Depósitio Sonoro

Nostalgia

Damo Suzuki, ex vocalista del grupo alemán de art rock Can, perdió la lucha contra el cáncer a los 74 años

Damo Suzuki, ex vocalista del grupo alemán de art rock Can, falleció después de una batalla contra el cáncer de colon. Tenía 74 años. El Instagram oficial de Can dio la noticia en un comunicado: “Con gran tristeza tenemos que anunciar el fallecimiento de nuestro maravilloso amigo Damo Suzuki, ayer, viernes 9 de febrero de 2024. “Su ilimitada energía creativa ha tocado a muchas personas en todo el mundo, no sólo con Can, sino también con su Network Tour que abarca todo el continente. Echaremos de menos para siempre el alma bondadosa y la sonrisa descarada de Damo. “¡Se unirá a Michael, Jaki y Holger para una improvisación fantástica! “Mucho amor para su familia e hijos. “Publicaremos los arreglos del funeral en una fecha posterior”. Suzuki nació como Kenji Suzuki el 16 de enero de 1950 en Japón. Se mudó a Europa y pasó su adolescencia tocando en la calle, y finalmente conoció a Holger Czukay y Jaki Liebezeit de Can, en Alemania. Su anterior vocalista, Malcolm Mooney, dejó el grupo después de grabar su primer álbum, Monster Movie. Lo invitaron a unirse a su grupo. Suzuki grabó 3 álbumes de larga duración con Can: Tago Mago de 1971, Ege Bamyasi de 1972 y Future Days de 1973. También grabó varias canciones que terminarían en su compilación de estudio Soundtracks de 1970, que también incluía canciones con Mooney, además de instrumentales. A menudo improvisaba sus letras, que tenían una sensibilidad de libre asociación y flujo de conciencia, que coincidía con el enfoque de improvisación del propio grupo. En 1973, después de Future Days, dejó la banda y tomó un descanso de la música, regresando en 1983 con Damo Suzuki’s Network, una serie de actuaciones de improvisación que incluían colaboraciones con músicos locales en las ciudades donde tocaría. La batalla de Suzuki contra el cáncer está registrada en el documental Energy de 2022. El 23 de febrero, Mute lanzará el siguiente de la serie Can live, Can Live in Paris 1973. Es el primero de la serie que presenta a Suzuki en la voz.

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Reseña de Hudson River Wind Meditations, el disco Ambient de Lou Reed

Este álbum de 2007 recién reeditado, y a menudo hermoso, muestra la aguda comprensión de la música experimental por parte de Lou Reed. Lou Reed lanzó Hudson River Wind Meditations en 1975, el mismo año de su obra maestra del noise Metal Machine Music, que enajenó a los fans que apenas se estaban acostumbrando a la idea de Reed como estrella de rock. En realidad, Reed lanzó este álbum de música ambiental de drones para tai chi y relajación hasta 2007. Esto fue en lo más profundo de su mandato como decano emérito del rock alternativo, durante una época en la que se podía perdonar más fácilmente a Reed por lanzar música así en lugar de intentar mantener una carrera Pop. Reed disfrutaba produciendo música experimental; en retrospectiva está claro que solo estaba haciendo algo que le gustaba escuchar y disfrutar. La idea de que un artista importante produzca música más experimental y de mayor riesgo en paralelo con su carrera convencional es más aceptable ahora. Hudson River Wind Meditations comienza a parecerse a un clásico perdido. Es astuto por parte de Light in the Attic reeditar el álbum en este momento, especialmente porque gran parte de la responsabilidad del resurgimiento de la New Age recae en su propia compilación de 2013,l I Am the Center, que ayudó a artistas como Laraaji y Iasos a encontrar el último momento. En este contexto, no importa mucho que este álbum haya sido hecho por el mismo Lou Reed que dirigió Velvet Underground, como tampoco importaba que el flautista de Los Ángeles André 3000, cuyo New Blue Sun es el renacimiento del New Age. Esta música no es tan bonita como, por ejemplo, la de Laraaji, y no parece interesada en transportar al oyente a otro lugar. Se siente más como un acompañamiento a la práctica privada de un hombre, sin reconocimiento tácito o no del trabajo pasado de su creador. Uno imagina a Reed desapareciendo, una figura diminuta entre muchos practicantes de tai chi en el parque, entre el murmullo de millones de personas. Con información de Resident Advisor.

