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Wendy Carlos: Pionera de la Música Electrónica y Compositora de Soundtracks Icónicos

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Wendy Carlos es una de las figuras más influyentes en la música electrónica y la creación de soundtracks, conocida por su innovación en el uso del sintetizador Moog y por composiciones para películas clásicas que han dejado una huella profunda en el cine y la música. Su enfoque visionario ha convertido su obra en un legado en la historia musical, y sus soundtracks, en particular, representan una mezcla de vanguardia tecnológica y artística que todavía resuena en la cultura contemporánea. Primeros Años y Ascenso en la Música Electrónica Nacida en 1939 en Rhode Island, Wendy Carlos mostró un temprano interés en la música y la ciencia. Estudió física y música en la Universidad de Brown y luego en la Universidad de Columbia, donde conoció al legendario ingeniero Robert Moog, el inventor del sintetizador Moog. Carlos, fascinada por el potencial de este nuevo instrumento, comenzó a explorar sus posibilidades en una época en la que la música electrónica aún estaba en sus primeras etapas. En 1968, lanzó Switched-On Bach, un álbum innovador que adaptaba la obra de Johann Sebastian Bach al sintetizador Moog. Este álbum no solo demostró que los sintetizadores podían tener un lugar en la música clásica, sino que también tuvo un éxito comercial inesperado, ganando tres premios Grammy y popularizando el uso del sintetizador. Carlos transformó así el papel de la música electrónica y abrió el camino para otros músicos que la seguirían. El Éxito de Wendy Carlos en el Cine: Soundtracks Icónicos El talento de Wendy Carlos llamó la atención de algunos de los cineastas más influyentes de su época, y fue en el ámbito del cine donde su trabajo alcanzó un nuevo nivel de reconocimiento. 1. A Clockwork Orange (1971) Stanley Kubrick, uno de los cineastas más innovadores del siglo XX, eligió a Carlos para componer la banda sonora de A Clockwork Orange (La naranja mecánica). La música para esta película fue una mezcla de piezas clásicas reinterpretadas y música original compuesta en el sintetizador. Carlos tomó temas de Beethoven y Purcell y los reinterpretó para el Moog, dando a la banda sonora un carácter distópico que encajaba perfectamente con la atmósfera de la película. El soundtrack se convirtió en uno de los más célebres de la época y demostró el poder del sintetizador para crear atmósferas complejas y llenas de tensión. La música de A Clockwork Orange no solo complementa la narrativa visual de Kubrick, sino que también subraya la psicología de los personajes y el caos de su mundo. 2. The Shining (1980) Wendy Carlos volvió a colaborar con Kubrick para The Shining, otra obra maestra del cine de terror psicológico. La banda sonora de The Shining es una de las más inquietantes de la historia del cine, y Carlos logró crear una atmósfera de misterio y horror a través del uso de sintetizadores y técnicas de manipulación sonora. Aunque algunas piezas compuestas por Carlos y su colaborador Rachel Elkind no fueron incluidas en la versión final de la película, la influencia de su trabajo es evidente. La banda sonora incluye fragmentos que combinan temas oscuros con una instrumentación electrónica que enfatiza el aislamiento y la locura que dominan el Overlook Hotel. 3. TRON (1982) En 1982, Carlos compuso la banda sonora de TRON, la famosa película de ciencia ficción de Disney. Este proyecto fue un desafío técnico y creativo, ya que TRON fue una de las primeras películas en integrar efectos visuales por computadora, y la música debía reflejar esa estética futurista. Carlos utilizó una combinación de sintetizadores y orquestación para crear un sonido innovador y mecánico, que encapsulaba el mundo virtual de la película. La banda sonora de TRON es una de las primeras en fusionar sonidos electrónicos con música clásica, un concepto que inspiraría a numerosos compositores en los años venideros y que consolidó a Carlos como una figura central en la música de cine. Otros Trabajos y Colaboraciones Además de su trabajo en el cine, Carlos también lanzó varios álbumes experimentales y colaboró en diferentes proyectos artísticos. Beauty in the Beast (1986) es uno de sus álbumes más aclamados fuera del cine, en el que explora la microtonalidad y la fusión de diferentes estilos musicales del mundo. Otro álbum destacado es Digital Moonscapes (1984), en el que Carlos usa sintetizadores digitales para crear sonidos que simulan orquestas completas. Su trabajo ha sido influyente tanto en la música electrónica como en la música para medios audiovisuales, y es citada como inspiración por artistas de múltiples géneros. Legado e Influencia La influencia de Wendy Carlos en la música electrónica y en la industria del cine es incalculable. Su capacidad para reinventar clásicos en el sintetizador y su enfoque vanguardista la convirtieron en pionera, y sus composiciones redefinieron la relación entre la música y la tecnología. La obra de Carlos ha dejado una marca en generaciones de compositores y músicos, especialmente en aquellos dedicados a la música de cine, que encuentran en su trabajo un modelo de experimentación sonora. En la actualidad, la música electrónica y los soundtracks compuestos con tecnología digital y analógica son una norma en la industria. Carlos fue una de las primeras en explorar este territorio, y su capacidad para desafiar convenciones continúa siendo un ejemplo para aquellos que buscan expandir los límites de la música y el cine. Conclusión Wendy Carlos no solo transformó la música electrónica y el cine, sino que desafió las expectativas sobre lo que la música podía ser en el contexto de la tecnología. Su legado abarca décadas de innovación y su influencia es palpable en cada rincón de la música electrónica contemporánea y el cine de vanguardia. A través de sus bandas sonoras y su trabajo experimental, Wendy Carlos seguirá siendo una figura central en la historia de la música y el cine.

