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5 músicos cuyos instrumentos fueron dañados por aerolíneas y agencias aduanales

Viajar en avión con instrumentos musicales es todo un tema. Para todo músico, su instrumento va más allá de ser un simple objeto. Hay músicos que consideran sus instrumentos como una extensión de si mismos, una posesión con un valor sentimental especial y cuyo cuidado siempre debe ser extremo. Desafortunadamente, para algunos se ha vuelto realidad la pesadilla de un instrumento destruido por descuido del personal de un aeropuerto. A continuación desglosamos 5 desafortunados casos que sufrieron este horror, en su mayoría músicos altamente prestigiados y cuyos instrumentos estaban altamente valuados. 1. Myrna Herzog En 2018, Myrna Herzog, prestigiada intérprete israelí de viola, culpó a la aerolínea Alitalia de que su viola da gamba del siglo XVII fuera severamente dañada en un vuelo de Río de Janeiro a Tel Aviv. Herzog publicó fotos del instrumento en Facebook y comentó que eldaño ocurrió a pesar de que la aerolínea le había asegurado que la viola sería llevada manualmente a la parte baja del avión. Incluso el instrumento iba en su estuche rígido, el cual tenía un sticker de “frágil”. La aerolínea respondió lamentando lo sucedido, pero intentaron deslindarse diciéndole que la práctica común era comprar un asiento adicional para instrumentos delicados. Herzog mencionó que durante 48 años ha tenido muchos vuelos con violas, las cuales normalmente son acomodadas en el armario del avión o llevadas manualmente en la parte baja del avión. La aerolínea le propuso una compensación que ni siquiera cubría el estuche. Cabe mencionar que un instrumento antiguo como este, dependiendo de su fabricante, podría costar hasta dos cientos mil dólares. No se tiene documentado si alguna vez Herzog logró recibir alguna compensación justa por parte la aerolínea. 2. Ballaké Sissoko En 2020 la kora (instrumento africano de 21 cuerdas) del renombrado músico maliense Ballaké Sissoko fue dañada durante una inspección por la Administración de Seguridad del Transporte de Estados Unidos (TSA, siglas en inglés). El músico africano viajaba con su banda 3MA de Nueva York a París. La TSA lamentó el desafortunado suceso pero se deslindaron diciendo que, después de una revisión exhaustiva del reclamo, ellos no habían abierto el estuche. De acuerdo a una nota publicada en Los Angeles Times, Sissoko declaró que tuvo esta kora por 8 años y su costo fue de $5 mil dólares. Cabe mencionar que el ensamble de este instrumento puede llevar semanas. Sissoko también dijo que, tras el daño, se sentía como un huérfano pues una parte de él estaba perdida y ahora tenía que esperar semanas para conseguir una nueva kora. 3. Wu Man Wu Man, reconocida intérprete de la pipa (instrumento chino de cuerdas parecido al laúd), tuvo la mala suerte de que su instrumento (valuado en $50 mil dólares) fuera dañado en 2013 durante un vuelo con US Airways de Filadelfia a New Haven, donde tendría un estreno mundial con Kronos Quartet. Según la intérprete, había intentado guardar el delicado instrumento en un compartimento superior pero no cabía. Preguntó si podía colocarlo en el asiento vacío junto a ella, pero se lo negaron. Luego una azafata se ofreció en guardar la pipa en el armario del avión, donde descuidadamente la dejó caer, provocando que el cuello del instrumento se partiera en dos. La pipa iba en un funda blanda porque no existen estuches rígidos para un instrumento como este. Tampoco estaba asegurada porque las aseguranzas no tienen manera de valuar un instrumento exótico y poco conocido. Sin embargo, las cosas se resolvieron positivamente en este caso. US Airways llevó a Wu Man en avión a China, donde pudo conseguir una pipa nueva del mismo lutier que hizo la dañada. La aerolínea también pagó por el nuevo instrumento. 4. Alban Gerhardt En 2013 el violoncelista alemán, Alban Gerhardt, describió como “un acto de comportamiento brutal y descuidado” el hecho de que el personal de seguridad del Aeropuerto Internacional de Washington, partió en dos el palo de su arco, el cual fue fabricado en el siglo 19 por Heinrich Knopf, reconocido fabricante alemán proveniente de una dinastía de fabricantes de arco. El incidente ocurrió durante la inspección del estuche, un día antes de que Gerhardt interpretara el Concierto sinfónico de Prokofiev con la Orquesta Sinfónica de Madison en Madison, Wisconsin. El violoncelista presentó una reclamación con la TSA pero no esta documentado si fue compensado justamente. El arco estaba valuado en 20 mil dólares. 5. Dave Carroll Durante un viaje en 2008, este músico country canadiense tuvo la desgracia de que su guitarra Taylor fuera severamente dañada por los malos manejos de los empleados de United Airlines. Carroll reclamó a la aerolínea, pero le respondieron que no era elegible para una compensación porque no había presentado el reclamo dentro de un plazo de 24 horas. El músico tomó este incidente como inspiración para componer “United Breaks Guitars”, canción country pop cuya letra relata la anécdota con humor. Un videoclip del tema fue subido al canal de Youtube de su banda, Son of Maxwell, resultando un fenómeno viral que presionó a United Airlines para que terminara compensando a Carroll. El incidente desató un debate sobre el servicio al cliente y el poder de las redes sociales. De hecho, algunas aerolíneas usan ahora el videoclip en entrenamientos y capacitaciones para concientizar a sus empleados.