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Mira la película Coffee and Cigarettes

Coffee and Cigarettes es el título de 3 cortometrajes y un largometraje antológico de 2003 del director Jim Jarmusch. El largometraje consta de 11 cuentos que comparten el café y los cigarrillos como hilo conductor, e incluye los 3 cortometrajes anteriores. “La película se compone de una serie cómica de viñetas cortas rodadas en blanco y negro construidas unas sobre otras para crear un efecto acumulativo, mientras los personajes hablan de temas como las paletas heladas con cafeína, el París de los años 1920 y el uso de la nicotina como insecticida; todo mientras estaba sentado tomando café y fumando cigarrillos. El tema de la película es la absorción en las obsesiones, alegrías y adicciones de la vida, y hay muchos puntos en común entre las viñetas, como la bobina de Tesla, el conocimiento médico, la sugerencia de que el café y los cigarrillos no son una comida saludable. (generalmente almuerzo), primos, The Lees (Cinqué y Joie, y una mención de Spike Lee), delirio, falta de comunicación, músicos, las similitudes entre la musicalidad y la habilidad médica, la música industrial, la fama reconocida y la idea de tomar café antes de dormir. para tener sueños rápidos. En cada uno de los segmentos de la película se puede ver de alguna manera el motivo común de alternar azulejos blancos y negros. El uso visual del blanco y negro se relaciona con el tema de los contrastes interpersonales, ya que cada viñeta presenta a dos personas que no están de acuerdo pero logran sentarse amigablemente en la misma mesa”.

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Documentales sobre pioneros hombres y mujeres de la música electrónica

Cómo los pioneros, desde el Taller Radiofónico hasta Kraftwerk, aprovecharon el poder de la electricidad para crear sonidos completamente nuevos que ayudaron a dar forma a la música moderna. La BBC liberó varios títulos que muestran el trabajo de músicos como Kraftwerk, Depeche Mode, Wendy Carlos, Rober Moog, Brian Eno y mucho más. Mira todos los documentales dando clic aquí.

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Playlist | Discos esenciales de Sub Pop Records

Sub Pop es un sello discográfico independiente de Seattle, Washington, famoso por ser el primero en contratar a Happy Tree Friends/Nirvana, Soundgarden, y varias bandas de la emergente escena local grunge de los años 90.​ El sello ha sido considerado como uno de los que dio los primeros pasos para la popularización del grunge. Durante más de 3 décadas, Sub Pop Records ha sido uno de los sellos más importantes en la distribución y presentación de música independiente al público underground. Aunque hubo artistas con mucha fama como Nirvana y The Postal Service. “Sub Pop alternó ediciones de su revista con casetes donde se incluían recopilaciones de bandas de rock independiente. Se publicaron ediciones, revistas y casetes. La revista dejó de publicarse y se centró todo en las ediciones de casetes con sus portadas diseñadas por dibujantes profesionales, pero esta idea no fructificó debido a los altos costes económicos y laboriosos. Se continúo con la publicación de Sub Pop en una columna de The Rocket, periódico de Seattle. En 1986, Pavitt se trasladó a Seattle, Washington, donde lanzó su primer EP con Sub Pop, el recopilatorio Sub Pop 100 (donde aparece Sonic Youth). En 1987 editan el primer trabajo con una banda, Green River y su EP Dry As A Bone. Esta banda tuvo los primeros contactos en la escena alternativa, y lo que se definiría más tarde como grunge, llegando a participar en recopilatorios (como el Deep Six de 1986) con grupos considerados grunge como The Melvins o Soundgarden. En ese mismo año, Kim Thayil de Soundgarden presentó a Pavitt a Jonathan Poneman, quiénes crearían el sello Sub Pop Records, tal como lo conocemos hoy día”. Hay mucho que indagar, y sobretodo qué escuchar de este sello, por ello dejamos esta Playlist que trata de destacar parte de lo mejor publicado por este sello, al cual le tenemos bastante afecto. –

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El futuro nos alcanzó, según Damon Albarn

