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“El Arte de Crear: Una Manera de Ser” de Rick Rubin: Una Filosofía sobre la Creatividad

Rick Rubin es una de las figuras más influyentes en la historia de la música. Como productor, ha trabajado con artistas de múltiples géneros, desde Johnny Cash, Beastie Boys y Red Hot Chili Peppers hasta Jay-Z, Metallica y Adele. Su enfoque minimalista y su capacidad para extraer la esencia más pura de cada músico lo han convertido en una leyenda. Sin embargo, “El Arte de Crear: Una Manera de Ser” (The Creative Act: A Way of Being) no es un libro sobre producción musical ni sobre su trayectoria profesional. En cambio, es una exploración profunda sobre la creatividad como un estado del ser, una guía filosófica para cualquier persona interesada en el proceso creativo, independientemente del medio en el que trabaje. En este artículo, desglosaremos el contenido del libro, su mensaje central y su impacto en artistas y creadores de todo el mundo. I. Rick Rubin y su Filosofía Creativa Desde sus inicios en la escena hip-hop neoyorquina hasta la creación de Def Jam Recordings y su trabajo con artistas icónicos, Rick Rubin siempre ha priorizado la autenticidad y la expresión artística sobre las tendencias comerciales. Su enfoque en la simplicidad y la emoción lo ha llevado a redefinir el sonido de múltiples géneros. Pero, ¿qué hace especial a Rubin como creador? Su habilidad para escuchar profundamente, eliminar lo innecesario y ayudar a los artistas a conectar con su visión interior. Esta misma filosofía es la que estructura El Arte de Crear. El libro no es una autobiografía ni un manual técnico, sino una colección de reflexiones sobre la creatividad como una práctica espiritual y una forma de estar en el mundo. II. Principales Temas del Libro 1. La Creatividad como un Estado Natural Rubin no ve la creatividad como un talento exclusivo de artistas o genios. En cambio, argumenta que todos los seres humanos son creativos por naturaleza, pero muchas veces nos alejamos de esa capacidad debido al miedo, la autoexigencia o las distracciones del mundo moderno. Para él, la creatividad es más bien una forma de percibir y conectar con el universo. No se trata de forzar la inspiración, sino de aprender a estar abiertos a las ideas cuando lleguen. 🔹 “El arte no es sobre hacer cosas. Es sobre descubrir lo que ya está ahí.” 2. La Importancia de la Sensibilidad y la Observación Rubin enfatiza que los artistas son observadores del mundo, personas que ven lo extraordinario en lo ordinario. Gran parte del proceso creativo ocurre en la mente antes de que cualquier obra se materialice. Para desarrollar la creatividad, Rubin recomienda: ✔ Reducir el ruido mental: Menos redes sociales, menos distracciones.✔ Observar sin juicios: No etiquetar ideas como “buenas” o “malas” demasiado rápido.✔ Estar presente: Vivir el momento y prestar atención a los detalles. 3. La Inspiración como un Flujo Una de las ideas más poderosas del libro es que la inspiración no es algo que poseemos, sino algo que fluye a través de nosotros. Los artistas no crean de la nada, sino que funcionan como receptores de algo más grande. 🔹 “No somos los dueños de las ideas, solo somos el canal por el que llegan al mundo.” Para Rubin, la clave está en estar abiertos y permitir que las ideas fluyan sin resistencia. En lugar de obsesionarnos con el resultado final, debemos enfocarnos en el proceso. 4. El Miedo y la Autoexigencia como Obstáculos Muchos creadores se enfrentan al bloqueo artístico, la duda y el miedo al fracaso. Rubin argumenta que estos obstáculos son normales y que debemos aprender a navegar a través de ellos. ✔ El perfeccionismo mata la creatividad. Muchas veces, el deseo de que algo sea “perfecto” nos impide siquiera empezar.✔ El miedo al juicio nos paraliza. En lugar de crear con la expectativa de ser reconocidos, debemos hacerlo porque lo necesitamos.✔ El error es parte del proceso. La experimentación es esencial para la evolución artística. 🔹 “El miedo a equivocarnos es lo único que nos separa de hacer algo grandioso.” 5. La Importancia del Espacio y el Entorno Rubin también habla del papel que juega el entorno en la creatividad. Un espacio lleno de ruido, distracciones o energías negativas puede dificultar el proceso creativo. ✔ Crear rituales. Establecer una rutina o ambiente propicio para la creatividad.✔ Reducir el desorden. Un entorno limpio y ordenado facilita la concentración.✔ Buscar inspiración en la naturaleza. La conexión con el mundo natural potencia la creatividad. 6. El Arte como un Acto de Servicio Para Rubin, el arte no es solo una expresión personal, sino también un regalo para los demás. Una canción, un cuadro, un poema… pueden cambiar la vida de alguien. 🔹 “La mejor manera de hacer arte es sin esperar nada a cambio. La recompensa es haberlo hecho.” III. El Impacto del Libro en Creadores y Artistas Desde su publicación en 2023, El Arte de Crear ha sido elogiado por músicos, escritores, pintores y cineastas como una obra profundamente inspiradora. A diferencia de otros libros sobre creatividad, no se enfoca en técnicas o estrategias, sino en la mentalidad detrás del proceso creativo. Muchos artistas han adoptado sus principios para desbloquear nuevas formas de trabajo: 🎵 Músicos han cambiado su enfoque hacia la grabación y composición, liberándose de la presión del perfeccionismo.📖 Escritores han aprendido a confiar más en el proceso, sin juzgar sus ideas demasiado pronto.🎨 Pintores y diseñadores han encontrado en sus palabras una guía para explorar su arte de manera más intuitiva. IV. Conclusión: Un Libro para Todo Creador “El Arte de Crear: Una Manera de Ser” no es un manual técnico ni un libro de autoayuda convencional. Es una obra filosófica que invita a cualquier persona —ya sea artista, emprendedor o simplemente alguien que busca más creatividad en su vida— a repensar la manera en que nos relacionamos con la creatividad. Rick Rubin nos recuerda que todos somos artistas, que el arte no es sobre el ego o el éxito comercial, sino sobre la conexión con el mundo y con uno mismo. Nos enseña que el acto