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18 discos recomendados del sello Tzadik, de John Zorn

TEXTO POR: Gerardo Alejos “Tzadik es un sello discográfico estadounidense del saxofonista John Zorn, fundado en 1995 y dedicado a la música de vanguardia. Trabaja con autores y autoras que crean estilos como avant garde, música experimental, improvisación, free jazz, noise music, jazz rock, yiddish-klezmer-jazz, música judía y contemporánea. En el hebreo la palabra tzadik (o tzadi) conceptualmente da referencia a “la fe de los justos”. El número de trabajos del sello supera los 400, con artistas afines al trabajo experimental y vanguardista”. En torno a la llegada del catálogo de Tzadik a los servicios de streaming (y por el inminente regreso del John Zorn a México), tenemos algunas recomendaciones de ése catálogo. Acá abajo la lista de discos, sin orden específico. 1. Maryanne Amacher – “Sound Characters” [1999] y Sound Characters, vol. 2 [2008] | Las obras cumbres del ícono de la psicoacústica; con buenas bocinas y un subwoofer harán que explote tu mente. 2. Hemophiliac – “50th Birthday Celebration, vol. 6” [2004] |.  Zorn, Ikue Mori y Mike Patton sonando en vivo con toda la garra eléctrica de mediados de los años 2000; no sólo quizá su mejor release sino parte de lo mejor que ha hecho Patton en el ámbito experimental. 3. Otomo Yoshihide – “Cathode” [1999] y “Anode” [2001] | Dos piezas claves de la descomunal obra del japonés Otomo, composiciones electroacústicas con espacio para la improvisación y un lineup de ensueño (además de Otomo, Annette Krebs, Sachiko M, Tetuzi Akiyama, Yumiko Tanaka, Yuta Kawasaki…) que ayudaron a marcar la pauta para lo que antes llamábamos EAI. 4. Bobby Previte – “The 23 Constellations of Joan Miró” [2002] | 23 viñetas/composiciones de una belleza sublime, inspiradas en la serie de obras del maestro catalán que da título al disco. Una obra cumbre de la escena downtown neoyorquina. 5. Mario Díaz de León – “Enter Houses Of” [2009] | Infravalorado clásico de los 2000 de un compositor electroacústico que, a falta de una mejor descripción, suena como si mezcláramos a Ligeti, Merzbow y Burzum (he tenido la suerte de escucharlo en vivo un par de veces, primero a mediados de los 2000 en The Stone en NYC en un ensamble brutal dirigido por Fred Frith, y luego a inicios de los 2010 tocando un devastador set solo en una pequeña galería en Oakland). 6. Yasunao Tone – “Solo for Wounded” CD [1997] | Durísima sinfonía de glitches digitales del pionero de Fluxus y exmiembro del mítico Group Ongaku, con un elegante manejo del silencio corto y de la forma. 7. Derek Bailey – “Ballads” [2002] | Aún puedo recordar la emoción al oír los primeros acordes de “Laura”, la pieza con la que abre el disco. Tan sólo sus voicings son una pequeña orquesta de jazz que recorre la historia del swing y el bebop. A la vez una excentricidad y una de las cumbres de la discografía del maestro Derek B. 8. Ground Zero – “Null and Void” [1995] | Banda de noise rock de Otomo (Plays Standards o Consume Red serían mi elección), es un discazo que igualmente transmite la fiereza y “vigor híbrido” de la fusión de géneros mid-noventera. 9. John Zorn – “Music for Children” [1998] y The Gift [2001] | Del vastísimo catálogo de Zorn, le tengo un cariño especial a estos 2 discazos donde JZ explora algunas de sus primeras influencias sonoras “seculares”, la música infantil tipo Carl Stalling o incluso Raymond Scott mezclada con la música contemporánea de Varèse o Kagel (en Music for Children), así como el easy listening/exotica tipo Esquivel e incluso el surf (en The Gift). 10. Okkyung Lee – “Noisy Love Songs” [2011] | Un clásico de los 2010 con una estética que sigue súper vigente/que marcó escuela, composiciones para cello y pequeño ensamble de improvisadores (electrónica, piano, trompeta, violín, contrabajo y percusiones) con fiereza y elegancia. 