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Mew En El Plaza. Frengers: Not quite Friends, but not quite strangers

5 octubre, 2018 / Dejar un comentario / Crónicas y Reseñas / Irving Alfaro / Crónica de Evento, Crónicas, El Plaza, Frengers, Mew, Reseña, Reseña de Eventos

Después de vestir de negro el alma y exorcizar nuestros demonios con la presentación de Nick Cave en el Pepsi Center, tocó el turno a los daneses Mew de llenar nuestros corazones de melancolía y nostalgia al tocar de principio a fin Frengers, su disco más exitoso a nivel internacional, que este año festeja su décimo quinto aniversario. Desde las 5 de la tarde, el número 4 de Juan Escutia ya tenía a los primeros fans haciendo fila para ser los primeros frente al escenario del Plaza, algunos con camisetas de la banda y otros con algún póster del evento que pintaba para algo épico, mientras el sol hacía su aparición de forma inclemente y los clásicos revendedores pedían un minuto de tu tiempo para hablarte del precio de sus boletos. Así transcurrió toda la tarde y ya entrada la noche el lugar se fue llenando hasta que no cabía un alma más, todo el mundo se notaba muy tranquilo, algunas parejas comentaban cuales eran sus canciones favoritas, mientras otros aseguraban que todo el trabajo de Mew es impecable, pero que definitivamente Frengers es el bueno. Exactamente a las 21:05 pm las luces se apagaron y los gritos del público no se hicieron esperar: Repeaterbeater rompió el silencio y todo el mundo comenzó a cantar junto al vocalista Jonas Bjerre para dar comienzo a un pequeño repertorio de canciones de toda su carrera musical, entre las que destacaron Special, The Zookeepers Boy, Apocalypso, Saviours of jazz ballet y Louise Louisa, viejas conocidas del segundo disco: And the glass handed kites, así como Satellites y Candy Peaces all smeared out de sus últimos trabajos. Después de un pequeña pausa, el grupo regresa para tocar los primeros acordes de Am I Wry y todo se vuelve una locura, la gente comienza a gritar descontroladamente, los visuales son increíbles y Jonas con guitarra en mano comienza a cantar la primera canción del Frengers. Era el momento de la nostalgia. 156 continuó la velada con una versión totalmente renovada y diferente a la original, pero con los mismos cambios de ritmo, mientras todos cantaban y gritaban cada una de las letras: “From my boat i can see your house, and when the light are on… i can watch you move”. Luego llegó el turno a Snow Brigade, uno de los momentos más altos y estridentes del Frengers, que de inmediato provoca miles de empujones y saltos entre los asistentes. Con Symmetry pudimos escuchar la voz en off de Becky Jarret, mientras se proyectaba su imagen en el fondo blanco detrás de la banda. Mismo caso con Her voice us beyond her years, que contó con backingtracks de Stina Nordenstam, mientras que Behind the Drapes se encargó de llenarnos de lágrimas con su ritmo melancólico y oscuro: “Why are we so alone, even with Company”. Los visuales mostraban un fondo negro con algunas luciérnagas que se movían de un lado a otro, como en el video que alguna vez vimos en MTV. One flew over, one was destroyed mantuvo un aire de nostalgia entre los fans más aguerridos de la banda para dar pie a otro de los momentos más emotivos de la noche con She came home for Christmas, que contó con la proyección del video en una tonalidad muy baja, para hacer notar el efecto del paso de los años, como si se tratara de una cinta de película a punto de velarse. She Spider volvió a encender el ánimo del público con el rasgueo de las guitarras y de inmediato todos comenzaron a brincar y gritar al unísono con el coro: “Confident, Tangled up in a nice life, Put the sipder in you…”. Al final, el solo de guitarra de Mads Wegner fue más largo, provocando un éxtasis hipnótico entre todos los asistentes que no paraban de cantar. Otro momento épico del concierto. De pronto, un largo silencio. Todos saben que la siguiente canción será la última y tal vez el mejor momento de todo el concierto. Mads comienza a tocar los 3 acordes iniciales y todo el mundo estalla de emoción mientras Jonas comienza a cantar acompañado de la dulce y triste melodía de Comforting Sounds. La canción va creciendo poco a poco hasta convertirse en una monumental pared de sonido tan emotiva que podría hacer estallar el universo. La piel se eriza, es imposible no sentir nada ante tal portento musical. De fondo se aprecia el video original de la canción con personajes extraños tocando violines y chelos hasta que después de 8 minutos por fin termina de forma sublime. El recinto se llena de lágrimas y aplausos, Jonas baja del escenario para saludar a los asistentes de la valla, los empujones te obligan a moverte, todo el mundo quiere despedirse. Finalmente el grupo se postra al frente y hacen una reverencia al público mexicano. Se ven felices y muy conmovidos por la respuesta del público. La melancolía ha terminado pero la magia se repetirá al día siguiente. Hoy brindamos por una noche memorable y los maravillosos 15 años del Frengers. El Setlist no pudo ser mejor. Setlist: Repeaterbeater Special Satellites Candy Pieces All Smeared Out Count to Ten Apocalypso Saviours of Jazz Ballet Louise Louisa Frengers: Am I Wry? No 156 Snow Brigade Symmetry Behind the Drapes Her Voice Is Beyond Her Years Eight Flew Over, One Was Destroyed She Came Home for Christmas She Spider Comforting Sounds

