Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Joep Beving concluye su impresionante trilogía con Henosis, un álbum de belleza sutil y desgarradora.

Como parte de la creciente ola de artistas neoclásicos que actualmente se infiltran en una escena musical en bastante crecimiento, Joep Beving es un compositor minimalista e interprete de paisajes sonoros evocadores. Su último álbum, Henosis, es un episodio épico de más de veinte temas que concluyen una trilogía evocadora y hermosa. Género: Neoclásica | Ambient | Modern Classical | Label: Deutsche Grammophon ★★★★★ Su actitud relajada y romántica hacia la nueva composición musical y el tratamiento que le da a sus melodías como un escultor moldeando arcilla, le dio el potencial de ser un atractivo masivo. Aun así, los servicios de transmisión de música en todo el mundo están repletos de artistas que no pueden atraer a la audiencia que merecen.  Todo fue una sorpresa para Beving que había estado creando música tranquilamente en su casa en Ámsterdam. Animado por su familia y amigos, Beving decidió compartir su música con un público más amplio. Su primer álbum, Solipsism, fue un éxito en Spotify entre los oyentes atraídos por la naturaleza comtemplativa de las melodías simples y hermosas de Beving. El mítico sello Deutsche Grammophon tomó nota y rápidamente firmó contrato con Beving lanzado en el 2017 Prehension, la segunda parte de la trilogía.  El sonido de Beving incluye desde el piano solista, instrumentos de cuerda y voces que se deslizan entre la música pop, electrónica y artística, a veces denominada pretenciosamente música postclásica. Los estados de ánimo, las emociones y las texturas que no siempre pueden integrarse, necesitan el tratamiento inteligente y equilibrio preciso como el de Joep Beving, quien con una simple mezcla de sonidos electrónicos y clásicos hacen que la historia se revuelva perfectamente con el presente en busca de algo perdido. Henosis es un disco con un enfoque más clásico y tradicional, respecto a los previos, ejecutado con un sentimiento tan profundo que es difícil no admirarlo. Música minimalista que es tan sutil y cálida que dejan al oyente sumamente relajado.  Entrar al mundo de Nils Frahm, Max Richter, Olafur Arnals y Poppy Ackroyd es una propuesta desalentadora desde el principio. La nueva ola de compositores contemporáneos que está en busca de un algún lugar fantástico de paisajes sonoros es cada vez mas grande y compleja, y está haciendo su propia música y definiendo su propio género, y aunque Joep Beving aún no está del todo en esta liga, su trabajo es notable y en su mayor parte es evocador y hermoso. Una estrella en ascendencia. 

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Christian Löffler lanza nuevo disco llamado Graal (Prologue), música para el alma y para el cuerpo.

Christian Löffler se ha convertido rápidamente en uno de los productores favoritos de música electrónica actuales, desde sus primeros lanzamientos al rededor del 2009, hasta su increíble participación en Cercle y ahora con el lanzamiento de su último álbum, Graal (Prologue). Género: Tech house | Microhouse | Ambient house | Label: Ki Records ★★★★★ Todo comenzó alrededor de los 14 años para Christian. Al vivir en una región aislada, al norte de Alemania sin un entorno musical, tuvo que enseñarse a sí mismo lo esencial para hacer música electrónica. En poco tiempo desarrolló su propio sonido el cual es profundo y conmovedor, coloreado con un tono melancólico: música para el alma y para el cuerpo. También trabaja como artista visual siguiendo el mismo enfoque que sigue al crear música. Trata de contar más una historia que de hacer que todo sea accesible desde el principio.  En Graal (Prologue), utilizo ambos caminos (visual y musical), pero este proyecto no nació únicamente de impulsos creativos. También deriva de la frustración y la sensación de que mientras estaba de gira ya no tenía el espacio mental o tiempo libre para que su creatividad musical floreciera tras una intensa temporada de giras. Löffler, estancado se centraría exclusivamente en las artes visuales, pintura, dibujo y video, pero no en la música. Este regreso a sus raíces le recordó cómo se sintió cuando comenzó a hacer música y le permitió apagar su cerebro especialmente de cosas que es posible hacer o no. En otras palabras, le dio libertad. Tenía una serie de ideas en su computadora portátil, pequeñas melodías y fragmentos de sintetizador que nacieron en horas libres en hoteles, salas de espera de aeropuertos y largos recorridos en carretera.  El resultado de este aparente difícil proceso es Graal (Prologue), un álbum que lleva el nombre de la ciudad que el llama su hogar, un sitio pintoresco al norte de Alemania, barrido por el viento en la costa del Báltico de belleza escarpada. El álbum brilla a lo largo de seis temas bellamente melódicos, algunos lentos y profundos, casi cinematográficos, lleno de sonidos hermosos y cálidos que hacen que el disco cobre vida. Un viaje sutil hacia el cosmos en cada tema que hacen que el disco en conjunto sea casi celestial. 