11. Arnold Dreyblatt & the Orchestra of Excited Strings – “Animal Magnetism” [1995] | Dreyblatt ha sido llamado el compositor minimalista más cercano al rock; imagínense a Faust o Captain Beefheart tocando de memoria “Música para 18 Músicos”, de Steve Reich. 12. Kletka Red – “Hijacking” [1996] | ¿Klezmer + math punk? No se diga más. MENCIÓN ESPECIAL: a los variados discos de músicos/compositores mexicanos que forman parte del catálogo de Tzadik, estos son los que recuerdo. 13. Muna Zul – “Muna Zul” [2003] | El imperdible trío de las másters de la voz Dora Juárez, Leika Leika Mochán y Sandra Cuevas, este disco refleja toda la energía y optimismo de la escena experimental de México de inicios de los 2000. 14. Dora Juárez Kiczkovsky [2013] | Otro imperdible disco donde Dora explora el lado sonoro de sus raíces judías en un trío con Francisco Bringas en la percusión y Fernando Vigueras en la guitarra acústica. 15. Ernesto Martínez – “Mutaciones” [2004] y Sincronario [2012]| Un artista del que lamentablemente poco se habla. Ernesto Martínez, de Querétaro, creó el ensamble Micro-Ritmia para tocar sus composiciones, a grandes rasgos inspiradas tanto en las piezas de piano preparado de Conlon Nancarrow como en la música gamelán de Bali. 16. Klezmerson – “Siete” [2011] 17. Klezmerson – “Amon: The Book of Angels vol. 24” [2015] 18. Tiferet: The Book of Beri’ah vol. 6 [2019] | La banda de Benjamín Shwartz donde, como su nombre lo indica, mezclan el sonido klezmer con el sabor del son (jarocho y de otras latitudes), la música norteña y géneros como el surf. Conoce toda la lista de discos de Tzadik en el siguiente enlace: https://www.tzadik.com/  Si quieres ganar un pase para verlo el 1 o el 2 de diciembre dinos qué disco de esta lista te gustó más y por qué. Manda tu respuesta a: [email protected]

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Las 5 guitarras subastadas más costosas de la historia

Algo que tienen en común John Lennon, David Gilmour y Kurt Cobain es que algunas de sus guitarras han sido vendidas por millones de dólares. Más que simples objetos, estos instrumentos son piezas importantes de la historia y técnicamente han sido herramientas empleadas para componer, arreglar y ejecutar grandes obras maestras que revolucionaron la cultura moderna. Subastadas en su mayoría para fines caritativos, a continuación analizamos las 5 guitarras más caras de la historia. 1. La Martin D-18E que Kurt Cobain usó en el Unplugged de Nirvana Subastada por  $6,010,000 USD en 2020, esta es la guitarra que a la fecha ha costado más dinero en la historia. Fue comprada por el australiano Peter Freedman, dueño de la marca de micrófonos Røde, quien actualmente la exhibe en el museo Powerhouse de Syndey, Australia. Este modelo de guitarra es raro y coleccionable. Sólo se fabricaron 302 modelos y el que perteneció a Cobain fue el séptimo fabricado en 1959. Lo compró por $6 mil dólares en 1992 en Voltage Guitars, una tienda de instrumentos usados en Los Angeles. La única modificación que le hizo fue agregarle una pastilla Bartolini 3AV. El instrumento subastado también incluyó su estuche duro, el cual mantiene una impresión de la portada del disco “Feel the Darkness” de Poison Idea, pegada con cinta de aislar por Cobain a manera de sticker. El compartimiento interior del estuche contenía un paquete de cuerdas Martin a medio usar, tres púas y una bolsa de gamuza. El dinero recaudado fue donado como caridad al Hospital de Niños en Seattle. Se rumora que esta es la última guitarra que tocó el líder de Nirvana. 