Depósitio Sonoro

Pavel Rosado

Editor de Depósito Sonoro | Dj | Noveno piso

¿Quiénes son Radian y por qué deberíamos conocerlos?

Un grupo austriaco de tres miembros quienes poseen una credencial extensa en la escena de la música rock, improvisación, música electrónica y experimental. La alienación actual de Radian es Martin Siewert, John Norman y Martin Brandlmayr, quienes lo largo de sus siete discos publicados hasta hoy, tejen temas que parecen hundirse en una musical pérdida del conocimiento. La música de Radian parecer ser el equivalente musical a un estado de inconsciencia. Los estilos en la música contemporánea nacen de la asimilación y remodelación o incluso de la contraposición de un estilo precedente. La belleza de Radian radica en no tener un referente claro, y gran parte de la culpa (de este hecho es que lo hace insólito) se debe a su baterista. Martin Brandlmayr utiliza la batería de una forma tan novedosa y compleja a la vez, y con una técnica tan personal que logra que el instrumento en su totalidad se convierta en una potente fuente de sonido y ritmos. Todo esto acompañado por la pulsión de un bajo profundo y carnoso, por un lado, y las texturas ruidístas y minimalistas del sintentizador por otro, que hace que tanto Chicago, Montreal, Berlín o Glasgow o cualquiera de otras capitales de música novedosa mire hacia Viena, siendo Radian la cabeza visible de un ya consagrado movimiento underground de la capital austriaca. Radian ha lanzado seis increíbles discos de la mano del sello Rhiz y del icónico Thrill Jockey siendo cada uno una obra de arte. Actualmenteel trío lleva tres años descansando en el lanzamiento de algún álbum pero no en sus presentaciones en vivo, las cuales son surtidas en un circuito underground de festivales y conciertos de música experimental por todo el mundo aunque principalmente en Europa, especialmente en su natal Austria. Escucha aquí a Radian y aprecia la poderosa batería de Martin Brandlmayr. 

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COIL: La música atonal y los ritmos amorfos, la poesía brutal y el cambio luminoso y constante, la obsolencia y la desobediencia

En el arte, la rebelión puede aparecer en muchas formas y con diferentes propósitos, pero generalmente puede caer en dos variedades principales: una rebelión que promueve el crecimiento personal y el cambio interno, y una que promueve un cambio ambiental o social. Como una inspiración vaga en El Hombre Rebelde de Albert Camus, designemos a la primera únicamente como rebelión y a la segunda como revolución. En esta nota analizaremos a un duo que realmente se ajusta a cualquiera de las definiciones anteriores de rebelión: COIL. Coil nació en 1983 y desde su inicio reflejó tener una base conceptual y política para sus experimentos musicales. El aspecto más fácilmente reconocible de la rebelión musical de Coil es lo lejos que está de la música convencional y contemporánea (a partir de la década de los ochentas). El productor y artista sonoro Peter Christopherson alias “Sleazy” quien anteriormente había trabajó con Throbbing Gristle, creó un sello discográfico industrial y, por lo tanto, le dio un nombre a todo un género musical. La esencia extraída de esa música, áspera, fría y mecánica, la aplicó sobre las voces de John Balance las cuales a veces se escuchaban como una plática común, a veces susurraban y en otras ocasiones estaban exageradamente manipuladas. Esta frialdad musical permitió y alentó el tipo de introspección perfecta que fue tan esencial para la filosofía de COIL, y se mantuvo como la única constante a medida que su música se fue desarrollando y cambiando a lo largo de años.  La transgresión es un elemento clave en el trabajo de Coil, y la base del aspecto rebelde de su música. Para Balance y Christopherson, la música era un método para descubrir y mejorar a uno mismo, y escuchar a Coil es estar al tanto de su viaje personal en la vida en el cual no veían ningún potencial de crecimiento en la sociedad actual y, por lo tanto, exploraban alternativas al status quo. Una gran parte de la filosofía de Coil consistía en rebelarse contra las creencias sociales, sexuales, religiosas, en el consumo de sustancias alucinógenas y en el ocultismo.  Aunque Balance y Chistopherson rechazaron la etiqueta de satanismo, hay una innegable incorporación de la iconografía satánica en sus obras, un rechazo inconfundible al cristianismo. La cruz invertida en la portada de su álbum debut de 1984, Sactology, es el ejemplo perfecto.  Mirar más profundo, la superación y el descubrimiento personal, eran cruciales para Coil. Según ellos, para lograr esos tres elementos existían ciertos medios para abrir la mente propia y en toda su discografía el duo hacía innumerables  referencias a oculistas como Aleister Crowley, Austin Osman Sapre y a novelistas románticos como William Blake, demostrando su rebelión contra el cristianismo promoviendo creencias paganas. El consumo ritual de drogas fue también parte importante en el trabajo de Coil como una forma de acceder a otros niveles de conciencia, creyendo que el delirio y este tipo de locura autoinducida facilitaría el descubrimiento personal propio.  La música que hacían la lograban a través de un proceso de rebelión similar a los otros aspectos sociales. Ambos eran anti-músicos, hacían música con sintetizadores, computadoras y procesadores con poca o ninguna capacidad técnica. A pesar de que este aspecto anti-músico fue posteriormente comprometido cuando el duo colaboró con músicos “reales”, Balance y Christopherson lograron mantenerse fieles a su filosofía.  La música de Coil es expansiva y complicada; preferían tener lanzamientos limitados y en algunas ocasiones empleando otros nombres, aunque según algunos medios, lograron lanzar alrededor de setenta trabajos de alguna manera.  Cuando el dúo dejó de consumir drogas, Balance tomó al alcohol como una herramienta para facilitar dejarlas pero eso lo convirtió lentamente en alcohólico y a finales del 2004 lo condujo a caer desde un balcón de dos pisos y morir poco después. Christopherson continuó publicando las ultimas grabaciones de Coil y continuó trabajando con otras bandas hasta morir mientras dormía en su casa en Tailandia en el 2010. La rebelión musical de Coil revela la necesidad furtiva de que exista algo alternativo a la sociedad y a la persona. Si uno realmente cree en los aspectos básicos de la filosofía de Coil, es decir, que existen alternativas a las normas sociales y el énfasis en que el viaje en la vida sea un viaje único y personal, vale la pena escuchar y descubrir su música que brindaba algunos aspectos potenciales de su trabajo y una idea de cómo el dúo mezclaba la música, la filosofía y la política tan bien. 