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Johnny Marr, reseña de su primera visita a CDMX

3 octubre, 2018 / Dejar un comentario / Crónicas y Reseñas / DepósitoSonoro / Brian Jones, Crónica de Evento, Crónicas, David Bowie, El Plaza, Electronic, Johnyy Marr, Morrissey, Patti Smith, Reseña, Reseña de Eventos, The Smiths

Johnny Marr ha ido tranquilamente en la construcción de una carrera en solitario. Habiendo pasado etapas como guitarrista en The The, Modest Mouse y The Cribs, el ex The Smiths ahora parece cada vez más cómodo, más creativo y más rockstar como se vivió anoche en su primer visita a CDMX. Su tercer álbum y muy aclamado: Call The Comet lo ha traído por fin a la CDMX. La cita fue en El Plaza, en ese recinto en donde aún a sus al rededores se respira melancolía por el episodio triste que derrumbó casas en nuestra ciudad, el ambiente poco a poco empieza a evaporar. Están los más devotos fanáticos de Johnny Marr y por fin él a hacer lo que mejor sabe, apenas lo estamos recibiendo con “The Tracers” y ya avienta el primer clásico del Meat Is Murder, “Big Mouth Strikes Again” de los Smiths sacuden al público, su manera de interpretar canciones responde a las distopías y utopías en donde quedaron fríos impregnados en el anhelo de sus máximas influencias como Bowie, Patti Smith, Brian Jones o el mismo JG Ballard, y así suena la hermosísima “Hi Hello”, con un Marr impecable en el escenario, su guitarra y él son uno mismo, perfectamente conectados, sincronizados y explosivos, como en “The Headmaster Ritual”, y los 2 temas que rescató de su paso por Electronic: “Get the Message”, y la maravillosa versión de “Getting Away With It” que removió fibras. Su banda está muy compenetrado con él, su líder. Su mentor. Los pasajes más hermosos de la noche fueron un colectivo unificador, desde los sintetizadores hasta las guitarras que se encuentran en su mayor euforia o bien, en melodías más inmersivas en la añoranza, por momentos su música evoca visiones viscerales entre los futuros rascacielos de Manchester o de lo que alguna vez fue Manchester en su grandeza pero evocados aquí en nuestra gran ciudad, con ese sonido que ha destacado a las bandas que surgen de ahí por décadas, eso se aprecia, pues escuchar un género en vivo y con el que has crecido por mucho tiempo no tiene comparación. La energía de Marr lo transportan a un estado de trance, expresa perfecto su visión del rock como herramienta transformadora. Y luego están ahí, las canciones bonitas, las canciones tristes, las canciones desgarradoras o las canciones vitalizantes, ofreciéndonos un recital de temas colosales al final de su show como lo fueron “Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me”, “How Soon Is Now?”, “There Is a Light That Never Goes Out” que fue hermosamente coreada, y la mega sorpresa de todas “You Just Haven’t Earned It Yet, Baby”, un puente, un descanso inesperadamente cómodo y necesario, el paraíso de la melancolía en donde cada y uno de nosotros se deja llevar sin contemplación, tanto que da miedo ya que momentos así son un lugar tan personal llenos de paralelismos, pero no importa, la noche lo está valiendo todo. Johnny Marr ha logrado retrocedernos en el tiempo pero al mismo tiempo ha logrado ofrecernos una etapa actual de él con bastante convicción y lugar en el presente, mientras parece estar arraigado en un lugar particular de su propia memoria, donde todo lo que puede escuchar es el agridulce, a veces agudo sonido de su guitarra que hizo de ella una obra eterna como el The Queen Is Dead. Incluso su melodía vocal florece fielmente y cristaliza un abismo musical tan agradable que no suavizarse internamente es imposible. Todos esos sentimientos que nos transmitió es la principal reivindicación de la grandeza de Johnny Marr. Y él lo sabe. Tan lo sabe quizás así como sabe que The Smiths jamás volverán a tocar juntos.