2. La Fender Mustang que Kurt Cobain usó en el video de “Smells Like Teen Spirit” Otra guitarra más de Kurt Cobain, esta vez comprada por $4,500,000 USD en 2022 por Jim Isray, dueño del equipo de futbol americano Colts de Indianapolis y considerado por Guitar Magazine como “el más grande coleccionista de guitarras en el mundo”. La casa de subasta Julien´s Auctions esperaba vender esta guitarra por $800 mil dólares pero Isray empezó ofreciendo 2 millones. Un instrumento más para su colección de artículos históricos del rock. Él mismo describió la guitarra como “una pieza de cultura americana que cambió la forma en la que vemos al mundo”. Una porción de la venta fue destinada al apoyo de la salud mental a través de la asociación Kicking The Stigma, fundada por Isray. El modelo de la guitarra es de 1969 (color Lake Placid Blue). Cobain la compró entre 1990 y 1991 en la misma tienda de Los Angeles que compró su Martin D-18E. La usó para grabar tanto en “Nevermind” como en “In Utero” pero la guitarra es principalmente asociada con su aparición en el videoclip de “Smells Like Teen Spirit”. Entre sus modificaciones estuvo el reemplazo del puente y de una de las pastillas. 3. La Black Strat de David Gilmour Subastada por $3,975,000 USD en 2019, esta Fender Stratocaster 1969 fue la que el guitarrista y vocalista de Pink Floyd usó para grabar canciones como “Money”, “Comfortably Numb”, “Shine on You Crazy Diamond”, entre muchas otras. Básicamente ha sido el instrumento con el que más se asocia a Gilmour, siendo su guitarra principal entre 1970 y 1986. Varias modificaciones tuvo alrededor de los años, como el reemplazo del puente por uno con tremolo, además de varios cambios en sus pastillas. Por un tiempo estuvo exhibida en el Hard Rock Cafe de Dallas, Texas, pero Gilmour solicitó se la regresaran en 2005. Incluso grabó con ella los solos de “The Endless River” (2014), último álbum de Pink Floyd. El comprador fue otra vez Jim Isray y esta venta tuvo también fines caritativos. Y, además de la Black Stat, también se subastaron otros cientos de instrumentos de Gilmour, entre ellos algunas guitarras Fender Broadcasters, Esquires, Telecasters y otras Stratocasters. 4. La Stratocaster “Reach Out to Asia” La intención de la subasta de esta guitarra, la cual fue autografiada por 19 músicos famosos, fue recaudar fondos para las víctimas de una serie de tsunamis ocasionados por un terremoto en el Océano Índico en 2004 (dejó más de 275 000 muertos). Esta Fender Stratocaster blanca (hecha en México) tiene la firma de los siguientes celebridades: Bryan Adams (quien organizó la recaudación), Mick Jagger, Keith Richards, Eric Clapton, Brian May, Jimmy Page, David Gilmour, Jeff Beck, Pete Townshend, Mark Knopfler, Ray Davies, Liam Gallagher, Ronnie Wood, Tony Iommi, Angus y Malcolm Young, Paul McCartney, Sting, Ritchie Blackmore y Def Leppard. Cabe mencionar que el precio en las tiendas de este modelo estándar de Stratocaster andaba alrededor de $350 dólares en 2004. Sin embrago, con el valioso autógrafo de cada músico y la intención de ayudar a los países damnificados, el instrumento terminó subastándose en 2005 por $2,700,000 USD. Nadie de esa lista de músicos tocó la guitarra pero la buena causa juntó fondos para ayudar a muchas personas. Sheikha Mayassa, miembro de la familia real de Catar y una de las mujeres más poderosas en el mundo del arte, fue la compradora de este instrumento. Sheikha también es la fundadora de Reach Out to Asia, organización benéfica sin fines de lucro.   5. La Gibson J-160E de John Lennon Usada por Lennon para escribir y grabar canciones como “She loves you”, “Love me do”, “I Want to Hold Your Hand”, entre otros éxitos de Los Beatles, esta guitarra fue robada en 1963 durante un show en Finsbury Park (Londres) y fue así como estuvo desaparecida durante 50 años. En 2015, un hombre de California llamado John McCaw, quien había comprado la guitarra en una casa de empeño en San Diego a principios de los 70 sin saber que perteneció a Lennon, casualmente vio una vieja foto del instrumento en un número de la revista Guitar Aficionado, sorprendiéndose con la similitud para después contactar a expertos internacionales que acreditaron su autenticidad. Originalmente se estimó que la guitarra se vendería por entre $600 mil y $800 mil dólares. Sin embargo, un

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13 curiosidades sobre In Utero de Nirvana en su 30 aniversario

