Depósitio Sonoro

Pavel Rosado

Editor de Depósito Sonoro | Dj | Noveno piso

Kraftwerk, los arquitectos de la música que cambiaron el mundo

El enfoque innovador de la banda más alemana de las bandas alemanas ha permitido que su sonido se ramifique hacía muchos géneros y tendencias que surgieron después de sus primeros lanzamientos en la década de los setentas hasta la actualidad. Kraftwerk comenzó con dos estudiantes alemanes de cabello largo y facciones serias, incluso intimidantes, Ralf Hütter y Florian Schneider, que se conocieron en Dusseldorf en 1968 tocando música experimental con instrumentos eléctricos y acústicos junto a el guitarrista Michael Rother y el baterista Klaus Dinger (quienes luego formaron Neu!). Cuando se formó Kraftwerk en 1968 la música provenía básicamente de instrumentos de madera, de cuerdas que vibraban, de tambores de piel que retumbaban con golpeteos e instrumentos de metal. Las canciones hablaban sobretodo de amor, sexo y muerte, el mundo venidero no estaba en la mente de los artistas. Ahí fue cuando apareció Kraftwerk con su obsesión infinita en la fusión del hombre y la tecnología. Pasaron seis años más después de su formación (y tres producciones cortas en gran parte instrumentales de improvisación electroacústica) para que Kraftwerk anunciara la llegada de su primer álbum en 1974 Autobahn y otros cuatro años más para que los cuatro miembros de Kraftwerk se proclamaran autómatas en The Robots, tema de facto de la banda y del álbum The Man Machine de 1978.  Kraftwerk también cambió el significado de ser una banda. En dónde Led Zeppelin, Queen y The Who irrumpieron en el escenario con joyas, cadenas, grandes anillos, tops que les descubrían el pecho, drogas en exceso y alcohol, Kraftwerk llegó con un estilo solemne de trajes limpios, siempre sobrios con el cabello perfectamente peinado, todo en su máxima expresión. En el mayor éxtasis de sus canciones eventualmente realizaban algunos movimientos mínimos sabiamente rítmicos, nunca grandes movimientos de cuerpo. A pesar de que la imagen de Kraftwerk ha cambiado a lo largo de los años, desde ser los músicos conservadores de pelo largo hasta los estilizados maniquíes que hacen música, Kraftwerk siempre creó un terreno para los circuitos del pop moderno. David Bowie fue el primero en introducirse al tema dedicando V-2 Schneider de su LP Heroes al fundador de Kraftwerk. New Order utilizó la música de Schneider en su tema casi himno internacional Blue Monday. The Human League y Depeche Mode siguieron el mismo ejemplo. REM es otra de las cientos de bandas que han seguido la misma doctrina de Kraftwerk. Para Marc Almond de Soft Cell, los músicos alemanes son los representantes más importantes del electro pop. Kraftwerk es una influencia temprana de la escena hip hop, ya que básicamente inventaron la música electrónica que tuvo gran influencia en el pop y R&B contemporáneo. Por lo tanto, se convirtieron en el inverosímil padrino de la música de baile electrónica negra y del hip hop estadounidense, pieza inspiradora del sur de Bronx y Detroit. Hoy en día, la resonancia de Kraftwerk se puede escuchar en obras tan variadas como Radiohead y el hip hop de Kanye West y T-Pain.  Los ritmos fríos y estériles, las voces distorsionadas y robóticas, las letras a menudo concisas crean un ambiente único que es la base para crear melodías frías y hostiles del género denominado electronic body music encarnado por bandas belgas como Front 242 o Laibach de Eslovenia, cuyo líder Ivan Novak ve a Kraftwerk como la banda más importe e influyente de todos los tiempos. El trabajo de Kraftwerk también ayudó a sentar las bases del sonido minimalista del movimiento techno que surgio a finales de los ochentas y principios de los noventas en Detroit.  La influencia de Kraftwerk parece tan palpable hoy como lo ha sido desde su inicio. Una banda organizada y sistemática en quienes el principio de renunciar a la tradicional imagen de una banda les funcionó a favor del diseño casi pulcro de su sonido. 

