por una construcción conjunta donde cada elemento respira con paciencia. Aquí no hay clímax evidentes ni estructuras tradicionales; lo que hay es una exploración del tiempo, de la suspensión y de los pequeños cambios que ocurren casi imperceptiblemente. La luz como fenómeno sonoro El título del álbum no es gratuito. Where Light Pauses In The Silence Of The Sun sugiere una paradoja: la luz deteniéndose, el sonido transformándose en silencio. Y esa idea atraviesa toda la obra. Las composiciones avanzan lentamente, con drones expansivos, capas granuladas y una sensación constante de disolución. Hay momentos en los que la música parece evaporarse, dejando apenas rastros, como si el silencio también formara parte activa de la composición. No es un disco que busque llenar el espacio, sino todo lo contrario: lo redefine. Escuchar como acto consciente En tiempos de consumo acelerado, este álbum propone una experiencia distinta. Requiere atención, paciencia y disposición. No hay hooks ni momentos inmediatos; hay procesos, transiciones y una narrativa que se revela poco a poco. Es música que dialoga con la tradición del ambient más introspectivo, pero que también se siente contemporánea en su tratamiento del sonido y su sensibilidad estética. Un encuentro natural La colaboración entre Mogard e Irisarri no se siente forzada ni oportunista. Más bien, parece inevitable. Ambos comparten una visión del sonido como materia maleable, como espacio emocional y como herramienta para explorar la memoria y la percepción. Where Light Pauses In The Silence Of The Sun no busca impresionar. Busca permanecer. Un refugio en el ruido En un panorama saturado de estímulos, este disco funciona como un refugio. Un lugar donde el tiempo se estira y donde la escucha se convierte en una experiencia casi física. No es música para todos, y ahí radica parte de su valor. Es una obra que exige, pero también recompensa. Y en ese equilibrio —entre exigencia y belleza— es donde este encuentro encuentra su verdadera fuerza.

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William Basinski en el CENART: una experiencia sonora que habita el tiempo y la memoria

El próximo 9 de mayo, Centro Nacional de las Artes recibirá a William Basinski, uno de los nombres más importantes de la música experimental contemporánea. Más que un concierto, lo que se prepara es una experiencia inmersiva donde el sonido, la repetición y el paso del tiempo se convierten en protagonistas. La presentación tendrá lugar en la Plaza de las Artes, en un formato extendido que se aleja del show convencional: una invitación a escuchar con atención, a observar cómo las capas sonoras se transforman lentamente y a habitar el espacio desde una dimensión casi meditativa. El arte de la desintegración Hablar de Basinski es hablar de memoria. Su obra más reconocida, The Disintegration Loops, no solo es un hito dentro del ambient, sino una pieza clave del arte sonoro del siglo XXI. Construida a partir de cintas magnéticas deterioradas que se descomponen mientras se reproducen, esta serie captura algo profundamente humano: la belleza de lo efímero. Desde los años 80, Basinski ha trabajado con loops, grabaciones analógicas y sistemas obsoletos para crear paisajes sonoros que parecen suspendidos en el tiempo. Su música no busca el impacto inmediato, sino la contemplación. Es lenta, emocional y, en muchos sentidos, profundamente cinematográfica. Un ritual en vivo Sus presentaciones en vivo son conocidas por ser experiencias únicas. No hay dos iguales. Basinski manipula cintas, procesa sonidos en tiempo real y construye atmósferas que evolucionan de forma orgánica, casi imperceptible. El show en el CENART no será la excepción. Se anticipa como un evento especial dentro de la escena experimental en la ciudad, acompañado de talento nacional y diseñado específicamente para el espacio. Basinski en México La relación de Basinski con México no es nueva. En años recientes ha visitado el país como parte de plataformas clave de música experimental como MUTEK México, incluyendo una presentación destacada en el Museo Anahuacalli. Cada visita ha reforzado su conexión con una audiencia local particularmente receptiva a propuestas de corte experimental y contemplativo. Un evento que ya es parte de la conversación El interés por esta presentación ha sido alto desde su anuncio. De hecho, el evento ya ha registrado alta demanda e incluso reportes de boletos agotados en plataformas especializadas. Esto no es casualidad: ver a Basinski en vivo no es simplemente asistir a un concierto, sino presenciar una obra en constante transformación. Escuchar el tiempo En un contexto donde la música suele consumirse rápido, la obra de William Basinski propone lo contrario: detenerse. Escuchar con paciencia. Encontrar belleza en la repetición y en la degradación. El 9 de mayo en el CENART no será una noche cualquiera. Será un espacio para perderse en el sonido, en la memoria y en esa extraña sensación de que el tiempo, por un momento, se disuelve. Boletos a la venta En este link: https://cenart.comprarboletos.com/musica/william-basinski-en-vivo-en-el-cenart-285

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