Depósitio Sonoro

Pavel Rosado

Editor de Depósito Sonoro | Dj | Noveno piso

Una carta de amor a Berlín: Pet Shop Boys deliran sobre esta ciudad

Pet Shop Boys utiliza la capital de facto de la música electrónica como telón de fondo en un conjunto de canciones descaradamente impredecibles Label: X2 Recordings Limited / Kobalt Label Services Género: Synth Pop / Dance / New Wave /Art Pop Grabado en los legendarios estudios Hansa en Berlín, junto al productor Stuart Price, la producción de Hotspot es, como era de esperarse, inmaculada. Hotspot se nutre de un grupo de sonidos tan diversos que van desde la euforia del electroclash hasta el downtempo, pero este tercer álbum lamentablemente pierde parte de la energía aventurera de los Pet Shop Boys. Inusualmente, para un álbum de Pet Shop Boys, Hotspot tiene un comienzo tormentoso y le toma tiempo recuperarse. La portada del disco nunca cohesiona en torno a un estado de ánimo particular o un conjunto de ideas musicales. Por si solas, la mayoría de las pistas de Hotspot serían interludios decentes de otros álbumes de Pet Shop Boys. Su principal deficiencia es que todos las composiciones de audio están ahí, pero apenas están embalsamadas. Un álbum que se lee simultáneamente como una colección de sencillos y que suena casi en su totalidad como si estuviera escrito como relleno.

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Have We Met: el nuevo álbum de Destroyer, imposible de dejar de escuchar

Desde la publicación de Streethawk: A Seduction en el 2001, Dan Bejar estuvo creando un gran álbum tras otro, que, muchas veces, ha terminado en varias de las mejores listas del año. Seguramente será lo mismo este 2020 Label: Dead Oceans Género: indie pop, jazz, trap, R&B  Los álbumes de Dan Bejar siempre han sido un paquete completo de música y letras en el que, frecuentemente, es difícil asimilar todos sus matices. No obstante, la clave con Destroyer ha sido que Bejar es capaz de combinar todas sus influencias y convertirlas en algo completamente propio y personal. Bejar es el tipo de persona con el que sus oyentes y, particularmente, sus fanáticos pueden relacionarse con su música y, a su vez, hacerla propia.  En esencia, con pocas fallas y con bastantes puntos que resaltar, Have We Met es uno de esos discos, tan cautivador que casi se desea que no termine, e incitar a explorar sus paisajes sonoros por un buen tiempo. 

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Klaus Nomi, el contratenor alemán que sacudió al mundo del arte en Nueva York