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Reseña del libro A Girl in a Band, sobre las memorias de Kim Gordon de Sonic Youth

Las memorias son una de las cosas más preciadas que tenemos como individuos. Se trata de poner en papel todo aquello que hemos vivido, en lo que hemos creído y por lo que hemos crecido. El libro es sobre las memorias de Kim Gordon, bajista de Sonic Youth, la legendaria banda de Noise-Rock que abrió nuevos espectros musicales y que también estaba acompañada por dos guitarristas, Thurston Moore, esposo de Gordon durante 27 años, y Lee Ranaldo. El libro en vez de empezar con la niñez de Gordon, comienza con una escena en la lluviosa São Paulo, mientras la banda tocaba su último show juntos y finalmente el matrimonio de Gordon y Moore ya estaba completamente desenredado. Comenta: “Mi-ahora-ex-esposo y yo nos enfrentamos a esa masa de brasileños mojados, nuestras voces juntas revisando la ortografía de las viejas palabras, y para mí fue una banda sonora entrecortada de energía cruda surrealista, ira y dolor: Hit it.. ”, escribe Gordon. “No creo que me haya sentido tan sola en toda mi vida”. Después de aquí lleva al lector a su infancia. La organización del libro es tan poco convencional como se esperaría de un artista como Gordon (el primer capítulo es el final). Después toma la ruta y se va por orden cronológico línea de capítulos cortos, no más de tres o cuatro páginas, lo suficientemente cortos como para llamarlos canciones. Saltan un poco pero corren aproximadamente cronológicamente. Gordon recuerda haber crecido en Rochester, Nueva York, y haberse mudado a Los Ángeles cuando su padre, sociólogo, tomó un trabajo en U.C.L.A. Pinta un retrato claro de su madre, que se quedó en casa y luchó por mantenerse creativa. Recuerda a su hermano mayor carismático y enfermo mental, Keller – “brillante, manipulador, sádico” – su compañero más cercano en la infancia, “la persona que más que nadie en el mundo moldeó quién era yo y quién resultó ser. ” Cada tema de los 53 capítulos se maneja con cuidadosa introspección, detalle y sentimiento real. Estamos en la cabeza de Gordon mientras descubre el mundo que la rodea. Sonic Youth no aparece hasta casi la mitad, después de un extenso elogio por la Nueva York de los años 80, en todo su esplendor vanguardista: “Esa ciudad que conozco ya no existe, y está más viva en mi cabeza que cuando estoy allí.” Cuando aparece Sonic Youth en el libro, Gordon altera ligeramente la forma del libro. Nos ofrece una visita guiada por algunos de los discos que recuerda y cómo fue su composición o historias alrededor de éstos. Los capítulos están encabezados por títulos de canciones o álbumes. Hay algunos chismes: Lydia Lunch tratando de seducir a Thurston Moore. Hay algunos riffs con tintes sociológicos, como uno que compara a Madonna en los años 80 con Lana Del Rey, más adelante inevitablemente aparece Kurt Cobain y Nirvana, incluso Courtney Love, a quien no le tenía nada de aprecio. Durante un tiempo, el libro parece más un collage. El problema se aclara cuando Gordon regresa a la vida familiar, específicamente con el nacimiento de su hija, Coco. Describe su obra de arte, maternidad y matrimonio: el primero, familiar y reconfortante; el segundo, desafiante y gratificante; el tercero, desgarrador. Después de 27 años juntos, Gordon sospecha que Moore la engañó, que le fue infiel y estaba teniendo una aventura. Resulta que tiene razón. Estos son algunos de los pasajes más crudos del libro, y no sólo porque sean algunos de los más recientes, a principios de la década de los años 2010. Cuando ella dice que siente compasión por él pero que no puede perdonarlo, se siente como si estuviera escogiendo sus palabras como armas. El matrimonio termina y la historia de Sonic Youth termina después de 30 años. También concluye ahí el libro. No tiene una gran escena final, no después de la enojada y triste explicación de la ruptura. Se trata de supervivencia, como persona y como artista. Da clic aquí para comprarlo en Amazon o también se encuentra a la venta en algunas librerías.

