Depósitio Sonoro

Pavel Rosado

Editor de Depósito Sonoro | Dj | Noveno piso

Jumper, el nuevo álbum de Dvrvnt

Dvrvnt, una de las cabezas más visibles de la escena electrónica nacional, empieza el año con Jumper, un álbum sombrío interrumpido bruscamente por colores brillantes Género: Glitch Hop | IDM | Lo-Fi | ★★★★ Jumper sobresale como un álbum liderado por un estado de ánimo sombrío con una atmósfera brillante. Sus hermosos ritmos, a veces nostálgicos, son salpicados por un tejido melódico de voces recortadas. Aquí sólo hay siete temas en los que Dvrvnt nos presenta un viaje de casi veinte minutos a través de un mundo de misterio e intriga con ocasionales momentos de fuga; o tal vez, picos de luz envolventes en un mundo predominantemente oscuro.  Jumper es uno de esos álbumes que podrían sentirse algo sofocantes si no fuera tan bellamente convincente. Al igual que la auto-exploración vista a través de los propios sueños o de los pensamientos mas sesgados, el mundo que crea Dvrvnt, es un mundo oscuro interrumpido bruscamente por colores brillantes. Hay oscuridad y mucha, pero se siente preparada para ser derrotada; un contrapunto conquistado por una visión aguda de lo excepcional, en sí mismo, y lo que es lo más importante. Magnífico.  

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Moby alista nuevo un álbum llamado All visible objects y comparte su primer sencillo

Todos los ingresos del nuevo álbum de Moby, a la venta el 6 de marzo, serán donados a organizaciones que apoyan a animales, derechos civiles y al medio ambiente Moby ha anunciado un nuevo álbum titulado All Visible Objects, y para darnos un adelanto, ha publicado el sencillo “Power Is Taken” en el que participa el ex-baterista de los Dead Kennedys, D.H. Peligro.  Este nuevo tema es una mirada urgente a la forma en la que el mundo está estructurado a nuestro alrededor, “los que odiamos la opresión debemos luchar contra los opresores, el poder no se comparte, el poder se toma”, exclama D.H. Peligro con frenéticos y entusiastas sintetizadores de los años noventa que agregan un sentido de vejez al tema. El video compartido por Moby proporciona una visión distópica del mundo que nos rodea.   Todas las ganancias recaudadas por las ventas de All Visible Objects serán donadas a varias organizaciones, en las que destacan Humane League, Good Food Institute y Rainforest Action.  Mira el playlist aquí: 1) Morningside (Vocals – Apollo Jane) 2) My Only Love (Vocals – Mindy Jones) [Roxy Music cover] 3) Refuge (Vocals – Linton Kwesi Johnson) 4) One Last Time (Vocals – Moby & Apollo Jane) 5) Power is Taken (Vocals – DH Pelligro & Boogie) 6) Rise Up in Love (Vocals – Apollo Jane) 7) Forever (Vocals – Moby) 8) Too Much Change (Vocals – Apollo Jane) 9) Separation 10) Tecie 11) All Visible Objects

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Merzbow lanza StereoAkuma a través de Room40, un álbum para recaudar fondos en Australia

StereoAkuma se grabó durante una semana en el festival Open Frame en Melbourne y Sydney el año pasado El colectivo de música experimental australiana Room40 se ha unido una vez más con Merzbow para publicar un álbum en vivo llamado StereoAkuma, cuya ganancias serán destinadas a WIRES, una organización que trabaja para ayudar y proteger la vida silvestre afectada por los devastadores incendios forestales ocurridos en Australia.  El pionero del noise japonés pasó un tiempo en Australia en junio y julio del año pasado como parte del festival Open Frame de Room40, dando múltiples presentaciones en Sydney y Melbourne. Las grabaciones de estas presentaciones conforman StereoAkuma.  Vegano y amante de la vida silvestre, Merzbow pasó gran parte de su tiempo libre explorando los bosques australianos y disfrutando de la vida de aquel país. Merzbow quedó devastado al ver las noticias e imágenes de los incendios que han destruido enormes extensiones de bosques de Australia, dañando el medio ambiente para innumerables especies de flora y fauna. StereoAkuma saldrá a la venta el 28 de febrero y, como gesto de apoyo, todas las ganancias de la venta serán destinadas a la fundación WIRES; además de que Room40 por cada álbum vendido aportará la misma cantidad para este esfuerzo altruista. Merzbow regresará a Australia para realizar más actuaciones a finales de febrero, incluida una presentación con Boris.  Reserva StereoAkuma aquí y apoya a la fauna de Australia.  StereoAkuma by Merzbow  