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8 soundtracks esenciales en películas de los años 90

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Los años 90 fueron, en retrospectiva, una especie de renacimiento de bandas sonoras de películas de gran presupuesto. La popularidad del formato de CD significaba que podía incluir más música en un álbum, lo que a su vez significaba hacer un álbum acompañante que era casi tan largo como la película. Sumando a eso los crecientes números de éxitos de taquilla, y a que cada estudio necesitaba su banda sonora para igualar la película. Éstos 8 álbumes significaron mucho, financiados por peces gordos de Hollywood. 1. Until the End of the World (1991; Warner Bros.) El director Wim Wenders se acercó a tantos músicos sofisticados como pudo pensar para grabar canciones para una película sobre un futuro cercano con tecnología. Los resultados se superponen a lo que se convertiría en una entrada de amor o de odio en la filmografía de Wenders. El álbum incluye a Talking Heads, Can, así como la portada de Kinks de Elvis Costello y la toma de tango de Julee Cruise sobre Elvis Presley. U2 contribuye con una mezcla temprana de la canción del título antes de que apareciera en Achtung Baby, Depeche Mode hizo un himno, T-Bone Burnett hizo ciencia ficción, y Jane Siberry y k.d. lang hicieron “Calling All Angels” para todos los gritos de enojo. 2. Singles (1992; Epic) ¿Qué tal una de las mejores bandas sonoras de películas para capturar un fenómeno cultural en tiempo real? Singles hace esto y mucho más: atrapando el movimiento grunge en su apogeo, esta película de 1992 es tan kitsch como auténtica. La mayoría de la banda sonora no solo consiste en canciones de quienes lideraron el movimiento grunge: Alice In Chains, Pearl Jam, Mudhoney, Soundgarden, entre otros: las composiciones originales adicionales fueron calificadas por Paul Westerberg. Influyentes en el estilo del movimiento grunge, ciertamente contribuyeron a la influencia estética de la película.  3. Judgment Night (1993; Immortal/Epic) La banda sonora de una película de acción sobre rubes de los suburbios que toman un atajo desafortunado a través de Chicago es francamente ambiciosa y combina bandas vanguardistas alternativas con artistas de hip-hop en diversas etapas de sus carreras en 1993. Esta película parece un esfuerzo por mejorar los perfiles de las bandas, seguramente alguien esperaba que esta fuera la gran oportunidad que Teenage Fanclub o Helmet necesitaban, pero, sorprendentemente, el truco funcionó bien. Algunos emparejamientos están bien encajados (el tema del título de Teenage Fanclub y De La Soul “Fallin” o “Biohazard and Onyx”). Otros se aprovechan inesperadamente de la tensión estilística (Sonic Youth y “I Love You Mary Jane”, de Cypress Hill, “Mudhoney y” Freak Momma “de Sir Mix-A-Lot). 4.  The Crow – (1994; Interscope) Las bandas sonoras en The Crow son bastante raras, el tipo de mixtape de gran presupuesto que reunió a un “quién es quién” de la música oscura, tanto el pasado (The Cure, Jesus and Mary Chain) como Nine Inch Nails, Rage Against the Machine. Ese lado no surgió necesariamente con la portada Poison Idea de Pantera o la portada Suicide de Rollins Band. Sin embargo, sí se mostró en la portada de Joy Division o de Nine Inch Nails. 5.  Pulp Fiction – (1994; MCA) El director de cine Quentin Tarantino se apresuró a establecer una reputación como un creador de tendencias, con la narración de los puntos de conexión de Akira Kurosawa o spaghetti westerns, Tarantino también se opuso a la tendencia que se escuchó en muchas otras bandas sonoras de los años 90, llenas de canciones contemporáneas que reflejaban momentos en una historia o que se usaban como herramientas promocionales. Su segunda película sobre las personas violentamente imperfectas que viven entre nosotros sería locamente anacrónica si no fuera por breves inclusiones de teléfonos celulares y cafés boutique, y la vieja música seleccionada por su banda sonora ayuda a prolongar la ilusión de que esta película se fijó más cerca de 1974 que de 1994. Dick Dale tocando la visión de rock de Tarantino de Ennio Morricone, Dusty Springfield y Maria McKee o Neil Diamond. 6.  