Depósitio Sonoro

Pavel Rosado

Editor de Depósito Sonoro | Dj | Noveno piso

Enigmático y cautivador, conociendo más a Abul Mogard con su nuevo disco

Originario de Belgadro, Abul Mogard pertenece al grupo de artistas en quienes la madurez les dio cierta claridad y sabiduría que los arrebatos juveniles no nos pueden dar. Se dice que es un artista que inició una carrera ya entrada la madurez y que ello ha sido el determinante para iniciar una carrera por alto. Jubilado de décadas de una fabrica en Serbia, empezó a experimentar y modificar sintetizadores tratando de recrear los sonidos que escachaba en su trabajo. El camino relativamente inusual de Abul Mogard para llegar a la música está bien documentado. Abul Mogard se acercó a la música en la vejez, nació en Belgadro y pasó la mayor parte de su vida trabajando en una fabrica en Serbia, en cuanto se retiró, sintió que su entorno, rodeado de sonidos que había estado escuchando durante todos esos años de trabajo, se había ido, el anhelaba el ruido mecánico y complejos armónicos de su lugar de fábrica y descubrió que la mejor manera de satisfacer esa necesidad era a través de la música, y al no tener educación musical formal, se dio cuenta que con el uso de instrumentos musicales electrónicos lo haría de alguna manera posible. Con estos aparatos él podía generar sonidos similares a los que él recordaba, y así, comenzó a conocer y a trabajar con sintetizadores y otros dispositivos, algunos de los cuales incluso él mismo ha construido. Abul Mogard ha decidido mantener en un enigma su verdadera identidad para mostrar esencialmente su música, aunque le ha resultado imposible después de Above All Dreams, un álbum considerado uno de los mejores discos de música experimental de los últimos años, haciendo que miles de personas y medios levanten la cabeza en busca del enigmático ente detrás de esta hermosa y cautivadora música. La música de Abul Mogard está empapada de una riqueza emocional que es difícil de olvidar una vez que se experimenta. Grandes pinceladas de sonidos graves distorsionados que recuerdan a Fennesz o a Tim Hecker, mezclados con referencias sonoras de Steve Reich o Coil que generan progresiones armónicas naturalmente gloriosas que pintan panoramas de cielos abiertos en una escala sutil de grises al mismo tiempo que transmiten la sensación íntima de una persona esforzándose por generar un sonido que evoque un sentimiento que realmente signifique algo para él, y por momentos, para nosotros. El hecho de que Mogard provenga de un área totalmente lejana a la música de sintetizadores, incluso, a la música en sí misma, y que tenga la edad en la que mayoría de las personas se dedican a la jardinería, solo ayuda a reforzar el animar y la magia que rodean a este notable artista y a su música adictiva y profundamente emocional.

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Still slipping vol. 1, impresionante debut en discos de larga duración de Joy Orbison

Peter O´Grady apareció en la escena musical en 2009 con su sencillo Hyph Mngo, y desde entonces, hizo girar todas la miradas y oídos hacia su música, ahora, este 2021, Joy Orbison lanza su primer álbum de larga duración llamado Still slipping vol. 1, uno de los discos de música electrónica que se postula como uno de los mejores del año. Still slipping Vol. 1, marca la evolución en la carreta musical de Peter O´Grady. Quienes ya conocen los sets como DJ de Joy Orbison reconocerán sus diversos gustos e inspiraciones, representados aquí a través de una lisa de colaboraciones cuidadosamente seleccionadas, matizadas con las voces de su familia que aparecen a lo largo del disco, obtenidas de pláticas con ellos durante este último año de encierro, incluso, apareciendo una de sus primas en la portada del disco, dando una visión íntima e indirecta al mundo personal de O´Grady, un artista introvertido que generalmente había esquivado las miradas del publico. Un álbum con un toque cálido y personal, con ritmos detallados, elementos atmosféricos y texturas fragmentadas que se aleja de la euforia post-dubstep en la que Joy Orbison había estado jugando durante 12 años para apegarse a un house rítmico y relajado, y a un trap introvertido desde el principio al fin. En resumen, Still slipping vol. 1 es un trabajo de amor que requiere una extensa reflexión sobre cómo la música, la familia y el encierro han impactado en la vida de la gente.