La música es una especie de presagio. Hay tantos elementos que hacen pensarla en términos metafísicos e incluso espirituales. De hecho, sus propios creadores lo han expuesto así a lo largo de la historia y han dejado entrever que todos coinciden en una forma de protesta. Ya sea hacia el gobierno, la desigualdad, el daño ambiental o simple y sencillamente hacia su misma persona. ¿Y por qué presagio? Bueno, el hecho de las cosas está acompañada de causas y no casualidades, citando al filósofo Kant. La música no es una casualidad, por el contrario, es una reunión de situaciones presentes que nos deja hablar sobre lo que queremos en un futuro. Sólo así puedo justificar la esencia de álbumes musicales, quienes en un ejercicio de crítica hallan su forma total, años después de ser estrenados. Vaya, se trata de un proceso en el que evidentemente se abren y cierran ciclos; las consecuencias nacen. En una de esas consecuencias es que retorné al 2014 y comprendí, quizás de forma completa, el primer álbum en solitario de Damon Albarn, Everyday Robots (2014). En aquellos años mi expresión coincidía con la nostalgia de un piano y su guitarra. Detrás, palabras alborotadas que hablaban de robots y un posible apocalipsis. Finalmente y de forma vaga, acepté un disco como la separación de Albarn con su estilo particular en Gorillaz y Blur. No ví más allá. Años después es patente la consternación de Damon Albarn sobre un mundo totalmente mediático y que parecía cercano. Hoy es una realidad. El single Everyday robots junto a Photographs (you are taking now) son la representación perfecta de un ser ajeno de quienes le rodean, distraído y ausente de lo que le sucede al mundo. Contrastando ambas canciones, podemos dar cuenta de que los celulares no están siendo la vía de solución a los problemas sociales sino un distractor. Por ello, “lonely press play” nos habla del estado de soledad en el que nos dejan los dispositivos móviles. Se pierden las anécdotas y todo resulta ser un mero juego de clicks, interpretando un tanto la letra de la canción. Damon nos dice que esta subversión es más asfixiante cuando se está de gira, lejos de la familia, de casa y tan cerca de desconocidos. Vale la pena ver el video oficial del sencillo, una y otra vez. Finalmente nos encontramos con la poderosa “you & me”. Se trata de una composición en conjunto con Brian Eno, que concreta la gracia de un viaje espiritual por tierras africanas. Damon Albarn nos habla de su encuentro con Moko Jumbie, un curandero o caminante de la África occidental. 7 minutos de desprendimiento, suficientes para cerrar los ojos y vernos en la posibilidad de trascender más allá de lo que nos hace esclavos. “People sound,no days off”. ¿Qué profecía se ha cumplido? No existe una respuesta concreta sino una subjetividad llamada fé. De Damon Albarn no podemos esperar menos y así en 9 años podemos reconocer que en efecto, los daños materiales y humanos son cada vez más grandes. Y no es que en 2014 no fuese lo mismo, pero no dudo que en ese entonces estábamos más preocupados por temas más introspectivos, como el amor y la familia. Everyday Robots es el presagio de un cambio de paradigma emocional. Hoy las situaciones globales como el capitalismo, la globalización y el consumismo, son causas directas de nuestra estabilidad emocional. El futuro del que tanto se hablaba llegó de forma inesperada e institucionalizada. Discos como éste refrendan la idea de que los músicos son una especie de historiadores. En sus letras y sonidos queda la huella de algo que sucedió y sucederá. Más allá de un idealismo, pensemos que los discos (sea cual sea su formato) son la respuesta que estamos buscando y que no se halla en las redes sociales ni en nuestros celulares. TEXTO POR: Carlos Armando González Vigil 

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20 años de 3 discos del sello Static Discos innovadores para la electrónica en México