Este mes cumple 30 años el último álbum de estudio que grabó Nirvana. Después del éxito global de “Nevermind”, grandes expectativas surgieron respecto a lo que vendría después. Por un lado, estaba la presión del sello disquero por seguir con un sonido comercial que asegurara ventas. Por otro, estaba la banda tomándose libertades creativas que no eran del agrado de los ejecutivos del sello. Si bien el álbum ofreció un sonido más crudo que el anterior y se estimaba fuera un fracaso, a la fecha ha sido certificado 5 veces platino y ha vendido más de 4 millones de copias sólo en EUA. Una obra de esta talla sólo puede guardar datos interesantes, algunos de los cuales analizamos a continuación. 1. Steve Albini no quiso producir el álbum pero aceptó porque sintió lástima por la banda Kurt Cobain escogió a Steve Albini como productor de “In Utero” por haber producido dos de sus discos favoritos: “Surfer Rosa” de Pixies y “Pod” de The Breeders. Albini era conocido por su preferencia estricta para grabar con equipo análogo envés de digital. Por otro lado, también era conocido por sus críticas abiertas a la industria musical, habiendo dicho repetidamente que explotaba financieramente a los artistas. Tras los rumores iniciales de que él produciría a Nirvana, negó su relación con la banda a través de un comunicado que envió a la prensa británica. Sin embargo, terminó aceptando después de recibir una llamada del manager de la banda y percibir que estaban a merced de su compañía discográfica, lo cual provocó pena ajena en él. Y, aunque le ofrecieron alrededor de $500,000 dólares en regalías, se negó a aceptarlas considerando que era inmoral y un “insulto al artista”. 2. Nadie de la disquera tuvo acceso al estudio y Nirvana tuvo que pagarle a Albini por las sesiones con su propio dinero Esta condición de pago la sugirió Albini con la intención de no lidiar en absoluto con DGC Records. Básicamente sólo tendría contacto con la banda y el personal de Pachyderm Studio. Los honorarios ascendieron a $24 mil dólares. Nirvana dejó claro a la disquera y a su empresa gestora (Gold Mountain) que no querían ninguna intrusión y ni siquiera les enviaron muestras de su trabajo en progreso. Albini declaró que todos los asociados con Nirvana eran “los pedazos de mierda más grande que he conocido”. 3. La banda y Albini solían hacer bromas por teléfono a celebridades durante los descansos No podían salir mucho del estudio dadas las condiciones frías y nevadas de los días de la grabación. Una de sus distracciones en ese encerramiento era hacer bromas por teléfono a gente famosa. Entre algunos a los que llamaron estuvieron Eddie Vedder de Pearl Jam y Gene Simmons de Kiss, dato confirmado por Albini en años recientes en el podcast Cobras & Fire. 4. El álbum se grabó en 6 días con Kurt Cobain completamente sobrio Nirvana llegó a Pachyderm Studio sin su equipo y pasó gran parte de los primeros tres días esperando a que llegara por correo. Una vez que comenzó la grabación, el trabajo avanzó rápidamente. Casi a diario, el grupo comenzaba a trabajar alrededor de mediodía. Tomaban descansos para comer y cenar, terminando las sesiones a la medianoche. Para la mayoría de las canciones, grabaron pistas instrumentales juntos como banda. Para canciones rápidas, como “Very Ape” y “Tourette’s”, la batería se grabó por separado en una cocina para lograr un reverb natural. Albini usó 30 micrófonos para grabar las baterías de Dave Grohl. Por otro lado, Cobain agregó pistas de guitarra adicionales a algunas canciones, luego grabó solos y finalmente las voces. No se descartaron tomas y conservaron todo lo que grabaron. Albini se veía así mismo más como un ingeniero que como un productor. A pesar de sus opiniones personales, dejó que la banda eligiera las tomas. Las pistas vocales se grabaron en 6 horas y Albini señaló lo concentrado y sobrio que Cobain se mantuvo durante las sesiones. 