Depósitio Sonoro

Ivan Luna Luna

Fundador de Depósito Sonoro| Músico | Marketing Digital | Lector  | DJ en vinil | Coleccionista Twitter: @yosoychapu

¿Estamos ante la muerte del CD o sólo en su proceso de transformación?

Durante los últimos años, se ha prestado mucha atención al ‘retorno’ del vinilo (aunque en varios países y géneros jamás desapareció), con cifras de ventas para el formato que alcanza niveles nunca antes vistos desde que el disco compacto se hizo popular. Sin embargo, mientras se celebra “el renacimiento del vinilo”, vale la pena preguntarse ¿hay futuro para el CD? También nos preguntamos: ¿cuántos de ustedes tienen un aparato para tocar un CD en la actualidad? Las respuestas más comunes son: en un auto o en una computadora. El aparentemente abandonado del CD es un hecho. El viejo reproductor de CD parece aburrido y poco funcional. Además, como formato físico cada vez pierde más peso, evidentemente también porque las plataformas digitales absorbieron su consumo.   Un CD típico tiene un diámetro de sólo 12 cm y en él pueden almacenarse casi 80 minutos de audio.En 1979, Phillips y Sony iniciaron un trabajo con la finalidad de proyectar un disco de audio digital con una gran performance de velocidad y capacidad. Después de un año de trabajo y muchos experimentos y discusiones, nació el disco compacto. En agosto de 1982, el primer CD con finalidades comerciales fue producido en una fábrica de Phillips en Alemania. El primer título musical que fue liberado en un CD fue `Los visitantes” de ABBA. Inmediatamente después, en octubre del mismo año, los CDs players de Sony también llegaron a los mercados.   El nuevo concepto fue un éxito en el mercado. Los consumidores estaban entusiasmados con la calidad del audio en los CDS. El precio de los reproductores de CD cayó rápidamente, teniendo como resultado una popularidad aún mayor.   Casi 4 décadas después de esto, vemos que ya no todas las casas o apartamentos tienen en dónde reproducirlos. El viejo reproductor de CD parece aburrido. Casi nadie tiene un discman para escucharlos en su andar. Otro fact que se hace evidente es cuando alguien se muda de casa y tiene que reducir espacios (mayormente gente entre 25 y 40 años). Lo primero que le puede venir a la mente es dejar atrás sus CDs; tirarlos o en el mejor de los casos dejarlos en una caja olvidada.   Aunque podríamos salir en su defensa y decir que no enterremos a este pequeño chico por el momento, quien actualmente no es tan genial como su hermano el vinilo, ni tan vital como sus hermanos más jóvenes: las plataformas digitales. El futuro del CD no es brillante, ¿pero seguirá a flote? Puede ser, ya que el tiempo de fabricación y los costos en términos de producción hacen que siga siendo una buena opción para bandas con bajos recursos de producción o en la inmediatez para compañías musicales, aunque las compañías deben de saber que ya a muy pocos les interesa pagar $300, $400 o $500 pesos por un disco compacto, como lo fue todavía hace algunos años.    ¿Puntos a favor? Los CD son más fáciles, generalmente no tiene que preocuparse tanto por ellos. El “meh” dentro del mundo de la distribución de música grabada. Y no hay nada malo con un poco de “meh” en nuestras vidas de vez en cuando.   El CD quizá sólo debe sobrevivir a una relativa pausa. Los costos del vinilo (para fabricar y comprar) están aumentando, por lo que la demanda podría disminuir nuevamente, lo que significa que el CD podría volver a aparecer como el producto físico en unos años más, aunque a cierta distancia de los picos de ventas de décadas pasadas. Por su parte, el consumo de música digital llegó para quedarse, o al menos hasta que no llegué una nueva revolución musical así será. Como se dijo al principio fuera del hogar, los CD todavía sirven para el viaje, en lugares sin internet o con poca recepción. De la misma manera que la radio FM no ha desaparecido todavía. También hay quienes los siguen coleccionando y atesorando, el gasto de años y la búsqueda de artistas lo amerita. El CD vive años cruciales. ¿Ustedes qué relación tienen con este formato en la actualidad?  

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Estreno. Oren Ambarchi, Kassel Jaeger, James Rushford – “Face Time”

Face Time es el segundo lanzamiento del trío de Oren Ambarchi, Kassel Jaeger y James Rushford, después de su debut en 2016 Pale Calling. Grabado en los estudios GRM en París, el disco vuelve inmediatamente al idiosincrásico mundo de sonido del primer lanzamiento del trío, un guiso a fuego lento de figuras electrónicas y acordes de órgano microtonal misteriosamente emotivos. Oren Ambarchi, Kassel Jaeger, James Rushford Género: Experimental | Electronic| Ambient | Electroacustic Label: Black Truffle Release date: June 1, 2018 Evitando cualquier sentido claro de la forma, las dos piezas de lado se mueven a la perfección a través de episodios con el flujo orgánico de la improvisación, abarcando los felices accidentes de los eventos combinados por azar y persistiendo en los momentos de la liminalidad. Animados por percusiones metálicas brillantes y una secuencia de acordes sintetizados mareados, se combinan con los ritmos apagados y una tormenta distante. Face Time es una parte esencial de la electroacústica actual.

