Depósitio Sonoro

Pavel Rosado

Editor de Depósito Sonoro | Dj | Noveno piso

KAZU, vocalista de Blonde Readhead debuta como solista

Durante 26 años la vocalista de origen japonés, Kazu Makino ha dirigido al gran trío de Nueva York, Blonde Redhead, quienes han pasado por una nueva evolución sonora y siempre han caminado sobre la delgada línea entre lo glamoroso y lo vanguardista. Barragán, el último álbum de Blonde Redhead cumple casi seis años y ahora, Makino ha anunciado su primer álbum en solitario, Adult Baby que llegará próximamente este año. Aún no se saben los detalles del álbum pero Makino ha compartido el video del primer sencillo Salty y hace unas pocas semanas publicó Meo, el segundo tema de esta nueva etapa de la vocalista japonesa.  Adult Baby cuenta con un equipo estelar de colaboradores: el dios japonés de la nueva era musical, Ryuichi Sakamoto, el percusionista de Atoms For Peace, Mauro Refosco, el baterista de Son Lux, Ian Chang, Greg Saunier de Deerhoof, Sam Griffin Owens y Amadeo Pace de los mismos Blonde Redhead.  No hay sonidos de guitarras en los dos temas lanzados por KAZU, solo sonidos de sintetizadores relativamente simples, con baterías y las voces magníficamente oblicuas de Makino que navegan por encima de la música. Salty y Meo evocan la propia atmósfera de Blonde Redhead y hacen sentir como si estuvieras flotando en algún lugar completamente diferente.  Además de la versión puramente sonora de Adult Baby, el proyecto también llegará con una versión visual completa encabezada por la cineasta Eva Michon.  Meo y Salty son parte de las pistas mas significativas de Adult Baby, no es casualidad que hayan sido elegidas como la banda sonora del extraordinario y emocionante trailer de la próxima película narrativa que acompaña a Adult Baby, un álbum visual genuino e inspirado en las pistas del álbum. Adult Baby 1. Salty 2. Come Behind Me, So Good! 3. Meo 4. Adult Baby 5. Place Of Birth 6. Name And Age 7. Unsure In Waves 8. Undo 9. Coyote

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Lanza Raster Media Söder Mälarstrand de Lena Andersson, un álbum complejo, divertido y metódico

Siempre es emocionante ver un nuevo lanzamiento de Raster Media (antes Raster Noton), y las líneas amplias y limpias que aparecen en la portada de algún nuevo disco pueden identificarse rápidamente al abrir la página del sello, lo que indica inmediatamente que ha sido lanzado un nuevo álbum. Género: Experimental | Techno | Ambient | IDM | Minimal Label: Raster Media ★★★★★ El nuevo disco publicado en Raster Media está impulsado por el dúo llamado Lena Andersson, compuesto por la artista japonesa Kyoka y el productor irlandés Eomac. En un principio el nuevo álbum publicado en Raster Media puede sonar como un motor que intenta encenderse sin éxito, pero con el tiempo se diseña a sí mismo como una estructura rítmica que se desliza entre el techno minimalista y una especie de post-IDM con fragmentos vocales.   Söder Mälarstrand es un lugar hacia el sur de Suecia, cerca de Estocolmo, pero también es el personaje ficticio creado por el dúo integrado por Kyoka y Eomac. El álbum tiene el sonido clásico de Raster Media. Es audaz en cada latido pero tiene mucho espacio para maniobrar con sonidos suaves y densos una y otra vez. El estado de ánimo del disco es brillante con un enfoque experimental, contrarrestado por los exquisitos sintetizadores y efectos vocales que son más audaces que sutiles.  Las tendencias agresivas de Söder Mälarstrand se remontan a mediados de los años ochenta con Cabaret Voltaire. Hay doce pistas que podrían haberse construido en tres o cuatro cuadrantes: pasajes densos y oscuros, pasajes serpenteantes y fríos, microtechno mezclado con industrialismo tímido y atmósferas ambientales flotantes con estática adicional interrumpidas por ritmos tribales aireados. Un álbum complejo, divertido y metódico. 

