Tras años de ser el motor rítmico de influyentes bandas de culto, el músico tijuanense radicado en Nueva York, Luis Gabriel Illades, da un giro audaz en su trayectoria y asume el rol de cantautor con Vida Vella, su nuevo e inspirador proyecto. Su álbum debut, “Panorama”, vió la luz el pasado 21 de marzo de 2025 a través de Beso y Abrazo Records y estará disponible en todas las plataformas de streaming. Además, el vinil llegará a tiendas mexicanas en mayo de 2025. Tuvimos una charla con èl sobre su nuevo lanzamiento.
1. Luis, llevas más de 20 años viviendo en Nueva York. ¿Cómo influye tu identidad tijuanense en tu forma de componer, aún estando tan lejos del lugar donde creciste?
Todavía vivo en Tijuana parte del año y en Nueva York parte del año. Una cosa que noté al escribir las canciones y ser de una cultura fronteriza es el uso de “pochismos” a veces. Es algo mas aceptado ahora pero cuando era niño y íbamos de visita al interior del país, nos veían como idiotas o degenerados hablando así.
La canción (Sin Alivio en Atlántida) está fuertemente influenciada por Tijuana y pasar por playas hermosas pero muy contaminadas por plásticos y aguas residuales, lo que genera una sensación de desesperanza de inminente ruina ecológica. No puedo afirmar que esto sea un hecho, pero mi reacción inicial es siempre culpar al consumismo estadounidense por esto.
2.Tijuana y Nueva York son ciudades fronterizas, pero de fronteras muy distintas. ¿Cómo ha dialogado esa dualidad en tu música a lo largo de los años?
Un aspecto que refleja esto es la canción “El Chico Francés” del álbum que trata sobre tener un encuentro romántico con un extranjero que llega a un pueblo y luego deja al protagonista varado y abandonado. Esto es también un reflejo de las variaciones en el acceso a la movilidad. También es una interpretación de intentar expresarse con alguien que no habla su idioma y encontrar amor y puntos en común en ausencia de palabras. Esto lo vimos más en Tijuana con los estadounidenses, pero en Nueva York también es común con personas de todo el mundo.
3.¿Qué aspectos de tu herencia mexicana sientes que cobran más fuerza cuando los reinterpretas desde el contexto neoyorquino?
Luché mucho con la identidad en mi juventud. ¿Qué significa ser hombre y salir del closet? ¿Cuáles son las expectativas de la herencia mexicana cuando uno viaja y siente curiosidad por otros caminos? Siento que me dieron una lista de reglas sobre las expectativas al nacer y luego pasé años tratando de liberarme de las expectativas, solo para obtener otra lista de reglas en cada subcultura sobre la que tenía curiosidad: identidad LGBT, identidad punk, identidad masculina o no binaria, identidad urbana, identidad artística. Con el tiempo aprendo que dos verdades opuestas no se anulan, esa es la dialéctica: encontrar la síntesis entre esto que eres tú. ¿Puedes apreciar a Vicente Fernández y también ser skater? ¿Puedes ser un hombre gay y también tener una relación de respeto mutuo con tu padre heterosexual, tus primos y tus tíos?
4.Grabaste tu disco con músicos estadounidenses y una banda del estado de Guanajuato. ¿Cómo surgió esa colaboración y qué buscabas con ese contraste de estilos y sensibilidades?
La mayor parte de mis años de gira y grabación han sido en Estados Unidos y Europa, nombraré ese contexto de inmediato. Traje a mis músicos favoritos con los que he tocado durante los últimos 30 años para este proyecto. Estos músicos estadounidenses aportaron al álbum una influencia de “indie rock” y una especie de “southwest” que evoca la frontera. Invitar a algunos de los músicos de Guanajuato que trabajan en círculos folclóricos y orquestales parecía recordar una tradición de la época de mis padres en la Universidad de Guanajuato y la rica tradición del pueblo centrada en el Teatro Juárez y el desarrollo a la modernidad de ellos.
5.¿Qué retos y descubrimientos tuviste al combinar estos dos mundos sonoros tan diferentes? ¿Hubo momentos de “choque” cultural en el estudio que terminaron aportando algo nuevo?
Curiosamente fue una gran combinación. Hubo algunas dificultades, como que los estadounidenses usaran notas como A, E, F y los músicos mexicanos hicieran referencia a “Fa, Sol, Re”, pero al final llegamos a una hermosa síntesis y comprensión.
6.¿Qué papel jugó el idioma (español/inglés) en la composición del álbum? ¿Lo ves como una herramienta expresiva, una barrera o un puente?
Siempre quise expresar algo como una experiencia bilingüe. La mayor parte de mi vida ha sido una experiencia bilingüe. También noté diferentes lados de mí que se manifestaban en los dos idiomas. Las palabras en español terminan en vocales y eso se presta a un efecto más romántico y soñador. El inglés es una lengua germánica que termina en más consonantes y por tanto es más precisa y prudente en su presentación. Había diferentes formas de decir lo mismo con variaciones en el efecto y fue muy divertido jugar con eso.