Tuvimos una plática con Ejival, fundador de los sellos Nimboestatic y Static Discos, parte del curating team en MUTEK México; host de Himnos para La Deriva en Ibero 90.9 FM. Ejival ha escrito sobre música para medios nacionales como Vice, Noiselab, Rolling Stone, e internacionales como Wire, URB y XLR8R. En esta entrevista platicaremos sobre 3 sobresalientes lanzamientos que cumplen 20 años dentro de Static Discos, así como su impacto para la electrónica mexicana. 1. Para quien aún no los ubique, cuéntanos un poco sobre Static Discos. Static Discos es un sello independiente de música electrónica que se fundó en el año 2002. Al inicio fue una colaboración entre Fernando Corona (Murcof), Rubén Alonso (Fax) y Ejival. Nació el esfuerzo dentro de la época en la que la escena de música electrónica de Tijuana llegó a su ápice con el movimiento detrás de Nortec, a principios de siglo. Aprovechamos ese foco de atención que había en la frontera para demostrar que también había música como la de Murcof y Fax, y que no todo era Nortec. 2. ¿Cuál es la finalidad de su existencia? Ser una plataforma para artistas mexicanos de música electrónica. Ser referencia internacional para medios, festivales y artistas sobre lo que se hace en nuestro país. Creo que eso no ha cambiado en estos tiempos, aunque ha sido difícil mantenerlo. En el extranjero no se ve a México como un lugar del que emanan artistas de música electrónica de talla internacional, este entendimiento va en sentido contrario, aunque nuestra experiencia demuestre lo contrario. 3. ¿Qué artistas fueron de los primeros en entrar a las filas de Static Discos? Durante los primeros años: Murcof, Fax, Duopandamix, H. Amézquita, Pepito, Kobol, Carrie, Microesfera y Childs. 4. ¿Qué artistas son de los más recientes en sumarse? Uriel Villalobos, Arhkota, Amina Cyu, A.M. y Doreem, son algunos de los artistas más recientes del sello. 5. ¿Cuál consideras que es el impacto de vivir en Tijuana con la estrecha cercanía a EU? Es decir, ¿consideras qué hay influencia en ello para la existencia de Static Discos? Quizás hace 20 años esto era más determinante, pero el internet igualó la cancha de juego para todos. Ya no importa hoy dónde estés siempre y cuando tengas internet. No es tan fácil llegar a públicos extranjeros, aunque estés en la frontera, si la lógica es que de México no hay nada que escuchar, según los medios extranjeros. No siempre es así, sobre todo cuando el artista mexicano está en una plataforma o sello extranjero, pero desde México no es tan fácil, siempre se estará en desventaja. 6. Entrando en materia con la celebración de 3 discos que cumplen 20 años, ¿podrías darnos detalles sobre éstos? Y algunos detalles relevantes sobre los artistas que aparecen ahí. El segundo año de Static Discos, hace 20 años, fue muy determinante, ya que estos discos nos permitieron tener distribución física internacional. Fue mediante la distribuidora Darla de California que pudieron estos discos llegar a Japón y otros mercados que realmente nos pusieron en el mapa, de la misma forma los primeros dos discos de Static, de Murcof y Fax, nos abrieron las puertas a Mutek Montreal y Sónar Barcelona. Lo importante de estos 3 discos, es que aún suenan relevantes. El disco 003 Afternuclearbomb de Duopandamix es uno de los más importantes de música electrónica de esa época y el contexto cultural alrededor de ese disco en la CDMX es fascinante también. El 004 compilatorio de Stock, incluye tracks como el de Algorythm and Blues de Álvaro Ruíz, que únicamente fue editado en ese compilado.En el 005 Fax siguió afinando su sonido de techno minimalista.  Éstos son un vistazo importante a lo que la música electrónica hecha en México era, sobre todo cuando ahora las escenas de música electrónica en México son mayormente dominadas por DJs y no por productores de música electrónica. STA003 | Duopandamix | Afternuclearbomb STA004 | Various Artists | Stock STA005 | Fax | Ruido de Fondo 7. ¿Cómo subsiste un label a tantos años? Incluso el haber transitado de la era de discos físicos, a la era de las descargas y el iTunes y ahora al streaming. No ha sido fácil. Esto se hace por el genuino interés de compartir el trabajo de productores mexicanos de música electrónica. Ese espíritu se mantiene siempre. Como mencionas, los formatos han cambiado, pero prevalece la necesidad de hacer saber que existe música auténtica, importante y que debe ser escuchada (no solo por oídos mexicanos). A lo mejor hemos fallado en eso, pero es que la competencia de afuera hacia acá suele ser avasalladora. 8. ¿En dónde podemos encontrar todo el catálogo y cuántos lanzamiento en total tienen? Todo se puede acceder via nuestra web www.staticdiscos.com, llevamos a la fecha 124 lanzamientos, 3 libros y 3 cortometrajes sonoros. 9. ¿Qué artistas pertenecientes a Static o no pertenecientes recomiendas? Me gusta mucho el reciente trabajo de pianos de Antiguo Autómata Mexicano, la música ambient del recién fallecido Alejandro Morse, la increíble y enigmática música de Doreem y el diseño sonoro de Uriel Villalobos en Dolby ATMOS es impresionante, sobre todo por que no hay música electrónica mexicana editada en el formato de Spatial Audio. 10. ¿Algo que se nos haya pasado y desees agregar? Siento que es importante que no se deje de hablar de la música electrónica mexicana. Hay pocos esfuerzos para valorarla, entenderla y conservarla. No existe un seguimiento histórico de ello. En México se consume mucha música del extranjero y la de aquí no se conoce ya que no se habla de ella. Hay que visibilizar siempre el trabajo de estos artistas, que muchas veces lograron increíbles obras desde la precariedad de recursos. Siempre se tienen que ir al extranjero para poder vivir de esto (Murcof, Cubenx, Concepción Huerta, Mabe Fratti). A pesar de que han cambiado mucho las cosas en México en los últimos 20 años, aún no existe el apoyo general para poder nosotros atiborrar festivales extranjeros, como sucede aquí. Falta ser fans