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El sonido del horror y el desastre, la banda sonora de Chernobyl que dio vida a la radioactividad

La destacada compositora de bandas sonoras y virtuosa violonchelista Hildur Guðnadóttir refleja con tacto el estado de ánimo del docudrama Chernobyl en un oscuro y abrumador soundtrack. Una de las series destacadas del 2019 fue Chernobyl, que narra la historia desafortunada de la planta de energía nuclear soviética, su final catastrófico y, sus consecuencias, tanto nucleares como políticas; sin embargo, una de las partes más destacables de la serie, por lo menos para los amantes de la música, es la banda sonora de la violonchelista islandesa Hildur Guðnadóttir, en la que aprovechó claramente la oportunidad de limitar la sensación portentosa y nublada de la serie con sonidos que van desde las atmósferas gélidas y sombrías de Mika Vainio, hasta los toques cinematrográficos típicos de su violonchelo, que da como resultado un álbum escalofriante de ambiente nórdico oscuro.  La miniserie de televisión de drama histórico fue creada por Craig Mazin y dirigida por Johan Renck y gira en torno al desastre nuclear de Chernóbil en abril de 1986 y los esfuerzos de limpieza sin precedentes que siguieron. Es una coproducción entre los canales HBO de Estados Unidos y Sky del Reino Unido, se estrenó en mayo de 2019. La emisión de la miniserie de cinco capítulos finalizó el 3 de junio de 2019. Logró un éxito abrumador de la crítica especializada. En la 71.ª edición de los Premios Primetime Emmy recibió 19 nominaciones y ganó la categoría de Serie limitada excepcional, Dirección excepcional y Guión excepcional, mientras que los protagonistas recibieron nominaciones por su actuación.    

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¿Quiénes eran The Residents?