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La brillante oscuridad de The Destroyer -1, el tan esperado álbum de TR/ST

TR/ST finalmente lanzó su tan esperado y anunciado tercer álbum, The Destroyer -1 (la parte 2 saldrá a finales de este año). Álbum que incluye ocho canciones y el regreso de Maya Postepski quien no participó en el anterior álbum Joyland. Género: Dark wave | Electropop |Coldwave | Synth-pop | Label: Royal Mountain Records ★★★★ En cinco años transcurridos desde su último lanzamiento Joyland, el músico de Ontario, Robert Alfons desarrolló una apreciación inquebrantable por la paciencia y la perseverancia. Al adoptar un nuevo enfoque para escribir y grabar este nuevo álbum, Alfons buscó silencio absoluto para dar sentido al funcionamiento interno de su mente, lo que resultó en un fascinante disco de dos partes. The Destroyer -1 es un potente conjunto de música electro-pop con tonos gótico-industriales que combina sintetizadores oscuros, ritmos propulsivos, voces sombrías y una esencia hipnótica abrumadora en cada canción que se hunden debajo de la piel hasta llegar, en algunos temas, a alcanzar una sensación vertiginosa de anhelo.  El día de hoy se dió a conocer el cartel completo de la edición 2019 de la Semana Indie Rocks en la cual figura TR/ST como uno de los participantes del festival más esperados presentándose el día 7 de junio en el Foro Indie Rocks.   

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Sacred Bones relanza álbum Mother Earth’s Plantasia de Mort Garson, música para las plantas y para la gente que las ama

Sacred Bones reeditará el aclamado álbum de 1976 Mother Earth’s Plantasia del compositor canadiense y maestro de los sintetizadores Moog, Mort Garson, música para plantas y los amantes de ellas. Género: Space age-pop | Progressive electronic | Psychedelic rock | Ambient | Experimental Label: Sacred Bones ★★★★ El álbum se inspiró en el libro La Vida Secreta de las Plantas, un fenómeno a mediados de los años setenta escrito por el periodista, ocultista y exagente de la Oficina de Servicios Estratégicos de la Segunda Guerra Mundial Peter Tompkins quien afirmaba que las plantas domésticas podían leer nuestros pensamientos, predecir desastres naturales y sobre todo, disfrutar escuchar música.  Garson compuso Plantasia usando un sintetizador Moog lanzado en la planta de Los Ángeles, Mother Earth y el álbum se vendió específicamente para las plantas de los clientes de ahí. Plantasia es una pieza maravillosamente caprichosa de música electrónica que vale la pena escucharla, independientemente de su interés en la botánica. El disco está lleno de encantadoras melodías delicadas de texturas tentadoras y ritmos subliminales que harán que las raíces de nuestras plantas bailen en una tormenta.  Las copias originales de Plantasia se han vuelto tan difíciles de encontrar y por lo tanto caras (Discogs las vende entre 325 y 600 dolores) que dos cineastas decidieron hacer un documental sobre la búsqueda épica de algunos coleccionistas para encontrarlas. Sacred Bones está preparando el relanzamiento oficial de Plantasia y para celebrarlo, en conjunto con Atlas Obscura presentarán la experiencia de escuchar Plantasia en el Jardín Botánico de Brooklyn el 18 de junio.  Plantasia ya está disponible en todas las plataformas digitales de música y el lanzamiento físico fue el 21 de junio, después de la presentación del Jardín Botánico de Brooklyn. Mira la adorable portada y escucha junto con tus plantas los adorables temas de Plantasia. Dando clic en este enlace puedes hacer la orden del disco de vinil.    

