Diego Navarrete, Autor Depósitio Sonoro • Página 2 de 3

Paul Di’Anno, primer vocalista de Iron Maiden, regresa a México tras años en terapia intensiva

21 marzo, 2023 / Dejar un comentario / Agenda / Diego Navarrete / Alter Ego Entertainment, Conciertos, Heavy Metal, Iron Maiden, Killers, Paul Di'Anno, Rock

¿Quién es Paul Di’Anno? Paul Di’Anno es un cantante inglés conocido por ser el primer vocalista de la banda de heavy metal Iron Maiden. Di’Anno se unió a Iron Maiden en 1978 y grabó los dos primeros álbumes de la banda, “Iron Maiden” (1980) y “Killers” (1981). Durante su tiempo con la banda, Di’Anno fue conocido por su estilo de canto agresivo y enérgico, que se convirtió en una de las marcas distintivas del sonido temprano de Iron Maiden. También coescribió varias canciones notables de la banda, como “Killers” y “Remember Tomorrow”. Sin embargo, a pesar de su éxito inicial con Iron Maiden, Di’Anno luchó con problemas personales y de adicción a las drogas, lo que llevó a su salida de la banda en 1981. Fue reemplazado por Bruce Dickinson, quien se convirtió en el vocalista principal de Iron Maiden y llevó a la banda a la fama mundial. A pesar de su salida temprana de Iron Maiden, Di’Anno ha seguido siendo una figura importante en la escena del heavy metal, y ha lanzado varios álbumes en solitario y con otras bandas a lo largo de los años. También ha hecho giras y ha realizado presentaciones en vivo en todo el mundo, manteniendo su legado como uno de los primeros y más influyentes vocalistas de Iron Maiden. Problemas de salud En la última década, Paul Di’Anno ha enfrentado varios problemas de salud que han afectado su carrera musical y su vida personal. En 2016, se sometió a una operación para extirpar un “absceso del tamaño de una pelota de rugby” en sus pulmones y requirió una operación de reemplazo de rodilla en ambas rodillas después de involucrarse en varios accidentes de motocicleta a lo largo de los años y tuvo que cancelar una serie de conciertos programados. También ha luchado contra la diabetes y ha sufrido problemas respiratorios debido al tabaquismo. Finalmente en 2022 Di’Anno fue operado de sus rodillas con éxito en Croacia y desde entonces se ha ido recuperando poco a poco con ejercicios de caminata, fisioterapia y ejercicios intensivos de recuperación. El regreso de La Bestia Tras esta operación Paul Di’Anno ofreció su primer concierto en años el 21 de mayo del 2022 en Zagreb, Croacia; un día antes del inicio de la última parte de la gira “Legacy of the Beast” de Iron Maiden en esa misma ciudad. Desde entonces, Di’Anno comenzó una gira extensa por todo Brasil desde los primeros días de febrero de 2023. La gira de Paul Di’Anno llegará a México a partir del 24 de marzo. A través de Alter Ego Entertainment, el legendario cantante de Iron Maiden ofrecerá tres conciertos en nuestro país y lo hará con un set especial, donde interpretará en su totalidad el Iron Maiden y el Killers, los álbumes que plasmaron su voz en el legado de la Doncella de Hierro. Sin duda será un concierto importante para poder ver en vivo a una de las voces que más influyeron la Nueva Ola del Heavy Metal Británico y que podrá ser disfrutado no sólo por metaleros sino por aquellos entusiastas de la historia del rock en general. Fechas: 24-03-23 – Chihuahua – House of Shows 25-03-23 – Ciudad de México – Foro Veintiocho 26-03-23 – Monterrey – Café Iguana Consigue tus boletos para CDMX haciendo click aquí.

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Descubriendo tesoros musicales: tres proyectos a tener en cuenta en The World Is A Vampire