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Una carta para John Zorn

Este 2021 cumples 68 años, quizá sabiendo que mucho de tu trabajo ha generado frutos y ha desencadenado una serie de influencia y resonancia alrededor del mundo.  Te conocí en el lejano año 2002, en una edad muy temprana de mi vida, gracias a un video VHS que tenía un gran amigo sobre un concierto de Naked City (1988-1993), en The Marquee Club de New York, con aquella grandiosa alineación: Bill Frisell, Wayne Horvitz, Fred Frith, Joey Baron y Yamatsuka Eye. Una noche vi a ese dream team y me voló los sesos, sencillamente cambió mi forma de ver y apreciar la música, fue un antes y un después. Naked City mezclaba todo lo que me gustaba entonces –punk, hard core, grind-core– con cosas que aún no conocía. Bossanova, jazz y free jazz en estado puro más todo lo mencionado antes.  Un par de años después, en 2003, te vi en México con tu ensamble Cobra y 2 días después en Bellas Artes. Recordemos esto como algo que marcó una generación de gente joven y asidua por escuchar algo de vanguardia que tú venías años atrás encabezando con otra serie de artistas.  Años más tarde con Painkiller y en 2013 con Moonchild; en fin, cada que has venido. Y con entusiasmo te seguí también gracias a los releases de tus sellos Tzadic Records, que tratar de enlistarlos aquí sería por demás extenso y seguramente dedicaré una nota especial para hablar de los favoritos.   Esta vez quiero ser breve y mencionar parte de lo que aprendí con tu trabajo: *Sí hay futuro (y presente) para la música experimental. *El mundo es de los arriesgados. *Todo músico debe trabajar con lo que tenga a su alcance, con los otros que están ahí y ser feliz dando pasos como un bebé, uno tras otro. *Escribir música es una oleada de éxtasis. *Cada momento es un duelo y una analogía al free jazz: constantemente se deben tomar decisiones. Tampoco hay momentos iguales en la vida. *El Klezmer se puede en Occidente. *Los viajes inspiran, el el suyo de 10 años por Japón para formar Tzadick Records es una muestra cristalina. La música de *Japón ha inspirado al mundo.  *Un obsesivo de la música debe saber explorar muchos terrenos. *Tu método de crear momentos e imágenes musicales que luego se condensan en estructuras y momentos de repeticiones es una excelente forma de composición. *Despedacemos la música, reinventémosla y creemos nuevas formas. *NO TODO ESTÁ DICHO EN ESTE MUNDO. Y por último, gracias a Zorn conocí el trabajo de Cyro Baptista, Anthony Coleman, Sylvie Courvoisier, Dave Douglas, Annie Gosfield, Erik Friedlander, Fred Frith, Pauline Kim, David Krakauer, Ikue Mori, George Lewis, John Medeski, Evan Parker, Fred Sherry, Trey Spruanc, Derek Bailey, Otomo Yoshihide, Tim Sparks, Keiji Haino, Merzbow, Gordon Mumma, Kayo Dot, Time of Orchids, Syzygys,Yoshida Tatsuya, Noah Creshevsky. John Zorn & Ennio Morricone

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John Cage aseguraba que no existe el silencio en este mundo

  Ni estando en un cuarto aislado ni quedándonos estáticos podemos lograr que haya un silencio total; el latido del corazón, el sonido de nuestra respiración o el simple andar del viento lo impiden. Esto fue parte del análisis del compositor y músico John Cage (1912-1992), quien con sus reflexiones  hechas a partir de su visita en 1952 a una acústica anecoica, en la Universidad de Harvard, hizo que la concepción del silencio tornara en otro sentido. Su experiencia al permanecer dentro de dicha cápsula, se dio cuando al tratar de lograr un momento de silencio absoluto, seguía percibiendo dos ruidos, uno agudo y otro grave: su sistema nervioso en funcionamiento y su sangre circulando. Descubrió que siempre hay sonidos y nunca existe el silencio total. Este descubrimiento llamado “silencio más que sonido” fue derivado de sus estudios en filosofía Zen, la cual influyó siempre en su obra musical. La idea de continuidad y no-continuidad introdujeron el concepto de silencio como un elemento más en la música, reducida a la idea de un hecho acústico abandonado a la intención de oír. En el mismo año de 1952, al ver las Pinturas Blancas de Rauschenberg, Cage publicó la “pieza silenciosa” llamada 4′33″, título que hace referencia al único elemento común entre la música y el silencio dentro de patrones de duración; excluyendo volumen, tono y timbre. La pieza propuso un estadio estático en su ejecución, en la que el intérprete permanecía en el escenario sentado junto a un piano sin tocarlo, observando las partituras y pasando las páginas simulando ser leídas. El resultado de la pieza se componía de sonidos gestuales del compositor, los sonidos propios de la sala, del público y las resonancias del exterior. 4” 33 tenía por objetivo que las personas del público se centraran en el acto de escucharse, de pensar en sí mismas y no en lo que el músico expresaba a través de su interpretación. Según Cage, “el propósito se cumple si la gente aprende a escuchar”. Sin el silencio el ruido no existiría, ni las métricas. *El silencio como sonido acústico perpetuo *El silencio como flujo de ondas desconectadas *Sin el silencio viviríamos en un caos sonoro Ahora, los invitamos a prestar oídos a la pieza silenciosa de John Cage.