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“Don’t worry about me”. A 18 años de la muerte de Joey Ramone

Lo siguiente que van a leer lo escribo no como periodista musical o como colaborador de Depósito Sonoro, no, en esta ocasión lo hago como un gran admirador de la música de los Ramones y en especial de lo que representa la figura de Joey Ramone. Justo hoy que abría mis redes sociales salió en mis recuerdos una publicación de hace ya varios años, 7 para ser exactos, donde comunicaba a mis contactos la salida de un álbum póstumo del ex vocalista de los Ramones : Ya Know. Cada 15 de Abril me es inevitable ponerme melancólico y poner una rola de los Ramones o de Joey en Solitario. Sin duda es una de las voces que han marcado mi vida y sé que la de muchos de ustedes que nos leen también, y me/nos lamentamos tanto de no haberlo podido ver en vivo. Quizá estas líneas hablan mucho de mí pero lo hacen justo por la relación que Joey tuvo conmigo y seguramente alguien se identificará también, es decir, su voz, su energía, sus gritos y su grito de “Hey Ho, Lets Go”. Cuando adolescente, me sentía un amigo de él, coreaba sus rolas, rompí mis pantalones, vaya, quería cantar como él.   Joey jamás representó al punk como lo concebimos, nunca fue ese agresivo-anarquista rabioso en el escenario que escupía al público o que lanzaba consignas, él representaba curiosamente todo lo contrario, fuera del escenario. Joey representó al nerd que sobresale, al chico retraído, al introvertido que lleva a un súper héroe escondido. Hablar de Joey Ramone en mi opinión, es hablar de dos personas, Joey debajo del escenario y Joey con su banda. Joey fuera de los escenarios era justo lo antes mencionado, introvertido, divertido, nerd, vaya, hasta medio tonto, tan tonto y noble que su guitarrista Johnny le dio baje con la novia, noble porque, a pesar de ello, siguió en giras y giras con el tirano que le robó a la chica, con el peor de los enemigos y aún así siempre mostró esa “buenaondéz”. Pero si hablamos de Joey dando un show hablamos de una persona distinta, ahí él representaba poderío, energía, contundencia, aun con su cuerpo larguilucho y escuálido, se imponía en el escenario, valía madre que fuera el feo de la banda, el raro, el “fricky”. Él era una especie de dios (y no dicho por mí, sino por  muchos).   Ya son 18 años sin la voz de los Ramones, sin la voz de ese alguien que, sin su banda y sin un tal Hilly Krystal el punk no hubiera existido, y muchos dirán “estás diciendo estupideces”, pero no, sin la voz de Joey Ramone y compañía, el punk no hubiera existido. Ya son 18 años sin un icono. No pudo ver su inducción al “Rock and Roll Hall Of Fame”, el cáncer acabó con su vida. No quise introducirme en su música, en su legado porque eso está ahí, tangible y alcanzable con sólo un click. Si me preguntan qué disco recomendar de él, sin duda el último que se editó, ese “Ya Know” con su portada en blanco y negro con la foto de él de la cintura hacia abajo en aquella postura característica, muy de él cuando cantaba. “I Couldn’t Sleep” es mi tema favorito, escúchenlo, víbrenlo y brinquen en donde quiera que estén. Joey, así de largo y desalineado fue un gran líder de una gran banda y una gran influencia si no, pregúntenle a Faris Badwan de The Horrors.   Van a pasar los años y seguiré recordando a Joey como hoy y como cada día pues en mis bocinas de donde esté siempre, cada día sale la voz de él en alguna de sus rolas con su banda Ramonezca o de él en solitario. Se fue, como muchos grandes en 2001 pero siempre nos quedará un “HEY, HO, LETS GO!” para gritar a todo pulmón.