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Simple Minds en CDMX, noche de nostalgia y calidez

24 septiembre, 2018 / Dejar un comentario / Crónicas y Reseñas / DepósitoSonoro / CDMX, Jim Kerr, New Wave, Pepsi Center, Post Punk, Postpunk, Reseña, Simple Minds, Walk Between Worlds

El show de veteranía, impacto, nostalgia y calidez que Simple Minds desplegó dentro de su única presentación en Latinoamérica y primera para la CDMX en su haber, demostró que conservan el mismo desteyo a pesar de los diferentes cambios de alineación en su haber que le hizo triunfar en los años ochenta, apoyados fundamentalmente, en el carisma y la voz de un Jim Kerr todavía elástico y con pasos de baile muy peculiares, de un setlist equilibrado y genuino-especial en donde los grandes éxitos de sus épocas doradas se abrazaron de forma melódica y exacta con las canciones de su nuevo disco: Walk Between Worlds. A veces, se debe estar ahí en el momento perfecto pese a cualquier circunstancia, como la noche del 20 de Septiembre del 2018 en el Pepsi Center WTC, presenciando la gira de uno de los grupos anclados a varios triunfos de antaño y que se han salido de nuevo de gira con el entusiasmo de presentar un nuevo disco, ofrecen la sorpresa de alimentarse de un último trabajo a la altura de lo que significó su estrellato, con temas decentes que conviven sin estridencias en la selección de canciones interpretadas en vivo. Tal es el caso de esta gira Walk Between Worlds Tour. Éxitos que conviven en la memoria colectiva como Waterfront o Love Song, comparten escena con canciones del más reciente disco: Summer o The Signal And The Noise, y la conjunción funciona realmente bien. De esta forma, el público recupera a los Simple Minds y descubre a una versión de la banda que ofrece toda la calidad en su nueva encarnación del siglo XXI. El inicio es enérgico y desde entonces sabes que será una larga noche y que se pondrá aún mejor, hay que relajar el ambiente para después volver a explotar, aunque eso signifique ponernos todavía más melancólicos. Los clásicos son un regalo inconmensurable para un público entregado al delirio de temas como Promised You a Miracle, The American, Someone Somewhere (In Summertime), un bellísimo cover a The Call con Let The Day Begin y por supuesto, Don´t You Forget About Me junto con Alive And Kicking, la perla maestra del Once Upon A Time. Quizá la gran ausente para algunos fue Theme For Great Cities, probablemente una de las maravillas instrumentales por siempre mejor grabadas en la historia de su género, el post punk. Sanctify Yourself para cerrar, nos devuelve al Jim Kerr más revoltoso, descarado y con un toque de rebeldía violenta. El Jim Kerr que con su voz, una voz que sigue sonando como la de esos Simple Minds que surfeaban en la cresta de la ola del éxito en los años 80, ese Jim Kerr, ese mismo, termina de cantar para poner así fin a una noche inolvidable, el desenlace a la historia sobre música y décadas, notas y paso del tiempo, guitarras que son recuerdos y canciones capaces de poner a los asistentes contentos y satisfechos. Una noche dedicada a todas las personas que tuvieron un re encuentro especial con otras personas, con canciones, con momentos o con sus familias y que tuvieron una oportunidad invaluable de ver a los Simple Minds después de tantos y tantos años.