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La historia (homenaje) de un verdadero artista, Daniel Johnston

No Daniel Johnston, una figura de culto de la música underground que ha extendido sus influencias a otras corrientes musicales y que su arte tiene una calidad que, aunque quizá no es universal, resuena en otros artistas ¿Qué tienen en común Pearl Jam, Tom Waits y Beck?, además de ser figuras icónicas en sus respectivos géneros musicales, todos han interpretado alguna canción de Daniel Johnston. El mismo Kurt Cobain promocionó con profundo impacto el estilo musical de Johnston e incluso dijo que Yip/Jump Music era uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos. Larry Clark usó parte de la música de Johnston para crear la banda sonora de su controvertida película Kids en 1995. Lana del Rey produjo una breve biografía que narra la enigmática y peculiar vida de Johnston. La lista continúa, pero ¿quién es el hombre detrás de la musa de tantos artistas?. Nacido en 1961 Daniel Johnston creció en las colinas rurales del oeste de Virgina, es el menor de cinco hermanos. Después de no tener éxito en el curso de arte de la Universidad Estatal de Kent, se mudó a Austin, Texas para continuar con su carrera musical. Rápidamente reunió a un público local pequeño pero dedicado repartiéndoles cintas con su música en el McDonald´s dónde trabajaba. Sus fanáticos acudían con fervor a sus presentaciones no tradicionales, por ejemplo en sótanos y así, poco a poco, Johnston amplió su alcance al aparecer en un programa de MTV que promovía la Nueva Sinceridad en Austin, un movimiento cultural y musical que sería la clave para entender el atractivo de Johnston, sin embargo, fue hasta que Cobain apareció en los MTV Video Music Awards de 1992 con una camiseta con la portada del álbum Hi How Are You de Johnston hasta que realmente su popularidad comenzó a despegar. A pesar de que Johnston residía en un hospital psiquiátrico en ese momento por sufrir esquizofrenia y episodios maniacos intensos, los sellos discográficos mostraron gran interés en su música. Después de negarse a firmar un contrato de varios álbumes con Elektra Records porque creía que estaban asociados con satanás y lo lastimarían, finalmente llegó a un acuerdo con Atlantic. Por problemas comerciales Johnston tuvo que dejar el contrato y volvió a grabar su música a su manera: solo y por su propia cuenta.  Para Johnston, escribir canciones es una compulsión. A lo largo de toda su carrera su discografía total actualmente es de 29 álbumes, el último lanzado en el 2013. En resumen, el estilo de escribir canciones de Johnston es, en todo caso, verdaderamente honesto. No intenta oscurecer el significado de sus letras a través de la ironía o el cinismo. Debido a esto se puede identificar a Johnston como la voz del principal del movimiento de la Nueva Sinceridad tanto en la literatura como en la música. No todo lo escribe lo ha experimentado, tanto física como mentalmente, pero cuan estrechamente esté vinculado a la realidad o sus experiencias, es otra historia.  Cuando se escucha a Johnston existe la impresión de que su mente está plagada por las voces internas características de la esquizofrenia, llena de palabras e historias que él intenta expresar con desesperación. Hay un discernible sentido de urgencia en su voz y música a medida que sus pensamientos caóticos ocupan lugar central en sus temas. La instrumentación rudimentaria y simplista define su estilo, a menudo categorizada por los críticos como experimentación pop o folk que parece ser adecuada para sus letras de expresiones crudas con energía infantil. En sus actuaciones en vivo, Johnston parece frágil, colocado delicadamente en un escenario frente a una multitud que parece demasiado grande para el tipo de nicho que él quisiera.  Con la edad, Johnston adquirió un temblor permanente y debilitante como resultado de su tratamiento antipsicótico, se ha retirado de su carrera con una última gira en el 2017 y se encuentra en su casa dibujando y escribiendo cartas a sus familiares. En una entrevista para New York Times, Johnston dijo que no podía dejar de escribir, si dejara de hacerlo no habría nada. Tal vez todo parara.  Actualmente Johnston continua viviendo en Austin, a lo largo de su vida se ha convertido en una figura de culto de la música underground, su influencia se extiende a otras corrientes musicales y su arte tiene una calidad que, aunque quizá no es universal, resuena en otros artistas.   

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Se cumplen 50 años de Space Oddity, la estrella brillante en el firmamento de David Bowie