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Kurt Cobain: el último suspiro

A 26 años de su repentina muerte, el 5 de abril sigue siendo un duro golpe a la memoria de millones de fans de Nirvana que año tras año continúan recordándole. Quise retomar un extracto del último capítulo de ‘Heavier Than Heaven: ‘Un final a la Leonard Cohen’ en donde Charles R. Cross intenta recrear de forma metódica las últimas horas del ícono de la Generación X. “En las horas previas al amanecer del martes 5 de abril, Kurt despertó en su propia cama, con las almohadas impregnadas con el perfume de Courtney, una fragancia que había percibido por primera vez cuando ella le envió la caja de seda y encaje en forma de corazón hacía tan solo tres años. Hacía frío en la casa, así que había dormido con la ropa puesta, incluido el abrigo de pana marrón. En comparación con las noches que había dormido a la intemperie en cajas de cartón, no era para tanto. Llevaba su cómoda camiseta de Half Japanese (un grupo de punk de Baltimore), sus Levi’s favoritos y, al sentarse en el borde de la cama, se ató los cordones del único calzado que tenía: un par de tenis Converse. La televisión estaba encendida, con MTV sintonizado, pero sin sonido. Se acercó al equipo de música y puso Automatic for the People de R.E.M, con el volumen bajo para que la voz de Michael Stipe sonara como un agradable susurro; Courtney encontraría posteriormente el equipo encendido aún y el cd puesto. Kurt encendió un Camel y se recostó en la cama con una libreta tamaño oficio sobre el pecho y un bolígrafo rojo de punta fina. Por un momento se quedó embelesado ante la blanca hoja de papel, pero no por culpa del llamado bloqueo del escritor, sino porque llevaba semanas, meses, años, imaginando aquellas palabras. Se quedó parado solo porque hasta una hoja de papel tamaño oficio le parecía sumamente corta, finita a más no poder. “Sabes que te quiero -había escrito en aquella carta- Quiero a Frances. Lo siento. Por favor no me sigas. Lo siento, lo siento, lo siento.” Kurt había seguido escribiendo lo siento hasta llenar la página entera. “Ahí estaré -proseguía la carta-. Los protegeré. No sé adónde voy, simplemente no puedo seguir aquí.” Escribir aquella nota le había supuesto un gran esfuerzo, pero sabía que aquella segunda misiva revestía la misma importancia, y debía ser cuidadoso con las palabras que iba a elegir. La remitió “A Boddha”, el nombre de su amigo imaginario en la infancia. Con una letra deliberadamente diminuta, escribió un texto corrido sin atender a las normas de la gramática, extremando al máximo la redacción de su contenido con el fin de garantizar la comprensión de todas y cada una de las palabras. Mientras escribía, la iluminación de la tele en MTV le proporcionaba gran parte de la luz que necesitaba para ver, pues aún no había amanecido del todo. Cuando dejó de escribir, le faltaban cinco centímetros para llenar la hoja por completo. La redacción de la nota le había costado tres cigarros. No tuvo tiempo de reescribir aquella carta veinte veces como había hecho en muchas ocasiones en sus diarios; se hacía de día y necesitaba actuar antes de que el resto del mundo despertara. Para concluir la carta puso: “Paz, amor, empatía,  Kurt Cobain”, prefiriendo escribir su nombre completo a estampar su firma. Subrayó la palabra empatía dos veces, un término que había empleado en cinco ocasiones a lo largo de su carta suicida. Añadió una línea: “Frances y Courtney, estaré en su altar”, y se metió el papel y el bolígrafo en el bolsillo izquierdo del abrigo. Kurt se levantó de la cama y entró en el armario, donde retiró de su sitio un tablón de la pared. Dentro de aquel cubículo secreto había una funda de escopeta de nailon color beige, una caja de cartuchos y una caja de puros Tom Moore. Volvió a colocar el tablón en su sitio, se metió los cartuchos en el bolsillo, tomó la caja de puros y se cargó la pesada escopeta sobre el antebrazo izquierdo. De un armario situado en el pasillo sacó dos toallas; él no las necesitaba, pero harían falta después… Bajó despacio los 19 escalones de la amplia escalera. Había pensado en todo, lo había planeado todo con la misma previsión con la que concebía las portadas y los vídeos de sus discos. Habría sangre, mucha sangre, sería un asco, y no quería que su casa acabara así. Al entrar en la cocina pasó por delante de la puerta donde Courtney y él habían empezado a marcar la altura de Frances a medida que crecía. De momento solo había una señal, una rayita en lápiz con el nombre de su pequeña a 79 centímetros del suelo. Kurt no vería nunca marcas más altas en la pared, pero estaba convencido de que la vida de su hija sería mejor sin él. No vería jamás a Courtney, a Krist, a Dave o a Pat. No volvería a ver su madre Wendy, ni a su hermana menor Kim, no volvería a tocar la guitarra, no volvería a grabar un disco, ni una canción. Jamás volvería a gritar a través de un micrófono. Una vez en la cocina abrió la puerta de la nevera y tomó una lata de cerveza Barq, sin soltar en ningún momento la escopeta. Con tan inconcebible carga encima (una lata de cerveza, un par de toallas, una caja de heroína y una escopeta, objetos que posteriormente se encontrarían formando una extraña asociación), abrió la puerta que daba al jardín trasero y atravesó el pequeño patio. Despuntaba el amanecer y la bruma del alba se cernía sobre la tierra. Así eran la mayoría de las mañanas en Aberdeen, húmedas y frías. Nunca más volvería a ver Aberdeen, nunca más treparía a lo alto de la colina Think of Me, nunca compraría la granja con la que había soñado en Grays Harbor, nunca más amanecería en la sala de espera