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Isolée celebra los 15 años de Mule Musiq con un nuevo sencillo llamado Ginster

Desde las amezanates mutaciones de menor importancia en el primer tema que le da nombre a su último sencillo, Ginster, hasta su grandioso primer álbum Rest, la música del productor alemán Rajko Müller es una obra maestra. Género: Minimal house | Microhouse | Techno | Minimal techno Label: Mule Musiq ★★★ Los primeros años de Isolée se desplazaron en una burbuja, en una escena pequeña y entusiasta compuesta por personas amantes de la música electrónica que producían sencillos y realizaban fiestas en Frankfurt cerca de 1996.  Veintitrés años después el artista alemán es una de las figuras más llamativas de la música electrónica ayudando a dar forma al house minimalista con temas icónicos como Beaut Mot Plage y álbumes de gran importancia para este circuito como Rest.  Al nacer en Alemania, crecer en Argelia y acudir a una escuela francesa, Müller confundido, desarrolló varias identidades hasta que recibió de sus padres un órgano que lo ayudó a descubrir la música electrónica y a encontrarse a sí mismo.  Después pasar más de veinte años formando parte de la música electrónica, el house y el techno se han vuelvo más populares de lo que a Müller le hubiera gustado, de tal forma que el es parte inevitable del nicho de una sociedad en la que ir a bailar y salir de fiesta es algo muy común en casi todo el mundo. Al descubrir que en más de veinte años prácticamente no ha surgido un nuevo género que renueve al techno o al house, la música electrónica prácticamente se ha convertido en un negocio global, por lo tanto, Isolée se ha enfocado en hacer música electrónica en donde todo es nuevo y extraño, permitiéndole no tener expectativas de sí mismo o de su música y ese es su éxito paradójico. Por tal motivo Isolée celebra este 2019 el 15 aniversario del icónico sello japonés Mule Musiq, regalándoles Ginster, uno de los doce sencillos lanzados en esta celebración con obras de arte de la colección de Stefan Marx. Este es el primer lanzamiento de Isolée en Mule Musiq desde el 2009: música house única de un estilo excepcionalmente original. 

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Joep Beving concluye su impresionante trilogía con Henosis, un álbum de belleza sutil y desgarradora.