7.Musicalmente, ¿qué géneros, sonidos o artistas fueron clave para dar forma a este disco? ¿Hay alguna influencia que te haya sorprendido encontrar durante el proceso?
Al sentarme y darle forma a los demos de la canción buscaba la atmósfera. Como baterista, mi estilo de composición es parecido al de un simio, simple y rítmico en su composición. Una vez que se escribió la base de las canciones, establecer el tono fue una experiencia separada. Escuché mucho a Brian Eno y Massive Attack con respecto a preparar el escenario atmosférico. Le pedí al guitarrista Doug Hilsinger que participara porque él toca una orquesta de Brian Eno en San Francisco y eso me pareció muy relevante. Pero también estaba escuchando un disco de Charles Mingus ”The Black Saint and the Sinner Lady” y me gusta la brusquedad de cómo algunos de esos instrumentos entran y salen de las canciones y las canciones de óxido y sintonía como desarrollo del carácter en la comprensión de los instrumentos como un personaje.
8.¿Cómo describirías el sonido del álbum a alguien que nunca ha escuchado tu música pero quiere entender la esencia del proyecto?
Baladas románticas y apocalípticas
9.¿Este disco busca contar una historia o transmitir una sensación en particular? ¿Qué narrativa une todas las canciones?
Gran parte de este álbum trata de la experiencia interna y el abandono de creencias obsoletas. Desde abandonar un concepto de sí mismo obsoleto hasta dar un acto de fe en la expresión sexual y creencias obsoletas de que las instituciones nos salvarán del apocalipsis. Se trata de nombrar aquello que nos frena y encontrar la libertad de nuestros propios sistemas de creencias obsoletos.
10.¿Cómo te relacionas con la nostalgia en tu música? ¿Es un motor creativo, una cicatriz o una forma de reconciliación con tu historia personal?
Supongo que depende de cómo uno defina la nostalgia. ¿Es nostálgico referirse al pasado como referencia? Si es así, ese parece un contexto importante. La nostalgia también puede entenderse como el rechazo a vivir el presente bajo la creencia de que el pasado es preferible. Esto es muy común en la música y la cultura. Siempre debí mirar hacia adelante y traer mi historia al presente, pero evitando que fuera dominante.
11.¿Qué aprendiste sobre ti mismo como artista —y como persona— al hacer este disco entre dos culturas?
Una cosa que aprendí fue a dejar de disculparme. Al principio me sentí cauteloso. ¿Estoy demasiado americanizado para producir una obra mexicana? ¿Tengo que hacer que este español sea más comprensible para los americanos? Luego tome una pausa para establecer que este disco es para mí y para quien se sienta atraído por él. Siempre he encontrado algo digno cuando soy yo mismo sin pedir disculpas y en mi forma más auténtica. Hubo muchas dudas, pero también tengo la certeza de que lo que hay en esta obra es totalmente verdad.
12.¿Te gustaría llevar este proyecto al escenario? ¿Cómo imaginas un show en vivo que represente esa fusión bicultural?
Ésa es una gran pregunta. Sí, me gustaría presentar esto en el escenario. Creo que será importante encontrar una combinación de músicos estadounidenses y mexicanos y presentarla como una alianza. El desafío será el transporte. Puede que sea muy engrandecedor decir esto, pero quiero centrarme en presentar en México y no molestarme con Estados Unidos. Creo que este álbum es más para oídos mexicanos. Al parecer, el publico mexicana está mucho más comprometido y abierto a conceptos poco ortodoxos que la audiencia estadounidense. Mi esperanza es tocar en algunos festivales que puedan tener la infraestructura para facilitar la incorporación de algunos de los músicos viajeros. Quizás sea un sueño demasiado grande, pero hasta ahora me he mantenido fiel a cómo espero que sucedan las cosas. Requiere mucho trabajo pero estoy preparado para el desafío.
13.¿Te consideras un artista mexicano radicado en el extranjero o un artista transnacional? ¿Cómo defines tu lugar en el mapa musical?
Esta es una gran pregunta. La respuesta más honesta que puedo dar es “bicultural” en este momento. Vivo en Tijuana. También vivo en Nueva York. Hablo español y hablo inglés. ¿Qué es el arte sino una expresión de la propia experiencia?
14.¿Qué mensaje crees que envía tu proyecto a otras personas que viven entre dos mundos, ya sea geográficos o culturales?
Curiosamente, una de las reacciones de sorpresa que obtuve no fue del público mexicano ni del público estadounidense, sino de los “méxico-americanos” que se identifican fuertemente con el aspecto bicultural del álbum y escucharon las versiones en ambos idiomas y se escucharon a sí mismos en él. La validación es una de las mejores cosas que la música puede ofrecer. Para verse en el trabajo. Esa era mi esperanza general, que la gente se identificara con la experiencia emocional interna de estas canciones y encontrara una conexión con ella.