Klaus Sperber (24 enero de 1944 – 6 de agosto 1983), conocido por su nombre artístico, Klaus Nomi, fue uno de los músicos raros favoritos de los años ochenta. Inspiró a David Bowie, Lady Gaga y Jean Michel Basquiat por nombrar sólo algunos. Un extraterrestre auto-definido cuya moda y actuación en el escenario habrían sido suficientes para ganarle notoriedad, pero cuya voz lo convirtió en una leyenda La mayoría de la gente quizá vea a Klaus Nomi como un personaje extraño de los años ochenta, algunos incluso, podrían considerarlo como la primera víctima del SIDA; pero Nomi fue una parte silenciosamente revolucionaria de la escena artística de Nueva York entre los años setenta y ochenta. Probablemente, la música de Nomi no sea tan reconocida hoy, pero seguramente muchos de los ídolos musicales actuales de cualquier género le deben mucho por las puertas que abrió en la música, en la actuación y en la moda, como una personalidad verdaderamente individual en un momento en el que dominar estas disciplinas, al mismo tiempo, era verdaderamente complicado.  Nomi nació en Alemania en 1944 y se mudó a Nueva York cuando tenía 28 años, trabajó como repostero para pagar sus cuentas; Nomi pasó su tiempo libre actuando en obras pequeñas fuera de Broadway hasta que tuvo la oportunidad de actuar en el performance New Wave Vaudeville de David McDermont en el Irving Plaza. La mayoría de sus apariciones en este show se consideraban sarcásticas, pero para él, estos actos representaban algo completamente diferente; sin embargo, sus presentaciones eran tan impresionantes que McDermont tenía que recordar frecuentemente a la audiencia que la voz de Nomi no era una grabación. Klaus Nomi era un cantante de ópera de formación clásica y su voz era tan impactante de escuchar como lo era su vestimenta. El talento de Nomi de alguna manera se mezclaba perfectamente con los personajes experimentales que surgieron en el mundo del arte de Nueva York a finales de los setenta, y sus actuaciones a menudo representaban trabajos de Jean-Michel Basquiat y Keith Haring. Se decía que su música era consistente, pero no formulista y mostraba su increíble rango vocal saltando octavas sin esfuerzo. Su sentido del estilo visual y su moda podrían describirse como barrocos, pero la influencia del dramaturgo e icono teatral Bertol Brecht vendría a servir como una piedra de toque definitiva al trabajo de Nomi. Brecht quería influir en su audiencia para que pudieran pensar críticamente sobre su obra y tema. Una de las ideas que Nomi incorporó a su propio acto fue Verfremdungseffekt (efecto distanciador). Esto lo logró despojando a sus presentaciones de la calidad de evidente, familiar y obvio, creando una sensación de asombro y curiosidad sobre el público: Nomi es el epítome del Verfremdungseffekt. Su famoso traje de esmoquin estaba hecho de plástico elástico y tenía enormes y exageradas hombreras. Su voz saltaba de octava a octava como si fuera un sintetizador. Sus movimientos robóticos implicaban que no sólo estaba tratando de evocar el futuro, o el teatro temprano; sino también algo intermedio indescifrable, algo un poco más allá de la imaginación.  Nomi trabajó con David Bowie y gracias a él consiguió un contrato con el sello RCA en el que lanzó su disco debut. El álbum fue bien recibido y, actualmente, es considerado un álbum de culto. Nomi evolucionó la música y ganó popularidad a principios de los años ochenta. Su segundo álbum también resultó ser un éxito y fue muy aclamado por la crítica musical.  Desafortunadamente, en 1982, Nomi sucumbió ante los efectos del SIDA, su fallecimiento fue y sigue siendo trágico. La vida de Nomi fue una vida demasiado corta; la ignorancia en torno al SIDA en esa época obligó a Nomi a morir en el exilio de sus amigos y familiares. Klaus Nomi murió solo en el Centro Oncológico Memorial Sloan Kettering en Manhattan, en agosto de 1983. Nadie lo visitó el día de su muerte.

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La voz que expresó a la gente sin voz: Nina Simone

Echar un vistazo a la vida de Nina Simone es una enseñanza más de lo que podemos imaginar. Todos nacemos con voz, cada voz está diseñada exclusivamente de forma sagrada que constituye parte central de nuestra existencia. Incluso, los mudos tienen voz a través de su silencio La voz de Nina Simone llegó tarde, la encontró durante el movimiento de derechos civiles de los negros en 1964. Nina nació en Carolina del Norte en 1933, fue la sexta de ocho hijos de una familia pobre; comenzó a tocar piano y demostró gran talento para la música a muy temprana edad. En su recital de debut a los 12 años, los padres de Simone, que tenían asientos en la primera fila, se vieron obligados a sentarse en la parte trasera del pasillo para dejar ese espacio para la gente blanca. En un acto, de lo que algunos llaman desafío, Nina se negó a cantar hasta que sus padres regresaran al frente. En esa Carolina del Sur de la década de los treinta, Simone cantó en contra de la injusticia, del desprecio a las personas por su color de piel y su estatus social.  Simone creció musicalmente de forma rápida hasta convertirse en una artista de clase mundial, incluyendo canciones que hablaban de sus orígenes afroamericanos, a pesar de nunca haber pisado el continente africano, de ser estadounidense, nacida y crecida, Simone se familiarizó inmediatamente con un recuerdo que murió con los primeros esclavos que fueron enviados a Estados Unidos.  En 1964, a los treinta y un años, Nina, por primera vez, abordó abiertamente la desigualdad racial que prevalecía en los Estados Unidos con “Mississippi Goddam”. Esta canción fue su respuesta a los ataques de 1963 a la iglesia Bautista de la calle 16 en Alabama, en donde cuatro jóvenes afroamericanas fueron asesinadas, y una más quedó parcialmente sin vista. Simone, con su voz, consiguió que la gente la mirara, que se entendiera la desigualdad racial y se hiciera conciencia sobre las inseguridades que enfrentaban las mujeres negras en los Estados Unidos, y Simone entendió el dolor del silencio y también encontró su voz.  A pesar de levantar miradas con su música y sus protestas, Simone fue rechazada, la esclavitud que se suponía había sido abolida pasó de las cadenas a las jaulas mentales que se unían a la pobreza, la baja autoestima y una batalla interminable de la comunidad afroamericana en Estados Unidos para demostrar el valor de uno mismo como persona; entonces, la esclavitud nunca fue abolida de los Estados Unidos, y eso, Nina Simone lo supo.  