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This (Is What I Wanted to Tell You) de Lambchop, un humilde triunfo del barítono de Wagner

Lambchop, la banda alt-country de Nashville liderada por Kurt Wagner ha lanzado 14 álbumes incluido el reciente This ((Is What I Wanted to Tell You), en los cuales Kurt utiliza de exclusiva su barítono, una especia de tótem construido en lo alto de arreglos exuberantes de guitarra, ritmos desenfadados y peculiares melodías de sintetizadores. Género: Alt-country | Chamber-pop | Label: Merge Records ★★★★ Escuchar el nuevo disco de Lambchop es algo parecido a meditar mentiras el mundo se vuelve loco al rededor. Música que requiere un esfuerzo mínimo por parte de oyente en la que Wagner y sus colegas hacen todo por ti. Estas canciones, que en los últimos 25 años han permanecido en una línea similar, pero en última instancia han progresado y además impresionado, irradian melancolía.  Sin embargo, Wagner canalizar su espíritu descaradamente melancólico por algo más sombrío y solitario, distorsionando su voz una y otra vez con parches y efectos electrónicos fallidos. Sin lugar a dudas, es un movimiento extraño para Lambchop en el que otros pueden caer en el cliché de la experimentación, pero Wagner y compara prevalecen y en este proceso creado música utópica e incómodamente atractiva.  This (Is What I Wanted to Tell You) no es de ninguna manera un álbum de presentación para quienes no conocen a Lambchop, incluso para los fanáticos de larga evolución se trata de una exploración bastante curiosa de un veterano de la composición experimental que hace que su icónico barítono, acompañado de un puñado de instrumentos y sonidos sea si no excelente, al menos altamente atractivo.   

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LP5 de Apparat, una clase magistral en el arte de la música electrónica

Apparat regresa como solista después de seis años con un álbum que resume su talento y es quizá el mas completo de toda su trayectoria. Género: Ambient | Electrónica| | IDM | Techno Label: Mute ★★★★ El músico alemán Sascha Ring es un artista con muchas facetas; por un lado ha producido música electrónica pretenciosa y extremadamente cuidada que combinaba con Modeselektor en Moderat hecha tanto para los auriculares como para la pista de baile, pero también tiene una capacidad destacable para producir ambient e IDM encantadoramente simple bajo el nombre de Apparat y es ahora, después de seis años que reaparece como solista con un álbum que cae claramente en el sonido clásico de Apparat y retoma esencia de cada uno de sus álbumes anteriores. Este último álbum lanzado bajo esta denominación llamado LP5 es un álbum definido por la moderación, música con una exactitud de reloj que funciona casi a la perfección y que ve a Sascha desplazarse entre momentos de claridad melancólica y grandeza triunfante. En casi todos los temas de este nuevo disco, la voz vacilante de Sascha Ring levita sobre los resultados sonoros de las intercepciones electrónicas punzantes de instrumentos acústicos intervenidos, procesadores y computadoras.  El talento sobresaliente de Apparat le ha servido para crear música amorfa y caleidoscopica a lo largo de su vida, siendo LP5 el máximo exponente de su talento que resume el trabajo de Sascha Ring por casi 20 años y proporciona al oyente un espacio para respirar entre paisajes musicales tejidos con notas acústicas y electrónicas que funcionan en conjunto para crear uno de los álbumes más completos de Apparat hasta la fecha y quizá, aunque es temprano pensarlo, uno de los discos del año. 

