Depósitio Sonoro

Electronic

Progresiones IDM y dark-ambient en Empatía de Zampa vía VAA

VAA es una disquera de música electrónica experimental mexicana, exploradora incesante del arte que se promueve en distintas ramas del avant-garde. Escucha las progresiones dark-ambient que se fusionan con el IDM en Empatía del proyecto musical abstracto: Zampa.   Zampa resulta especial y se siente espontáneo en cuanto a la forma en que utilizan los métodos de composición electrónica para construir un espacio arquitectónico a partir de la experimentación que abraza géneros como el ambient, el noise y estructuras IDM en la percusión. Aunque en realidad las etiquetas salen sobrando porque se siente algo relativamente propio, de ellos, en esencia. Evoca, además, una gran sutileza con un enfoque armónico super estructurado ambientalmente, es oscuro pero también tiene esa grieta por donde entra la luz; es como si hubieran utilizado la intimidad de sus mentes para dar vida a cada canción del EP.    Empatía by Zampa Disfruta de Zampa ejecutando Empatía en su totalidad en el siguiente vídeo.  

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Guadalajara avant-garde, Cárpatos estrena “Mother Death”

El joven productor Cárpatos estrena desde Guadalajara su nuevo sencillo “Mother Death”, vanguardia electrónica nacional del 2020.   Sin lugar a dudas la música de Cárpatos y su debut este 2020 ha sido una de las cosas que más nos ha gustado descubrir, la visión que tiene es tan radical como moderna y experimental, se nota desde la producción musical de sus temas, hasta los impresionantes vídeos que saca con guiños y referencias a Aphex Twin o Squarepusher pero adaptados en su mundo, en su concepto, en su irreverencia. Un artista que debemos y consideramos tener bajo la lupa de aquí en adelante.

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Tripnotik y la voz de Badmoiselle, síntesis androide trigonométrica

Tripnotik, uno de los proyectos más relevantes de CDMX se encuentra estrenando “Broken Spheres” (feat. Badmoiselle), el primer sencillo de lo que será su nuevo disco y que sale en 2021. Esta pandemia ha sido terrible para la gran mayoría, pero afortunadamente hay músicos que han aprovechado ese sentimiento para compartir lo que mejor saben hacer: arte. Es el caso de Tripnotik y Badmoiselle, ésta última, protagonista de las texturas vocales que escuchamos en “Broken Spheres”, una exploración exuberante y hermosa de cómo la música ambient y experimental conducida por máquinas electrónicas, alcanzan una melodía de unión de alta lucidez entre la down tempo y el trip hop. Sin duda estamos ante uno de los mejores tracks nacionales que han salido en el terreno de la electrónica-experimental y también ante una de las portadas con el arte más increíble que se ha visto en 2020.

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La discografía de Autechre, un paseo por el olimpo de la IDM