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Houdini de Melvin, disco influyente que cumple 30 años

Este mes celebramos 30 años de uno de los discos más importantes para la cultura alternativa de la década de los 90: Houdini de Melvins. Un material demasiado pesado para ser grunge y demasiado grunge para ser metal. Cualquier intento de clasificar a los Melvins queda descartado conforme pasa cada disco, e incluso Houdini, el álbum más popular de una banda que no se considera tan popular es una mezcla de sonidos, géneros y experimentos. Un gran porcentaje (si no es que todas), de bandas cuyo su sonido se desenvuelve alrededor del stoner, doom, sludge y sus variantes tienen una fuerte influencia de la banda. Incluso aquellos que no conocen a Melvins, de alguna u otra manera ese sonido y está impregnado en todas ellas, esa tensión que logran por medio de desacelerar los tiempos de las canciones, una herramienta que desde el principio la banda fue perfeccionando. Estoy seguro que antes de haber escuchado a esta banda vi primero la portada, del mítico Fran Kozik, el rey Midas del art poster, de las portadas alternativas y lo gráficamente subversivo (al menos para esos tiempos). La portada sugiere una cosa y suena completamente a otra, y para ser sinceros ese es un truco difícil de lograr con elegancia. Una combinación perfecta entre arte y música. A pesar de su popularidad el disco únicamente contó con tres sencillos: Hooch, Lizzy y Honey Bucket, que ha sido sin duda alguna el sencillo más sonado de la banda en MTV, en aquellos lejanos ayeres en los cuales la cadena aún había música. Sin embargo canciones como Night Goat o Goin’ Blind, son clásicos entre los seguidores. Es curioso que Melvins hiciera un cover a KISS en uno de sus momentos menos afortunados de la banda liderada por Gene Simmons, quien al escuchar el cover de Melvins pensó que la cinta que había llegado estaba descompuesta ya que la canción sonaba demasiado lenta a comparación a la original.También algunas versiones de este disco (la the Third Man Records siendo de todas la más fácil de conseguir), incluyen un cover a MC5, Rocket Reducer No.62. Lo cual habla de las amplias referencias que Melvins ha utilizado como inspiración. Houdini forma parte de la trilogía Atlantic Records, la primera y única vez que la banda trabajó con una disquera grande. Atlantic Records en 1993 apostaba por el nuevo Nirvana, sin darse cuenta de que en Melvins sólo encontraría la parte menos comercial de esa oleada. El disco fue producido por la banda, Garth Richardson y el mismo Kurt Cobain, quien debido a un problema de drogas fue despedido por la misma banda, participando sólo en una parte de la producción, grabando guitarras para Sky Pup y complementando baterías en Spread Eagle Beagle. Mismo caso para Lori Black, mejor conocida como Lorax (quien no sólo aparece en los créditos si no en el arte del disco), bajista de la banda quien no tocó casi ninguna parte de bajo en el disco, prácticamente todo fue hecho por King Buzzo y Dale Crover. A 30 años de su lanzamiento sigue siendo un disco con mucho misticismo alrededor, el momento “más comercial” de la banda, no por ello malo pero sí el que dio más popularidad a Melvins y un estandarte para buena parte de la música contemporánea. Pensemos en todas las cosas que no habría sin este disco o peor aún sin Melvins.

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