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Matmos regresa con un arsenal de sonidos plásticos

El dúo de música experimental regresa después del exquisito Ultimate Care II con un álbum enfocado a los diversos sonidos que los materiales plásticos pueden generar Género: IDM | post-industrial | ambient-techno | glitch | experimental | Label: Thrill Jockey ★★★★ Desde su inicio en 1995, Matmos ha estado en una búsqueda constante para unir la música electrónica con la música “música concreta”. En su disco debut Quasi-Objects el dúo hizo uso de objetos comunes obteniendo sonidos fascinantes. En su cuarto álbum, A chance to cut is a chance to cure, el dúo utilizó muestras de sonidos grabados durante procedimientos médicos, una vez mas, para construir temas de música electrónica inteligente. Esta noción de utilizar una única fuente de sonido alcanzó su punto máximo con Ultimate Care II, que desplegaba temas con sonidos grabados en su totalidad dentro de una lavadora. El resultado de esta investigación de larga duración ha sido un asombroso registro de música electrónica experimental que va desde el IDM irregular hasta música con tintes post-industriales.  El dúo regresa con otro concepto, uno que golpea mucho más: el plástico. El nuevo álbum de Matmos es un himno a una de las principales causas de contaminación del planeta en todas sus diversas formas. Así que aquí vienen en forma de sonidos, las tuberías de PVC, el plástico en burbujas y la espuma de poliestireno. Eso eso no es todo, en este álbum Matmos exploró el sonido de implantes mamarios de silicona y grasa sintética humana. Todos estos “instrumentos” conforman la estructura de nuestra realidad.  Materiales que se usan en la vida diaria y es así como Plastic Anniversary puede llegar con una tonalidad familiar.  Hay momentos en el álbum que Matmos adopta un enfoque casi clásico de la música electrónica. Las muestras de sonido procesadas y las diversas fuentes de sonido trabajan juntas para llevar a cabo una revisión de las tradiciones musicales pasadas con ritmos ceremoniales sin dejar la experimentación sonora compleja, llevando a Matmos a mostrar sus intenciones artísticas de un nivel superior.     

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Existe una hermosa paradoja en el corazón de The Weigh, el nuevo disco de Weval

El nuevo disco de Weval recorre una delgada línea entre la alegría y la melancolía, con una elegancia suprema, que ofrece tonos de luz y oscuridad en igual medida. Género: Dance | Electrónica| Downtempo | IDM | Label: Kompakt ★★★★ Hay un hermoso conjunto de paradojas inherentes al segundo álbum de Weval, The Weight, que involucra luz y oscuridad, arte y pop, y otras polaridades demasiado numerosas para mencionarlas. Pero para todas las oposiciones diamétricas que esto sugiere, existe una síntesis excelente que finalmente resuelve todas esas polaridades en una secuencia maravillosamente entretejida de música instrumental y voces. Todo esto puede sonar bastante pretencioso, sin embargo, el álbum no lo es; es un disco totalmente accesible y engañosamente fácil de escuchar sin acercarse ni remotamente al territorio de escucha fácil.  Un álbum lleno de experiencias alegres y dificultades personales para los integrantes del dúo durante su creación. De hecho, la secuencia de este hermoso trabajo parece ser de vital importancia para la experiencia auditiva, como si estuviera cuidadosamente curada no solo para satisfacer al escucha, sino también para reflejar una cierta trayectoria emocional que de ninguna manera es teleológica.  Hay muchos giros y vueltas en el sonido y sentimientos a medida que el álbum progresa, y el efecto en general se siente hermético y atractivo al mismo tiempo. Este es un mundo de sonido que, al mismo tiempo, está cerrado y es autónomo,  parece inventar e invitar a una comunidad de oyentes que pueden deambular por la escena que ha creado. De esta manera, también funciona como un álbum que puede ser escuchado solo o en compañía, totalmente hacia afuera o completamente solitario en los auriculares o mientras se conduce. Esta versatilidad es solo uno de los muchos placeres que The Weight tiene para ofrecer.   