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Four Tet anuncia nuevo álbum, Sixteen Oceans

Uno de los pioneros del IDM, Four Tet, de nombre real Kieran Hebden, acaba de anunciar un nuevo álbum titulado Sixteen Oceans. Hoy 23 de enero de 2020 lanzó una canción de adelanto.  El originario de Londres utilizó Instagram para publicar una foto de una nota adhesiva en la que se lee: el nuevo álbum está listo. El nuevo disco de Four Tet llegará en marzo, después del aclamado New Energy del 2017, varios álbumes en vivo y algunos otros sencillos como el increíble Anna Painting, cuya portada corrió a cargo de la pintora Anna Liber Lewis. Ahora queda claro que el video y el tema Teenage Birdsong publicado en el 2019 es uno de los temas que figuran en Sixteen Oceans. Four Text – Sixteen Oceans 1. School 2. Baby 3. Harpsichord 4. Teenage Birdsong 5. Romantics 6. Love Salad 7. Insect Near Piha Beach 8. Hi Hello 9. ISTM 10. Something In The Sadness 11. 1993 Band Practice 12. Green 13. Bubbles At Overlook, 25th March 2019 14. 4T Recordings 15. This Is For You 16. Mama Teaches Sanskrit Además del anuncio de su nuevo álbum, Kieran Hebden también recordó su próxima presentación en México como parte de la celebración del octavo aniversario de Dynamic Waves, celebrado el próximo 3 de abril en el Foro Normandie. 

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Alva Noto crea un exclusivo playlist de casi cinco horas

Una de las figuras más respetadas de la composición experimental moderna, Alva Noto, creó una playlist de casi cinco horas Carsten Nicolai es un artista alemán que ha tenido gran impacto en el mundo de la experimentación musical y ha impulsado a instituciones de arte moderno como Guggenheim New York, New National Theatre Tokio, Tate Modern y Venice Biennale; también ha colaborado con artistas tan importantes como Ryoji Ikeda, Iggy Pop, John Cale, Ryuji Sakamoto y Björk.  Deambulando en senderos compuestos por Steve Reich, Meredith Monk y Mika Levi o luminarias del ambient como Brian Eno y Fennesz, o artistas de vanguardia como Laurie Anderson, William Basinski y Nico, los temas seleccionados por Alva Noto son una colección musical para perderse en un mundo creado por uno mismo musicalizado por mentes creativas de el mundo.  

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La música ambient y el cerebro