Autechre es sin duda una de las revoluciones más interesantes de los últimos tiempos, el dueto británico formado por Rob Brown y Sean Booth ha llevado a niveles inimaginables la música electrónica, que con el paso del tiempo hemos podido por fin imaginar, digerir, y mejor aún, sentir con más cautela y apreciación. Reseñamos a continuación a manera de introducción cada uno de sus discos de larda duración (LP), es decir, no incluimos sus EPs, el viaje inicia con Incunabula de 1993 y termina con Exai del 2013. Incunabula (1993) Para ser el debut, lo primero que puedo pensar es en tratar de recordar algo que cercanamente sonará así en 1993, entre raves y techno. Sin lugar a dudas, fue un portal naciente hacia los caminos densos y abstractos de la electrónica por venir. Amber (1994) Quizá el disco más poético y uno de los más accesibles y clásicos dentro del universo Autechre. Está lleno de cuadrantes hermosos que me transportan a universos binarios, entre calma y cataclismo sintetizado de tintes arcanos. Excepcional en sí mismo. Tri Repetae (1995) Música que suena aún al futuro. Sistemático, interesante, innovador, colapsante y arquitectónico, “Eutow” me parece de lo más revolucionario. Además, éste disco,  lo puso en el mapa junto con Warp, la Rough Trade, una de las disqueras con mayor influencia de Inglaterra que ayudó a Autechre a llegar a nuevos escuchas. Chiastic Slide (1996) Creo que Rob y Sean asumieron intensamente el sentido de explorar los caminos más indefinidos de la síntesis en este disco. Tiene muchos sonidos que bien podrían ser una especie de drone/noise/ambient/IDM pero en un mundo de máquinas funestas. LP5 (1998) Fascinante obra pop dentro de los terrenos y estándares pop de Autechre, desde luego. Un disco sónico y pulsante. Vulnerable en texturas y beats. Un lado más humano y menos máquina en comparación de sus predecesores. Confield (2001) Primer disco del siglo XXI de Autechre y vaya manera tan ambiciosa de empoderar una cierta especie de síntesis distópica. Glitch matemático y de tintes robótico-industriales, elaborados en un mundo IDM, con este álbum volvieron a la vanguardia. Draft 7.30 (2003) Un álbum con energía diferente a los demás, Draft 7.30 es un nuevo portal, uno que se va expandiendo entre el desconcierto de diversas magnitudes frecuenciales, debatiéndose entre lo incisivo y lo retador. Untitled (2005) Uno de sus discos más pesados y extraños, la escucha de repente es bastante densa, tiene buenos momentos pero son pocos realmente, es un disco, crudo y complejo, y los ritmos mutan a lo incierto con canciones larguísimas, como “Sublimit” de casi 16 min. Un disco regular, de los más raro y casi poco disfrutable que han hecho. Quaristice (2008) Es el primer disco en el que abren con “Altibzz” un track totalmente ambient, se siente más soluble la manera en la que trabajaron los tracks y hay bastantes atmósferas más androides y de sensaciones eléctricas. IDM óptimo y más aterrizado en su línea clásica. Oversteps (2010) El disco “mainstream” de Autechre pero no tan popular dentro de su ranking. Me parece el mejor para entrarle por primera vez a su mundo, está en ese punto medio de lo que es su alcance entre el experimentalismo sonoro complejo y el más sutil. Sin duda es atractivo en su totalidad. Exai (2013) Un disco obsesivo sonoro/melódico que crearon hacia la síntesis de ruido vanguardista del 2013 en adelante, de tintes angelicales pero provocador en su idioma. Es una obra inquebrantable en los altos estándares del universo Autechre. Su último larga duración tras ya casi 7 años desde que salió. Ojalá les sirvan o ayuden estas referencia para interesarse en la música de Autechre o recordar alguno de sus discos,  escucharlos es una gran experiencia. Rob Brown y Sean Booth han creado alguna de la música más emocionante de nuestra generación, están en el olimpo de la Intelligent Dance Music de la disquera Warp Records.

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Entrevista con Dani sobre Veinte, un disco sobre miedos e inquietudes

Dani es apenas una chica de veinte años que combina distintos mundos musicales para darle vida a su estilo, además de su labor como compositora, toca la guitarra y los teclados y viene de una familia musical. Sus padres son los integrantes de Aerolíneas Federales y su tío es de Siniestro Total.     El disco Veinte de Dani suena moderno, es a menudo un pop de comprensión digerible pero sólido, fluido y armónico, un viaje directo a contar emociones y experiencias, mediante sintetizadores y tonalidades melódicas llenas de colorantes abrazando al “yo” interior de quien lo escucha. Electrónica pop que se va inflando durante el transcurso del disco, lo cual resulta bastante ameno al terminar de escucharlo por completo. Y para adentrarnos más al mundo de Veinte, platicamos con Dani sobre el proceso de composición y vivencias.   1.-Veinte es un pop conceptual, fluido y armónico, ¿cuál fue la inspiración para componer el disco?   Veinte son canciones que cuentan pequeñas historias sobre miedos, inquietudes, pensamientos y reflexiones que he ido experimentando en los últimos años. Refleja cómo fue mi paso de la adolescencia a la “vida adulta“ y presenta mi mundo interior. A pesar de eso, creo que todas las personas, sea cual sea su edad pueden sentirse identificadas con las canciones del disco.   2.-Las letras parecieran contar historias personales con las que muchos podrían identificarse, ¿qué equilibrio hay entre lo que viviste y el resultado final planteado en cada canción? Las canciones están inspiradas en sentimientos e historias que he experimentado yo, y otras que han experimentado personas muy cercanas a mí y que por lo tanto, de una forma o otra, me he visto involucrada en ellas.     3.- “Dónde Estás” es sin duda uno de los temas clave del disco, ¿qué nos puedes contar sobre el proceso de quienes estuvieron involucrados en los remixes para ese tema?   Dónde estás es el 3 adelantó que estrenamos del disco y decidimos hacerlo en pleno confinamiento mundial ! Aunque es una canción que se terminó mucho antes de que existiese el COVID, su letra en ese momento podía reflejar el sentimiento de muchas personas. Más adelante decidimos estrenar el EP “dd sts rmxs” en el que participaron Daniel Daniel, Rusowsky, ALKE y Carzé, unos artistas muy guays a los que admiro muchísimo.     4.-¿Cómo fue crecer entre tu gran familia musical pero al final sonar a tu propia visión? Es un gran mérito ese, me parece.   Creo que haber crecido en una familia tan musical me ha enseñado a ver la industria de la música de una forma muy realista, siendo muy consciente de lo difícil que es vivir y sobre todo sobrevivir en ella. También gracias a la educación musical recibida en casa aprendí a apreciar todos los estilos de música, tener un amplio cajón de referencias y gracias a eso haber podido crear mi propio sonido y estilo, con pocas cosas en común al que tenían mis padres en su grupo.   5.-¿Cómo es ser un artista pop electrónica en plena pandemia y 2020, pros y contras? Desde la intimidad de tu arte. Es algo muy raro. Ha tenido cosas malas a nivel interior ya que la situación que estamos viviendo es algo muy duro de entender e interiorizar. Pero a nivel “profesional” no me puedo quejar. A pesar de todo he podido sacar mi disco adelante, estoy empezando a tener conciertos y a planificar nuevos proyectos.  