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Gernot Bronsert y Sebastian Szary lograron reencontrase como dúo después de ocho años y lanzan Who Else, la nueva vieja escuela de la música electrónica

Ocho años pasaron después del último lanzamiento de Modeselektor con temas propios, motivo suficiente para poner en huelga el sistema y desempolvar los silbidos. Género: Experimental | Electrónica| Techno | IDM | Breakbeat Label: Monkeytown Records 2019 ★★★ Recientemente Bronsert y Szary se despidieron de Sasha Ring, de la fama mundial asociada a Moderat y de la hipnosis de sus canciones para revivir a sus ancestros. Completamente liberados de la presión y las expectativas, y de la demanda de la “radio-fitness” se pusieron sus atuendos de rave arrugados y dejaron que los monos bailen. Who Else explota el mundo nocturno con gran modestia, brillando entre el techno nocturno de las calles de Berlín y el rave eufórico. Es así como Who Else se integra a una inmensa pieza de joyería de música electrónica y techno que nunca mezcla la variedad con aleatoriedad, o con suerte y que azotará las pistas de baile a lo largo de cientos de noches.  Modeselektor está proximo a presentarse en México el próximo 6 de abril en el Festival Ceremonia en donde seguramente hará vibrar los terrenos del Centro Dinámico Pegaso con los temas de su nuevo álbum y con otros viejos clásicos.  

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Four Tet revive a Nelly Furtado (alías KH) para lanzar la tan esperada Only Human

Kieran Hebden ha compartido una pequeña muestra de su trabajo junto a la estrella del pop canadiense Nelly Furtado quien trabaja bajo el nombre de KH. El mini álbum presenta una muestra prominente y acelerada de pura esencia techno. Género: Experimental | Electrónica| Techno Label: Text Records 2019 ★★★★★ Ha sido un largo camino que llega finalmente a este momento. Durante lo que fueron años, Four Tet ha estado preparando su versión techno de la canción Afraid de Nelly Furtado del álbum Loose del 2006. Finalmente Four Tet ha lanzado junto con Nelly Furtado alías KH (rara vez vista así) esta bailable versión de Afraid bajo el nombre Only Human. Traer a KH a esta versión podría ser un guiño a la trayectoria emocional que este tema ha emanado desde su existencia. Uno de los temas favoritos para los fanáticos de la artista pop canadiense que sus contemporáneos adoran, esperando escucharla en vivo siempre sin importar nada. Una canción que ha existido tanto tiempo que podría suponerse fácilmente que nunca vería la luz del día como una versión diferente pero Four Tet la semana pasada a través de twitter reveló que tenía listo este tema ahora con un rápido cambio de rumbo.  Only Human es un viaje industrial multidimensional en todo su esplendor.     

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Girl With Basket of Fruit, el perturbador nuevo álbum de Xiu Xiu

Casi por estas fechas pero en el 2017, Xiu Xiu lanzó su décimo álbum, Forget, de título ambiguo que parecía indicar que Jamie Stewart se estaba alejando de los rieles emocionales de su música y se llevaba únicamente a la música con él. Género: Experimental Rock | Art-Rock | Experimental | Noise Pop Label: Polyvinyl Record Co 2019 ★★★ Ahora, con Girl with Basket of Fruit encontramos a Jamie Stewart arrastrándose entre los restos de una locomotora descarrilada con una gran cantidad de daños aparentemente sufridos. De hecho, el nuevo álbum, abre con un tema de título como la representación auditiva de un paro cardiaco, aunque líricamente se retuerce entre un doloroso episodio de nacimiento y una chica en bicicleta que flota en el espacio.  Girl with Basket of Fruit se trata de un álbum con una sinceridad palpable que lleva al oyente a hacer un esfuerzo para entenderlo plenamente, pero si el esfuerzo es tan intenso, probablemente el entendimiento de este álbum no dependerá del individuo. En medio de toda la confrontación y caos del disco hay momentos dolorosamente dulces, casi tiernos con atmósferas casi obsesionadas parecidas a un requiem.  Aceptemoslo, Xiu Xiu a través de sus discos y su música nunca prometió a nadie un jardín de rosas, pero el nivel de pandemónium y desesperación en  Girl with Basket of Fruit hace que la escucha sea profundamenete perturbadora pero fascinante, haciéndonos mantener un frasco de pentobartbial a la mano.  

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