5. Cobain calificó a las sesiones como el proceso de grabación más fácil que habían tenido Antes de la grabación, la banda preveía desacuerdos con Albini pues habían escuchado rumores de que era “un imbécil sexista”, una postura no aceptada por Nirvana. Sin embargo, una vez terminada la grabación, Cobain declaró que todo fluyó sin problemas. El corto tiempo en que se grabó el álbum y los asombrosos resultados demuestran que debió haber sido un proceso sencillo. Seguramente ayudó también la ausencia de los ejecutivos del sello. Además, según recuerda Krist Novoselic, la banda se había concentrado intensamente en ensayar las canciones previo a la grabación, logrando tenerlas listas y amarradas. 6. Contrario a lo acordado, Courtney Love interrumpió las sesiones A pesar de la condición de que nadie afuera de la banda intervendría en las sesiones, Courtney Love terminó haciéndolo (con Frances Bean incluida). Su presencia no fue grata ya que intentó meterse en el proceso, además de crear tensión al criticar el trabajo de Cobain y se rumora haber tenido un altercado con Grohl. 7. “Very Ape” fue grabada con una guitarra de aluminio Además de haber usado su Fender Jaguar y su Mustang para la mayoría de las canciones del álbum, Cobain grabó “Very ape” con una guitarra Veleno, instrumento construido de aluminio. Tal guitarra fue traída por Albini al estudio con la intención de lograr un sonido más brilloso y agresivo. Estas guitarras son raras y coleccionables. En los 70s se fabricaron no más de 200. Actualmente se venden hasta por $20,000 dólares. 8. Los ejecutivos de DGC Records odiaron la mezcla y estimaban que el álbum fuera un fracaso Una vez completada la grabación y mezcla, Nirvana envió cintas sin masterizar del álbum a ejecutivos de DGC y Golden Mountain quienes, de acuerdo a Michael Azerrad (autor de la biografía de Nirvana “Come as you are”), consideraron que el álbum era inescuchable y había incertidumbre de que la radio convencional aceptara la producción de Albini. 9. “In Utero” le dio mala fama a Albini

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10 datos curiosos sobre el theremín

El primer instrumento electrónico en la historia no sólo es fascinante por su ingeniosa tecnología y el halo mágico que lo envuelve. Esta excepcional invención musical guarda tantos datos interesantes como para escribir una serie de artículos. Su historia está llena de sucesos increíbles y el legado que su inventor dejó es altamente valioso. Difícil no enamorarse de este instrumento que se controla sin contacto físico, además del asombroso aspecto visual de su diseño y la manera en que los theremistas lo manejan. 1. Su inventor fue un espía Como científico soviético, Leon Theremin, creador de este instrumento en 1919, entregó su vida y obra al servicio del espionaje de su país. Reclutado por la NKVD (agencia de seguridad rusa en aquel entonces), fue enviado a Estados Unidos durante la década de 1930 y pasaba información a Rusia sobre tecnología industrial estadounidense. Fue arrestado por el FBI en 1938 bajo sospecha de ser un espía. Después fue exiliado a un campo de trabajo en Siberia donde estuvo preso hasta 1947. Tras su liberación continuó trabajando como inventor y también fue profesor en el Conservatorio de Moscú donde enseñaba a construir theremines. 2. Lenin y Einstein conocieron el instrumento antes de que se volviera comercial En 1922 Leon Theremin mostró su invento a Vladimir Lenin quien se impresionó mucho con el instrumento e incluso él mismo lo probó. La invención era vista como un símbolo del progreso tecnológico de la Unión Soviética. Posteriormente en 1927, mientras estaba de tour por Europa promocionando su invento, Leon hizo una demostración del instrumento en Berlín para Albert Einstein quien quedó fascinado por el hecho de que sonará sin que fuera tocado. Como es bien sabido, a Einstein le gustaba mucho la música y sabía tocar violín. 