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Xerrox, Vol. 4, el regreso de Alva Noto a los escenarios cinematográficos

Alva Noto regresa a su tan esperado proyecto Xerrox con Vol. 4, la cuarta entrega de la serie prevista de cinco piezas que se basa en el concepto de repetición sonora. Utilizando un proceso de copiado y repetición de un sonido base, la serie Xerrox se ocupa de la manipulación de sonidos por medio de una reproducción infinita.  Debido al proceso de copiado y repetición desde otras copias de sonido, los sonidos de base van cambiando tanto, que casi no se pueden asociar con el material de origen. Como resultado, se crean sonidos completamente nuevos, es decir, las copias se convierten en sonidos originales.  Género: Ambient / Microsound / Electrónica / Glitch Label: Noton Siguiendo a Xerrox Vol. 1 (2007), vol. 2 (2009) y vol. 3 (2015), Carsten Nicolai continúa la pentalogía eludiendo la precisión y el diseño de sonido matemático por el que es reconocido, para acercarse a una armonía menos técnica compuesta bajo un paisaje cinematográfico sonoro unificado, acordes cálidos, entornos digitales vibrantes, ruido y sonido estático. En Vol. 4 se siente la tensión entre el calor orgánico y las ondas de sonido estáticas que generan una cascada de electrónica de sonidos. Si bien la obra de Alva Noto está predominadamente afiliada a una estructura sonora impecable, Xerrox Vol. 4 tiene gestos más íntimos y sensibilidad emocional. Este cuarto volumen se aleja más del conceptualismo y el orden, y se acerca a elegías conmovedoras y a proyecciones de ciencia ficción alucinantes en territorios extrasolares. 

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Max Cooper y Bruce Brubaker lanzan Glassforms, un álbum con temas rediseñados de Philip Glass

Max Cooper se asoció con el compositor estadounidense Bruce Brubaker para rediseñar, revivir, recontextualizar y redirigir algunos temas de Philip Glass hacia nuevas y emocionantes formas.  Género: Experimental / Minimal / Clásica moderna / Electrónica Label: Infiné Max Cooper ha estado dirigiendo algunos de los proyectos más interesantes de la música electrónica en los últimos años y eso no cambia en este 2020. Ahora, se ha asociado con el artista, músico, pianista, profesor y escritor estadounidense Bruce Brubaker para lanzar un nuevo álbum llamado Glassforms, un álbum que busca dirigir algunas de las composiciones de Philip Glass en nuevas y emocionantes formas.  Glassforms es un álbum que Cooper y Brubaker se propusieron hacer con instrumentos y herramientas que ya tenían a su disposición y con otras nuevas. Trabajaron con el desarrollador de software Alexander Randon para crear un programa que tomaba sonidos del piano y los transformaba en formas nuevas, pero íntimamente relacionadas, para después impulsar sintetizadores, un experimento riesgoso y emocionante con el que crearon una autentica mezcla de sonidos modulada entre lo tradicional y lo moderno.  El orden y el caos en equilibrio son elementos presentes en el comportamiento humano y mundo que nos rodea, también son elementos que siempre están presentes en la música de Max Cooper y es el origen de la belleza de su trabajo, que en Glassforms se refleja como un álbum que brilla de principio a fin. 

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Temas clave de la artista y una de las pioneras de la música electrónica: Laurie Anderson