En una carrera por el estrellato de la ciencia ficción que había crecido a principios de los años 70, el joven David Bowie escribió el himno de un astronauta en el espacio de 1969, quizá la canción mas hermosa de el. En la oscuridad del Casino Cinerama de Londres, David Bowie de 21 años miraba impactado a un embrión espacial flotando en la enorme pantalla del teatro, era verano de 1968 y esta era la tercera vez que el cantautor había visto 2001: A Space Odyssey, estrenada en abril de ese año, Bowie relacionó esa escena con la sensación de aislamiento, de fluidez. Si bien la película de Stanley Kubrick proporcionó el escenario y titulo para el primer éxito de Bowie, hubo otras inspiraciones que dieron forma al sonido y visión de la canción. Ese verano Bowie se enamoró del álbum Bookends de Simon & Garfunkel, especialmente al tema Old Friends cuyas notas de viento fueron tomadas para la parte en donde el Mayor Tom sale de su nave. Más significativa fue la relación decadente de Bowie con su novia, la actriz Hermione Farthingale quien lo hizo escribir para y sobre una persona específica. La ruptura con ella produciría un puñado de canciones, pero el vacío solitario que Bowie sintió por la ausencia de Hermione fue la metáfora perfecta al estar un astronauta a la deriva abandonado en una cápsula espacial.  Nunca se supo de dónde salió el nombre del astronauta pero hay una teoría intrigante. Cuando Bowie era niño y crecía en Bromley vio carteles que anunciaban la presentación del conocido interprete de música de sala Mayor Tom, momento en el cual ese nombre se alojó en su memoria. Cualquiera que sea la fuente, el comandante Tom se convirtió en el primero de una larga lista de personajes míticos que flotan en el universo musical de Bowie.  El demo fue lanzado el 11 de julio de 1969, nueve días antes de la llegada del Apolo 11 a la luna. Miles de copias fueron enviadas a los Estados Unidos pero a pesar de los esfuerzos para llevar a cuestas el momento más glorioso de la NASA hasta ahora, el tema tuvo poco éxito en los Estados Unidos, sin embargo, su aceptación en Inglaterra fue mucho más cálida, por ejemplo, fue usado por la televisión británica como música de fondo durante la transmisión del aterrizaje del Apolo 11 en la luna, aunque a Bowie se alegró mucho de que lo hicieran, él estaba consciente que en ese momento la música era lo que menos le interesaba a la gente.  Space Oddity sigue siendo el sencillo más vendido de Bowie en el Reino Unido hasta la actualidad. Ha sido interpretada por más de veinte artistas incluidos Def Leppard, Tangerine Dream y Cat Power, ha aparecido en juegos de video y se iba reproduciendo continuamente en el auto Tesla lanzado al espacio en el 2018. Canción de cuna intergaláctica, melodía de ruptura o de nuevos caminos, conexión de la NASA, Space Oddity es todo esto y más. Una canción de cinco minutos tremendamente tentativa que comenzó la fértil vida de Bowie dentro del pop innovador. Un tema que quizá no fue algo que nadie hubiera hecho antes y que quizá es por eso que sigue siendo un clásico hermoso, que habla sobre el gran sueño de la humanidad que empujó al hombre al espacio pero que una vez que llegó ahí no estaba tan seguro de haberlo logrado. Space Oddity, un ícono de la música y una estrella brillante en el firmamento del legado de Bowie.       

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La artista y poeta francesa Felicia Atkinson lanza su nuevo disco The Flower And The Vessel

La plataforma multidisciplinaria Shelter Press ha lanzado un nuevo álbum de la compositora y poeta experimental de origen francés Félicia Atkinson llamado The Flower And The Vessel, música sutil que va de menos a más. Género: Experimental | Avant-Garde | Ambient | Label: Shelter Press ★★★★ Al empezar como lo hace, con apenas un susurro, The Flower and the Vessel de Félicia Atkinson, es un claro ejemplo de la música que va de menos a mas. Es quizá parecido al New Age de mediados de los ochentas que inundó a la música ambient durante una generación. Pero realmente es un error ver el trabajo de Atkinson desde esta perspectiva. La poeta y compositora de Rennes, Francia, aborda su obra formalmente y con gran seriedad. Obtuvo una maestría en Bellas Artes con honores en Les Beaux Arts de París y actualmente es candidata a un doctorado en musicología en la universidad de Rennes.  De acuerdo a su biografía, su trabajo se centra en la improvisación, el silencio y ruido, las pausas, la música concreta, los espacios poéticos, desiertos, bosques, animismo, abstracción, ambición y lenguaje.  Las once piezas presentadas en The Flower and the Vessel son sorprendentemente complejas dado el enfoque delicado que Atkinson da a su música. Una poderosa combinación en donde ella es capaz de presentar trabajos que a veces son realmente difíciles de hacer pero como los realiza con tanta sutileza no se puede encontrar un solo defecto en los setenta minutos del álbum. La instrumentación del álbum contribuye a esta perfección. Sus líneas de piano son tan prominentes como su voz. Destacan los efectos del delay y otros afectos digitales obtenidos de un iPad, el gong, el vibráfono, la marimba y las grabaciones de campo en Tasmania y el desierto de Mojave.  Mientras Atkinson habla en inglés, el disco está arraigado en la historia de la música francesa. Un disco bien formado en donde Atkinson propone que el minimalismo no debe perderse, como tampoco debe perderse la oportunidad de escucharlo.