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Kelly Lee Owens estrena colaboración con John Cale de The Velvet Underground

Kelly Lee Owens ha compuesto “Corner of My Sky” con nada más y nada menos, que la colaboración en las vocales del legendario John Cale de The Velvet Underground. Inner Song es el futuro disco de la productora Kelly Lee Owens y esta colaboración nos ha tomado por sorpresa en la mejor de las maneras. Se trata de una pieza introspectiva y densa, de síntesis y aura oscura y un tanto apocalíptica. Es la unión de dos mundos creando algo nuevo en la carrera de ambos y que suena a la vanguardia del presente. El mismo John Cale ni siquiera tiene que cantar porque va narrando la letra, es sumamente sutil pero poderosa a la vez. Sin duda una de las mejores canciones y colaboraciones que ha traído este 2020.

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John Foxx & The Maths, el regreso de un pionero y su visión en su nuevo disco Howl

John Foxx, quien inició su carrera en la banda Ultravox a finales de los 70s, se ha distinguido por explorar diversas vertientes sonoras a lo largo de su carrera, desde síntesis hasta música ambiental. En su nuevo disco con The Maths, parece retomar un poco la esencia de ese  post punk naciente influenciado por los tonos vocales de Bowie en voz, pero con su toque personal. Se trata de un álbum fresco y notable, no es tan complejo como algunas de sus otras obras y tampoco revolucionario pero sí un paso más necesario en su carrera respecto a seguir vigente en el mundo de la música actual y aportando esa magia creativa en vídeos y sencillos como lo es “Howl”.

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Fire Rituals de Microhm, síntesis de la naturaleza

Leslíe García alias Microhm, entrega un disco conceptual para Static Discos, basado en las exploraciones artísticas melódicas de los rituales de fuego: Fire Rituals.     Con reminiscencias a los rituales de nuestros ancestros,  Microhm ha capturado en una síntesis envolvente todo el proceso de Fire Rituals, pues en él, encontramos exploraciones musicales imaginarias que te van llevando de la mano con el nombre de cada canción, “Hoguera” y “Lumbre” son la bienvenida a esa intensidad firme en composición que llegará al núcleo con “Cenizas” y “Arder”, como una brecha repentina en presencia de un fenómeno natural pero transformado en un proceso melódico-sonoro poderoso.   Se trata de un disco brillante desde su nombre y desde la intimidad de sus sonidos sintéticos, están en ese perfecto equilibrio de la “Flama” y esa “Combustión” interna para crear cosas del arte más allá del arte. Definitivamente es uno de los discos de música electrónica-experimental nacional más interesantes del 2020, un punto perfecto para deslizarse entre un trance inducido a paisajes eléctricos de la misma naturaleza evocadora . El ambiente natural de las canciones es predominantemente y llenas de éxtasis sonoramente delirante y ascendientes, como el fuego mismo.  

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