Pocas personas consideran adentrarse al mundo del ambient porque lo ven como pequeñas melodías utilizadas en los ascensores para acompañar esos cortos viajes incómodos; pero a lo largo del tiempo, de experimentación y largas horas de estudio, el ambient ya no es lo que solía ser. Quizá lo que la gente entiende mal de este género es que a menudo se confunde con la música clásica, y ambas se usan comúnmente para llenar el silencio en horas de trabajo y productividad Estudios recientes han relacionado a la batería (la forma más antigua y universal de hacer música) con la reducción de la ansiedad, el alivio del dolor, la mejora del estado de ánimo y en niños con autismo. Escuchar y tocar jazz, por ejemplo, entre otras formas de música sincopada, ha demostrado que puede promover la creatividad, mejorar las habilidades matemáticas y apoyar el bienestar mental y emocional. El uso de la música clásica definitivamente ha impulsado numerosos estudios que sugieren que escuchar música clásica puede mejorar la inteligencia y la concentración. Pero ¿por qué el ambient, un género que a menudo se caracteriza por su falta de sincopación, promueve frecuencias sonoras reductoras de estrés y efectos emocionales? El ambient parece haberse diseñado para combatir el estrés y la enfermedad, y en cierto sentido lo fue. Inicialmente el ambient se creó con la idea de permitir al oyente mejorar la percepción de su entorno y uno de los pioneros del género, Brian Eno adoptó el termino ambient para su obra Ambient 1: music for airports (1978), y definirla como “la música diseñada para inducir la calma y el espacio para pensar”. Esta descripción permite también ver una diferencia más clara entre la música ambient y la clásica, que a menudo se utilizan para cumplir tareas similares.  Para tener una constancia científica y no sólo una declaración artística del propósito de Brian Eno, investigaciones médicas recientes han validado los efectos del ambient sobre el comportamiento cerebral y el flujo de neurotransmisores. El propósito de lo que generalmente llamamos ambient ha evolucionado y cambiado en relación a los músicos y sus audiencias, pero no importa la intención o el límite de los géneros ya que todo tipo de música ambient tiene el poder terapéutico no sólo de reducir la ansiedad; sino también, de aliviar el dolor en pacientes recientemente operados y en pacientes con dolor crónico y reducir la demencia o el delirio en pacientes hospitalizados.  En un estudio realizado en la Unidad de Cuidados Críticos del Hospital Universitario de Londres en el que el grupo Darkroom tocaba ambient en vivo, el escritor y psicólogo líder del estudio, el doctor Charles Fernyhough concluyó que el ambient redujo los síntomas del estrés postraumático en los pacientes sobrevivientes de la Unidad de Cuidados Críticos además de reducir la incidencia de delirio.  Las respuestas fisiológicas cerebrales al ambient también han sido estudiadas ampliamente y varían de una persona a otra al igual que los gustos, pero numerosos estudios han demostrado un aumento en la producción de dopamina, serotonina, oxitocina y opioides internos (neutrotransmisores relacionados al placer y alivio de dolor) en personas expuestas a esta música.  Aunque para la mayoría de las personas el ambient es difícil de entender y escuchar, y para otras fluye de forma fácil, en la mayoría de las personas que sufren trastornos de ansiedad, estrés postraumático, insomnio o dolores crónicos, los paisajes sonoros mínimos, los silencios y las atmósferas sonoras sin palabras son más efectivas que cualquier medicamento.   

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Después de cinco años de exilio autoimpuesto, Vladislav Delay regresa

Durante 20 años, el artista finlandés Sasu Ripatti, ha creado música electrónica que supera los límites del underground. Más famoso como Luomo o Vladislav Delay, el trabajo de Ripatti ha influido en la música de Animal Collective, hasta en el sonido de la música ambient de las últimas dos décadas Intransigente y sin miedo a crear nuevos alias y desaparecerlos con la misma rapidez, el viaje musical de Sasu Ripatti abarca desde el tecno hasta el jazz, incluso, en sus inicios, como baterista de una banda de black metal. A finales de febrero Ripatti regresa como Vladislav Delay, su proyecto más consistente después de un paréntesis de cinco años, estrenando una nueva pieza audiovisual titulada Rakka en la que Ripatti se abre a nuevos caminos una vez más saliendo del mundo del ambient para entrar en un terreno más duro y más experimental, inspirado en las desoladas mesetas rocosas del círculo polar ártico.  Por el momento, Vladislav Delay ha publicado un sombrío y misterioso tema llamado “Raajat”, que bien parece musicalizar una vereda rocosa cubierta de nieve y una densa neblina blanca. Rakka saldrá a la venta el 27 de febrero gracias al sello alemán Cosmo Rhythmatic. 

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