Laurie Anderson, una artista única que trabaja en su arte sin ser contenida por él. En la década de los 80 parecía inverosímil en la escena post-punk, en donde a punta de violín y con un registro vocal inequívocamente tranquilo se abrió paso en las listas de popularidad logrando también allanar el camino para artistas contemporáneas como Kaitlyn Aurelia Smith y Jenny Hval, quienes comparten los banderines de Anderson para un audaz experimentalismo.  El trabajo de Anderson se basa en su papel de narradora de historias que gran parte ocurrieron en su vida mientras crecía y que originalmente comenzó a contar para entretener a su hermano menor quien tenía problemas para dormir.  Con un enfoque multidisciplinario, Anderson le dio sentido a su carrera artística mezclando escultura, cine y música, logrando extenderse entre la vanguardia y el pop. En 7 álbumes, la ahora de 73 años ha colaborado con figuras tan diversas como Nile Rodgers, John Zorn y su difunto esposo Lou Reed. Realmente no hay momento ideal para repasar la carrera de Anderson, por eso aquí tenemos algunos temas que sirven como una guía para entender la carrera expansiva y sorprendente de Laurie Anderson.  O Superman (1981) No hay un éxito más notable que O Superman, una canción de 8 minutos y medio de duración que se inspira en el minimalismo y la opera, una pieza musical densa e intertextual que forma parte de un disco compuesto por un espectáculo multimedia que mezclaba diapositivas, efectos de sonido y recitación de una concepción apocalíptica del poderío tecnológico de los Estados Unidos. El tema tuvo tanto éxito en el Reino Unido que alcanzó el numero dos en las listas de popularidad y colocó a Anderson como una artista de vanguardia con sede en Nueva York y un fenómeno del pop global dandole siete contratos en Warner Brothers. Cerca de cumplir 40 años, la canción suena tan fuera de tiempo como lo sonaba en 1981, lo que sugiere que Anderson estaba más que unas pocas décadas adelantadas a su tiempo.  From The Air (1982) From The Air es parte del camino que Anderson emprendió en O Superman pero con un ritmo más complejo, marcado en parte por la voz y el saxofón. A pesar de la participación tan importante de Anderson en este tema, no hay concesiones, por lo que se inclinó hacia sus idiosincrasias en lugar de trabajar en un tema más agradable para un publico más amplio.  Dark Angel (2001) La colación de Brain Wilson y Van Dyke Parks le da a Dark Angel una cualidad exuberante, como si se tratase de un musical perdido de los años 50 pero con una sensación nauseabunda que sugiere que la canción fue trabajada durante mucho tiempo; sin embargo, la voz de Anderson se siente improvisada, como si estuviera en un escenario mientras la música le persigue para darle ritmo. Un tema inteligente en el que la música de Anderson tiene un toque aún mas atemporal.  The Dream Before (1989) A diferencia del avant pop de sus primeros 3 álbumes, Strange Angels marcó un giro en la carrera de Anderson, en donde comenzó a quitar todos los arreglos a sus temas para hacer canciones marcadamente más musicales desde su enfoque. Al igual que en sus trabajos anteriores, en The Dream Before el movimiento de la canción está determinado por la narrativa pero nunca con tanto peso.  My Right Eye (2010) Con el lanzamiento de Homeland en el 2010, parecía que Anderson finalmente se sentía cómoda para sondear en la oscuridad sin tener que contrarrestarla con algunos temas o ritmos alegres. Canciones como My Right Eye tienen una cualidad directa que fue anticipada en trabajos anteriores como Strange Angels o Bright Red, enfatizando la voz sutil y expresiva de Anderson al tiempo que embellece la canción melódicamente con cuerdas y percusiones mínimas. Un tema que se siente honesto y sigue siendo tan intransigente como siempre.  A Story About A Story (2015) A Story About A Story es una reflexión sobre la vida, el amor y la muerte a través de la historia de su difunto perro, Lolabelle. Una línea ambiental de sintetizador que brilla levemente en el fondo mientras Anderson cuenta su breve historia. Un tema personal, con música austera en donde Anderson construye la canción con capas de voz narrativas antes de colapsar entre sí con un golpe final.  Estuvo casada con el cantante Lou Reed hasta la muerte de este iconico músico el 27 de octubre del 2013.

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Sound of Berlin, un documental sobre la música electrónica de la capital alemana

Sound of Berlin es un documental lanzado en el 2018 que habla sobre la música electrónica de la capital alemana, una de las mecas de este género . A través de entrevistas con artistas y promotores, la actriz Carolina Thiele examina la historia de la vibrante vida nocturna de Berlín para entender cómo la cultura de la música electrónica evolucionó hasta colocar a la ciudad alemana en un lugar mundialmente reconocido.  Thiele viaja por la capital haciendo entrevistas a Juan Atkins, Dr. Motte, Dimitri Hegemann, Marco Houle, Monolink, Pan-Pot, Mathias Kaden, Nela, Alexander Krüger, Ekateirna y FreedomB. 

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Kieran Hebden acaba de lanzar un nuevo EP bajo su indescifrable alias