Natural Born Killers (1994; Nothing/Interscope) Se requieren muchos cerebros para crear una película que integre el sonido incidental y el diálogo, así como la música, en elementos visuales para ayudar a avanzar una historia. Puede identificar los clásicos que hacen esto, tanto críticos como de culto, desde al menos A Clockwork Orange hasta Requiem for a Dream. Así que cuando el genio Oliver Stone comenzó a transformar un guión lleno de asesinatos de Quentin Tarantino en un tratado sobre la fama y la libertad, recurrió a un genio loco del sonido en busca de algunos ingredientes secretos. Trent Reznor y Stone, de Nine Inch Nails, reprodujeron un montón de audio en el set que se integró directamente en la música (“Shitlist” de L7, y “Night on Bald Mountain” de Mussorgsky). 7. Trainspotting (1996; Capitol) La banda sonora de la adaptación frenética de Danny Boyle de la novela de Irvine Welsh sobre los adictos a la heroína de Edimburgo, es un puente entre subculturas tenues con más de 20 años de diferencia y emula el equilibrio de la película entre la manía vertiginosa y el colapso sombrío. Iggy Pop, la canción de apertura se ajusta al contexto de Trainspotting. Además de Brian Eno, Lou Reed (Perfect Day), quien jugó detrás de las escenas de inodoro y sobredosis, respectivamente. El material más nuevo de Blur (“Sing”) y Pulp (“Mile End”) sonaron como extensiones naturales del pensamiento, y la decisión de dejar que la melodía del título de Primal Scream y la increíble “Born Slippy” de Underworld. Inolvidables soundtracks muy presentes hasta nuestros días. 8.  Lost Highway – (1997; Interscope) En retrospectiva, la banda sonora de Lost Highway parece un poco surrealista. Para el director David Lynch, ése es a menudo el punto, como fue el caso con esta entrada notoriamente difícil en la obra del cineasta. Pero la banda sonora en sí misma fue un excelente trabajo, una yuxtaposición particularmente extraña de exitosos actos alternativos (Nine Inch Nails, Smashing Pumpkins, Marilyn Manson) contra la música del antiguo colaborador de Lynch, Angelo Badalamenti, algo de música ambiental de Trent Reznor y un par de David Bowie. Todo funciona, por supuesto, aunque

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Diez extractos musicales en las películas de Stanley Kubrick

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Se cumplieron 20 años del fallecimiento del director de cine Stanley Kubrick, por ello analizamos 10 extractos musicales de sus películas que a menudo eran “contrapuntales”, segmentos de música que son contradictorios con el valor emocional o visual de una escena. Esto abrió una gama de respuestas atípicas. Kubrick comenzó este hábito, al principio de forma incremental. Pero por “Dr. Strangelove ” estaba ya dentro y nunca volvería a una manera tradicional. De los cineastas de hoy en día, sólo Woody Allen, Marty Scorsese, Quentin Tarantino y Wes Anderson continúan esta tendencia.   Cuando se trata de música, los puntajes en sus películas no encajan bien con sus conceptos. Las partituras sinfónicas completas tenían una manera de calmar a la audiencia y dictar cada emoción. ¡Kubrick quería más! Dependiendo de cómo se mire, quería que su música fuera familiar pero agresiva. Quería comentar sobre la acción de la pantalla en formas deliberadamente irónicas. Por encima de todo, quería que sus películas fueran diferentes y memorables.   Así que, sin más preámbulos, aquí están los 10 usos principales de su música segmentada en sus películas:   1. Discovery super-lietmotif en “2001: A Space Odyssey” (1968) “Amanecer” de “Así hablaba Zarathustra”, op. 30 de Richard Strauss “Spake Zarathustra” es un poema musical compuesto por 9 partes. Cada parte aborda una emoción específica como anhelo, alegría, muerte o aprendizaje, por mencionar algunos. Kubrick utiliza sólo la primera parte: “Einleitung, oder Sonnenaufgang” (Introducción o Amanecer).   2. Dancing Christ en “Naranja mecánica” (1971) “Sinfonía núm. 9, segundo movimiento”, de Ludwig von Beethoven La novena sinfonía de Beethoven es una de las sinfonías más épicas jamás escrita por uno de los compositores más titánicos que el mundo haya conocido. Naranja Mecánica es una de las películas más controvertidas y violentas que se han hecho y considerada una obra maestra de angustia distópica contada al estilo de un cuento de hadas de pesadilla.    