3. Otras innovaciones de Leon Theremin Usando la misma tecnología detrás del theremín, Leon diseñó dispositivos de espionaje para escuchar a escondidas a las oficinas diplomáticas de EU. También se le atribuye el desarrollo de avances que posteriormente ayudaron a mejorar la tecnología de los televisores, así como también importantes innovaciones en el campo de la tecnología inalámbrica. Por otro lado, entre sus inventos musicales, además del theremín, también desarrolló el rhytmicon (en la imagen), la primera caja de ritmos de la historia, la cual creó en colaboración con Henry Cowell en 1932. Otras innovaciones musicales incluyen: el terpsitone (plataforma que convierte los movimientos de baile en tonos); y el theremin cello (un chelo electrónico sin cuerdas ni arco, con un diapasón de plástico y tres perillas para controlar volumen y tonos). 4. Originalmente el theremín tenía otro nombre El primer nombre de este instrumento fue “Etherphone” porque se creía que las ondas que producía eran similares a las del éter, un medio hipotético que se pensaba que llenaba el universo y transportaba ondas electromagnéticas. Posteriormente el nombre se cambió a theremín, después de que la RCA lo registró. 5. Influenció la creación del sintetizador Robert Moog, inventor del primer sintetizador comercial en 1964, construyó su propio theremín a los 14 años siguiendo los planos e instrucciones publicados en un número de la revista Electronics World. Posteriormente, siendo adulto, Moog publicó una serie de artículos sobre la construcción de theremines y vendió kits que estaban destinados a ser ensamblados por el cliente. Robert acreditó que su aprendizaje construyendo theremins lo llevó a crear su innovador sintetizador. 6. La partitura de la primera pieza escrita para theremín se extravió El compositor ruso Andrey Paschenko fue uno de los primeros músicos en explorar las posibilidades musicales del theremín. Se encargó de crear la primera composición orquestal escrita para este instrumento, titulada “Misterio sinfónico” y estrenada en 1924 por la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Posteriormente se perdió la partitura original, pero recientemente fue reconstruida por Olesya Rostovskaya, compositora rusa e intérprete del theremín. De esta manera, se llevó a cabo un segundo estreno de la obra en 2020 (96 años después del primer estreno) en el que también participó la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Básicamente esta compositora reconstruyó el “misterio” del borrador sobreviviente, dándole nueva vida y sonido a esta pieza. 7. Su venta fue temporalmente prohibida en Japón La venta del theremín fue prohibida en Japón de 2001 al 2006 como una medida del gobierno para reducir el desperdicio eléctrico en el país. El argumento fue que antiguos dispositivos, como los theremines, son un peligro de incendio y una fuente potencial de contaminación. Entusiastas de este instrumento obviamente se opusieron. El gobierno finalmente cambió la ley y la venta fue permitida de nuevo. 8. El primer mensaje de radio interestelar musical presentó un concierto de theremín Como parte de una serie de transmisiones de radio interestelar enviadas desde el radio telescopio R-70 en Eupatoria (Ucrania) hacia 6 estrellas similares a nuestro sol, un concierto de theremín fue transmitido hacia ese destino espacial en 2001. Esto sucedió 7 años antes de que la NASA enviara al espacio la canción “Across the Universe” de Los Beatles desde un radio telescopio en España. “El primer concierto de theremín para extraterrestres” incluyó piezas de Beethoven, Vivaldi, Rajmáninov, entre otros, y fue ejecutado por maestros del Centro de Theremín de Moscú. Las piezas fueron seleccionadas por los estudiantes. 9. Existe un ensamble de theremines con casi 300 intérpretes Masami Takeuchi, principal ejecutante del theremín en Japón, no sólo dirige el ensamble de theremines más grande del mundo, también creó un instrumento llamado “Matryomin”, el cual es un theremín en forma de matrioshka, la tradicional muñeca rusa, y está diseñado para tocarse en conjunto. En 2019 el Ensamble Matryomin, formado por 289 intérpretes, obtuvo un récord Guinness por ser la orquesta de theremines más grande en el mundo. Tal evento se llevó a cabo en Kobu, Japón y entre los miembros de este conjunto estuvieron la hija, la nieta y el bisnieto de Leon Theremin (Natasha, Masha y Peter Theremin). 10. Chile es la sede del Festival Internacional de Theremín Este evento anual celebrado en Santiago, Chile, presenta conciertos, clases, talleres y charlas