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Edgar Mondragón – Olas De Refescante Electrónica, Techno , Dream Pop/Ambient y literatura

3 septiembre, 2018 / Dejar un comentario / Crónicas y Reseñas / Klaus Campos / ambient, dream pop, Ecosistema Musical, Edgar Mondragón, Electronic, Estrenos, Olas De Refescante Electrónica, Reseña, Reseña de Disco, Techno

*Pleamar – Cuando la marea alcanza su punto más alto. Hace algunos años ya que conocí la música de Edgar Mondragón gracias al honorable sello nacional Abolipop, en ese entonces con un EP llamado Veintiún Lunas, corría el año 2013. Un trabajo que llamó poderosamente mi atención, una producción cuidada, techno, ambient, secuencias melódicas, todo envuelto en una tranquila atmósfera onírica. Algo sumamente refrescante en ese momento. Tiempo después tuve la oportunidad de verlo en vivo como parte de la fiesta de aniversario de otro netlabel, una casona abandonada cerca de Balderas, en el centro de ésta caótica urbe; fue el escenario. Me llevé otra grata sorpresa. Acompañado ya de músicos que tocan las partes instrumentales y en formato de banda daría visos del que sería su sonido distintivo a la fecha, guitarras al más puro estilo del postrock más introspectivo, muros aurales shoegazeros, sin olvidar su lado más techno. Cabe señalar que en éste formato se dieron a conocer como Mondragón, vendrían infinidad de conciertos y presentaciones, escenarios de toda índole, desde El Museo del Chopo hasta el afamado festival South By Southwest, en la ciudad de Austin en Texas, Estados Unidos, pasando por festivales de postrock y el cierre del festival NRMAL en Casa del Lago. Fue el año pasado también que gracias a una campaña de fondeo la banda pudo producir y lanzar su primer álbum Presentimiento, ésta vez bajo el sello Suplex/Abolipop, sin duda uno de los mejores lanzamientos de ese año, y me atrevo a decir que de la discografía independiente nacional, una concreción de esfuerzos, con un sonido totalmente afianzado y característico. Es el festival MUTEK MX en su edición nacional que ve el regreso de Edgar y su proyecto solo. Una alabada presentación que dejaría satisfechos a propios y extraños. Sin duda definitoria en la ascendente carrera de Edgar. En Marzo participa en el ciclo “SINESTESIA”, en el que se comisiona crear una obra a diversos artistas basada en el diálogo con alguna de las piezas de la colección del Museo Tamayo, y que, se presentan en el mismo recinto. “Tensión para tres” de Manuel Félguerez serviría de inspiración para el track “Tensión“, un profundísimo ambient/drone envolvente y meditativo. Volvamos al inicio y al presente, al motivo de éste escrito. Como la marea que siempre regresa. Edgar Mondragón regresa en solitario para presentarnos su nuevo EP, “PLEAMAR”, seis tracks que se mueven en los terrenos del ambient, guiños al dream-pop y por supuesto techno y muchos sampleos. Mezclado y Masterizado por Polo Vega alias Trillones, con arte de Erik López “Imgn.XYZ”. Un trabajo que retoma maquetas del inicio del proyecto, y que trata bajo una narraruva cinemarográfica y visual inspirada en artistas tales como Brian Eno y Burial. El EP comienza con “Levedad”, una sólida base tech, un bajo grave que se arrastra y marca la pauta, sampleos procesados, y una sutil pero emotiva secuencia que acompaña al beat hasta el final. “Lunas” es el segundo track, en donde el protagonista es un sampleo de Juan Rulfo leyendo “No oyes ladrar los perros” un cuento de “El llano en llamas” enmarcado en un techno-ambient con prístinos sonidos de sinterizador. “Ser”, quizá el más emotivo track del EP, gracias a la profunda y distintiva de voz del Cronopio Mayor, Julio Cortázar leyendo un fragmento de su afamada obra “Rayuela”, un soundtrack perfecto para esa historia, que igual que el libro se trata de una intrincada y compleja, pero emocional narrativa. Llegamos al cenit de la obra “Solar”, notas de piano, sonidos ambientales y una voz casi inintligible, una secuencia in crecendo, un kick tan brutal como exacto, y un intrigante groove que ataca directo al cerebro, que se entrelazan para formar el momento más catártico del plato. En “Crisálida” confluyen finamente ensamblados todos los elementos que aparecen a lo largo de la producción, el track más bailable de todos. Llegamos al final de viaje y encontramos la pieza que le da nombre y sentido al ep “Pleamar”. Un track que se puede dividir en dos partes, después de algunos minutos reflexivos en clave drone, el panorama se aclara, una luminosa secuencia de sintetizador acompañada de un emotivo bajeo orgánico nos conducen al final del viaje. Tal parece que Edgar Mondragón está muy conciente de su propia evolución y crecimiento. No cabe duda que estamos frente a uno de los mejores productores del país, que refleja en su música el sentimiento ser parte de ésta ciudad y todo lo que ello conlleva. Un proyecto que se ha afianzado a base de talento y mucho trabajo. Con personalidad propia y un sonido particular y único. Una luz en el a veces obscuro panorama de la música nacional. El EP está disponible en todas las plataformas digitales.