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Deadbeat y Robag Wruhme, dos incansables músicos vuelven a lanzar álbum y los dos son increíbles

Deadbeat y Robag Wruhme no se cansan de producir música y publicar discos, lanzan cada quien álbum nuevo y los dos son como siempre, increíbles. Deadbeat – Trinity Thirty Género: Experimental | Electronic | Dubstep | Ambient Label: Constellation ★★★★ Por un lado el músico de origen canadiense, diseñador de sonido y profesor de tecnología musical Deadbeat, lanza junto con Camara, una versión sutil del segundo álbum de The Cowboy Junkies, The Trinity Session, álbum famoso como un clásico silencioso que se grabó alrededor de un solo micrófono en la iglesia de la Santísima Trinidad de Toronto. Sin ninguna otra razón más que conmemorar el trigésimo aniversario del álbum, Deadbeat y Fatima Camara han asumido la responsabilidad de suprema de elogiar The Trinity Session de la mejor forma posible (y con el respaldo de Cowboy Junkies). Un lanzamieno que reinterpreta de forma increíble el clásico álbum con escasos arreglos, capas de sonido mínimas y voces emotivas. Un álbum que se cuida y celebra por sí solo. Tan original como el original.  Robag Wruhme – Venq Tolep Género: Downtempo | Ambient | Deep House Label: Pampa Records ★★★★ Por otro lado Robag Wruhme continúa el camino que comenzó hace ocho años con Thora Vukk, ahora con Venq Tolep, un álbum con una peculiar combinación de ambient y house, de un inicio cálido y envolvente que se pierde entre el ruido ambiental y los beats profundos de Robag. Venq Tolep se trata de un hermoso y cálido disco cubierto por las hermosas atmósferas ambient que afirman que se trata de Robag Wruhme haciendo esos sonidos casi calculados hasta evolucionar a la mitad del álbum en donde delinea los contornos de piezas más fuertes que nos recuerdan que Thora Vukk fue un gran álbum y que las pistas de Robag Wruhme son muy temáticas. Aunque Venq Tolep es un álbum consistente, no deja una impresión duradera, quizá, algo en un futuro cercano tiene preparado Wruhme, como el acostumbra. Ya sea Trinity Thirty o Venq Tolep, ambos son dos ejemplos hermosos de que aun existen productores de música electrónica capaces de innovar y lanzar un álbum fascinante en cada momento, reflejo de su talento incansable.

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Holly Herndon lanza PROTO, un desarrollo cultural, de lenguaje e intelectual entre el humano y la maquina