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5 discos que muestran a la perfección la fusión entre jazz y hip-hop

El jazz se originó en las comunidades negras de Nueva Orleans a finales del siglo XIX. Arraigado en el blues y el ragtime, el jazz se caracteriza por 6 elementos clave: swing, notas azules, acordes complejos, voces de llamada y respuesta, polirritmos e improvisación. El género ganó popularidad mundial durante la década de 1920 y se convirtió en una de las principales formas de expresión musical en la cultura popular. Los artistas de hip-hop de la edad de oro, como A Tribe Called Quest, Digable Planets y De La Soul, tomaron muestras de grabaciones clásicas de jazz, pero los músicos de jazz no se entusiasmaron con la colaboración con raperos y la experimentación con técnicas de hip-hop hasta después. La mayoría de las primeras fusiones de jazz y hip-hop colocaron voces de rap de estilo libre sobre instrumentos de jazz e incorporaron scratching, pero los trabajos posteriores mostraron un verdadero intento de combinar las 2 formas dominantes de la música negra al rendir homenaje al jazz y expandir la profundidad del hip-hop. En 2003, el DJ, productor y maestro de ceremonias Madlib lanzó Shades of Blue, una colección de remixes y reinterpretaciones de material clásico del catálogo del icónico sello de jazz Blue Note Records. Usando nueva instrumentación en vivo y fragmentos de sonido de rap, Madlib reinventó obras de Herbie Hancock, Donald Byrd, Ronnie Foster y Bobby Hutcherson. Descrito como un “álbum de jazz para fanáticos del hip-hop y un álbum de hip-hop para fanáticos del jazz“, Shades of Blue se sumó a la rica historia del jazz e inspiró a una nueva generación de artistas de hip-hop, como los que se enumeran a continuación, para intentar mezclar los géneros. Es posible que ya hayas escuchado la música de Flying Lotus. El productor comenzó respondiendo a la solicitud de la red de presentaciones, muchos de los cuales presentaban su característico sonido de fusión de jazz atmosférico y hip-hop. Desde 2006, Flying Lotus ha lanzado 7 álbumes aclamados por la crítica y ha colaborado con varios artistas de hip-hop y R&B, incluidos Thundercat, Kendrick Lamar y Mac Miller. El rapero Freddie Gibbs no es ajeno a la influencia del jazz en su música. Gibbs siguió con su álbum debut de 2013 con 2 colaboraciones con Madlib, y luego completó dos álbumes más con el rapero convertido en productor Alan “The Alchemist” Maman. The Alchemist se inspiró en los antecedentes de Gibbs (su padre era miembro de Chi-Lites) y usó muestras de músicos de cine, soul, gospel y jazz internacionales para crear los ritmos de su álbum Alfredo de 2020. BadBadNotGood es una banda instrumental y equipo de producción canadiense de jazz hip-hop. El bajista Chester Hansen, el teclista Matthew Tavares y el baterista Alexander Sowinski se conocieron como estudiantes en el programa de jazz del Humber College de Toronto, pero el trío dejó la escuela y se convirtió en músicos de tiempo completo después de que los profesores dijeran que sus remakes de jazz de Gucci Mane y Odd Future no tenían valor musical. Desde que se lanzaron por su cuenta, BadBadNotGood agregó al saxofonista Leland Whitty a su alineación, lanzó 5 álbumes en solitario, trabajó con Tyler, the Creator, Kendrick Lamar y Ghostface Killah, y se ganó el respeto del jazz, el hip-hop y la música alternativa. Aficionado en todo el mundo los siguen. Fuente: Discogs

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