Quizá los músicos independientes por excelencia de la década de los setentas fueron The Residents, banda fundada por el compositor Hardy Fox y el vocalista Homer Flynn, quienes actuaban bajo disfraces alienígenas e intentaban no revelar sus identidades Trasladados de Louisiana a San Francisco en 1966, The Residents debutaron en 1972 durante la etapa oscura que surgió, tras la desaparición del movimiento hippie y la caída del acid-rock. Compusieron sus obras más innovadoras entre 1974 y 1976 cuando el new wave aún estaba por nacer; pero su aislamiento de la escena musical permaneció hasta que emergieron de forma absoluta como profetas de una forma de hacer, interpretar y concebir música a oscuras y crípticas. Sus piezas formaban parte de un espectáculo multimedia cuyas actuaciones los trasladaron a la cima de la escena avant-garde de los setentas y, cuyo sonido enfatizó un enfoque de composición musical estilo collage.  Meet The Residents, en 1974, dio un sonido de evolución. Inspirados por el dadaísmo, el surrealismo y Frank Zappa, The Residents reunió fragmentos y escombros de la cultura sonora basura (sonidos de comerciales, orquestas de fácil escucha y bandas sonoras de dibujos animados), y procedieron a esculpir una estructura sonora que fue deliberadamente amateur, pero también proporcionó un documental escalofriante de la civilización occidental disfrazado de una parodia grotesca de consumismo, en el que Zappa era en realidad un virtuoso de la composición, la dirección musical y un ejecutor heroico de ideas descuidadas. The Residents estuvo concebido como un colectivo de artistas descuidados con ideas heroicas y voces glaciales, distorsionadas y monótonas, que se elevaron sobre instrumentos para fusionar ritmos pueriles y melodías torpes. Not Available (1974)  fue la obra de arte mas sofisticada de The Residents, uno de los álbumes más importantes de la época. Cada tema acuñó una nueva forma de música de vanguardia a partir del primitivismo sinfónico y de la música cacofónica. A pesar de la gigantesca exhibición de sonidos, la agrupación ofrecía una visión sombría y aterradora de la humanidad. Ese espíritu se expresó en un formato más programático con el ballet futurista de Six thing to a cycle de 1976, y alcanzó su ápice poético con Eskimo en 1979, que fue básicamente un experimento de musique concréte ambientado en el ártico, pero también un conmovedor homenaje a la humanidad ancestral y a su lucha épica en entornos hostiles.  Después, The Residents buscaron el expresionismo y el teatro para elaborar una obra que fuera menos caótica que sus primeros collages; así como un sonido más ambiental, al estilo de Brian Eno. En 1981, Mark of the mole fue la primera entrega de una fantasía de ciencia ficción de tres partes; y los cuentos de hadas de Census Taker en 1985 y God in three persons en 1988, continuaron sus aventuras en un ámbito musical que ninguna otra banda se atrevió a acercarse. The Big Bubble en 1985 fue la tercera parte de la trilogía y fue uno de los experimentos post-modernistas más emocionantes sobre la voz humana de la época.  Debe decirse que la década de los noventas fue una década decepcionante para The Residents. Su discografía creció de manera constante, pero casi no hizo ninguna diferencia cualitativa; entre discos interactivos y bandas sonoras para series de televisiones y videojuegos, los noventas no marcaron un punto de partida para el grupo. Twelve days of Brumalia en el 2004 fue un álbum creado hipotéticamente sólo para los fanáticos de la banda y se descargaba en su sitio web, y junto con el álbum en vivo The way we were en el 2005 fue una excentricidad menor.  Una mala señal se dio en el 2005 cuando las identidades de los miembros de la banda se convirtieron en el tema principal de la mayoría de los artículos que hablaban de The Residents. Lo más probable es que Animal lover (Mute, 2005) sea tan popular como la música del cuarteto; sin embargo, la preocupación sobre quiénes eran sus integrantes fue una señal de que sus tiempos habían cambiado y que el mito de The Residents comenzaba a desintegrarse.

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Kyle (I Found You) de Fred again, una canción de baile hermosa y emotiva

Permítanos presentarle a Fred again… el artista de origen inglés que ha producido discos de una gran cantidad de dj’s famosos, quien ahora, bajo su propio nombre, está publicando música electrónica elegante, muy diferente a los beats de masas que produce generalmente Fred again lleva unos meses subiendo temas en su canal de YouTube, pero su primer lanzamiento en plataformas de música streaming es el exitoso tema; hermoso y emotivo Kyle (I Found You).  Una conmovedora pieza de música electrónica hecha para esos largos momentos de euforia en algún club. Para hacer este track, Fred se acercó al poeta y MC Guante para arreglar con ritmos y beats profundos uno de sus poemas que se encontró en la red. El resultado fue una composición conmovedora, que hace que uno se pierda por un momento de lujuria en la pista de baile. Escúchalo aquí.

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¿Por qué la música de Sigur Rós expresa lo que el lenguaje no puede?