Como parte de la creciente ola de artistas neoclásicos que actualmente se infiltran en una escena musical en bastante crecimiento, Joep Beving es un compositor minimalista e interprete de paisajes sonoros evocadores. Su último álbum, Henosis, es un episodio épico de más de veinte temas que concluyen una trilogía evocadora y hermosa. Género: Neoclásica | Ambient | Modern Classical | Label: Deutsche Grammophon ★★★★★ Su actitud relajada y romántica hacia la nueva composición musical y el tratamiento que le da a sus melodías como un escultor moldeando arcilla, le dio el potencial de ser un atractivo masivo. Aun así, los servicios de transmisión de música en todo el mundo están repletos de artistas que no pueden atraer a la audiencia que merecen.  Todo fue una sorpresa para Beving que había estado creando música tranquilamente en su casa en Ámsterdam. Animado por su familia y amigos, Beving decidió compartir su música con un público más amplio. Su primer álbum, Solipsism, fue un éxito en Spotify entre los oyentes atraídos por la naturaleza comtemplativa de las melodías simples y hermosas de Beving. El mítico sello Deutsche Grammophon tomó nota y rápidamente firmó contrato con Beving lanzado en el 2017 Prehension, la segunda parte de la trilogía.  El sonido de Beving incluye desde el piano solista, instrumentos de cuerda y voces que se deslizan entre la música pop, electrónica y artística, a veces denominada pretenciosamente música postclásica. Los estados de ánimo, las emociones y las texturas que no siempre pueden integrarse, necesitan el tratamiento inteligente y equilibrio preciso como el de Joep Beving, quien con una simple mezcla de sonidos electrónicos y clásicos hacen que la historia se revuelva perfectamente con el presente en busca de algo perdido. Henosis es un disco con un enfoque más clásico y tradicional, respecto a los previos, ejecutado con un sentimiento tan profundo que es difícil no admirarlo. Música minimalista que es tan sutil y cálida que dejan al oyente sumamente relajado.  Entrar al mundo de Nils Frahm, Max Richter, Olafur Arnals y Poppy Ackroyd es una propuesta desalentadora desde el principio. La nueva ola de compositores contemporáneos que está en busca de un algún lugar fantástico de paisajes sonoros es cada vez mas grande y compleja, y está haciendo su propia música y definiendo su propio género, y aunque Joep Beving aún no está del todo en esta liga, su trabajo es notable y en su mayor parte es evocador y hermoso. Una estrella en ascendencia. 

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Christian Löffler lanza nuevo disco llamado Graal (Prologue), música para el alma y para el cuerpo.

Christian Löffler se ha convertido rápidamente en uno de los productores favoritos de música electrónica actuales, desde sus primeros lanzamientos al rededor del 2009, hasta su increíble participación en Cercle y ahora con el lanzamiento de su último álbum, Graal (Prologue). Género: Tech house | Microhouse | Ambient house | Label: Ki Records ★★★★★ Todo comenzó alrededor de los 14 años para Christian. Al vivir en una región aislada, al norte de Alemania sin un entorno musical, tuvo que enseñarse a sí mismo lo esencial para hacer música electrónica. En poco tiempo desarrolló su propio sonido el cual es profundo y conmovedor, coloreado con un tono melancólico: música para el alma y para el cuerpo. También trabaja como artista visual siguiendo el mismo enfoque que sigue al crear música. Trata de contar más una historia que de hacer que todo sea accesible desde el principio.  En Graal (Prologue), utilizo ambos caminos (visual y musical), pero este proyecto no nació únicamente de impulsos creativos. También deriva de la frustración y la sensación de que mientras estaba de gira ya no tenía el espacio mental o tiempo libre para que su creatividad musical floreciera tras una intensa temporada de giras. Löffler, estancado se centraría exclusivamente en las artes visuales, pintura, dibujo y video, pero no en la música. Este regreso a sus raíces le recordó cómo se sintió cuando comenzó a hacer música y le permitió apagar su cerebro especialmente de cosas que es posible hacer o no. En otras palabras, le dio libertad. Tenía una serie de ideas en su computadora portátil, pequeñas melodías y fragmentos de sintetizador que nacieron en horas libres en hoteles, salas de espera de aeropuertos y largos recorridos en carretera.  El resultado de este aparente difícil proceso es Graal (Prologue), un álbum que lleva el nombre de la ciudad que el llama su hogar, un sitio pintoresco al norte de Alemania, barrido por el viento en la costa del Báltico de belleza escarpada. El álbum brilla a lo largo de seis temas bellamente melódicos, algunos lentos y profundos, casi cinematográficos, lleno de sonidos hermosos y cálidos que hacen que el disco cobre vida. Un viaje sutil hacia el cosmos en cada tema que hacen que el disco en conjunto sea casi celestial. 