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#Estreno. Alva Noto – “Unieqav”

14 abril, 2018 / Dejar un comentario / Crónicas y Reseñas, Estrenos / Pavel Rosado / Alva Noto, Carsten Nicolai, Depósito Sonoro, Ecosistema Musical, Estreno, Estrenos, Reseña, Reseña de Disco, Unieqav

Alva Noto (Carsten Nicolai) concluye la trilogía de álbumes prefijados por UNI con Unieqav, la tercera instalación y la más centrada a la pista de baile. La continuación de Unitxt (2008) y Univers (2011) une oscilantes ritmos electrónicos de gran amplitud y techno minimalista a manera de recordarnos con gran fuerza la última producción de Monolake e Ilpo Väisänen, sin embargo, a pesar de todas las comparaciones se sabe inconfundiblemente que se trata de Alva Noto. Siguiendo las raíces del proyecto en la pista de baile del Club UNIT en Tokio hasta un final lógicamente satisfactorio, Nicolai despliega 12 temas típicamente intensos pero conmovedores definidos por la dinámica y el flujo de sus sonidos y dimensiones ideales para renderizar en un club nocturno o poner la cabeza bajo el agua gracias a una conjunción notable de minimalismo-maximalismo tonal y sensibilidad estudiada hacia la propiocepción. Los resultados de este último trabajo de Alva Noto son frágiles pero robustos, altamente placenteros en un contexto de auriculares y sofá manteniéndonos cautivos entre sus líneas con el punzante puntillismo de Uni Clip y la asombrosa escala ascendente de Uni Normal; con el drama panorámico de Uni Blue y con un movimiento rápido similar a un movimiento de pies con Uni Edit, mientras que las voces de Anne-James Chaton dan fuerte contraste a Uni Dna. Otro álbum más de Alva Noto altamente recomendado.

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