En el caso de Sigur Rós, la ignorancia y el nulo entendimiento del islandés genera mucha felicidad musical. Para el mundo occidental, Björk, los manjares de tiburones añejados y los paisajes fríos son el sinónimo de Islandia; sin embargo, muy poca gente tiene idea de qué o cómo es el islandés. A diferencia de la mayoría de los artistas o bandas contemporáneas que comparten el mismo prestigio y otros lenguajes que no sean el inglés o el español, no tener idea de lo que canta Sigur Rós no es un obstáculo. En todo caso, ha ayudado a apreciar mejor el misterio y la majestuosidad de su música y de su tierra natal. Con la música celestial de Sigur Rós existe casi la necesidad de descubrir Islandia; especialmente, en el documental Heima de 2007, que presenta al país como un paisaje mítico, salpicado de pintorescos pueblos de pescadores e imponentes vistas azotadas por el viento. Tundra ártica y geografía en escala de grises que se extiende hasta el horizonte acuoso con escarpadas montañas que guardan un secreto: la hermosa aurora boreal. Sigur Rós ha dicho bien que tiene la intención de evocar ese impresionante paisaje con su música expansiva y conmovedora.  Como a la gran mayoría, la primera introducción a Sigur Rós puede ser Svenf-g-englar, el sencillo etéreo de su exitoso álbum de 1999, Ágætis Byrjun. El título del álbum se traduce como “un buen comienzo”, en efecto. Conjurada con calma de otro mundo, Svenf-g-englar se prolonga durante diez minutos, pero se extiende por una eternidad dichosa. Para un cerebro que inició en el punk, metal, rock alternativo y jazz y, ahora sumergido en el tecno y en el ambient, fue alucinante. Es extraño sentir ese sentimiento cálido y confortante que llega por los oídos con Svefn-g-englar que se traduce como Angels of Sleep, que con la voz de Jónsi en islandés pareciera una canción de cuna celestial.  Starálfur, la canción siguiente de Svefn-g-englar tiene una belleza sonámbula. En sonido se trata de ritmos líricos con notas brillantes, pero al hacer la traducción de su letra uno queda impresionado. “Un pequeño elfo me mira. Corre hacía mí, pero no se mueve de su lugar… Un elfo me mira fijamente”.  En general, una canción con majestad cósmica y angelical, que por ingenuidad uno cree que sus versos llevan el mismo sentido; sin embargo, hablan de que quien la canta se dirige a su cama en pijama azul para esconderse debajo de las sábanas para ser visitado por la criatura mística llamada Starálfur.  En este punto, vale la pena señalar que más de la mitad de la población de Islandia todavía cree que las hadas son más que un cuento. Hay algo hermoso en este misticismo y fantasía infantil que impregna lo cotidiano. Pero de alguna manera pequeña y egoísta, la verdad de la belleza de Starálfur es que uno la interpreta a su manera. Lección aprendida: la belleza de Sigur Rós radica en el encanto de su música y la voz de Jónsi.  Tal vez, al darse cuenta de que la calidad de otro mundo de sus canciones era su mayor fortaleza, Sigur Rós renunció por completo al lenguaje comunicable en su tercer álbum (), que sigue siendo el arquetipo perfecto para el idioma; la ignorancia es la felicidad.  Lanzado en el 2002, el seguimiento de Ágætis Byrjun se nombra (), pero técnicamente no tiene título. Tampoco sus ocho pistas que se dividen en dos mitades: el optimismo radiante y las melodías edificantes, y los temas oscuros y pesados. Todos los temas se cantan completamente en el lenguaje hopelandic (vonlenska en islandés), un dialecto de fantasía en el que no existe sintaxis, gramática o definiciones. Según la banda, es una forma de voces galimatías que se adaptan a la música y actúan como otro instrumento. Un canto sinsentido, diseñado para transmitir la ausencia de significado. Una pizarra en blanco para que el oyente conjure su propio significado.  El objetivo final de Sigur Rós es simple pero profundo. No busca expresar nada en específico a pesar de ser despojado de palabras descifrables, comunica abundancia de sentimientos, letras sin significado, pero con propósito, matiz o emoción. Sigur Rós trata sobre cómo la música tiene éxito en donde el lenguaje falla tan a menudo: al expresar lo que las palabras no pueden. Música que puede convencerte aunque sólo sea por la vida sutil de una canción, que la magia es real.

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To magnetize money and catch a roving eye del multifacético Jim O´Rourke

El compositor, interprete y multinstrumentista​ nacido en Chicago en 1969, Jim O´Rourke es un verdadero camaleón que trabaja en las fronteras de géneros musicales tan diversos como su creatividad, To magnetize money and catch a roving eye es un trabajo  de cuatro horas grabado en Steamroom (el estudio de Jim O´Rourke) Género: Ambient | Avant-Garde |Drone | Improvisación Label: SONORIS ★★★★★ Las capas de sonidos detallados y delicados, los instrumentos procesados y las grabaciones de campo ambiguas se unen en un caleidoscopio fascinante que se mueve lento con múltiples reflexiones y giros aberrantes, pero en un constante flujo. Una pieza hipnótica, polifacética y laberíntica, que fluye tan lento como un río mientras recorre la memoria y muestra todo el talento de Jim O´Rourke. 

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