3. La violación de la esposa del escritor F. Alexander en “Naranja mecánica” (1971) “Cantando bajo la lluvia”, escrita por Arthur Freed y Nacio Herb Brown Una violación al ritmo de “Cantar bajo la lluvia” pone a uno al límite. Improvisado durante el rodaje, incluso después de 45 años, el contraste severo y extremadamente violento entre lo que está sucediendo en la pantalla, una golpiza brutal seguida de una violación aún más brutal, en comparación con las asociaciones anteriores de la canción como una de las más felices. Momentos jamás creados en el cine, no podrían estar más distantes y sigue impactando.   4. La muerte y el funeral de Brian Patrick Lyndon en “Barry Lyndon” (1975) “Sarabande, cuarto movimiento”, escrita por George Frideric Handel (como Georg Friedrich Händel) Lejos de la controversia provocada por “La naranja mecánica”, el “Barry Lyndon” de Kubrick no podría estar más lejos en el tiempo y el espacio desde el distópico Londres que hasta el campo bucólico de la nobleza y la familia. Y aunque no es exactamente contrapuntal en su naturaleza, las escenas y secuencias se complementan en perfecto equilibrio con una variedad de composiciones musicales profundamente arraigadas en una rica mezcla clásica de marchas, sinfonías, conciertos y melodías populares cercanas de esa época.   Barry Lyndon nació de la incapacidad de obtener luz verde para el proyecto soñado de Kubrick: Napoleón. Sin querer perder todo el tiempo y el material de investigación, rápidamente adaptó una novela del siglo XVIII de William Makepeace Thackeray de una manera racional, recorriendo caminos paralelos de la historia hasta la pieza de época.   5. El sexo del avión, abriendo la secuencia del título a “Dr. Strangelove ”(1964) “Prueba un poco de ternura”, escrita por Jimmy Campbell, Reg Connelly y Harry M. Woods “Dr. Strangelove ”es una película llena de excesos sexuales implícitos, libido, imprudencia y referencias sexuales no demasiado sutiles. ¿Cuál podría ser una secuencia más inapropiada que teniendo relaciones sexuales en aviones? ¿Y qué música más apropiada está ahí que “Prueba un poco de ternura”, durante el coito? ¡Habla de superar las restricciones! De todas las geniales secuencias de Kubrick, ésta es una de las mejores.   6. Ataque B-52 en objetivos primarios y secundarios en “Dr. Strangelove ”(1964) “Johnny Comes Marching Home” Música del director de la banda del Ejército de la Unión, Louis Lambert “Dr. Strangelove “sube la apuesta una y otra vez, a medida que la acción pasa de la esperanza a la desesperación, a lo inevitable a la pérdida absoluta. Kubrick aumenta la tensión al cruzar la Sala de Guerra y el B-52 en una pieza combinada que dura el último tercio de la película.    “Johnny Comes Marching Home” es una melodía de la guerra civil que expresa un anhelo por el regreso de amigos y familiares atrapados en la vorágine de la guerra. La música se repite y se repite, es una loca recapitulación en sintonía con las fortunas del intento del B-52 de entregar su paquete letal pero fuera de sincronía con los de la Sala de Guerra, que esperan contra la esperanza de que el B-52 falle en su misión y están haciendo todo lo posible para lograr este anti-objetivo.     7. El descubrimiento de “Todo funciona y no se juega” por Wendy en “The Shining” (1980) “Polymorphia” compuesta por Krzysztof Penderecki   No es puramente contrapunto, hizo una combinación de música misteriosa, sensual y en gran parte contemporánea de un oscuro modernista polaco para sugerir el horror y la presencia siempre presente de los fantasmas del Overlook. Lo que hace que “The Shining” sea único es su naturaleza casi experimental, combinada con toda la electrónica elemental, esa doble convención y expectativa que puso a todos los que vieron esta película. Quizá Kubrick miró a “The Exorcist” en busca de comparaciones de música.   8. Siniestro sobrevuelo, abriendo títulos en “The Shining” (1980) “Dies Irae” Gregorian Chant, arreglado por Wendy Carlos La brillantez de Kubrick en la elaboración de las secuencias de apertura se exhibe en una hábil combinación de trabajo de cámara hipnótica y un canto gregoriano misterioso

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