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La brillante oscuridad de The Destroyer -1, el tan esperado álbum de TR/ST

TR/ST finalmente lanzó su tan esperado y anunciado tercer álbum, The Destroyer -1 (la parte 2 saldrá a finales de este año). Álbum que incluye ocho canciones y el regreso de Maya Postepski quien no participó en el anterior álbum Joyland. Género: Dark wave | Electropop |Coldwave | Synth-pop | Label: Royal Mountain Records ★★★★ En cinco años transcurridos desde su último lanzamiento Joyland, el músico de Ontario, Robert Alfons desarrolló una apreciación inquebrantable por la paciencia y la perseverancia. Al adoptar un nuevo enfoque para escribir y grabar este nuevo álbum, Alfons buscó silencio absoluto para dar sentido al funcionamiento interno de su mente, lo que resultó en un fascinante disco de dos partes. The Destroyer -1 es un potente conjunto de música electro-pop con tonos gótico-industriales que combina sintetizadores oscuros, ritmos propulsivos, voces sombrías y una esencia hipnótica abrumadora en cada canción que se hunden debajo de la piel hasta llegar, en algunos temas, a alcanzar una sensación vertiginosa de anhelo.  El día de hoy se dió a conocer el cartel completo de la edición 2019 de la Semana Indie Rocks en la cual figura TR/ST como uno de los participantes del festival más esperados presentándose el día 7 de junio en el Foro Indie Rocks.   

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Sacred Bones relanza álbum Mother Earth’s Plantasia de Mort Garson, música para las plantas y para la gente que las ama

Sacred Bones reeditará el aclamado álbum de 1976 Mother Earth’s Plantasia del compositor canadiense y maestro de los sintetizadores Moog, Mort Garson, música para plantas y los amantes de ellas. Género: Space age-pop | Progressive electronic | Psychedelic rock | Ambient | Experimental Label: Sacred Bones ★★★★ El álbum se inspiró en el libro La Vida Secreta de las Plantas, un fenómeno a mediados de los años setenta escrito por el periodista, ocultista y exagente de la Oficina de Servicios Estratégicos de la Segunda Guerra Mundial Peter Tompkins quien afirmaba que las plantas domésticas podían leer nuestros pensamientos, predecir desastres naturales y sobre todo, disfrutar escuchar música.  Garson compuso Plantasia usando un sintetizador Moog lanzado en la planta de Los Ángeles, Mother Earth y el álbum se vendió específicamente para las plantas de los clientes de ahí. Plantasia es una pieza maravillosamente caprichosa de música electrónica que vale la pena escucharla, independientemente de su interés en la botánica. El disco está lleno de encantadoras melodías delicadas de texturas tentadoras y ritmos subliminales que harán que las raíces de nuestras plantas bailen en una tormenta.  Las copias originales de Plantasia se han vuelto tan difíciles de encontrar y por lo tanto caras (Discogs las vende entre 325 y 600 dolores) que dos cineastas decidieron hacer un documental sobre la búsqueda épica de algunos coleccionistas para encontrarlas. Sacred Bones está preparando el relanzamiento oficial de Plantasia y para celebrarlo, en conjunto con Atlas Obscura presentarán la experiencia de escuchar Plantasia en el Jardín Botánico de Brooklyn el 18 de junio.  Plantasia ya está disponible en todas las plataformas digitales de música y el lanzamiento físico fue el 21 de junio, después de la presentación del Jardín Botánico de Brooklyn. Mira la adorable portada y escucha junto con tus plantas los adorables temas de Plantasia. Dando clic en este enlace puedes hacer la orden del disco de vinil.    

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Deconstruyendo el Reggaeton con Kelman Duran

Kelman Duran, un artista multidisplinario originario de la República Dominicana que le da un giro fantasmal  al reggaeton haciendo digerible Kelman Duran es un artista multidisciplinario nacido en la República Dominicana, un hombre con muchos talentos. Proviene de un pequeño pueblo llamado La Ermita, la vida lo ha llevado a vivir su infancia en Washington, estudiar la universidad en Los Ángeles, a trabajar en Corea del Sur y a ser curador de un espacio de arte en Tijuana antes de regresar a California en donde su carrera musical ha florecido completamente. Es ahí en donde su versión deconstruida de reggaeton comenzó a nacer y a ganarse a las audiencias en las altamente influyentes fiestas de Rail Up durante el 2018. Sus ideas finalmente se conjugaron en un álbum debut titulado 1804 Kids, un disco con una propuesta nueva que dio como resultado el éxito instantáneo y totalmente inesperado de Kelman dejando a las personas deseando más.  En respuesta a la demanda desesperante de sus inesperados fans, Kelman Duran lanzó a través de Apocalipsis el álbum 13th Month que proviene de un proceso de producción más consciente y que abrió un nuevo capitulo en la carrera de Kelman, ya que no solo compuso piezas orquestales de música etérea, sino que también explora su herencia africana explorando elementos de géneros como el gqom de Sudáfrica y kuduro de Angola. Escucha a Kelman Duran y baila su versión del reggaeton, quizá más digerible.

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