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This (Is What I Wanted to Tell You) de Lambchop, un humilde triunfo del barítono de Wagner

Lambchop, la banda alt-country de Nashville liderada por Kurt Wagner ha lanzado 14 álbumes incluido el reciente This ((Is What I Wanted to Tell You), en los cuales Kurt utiliza de exclusiva su barítono, una especia de tótem construido en lo alto de arreglos exuberantes de guitarra, ritmos desenfadados y peculiares melodías de sintetizadores. Género: Alt-country | Chamber-pop | Label: Merge Records ★★★★ Escuchar el nuevo disco de Lambchop es algo parecido a meditar mentiras el mundo se vuelve loco al rededor. Música que requiere un esfuerzo mínimo por parte de oyente en la que Wagner y sus colegas hacen todo por ti. Estas canciones, que en los últimos 25 años han permanecido en una línea similar, pero en última instancia han progresado y además impresionado, irradian melancolía.  Sin embargo, Wagner canalizar su espíritu descaradamente melancólico por algo más sombrío y solitario, distorsionando su voz una y otra vez con parches y efectos electrónicos fallidos. Sin lugar a dudas, es un movimiento extraño para Lambchop en el que otros pueden caer en el cliché de la experimentación, pero Wagner y compara prevalecen y en este proceso creado música utópica e incómodamente atractiva.  This (Is What I Wanted to Tell You) no es de ninguna manera un álbum de presentación para quienes no conocen a Lambchop, incluso para los fanáticos de larga evolución se trata de una exploración bastante curiosa de un veterano de la composición experimental que hace que su icónico barítono, acompañado de un puñado de instrumentos y sonidos sea si no excelente, al menos altamente atractivo.   

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LP5 de Apparat, una clase magistral en el arte de la música electrónica

Apparat regresa como solista después de seis años con un álbum que resume su talento y es quizá el mas completo de toda su trayectoria. Género: Ambient | Electrónica| | IDM | Techno Label: Mute ★★★★ El músico alemán Sascha Ring es un artista con muchas facetas; por un lado ha producido música electrónica pretenciosa y extremadamente cuidada que combinaba con Modeselektor en Moderat hecha tanto para los auriculares como para la pista de baile, pero también tiene una capacidad destacable para producir ambient e IDM encantadoramente simple bajo el nombre de Apparat y es ahora, después de seis años que reaparece como solista con un álbum que cae claramente en el sonido clásico de Apparat y retoma esencia de cada uno de sus álbumes anteriores. Este último álbum lanzado bajo esta denominación llamado LP5 es un álbum definido por la moderación, música con una exactitud de reloj que funciona casi a la perfección y que ve a Sascha desplazarse entre momentos de claridad melancólica y grandeza triunfante. En casi todos los temas de este nuevo disco, la voz vacilante de Sascha Ring levita sobre los resultados sonoros de las intercepciones electrónicas punzantes de instrumentos acústicos intervenidos, procesadores y computadoras.  El talento sobresaliente de Apparat le ha servido para crear música amorfa y caleidoscopica a lo largo de su vida, siendo LP5 el máximo exponente de su talento que resume el trabajo de Sascha Ring por casi 20 años y proporciona al oyente un espacio para respirar entre paisajes musicales tejidos con notas acústicas y electrónicas que funcionan en conjunto para crear uno de los álbumes más completos de Apparat hasta la fecha y quizá, aunque es temprano pensarlo, uno de los discos del año. 

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