⣎⡇ꉺლ༽இ•̛)ྀ◞ ༎ຶ ༽ৣৢ؞ৢ؞ؖ ꉺლ está de vuelta con cuatro temas nuevos Kieran Hebden, mejor conocido como Four Tet, acaba de lanzar nuevos temas de nombre confuso, justo en estos momentos de confusión y pandemia. Las cuatro nuevas pistas fueron lanzadas bajo su proyecto paralelo de nombre indescifrable ⣎⡇ꉺლ༽இ•̛)ྀ◞ ༎ຶ ༽ৣৢ؞ৢ؞ؖ ꉺლ. Quizá arpopiadamente, los nombres de los temas son tan ininteligibles como el nombre del propio EP con el que fueron lanzados, ooo ̟̞̝̜̙̘̗̖҉̵̴̨̧̢̡̼̻̺̹̳̲̱̰̯̮̭̬̫̪̩̦̥̤̣̠҈͈͇͉͍͎͓͔͕͖͙͚͜͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢ͅ oʅ͡͡͡͡͡͡͡͡͡͡͡( ؞ৢ؞ؙؖ⁽⁾˜ัิีึื์๎้็๋๊⦁0 ̟̞̝̜̙̘̗̖҉̵̴̨̧̢̡̼̻̺̹̳̲̱̰̯̮̭̬̫̪̩̦̥̤̣̠҈͈͇͉͍͎͓͔͕͖͙͚͜͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢ͅఠీੂ೧ູ࿃ूੂ, que como lo indica la portada, el EP es parte de un mundo lleno de figuras y colores, con percusiones claras, melodias dulces y jueguetonas que ofrecen un colorido viaje. En resumen, ooo ̟̞̝̜̙̘̗̖҉̵̴̨̧̢̡̼̻̺̹̳̲̱̰̯̮̭̬̫̪̩̦̥̤̣̠҈͈͇͉͍͎͓͔͕͖͙͚͜͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢ͅ oʅ͡͡͡͡͡͡͡͡͡͡͡( ؞ৢ؞ؙؖ⁽⁾˜ัิีึื์๎้็๋๊⦁0 ̟̞̝̜̙̘̗̖҉̵̴̨̧̢̡̼̻̺̹̳̲̱̰̯̮̭̬̫̪̩̦̥̤̣̠҈͈͇͉͍͎͓͔͕͖͙͚͜͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢͢ͅఠీੂ೧ູ࿃ूੂ ofrece cuatro temas de dulzura sin nombre. 

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GG Allin, controversial del hardcore punk verdaderamente antisocial

GG Allin, fue nombrado a su nacimiento, como Jesucristo Allin el 29 de agosto de 1956, su hermano mayor Merle, de niño, no podía pronunciar Jesucristo y lo llamó GG. El hogar de GG no proporcionó el ambiente mas acogedor para los niños Allin, en una casa sombría sin agua corriente, ni electricidad, con aislamiento extremo gracias a su padre, el señor Merle Allin, un fanático cristiano que frecuentemente amenazaba con matar a su familia y los encerraba en el sótano para evitar todo tipo de conversación y contacto con el exterior, que finalmente se suicidó. Allin entró a la música a una edad muy temprana participando en bandas como Malpractice y Stripsearch, pero fueron los Jabbers quienes lo pusieron en el mapa. Luego de liderar varias bandas, GG Allin se consideraba el alma gemela de leyendas del country como Hank Williams y David Allan Coe lo que lo impulsó a grabar canciones country ilegales como Guns, bitches, brawls and bottles, Carmelita y Pick me up on your way down, incluidas en un álbum llamado Carnival of Excess.  Muchos músicos afirman que la música los mantiene fuera de problemas personales y pensamientos nocivos, y que sin ella habrían terminado en la cárcel o muertos, pero GG Allin estaba en un viaje totalmente diferente junto con su música. Para él, no había separación entre la vida y el arte: hacía música, terminó en la cárcel, y finalmente murió por su propia mano. Para GG, la música y la cultura del rock eran simplemente armas en su arsenal.  La producción de discos de Allin fue prolífica, con más de una docena de discos en su repertorio, Allin recorrió Estados Unidos sin descanso, dando conciertos con la convicción de que lo seguía una nube nociva que acabaría con él. Se calcula que fue arrestado cincuenta veces y finalmente encarcelado por golpear a un espectador en Michigan. El espectáculo de GG, entre actuación y efectos de drogas, incluía defecación, autoheridas, sangre, violencia y desnudez, dándole notoriedad por romper los límites de la ley, del comportamiento social y de las reglas sociales en general. El 27 de junio de 1993, Allin hizo su ultima presentación en el Gas Station en la ciudad de Nueva York, la luz se fue después de la segunda canción lo que causó un motín. Allin salió a la calle y se dirigió a un departamento en donde ingirió una dosis letal de heroína y fue declarado muerto al día siguiente, tenía 36 años. Allin había afirmado durante mucho tiempo que se suicidaría en el escenario, por lo que su muerte fue una muerte cliché del rock, algo que él no le hubiera gustado. Es difícil imaginar a GG Allin en un mundo del siglo XXI. Mucho ha cambiado, la vida actual se ha vuelto más conceptual, llevada a través de dispositivos móviles y en línea, y la experiencia visceral e inmediata ha dejado de lado el desapego voyeurista. La fascinación por el lado oscuro de la vida está todavía presente y se espera que llegue un antihéroe para romper las reglas de conformidad social y abrace totalmente a la oscuridad. GG Allin hizo todo eso.   Interprete, divisivo, destructivo y demente, GG Allin fue uno de los pocos músicos que convirtió el mito de los forajidos en realidad. Y que al final, miró al abismo, y el abismo lo miró a él. 

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