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Así funciona la música en nuestro cerebro, de acuerdo a Oliver Sacks

¿Te ha pasado que estando en tu cuarto con la luz apagada apunto de dormir, de repente empiezas a recordar una canción y tu cabeza se llena de sensaciones e imágenes llenas de color? Esto se debe a que imaginar la música puede activar el cortex auditivo y los sistemas subcorticales del cerebro –corteza donde ocurre la percepción, la imaginación y el pensamiento- de una manera casi tan intensa como si se escuchara. La música juega roles específicos en la mente y también puede mejorar nuestra memoria. Investigaciones recientes han demostrado que la música activa áreas del cerebro. Estos datos se desprenden del estudio llevado a cabo por el diario especializado en funciones cerebrales NeuroImage, el cual destaca que cuando escuchamos una melodía se activan zonas de nuestro cerebro como la auditiva, la límbica (conexiones en la corteza cerebral) y la motora (estabilidad y movimiento). Una terapia propuesta por la doctora Frances Rauscher para padecimientos matemáticos o verbales proponía a la música clásica y en particular al llamado Efecto Mozart, el cual modificaba las capacidad cognitivas. Aunque este estudio estaba mayormente destinado en cerebros jóvenes, también habla de los potenciales auditivos del cerebro a cualquier edad con este tipo de música. Esta propuesta llamó la atención a científicos del mundo entero, ya que aborda los beneficios de la educación musical en edad temprana. Además, de acuerdo con una investigación de la Universidad Cornell, escuchar melodías de juega un rol especial en nuestra mente, ya que nos transportan en el tiempo al instante. Este viaje por nuestra memoria se puede suscitar escuchando nuestra música favorita o simplemente oyendo las notas de cualquier canción que asociemos a determinada etapa. Con esto se puede confirmar que cada periodo de nuestra vida cuenta con un inolvidable soundtrack. Y para explorar a fondo el tema, recomendamos el libro del neurólogo Oliver Sacks (1933-2015), “Musicofilia: Relatos de la Música y el Cerebro” (Anagrama, 2009). En éste, Sacks examina el rol de la música en nuestros pensamientos y cómo ésta ha sido un pilar esencial para tratar a distintos pacientes con algún padecimiento psicológico. A través de lúcidas narraciones, el autor nos comparte su vasta cultura científica y humana a través del papel de nuestra identidad humana y de cómo somos una especie tan lingüística como musical.

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