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“The Final Tour: The Bootleg Series Vol. 6”, recopilación de últimos conciertos de Miles Davis y Coltrane

  Era la década de los años 60 y el jazz moderno estaba en crisis. Este cambio fue en gran parte gracias a los avances artísticos que Miles Davis y su quinteto habían logrado cuando lanzaron Kind of Blue, un documento de restricción y expresión melódica  que a la fecha sigue asombrando por ser considerado como uno de los álbumes de jazz más importantes de todos los tiempos. Por eso en esta época fue tan importante una reunión entre los dos genios del jazz para crear este disco que ahora ha sido relanzado alrededor de 60 años después. Género: Jazz Label: Columbia/Legacy Recordings Lanzamiento: 23 de marzo de 2018 Ese mismo año, John Coltrane también se centró en su álbum en solitario, Giant Steps. Distinto por el sonido moderado y frío, Coltrane estaba en su propia trayectoria cuando Miles Davis lo invitó a una gira europea reservada por el empresario de jazz Norman Granz, que también contó con Stan Getz en saxo tenor y Oscar Peterson en piano. Marcó la primera vez que Davis haría una gira con su propia banda, y se encontraron con casas llenas y aplausos entusiastas cada noche. Y este es el resultado de aquello, una recopilación de más de 3 horas. The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6 ofrece cinco de los mejores conciertos grabados durante la decisiva gira de 1960 (La última de Coltrane como músico de sesión): dos conciertos en el Teatro L’Olympia de Paris el 21 de marzo; dos conciertos de la noche siguiente en el Konserthuset de Estocolmo; y uno del Tivolis Koncersal de Copenhague realizado tres días después, el 24 de marzo. Para los amantes del formato físico está disponible en una caja recopilatoria de 4CD o LPs el formato digital, en esta recopilación que reúne por primera vez en una edición autorizada cinco míticas actuaciones de Miles Davis según las escuchó el público que tuvo la suerte de estar presente durante la Gira Jazz At The Philarmonic por Europa en la primavera de 1960. Aquí pueden obtener los discos.

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Joan of Arc lanza su nuevo álbum “1984”

23 años de carrera y una constante de sacar discos casi cada año. El resultado: grandes avances musicales desde la formación de la banda en 1995. Absoluta e irrevocablemente. Género: Experimental – Experimental Rock – Pop – Dream Pop 2018 Label: Joyful Noise ★★★★ El título del álbum es una analogía de los tiempos en los que vivimos, de oscuros paisajes. Un álbum que experimenta el lado más oscuro y creativo que se ha visto en la banda proveniente de Chicago, EU.

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#Estreno. Giraffes? Giraffes! – “Memory Lame”. Math Rock técnico, experimental y digerible

El dúo de Math-Rock Giraffes? Giraffes! emerge con su primer álbum en siete años. Ellos fueron parte de la cabeza durante la explosión de éste género durante la mitad de la década pasada. Género: Math-Rock | Instrumental | Experimental Label: Topshelf Records ★★★★ 2018 Las composiciones en Memory Lame en su mayoría instrumentales y extrañas. Con cada nuevo lanzamiento, continuamente hacen música que es tanto melódica como técnica, experimental pero ligero, con un resultado de sonido que es a la vez trascendental e increíblemente divertido. 37 minutos en 6 canciones que se funden a la perfección en más de seis pistas con una base sólida que ha hecho que durante sus 17 años de existencia sus fans han llegado a conocer y amar de esta banda de Western Massachusetts.

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#Estreno. Marc Ribot & Ceramic Dogs – “YRU Still Here?”

El veterano guitarrista Marc Ribot y su proyecto Ceramic Dog acaban de resurgir con su nuevo disco, YRU Still Here? Género: Punk- Flamenco-Alternative-Jazz ★★★★ Éste álbum le sigue al aclamado Your Your Turn, de 2013, y sus 11 pistas constituyentes de punk / funk / flamenco / surf rock altamente ácido encuentran a Ribot y sus cohortes haciendo, bueno, justo lo que cualquier persona debería estar haciendo cuando se coloca frente a un micrófono en 2018: “Aullando de ira contra la corrupción, la tiranía, la vida en general y nada en particular”. Marc Ribot es conocido por sus trabajos con personalidades como Andrés Calamaro, John Zorn, Tom Waits, Elvis Costello y Caetano Veloso. Ceramic Dogs son: Marc Ribot – guitarras, requinto, farfisa, bajo, vocales Shahzad Ismaily – bajo, percussion, vocales Ches Smith – batería, percusiones, beats electrónicos, vocales

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