El lenguaje es una voz, es eso cultural que aprendemos imitándonos unos a otros. Ese es el proceso que ha llevado a cabo con PROTO. Un proceso de mimesis donde Holly Herndon y Spawn se imitan, siguen sus discursos y le dan sentido a lo que cada quien está haciendo. Un desarrollo cultural, de lenguaje e intelectual entre el humano y la maquina. Género: Experimental | Electronic | IDM | Pop Label: 4AD ★★★ La inteligencia artificial es una rama fascinante de la robótica y la informática, que aunque en dispositivos de última generación,  videojuegos, programas de negocios y en cualquier aplicación está claro que la inteligencia artificial, todavía tiene un largo camino por recorrer. Los algoritmos para jugar ajedrez por ejemplo, son un recordatorio de esto, al tener la capacidad de calcular entre 70 y 80 millones de movimientos posibles por segundo, aún pierden partidas contra el actual campeón mundial de ajedrez, Magnus Carlsen.  Eso parece imposible, sin embargo, las maquinas aun carecen de la naturaleza intuitiva y abstracta del cerebro humano. Todavía no existe alguna inteligencia artificial con la capacidad de autoconciencia o teórica de la mente. Sin embargo, su presencia cada vez es mayor en la vida normal y la confianza en ella es cada vez innegable, con el lanzamiento de PROTO, Holly Herndon encuentra nuevas formas creativas para desafiar las capacidades de la inteligencia artificial.  Lo que hace que PROTO sea tan interesante, es que Herndon y su colega Mat Dryhurst, crearon una especie de inteligencia artificial llamada Spawn que funciona de manera similar aun motor de ajedrez que se alimenta de varios programas desde una gran base de datos y mejora su desempeño con cada movimiento anterior. Esto lo convierte en una completa red de algoritmos que cuando son aplicados a la música resulta interesante. Spawn es la fuerza impulsora detrás de este álbum, tomando fragmentos de grabaciones corales y sonidos ambientales adaptados a una estética pop.  En cierto modo escuchar PROTO es como escuchar el álbum homónimo de James Blake por primera vez. A pesar de que PROTO es mucho más abstracto, ambos ilustran cómo se pueden utilizar las maquinas para producir algo que suene íntimamente humano, a pesar de las contracciones. La presencia de Spawn se siente a lo largo del álbum en donde puede generar voces corales sin cuerpo Y efectos de sonido oscuros aparentemente incoherentes pero estructurados. En realidad no se puede saber con certeza qué parte de la creatividad del álbum se debe a Spawn, pero esa ambigüedad es parte de su encanto.  En PROTO Herndon no está tratando de salirse del proceso creativo, sino que tiene una relación simbiótica con Spawn. Al permitir que Spawn aportara tantas ideas, Herdon tuvo la libertad de trabajar en algunos de los arreglos corales más hermosos de los álbumes de música electrónica recients. Y no solo le permitió eso, sino que también le permitió añadir tantas capas de voces humanas e inhumanas, grabaciones de campo y otros sonidos similares, que hacen que escuchar PROTO pueda ser una experiencia embriagadora.  Un álbum que parece tener la idea que los humanos y las maquinas pueden colaborar juntos para producir algo mejor en ambos mundos, algo que resulta interesante aplicar a la vida cotidiana ya que la tecnología continua avanzando hacia nosotros. 

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Ways of Seeing de Konx-om-Pax, un álbum reflexivo para tiempos irreflexivos

El músico y diseñador gráfico escocés Tom Scholefield lanza nuevo álbum bajo el nombre de Konx-om-Pax a través de Planet Mu. Género: IDM | Downtempo | Techno | Dance | Ambient Label: Planet Mu ★★★★★ Estamos viviendo una época dorada. Las industrias han cambiado. La política está llena de hipocresía y retórica peligrosa, la religión es más falsa que siempre y cada vez más, pero hay una cosa que se niega a ser derrotada y esa es la música electrónica. Con tan solo pasear rápido a través de varios sitios web dedicados al género econtraremos una gran cantidad de trabajos lanzados en lo que va del año. Mientras los titulares han sido acaparados por Flamagra de Flying Lotus, existe una lista inmensa de lanzamientos discretos que mantienen la verdadera magia de la música electrónica por su innovación y ejecución. Álbumes como el sensual Tutti de Cosey Fanni o el reluciente Polymer de Plaid son una muestra ejemplar de la música electrónica emotiva e inteligente que se encuentra en los circuitos no tan transitados de la música electrónica.  Pero, ¿a dónde vamos con esto?, con Ways of Seeing, Konx-om-Pax no solo ha lanzado un buen álbum que abarca una amplia gama de subgéneros de la música electrónica, sino que también ha creado un trabajo que se ubica entre los mejores discos del año.  Ways of Seeing es un álbum tan rico en detalles y arreglos que crea su propio mundo para que lo habitemos y exploremos. Es uno de esos excelentes álbumes electrónicos en los que se puede separar y seleccionar pistas individuales sin temor a elegir un momento débil, pero tambien se combina perfectamente para ofrecer una experiencia alternativa. Ways of Seeing es un universo de creación propia con cada pista que viene con su propio código postal que nos permite viajar a través de cada área sin pasaporte, algo que no tiene fronteras.  Desde el ambient de The Paleontologist hasta los sonidos refractantes de Missing Something, Ways of Seeing te lleva a través de su mundo de felicidad. No hay un solo momento del álbum que enoje o sea extraño.  Ways of Seeing es un viaje creado con palabras antiguas, un álbum que quiere abrazarte por completo y te permite entrar a su mundo hecho con amor, dedicación e inteligencia. Un álbum reflexivo para tiempos irreflexivos y un bálsamo calmante que debe ser utilizado por todos. Debe disfrutarse en su totalidad, en partes o de una sola vez pero sea la forma que se elija uno debe de estar comprometido con escucharlo a detalle que se recompensará con un sentido de serenidad. La belleza de Ways of Seeing nunca se verá disminuida a lo largo del disco. Un hermoso álbum, increíble como su portada.     

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