1 marzo, 2023 / Dejar un comentario / Agenda / Diego Navarrete

El festival The World Is A Vampire promete ser una experiencia extraordinaria para los aficionados a la música, ya que cuenta con una alineación de bandas diversas y talentosas. Con cada banda aportando sus estilo únicos al escenario, los asistentes pueden esperar ser cautivados por sus actuaciones excepcionales. Si eres un amante de la música, sabes que la emoción de descubrir una nueva banda puede ser inigualable. Y si bien hay muchas bandas populares que tienen legiones de fanáticos devotos, a veces son las bandas desconocidas o menos conocidas las que realmente pueden capturar nuestra imaginación. En esta nota, echaremos un vistazo a tres bandas de las que quizás no hayas oído hablar antes, pero que creemos que merecen tu tiempo y atención. Cada una de estas bandas aporta algo único a la mesa, desde su estilo musical hasta sus letras y el ambiente general. Acid Waves Acid Waves es un dúo pop psicodélico de Mérida, Yucatán, México. Está formado por Orlando Pérez y Alfredo Cano. La música de Acid Waves se puede describir como una mezcla de rock psicodélico, dream pop e indie pop, con letras introspectivas que exploran temas como el amor, la juventud y el autodescubrimiento. Su sonido se caracteriza por voces etéreas, guitarras de ensueño y sonidos de sintetizador trippy, creando una experiencia auditiva hipnótica y atmosférica. El dúo ha lanzado varios sencillos, incluidos “Oxygen”, “Human (I Don’t Know)” y “Ultraviolet Dessert”, que les han ganado seguidores en el país. En general, Acid Waves es un dúo talentoso y prometedor que vale la pena echarle un vistazo a cualquier persona interesada en los géneros psicodélico y dream pop. Su música es atmosférica y creativa, lo que los convierte en un acto destacado en la escena musical mexicana. Ekkstacy Ekkstacy es un músico indie canadiense originario de Vancouver. La música de Ekkstacy se puede describir como una mezcla de indie pop, trap y con influencias postpunk. Ekkstacy comenzó a hacer música en su adolescencia y lanzó su single, titulado “i walk this earth all by myself”, en 2021. El sencillo mostró su sonido único y le ganó seguidores en SoundCloud y en redes sociales. Cuando un amigo suyo hizo los cálculos y le dijo a EKKSTACY que estaba ganando suficiente dinero con Spotify para pagar el alquiler, renunció a su trabajo el mismo día. Desde entonces, Ekkstacy ha seguido lanzando sencillos y ha obtenido elogios de la crítica por sus letras introspectivas y su sonido innovador. La música de Ekkstacy explora temas de amor, autodescubrimiento y salud mental, a menudo basándose en sus propias experiencias personales. Sus letras son poéticas y reflexivas, y su uso de técnicas de producción electrónica añade un toque futurista y atmosférico a su música. Algunas de las canciones más populares de Ekkstacy incluyen “Uncomparable”, “for forever” y “wish i was dead”, que han obtenido millones de transmisiones en Spotify. En 2022 grabó la canción STILL BREATHING para el álbum colaborativo DISCO4 :: PART II de la banda experimental HEALTH, en el cual también participaron proyectos como Poppy, Nine Inch Nails, The Body y Lamb of God. En general, Ekkstacy es un artista talentoso y único que vale la pena echarle un vistazo a cualquier persona interesada en el indie pop, post punk y la música electrónica. Su música es emocionalmente honesta y sónicamente innovadora, lo que lo convierte en un músico destacado en la escena musical canadiense. In the Vallew Below In the Valley Below es una banda estadounidense de indie rock con sede en Grand Rapids, Michigan. La banda fue formada en 2011 por el dúo de Jeffrey Jacob Mendel (voz, guitarra) y Angela Gail Mattson (voz, teclado), quienes se conocieron en el Instituto de Arte de Michigan en Detroit. Su música ha sido descrita como una mezcla de indie rock, pop y electrónica, con un fuerte enfoque en armonías y paisajes sonoros atmosféricos. Algunas de sus canciones más populares incluyen “Peaches”, “Neverminders” y “Stand Up”. In the Valley Below ha lanzado dos álbumes de larga duración hasta la fecha: “The Belt” en 2014 y “The Pink Chateau” en 2019. La banda ha recibido elogios de la crítica por su música elogiando su sonido distintivo y su sólida composición. En general, In the Valley Below es una banda importante para los fanáticos del indie rock, el pop y la música electrónica, ya que ofrecen un sonido único y atractivo que es a la vez pegadizo y estimulante. El festival The World Is A Vampire promete ser una experiencia emocionante e inolvidable para los amantes de la música. Con tres bandas increíbles listas para empezar el día, los asistentes pueden esperar una alineación diversa y dinámica que muestra una variedad de géneros y estilos musicales. Ya sea que sea un fanático del indie rock, la música dance electrónica o el punk clásico, habrá algo para que todos disfruten. Mientras esperamos ansiosamente la llegada del festival, podemos experimentar la energía y la pasión de estos talentosos músicos y celebrar el poder unificador de la música. Adquiere tus boletos dando click aquí

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Festival MexProg 2022: Reviviendo leyendas.

24 octubre, 2022 / Dejar un comentario / Crónicas y Reseñas / Diego Navarrete / Camel, Chac Mool, Colin Bass, Crónica de Evento, Crónicas, Gianni Leone, Govea, Il Balleto di Bronzo, MexProg, Progresivo, Reseña de Eventos, Rock Progresivo, Rostro del Sol, Tangerine Circus

El rock progresivo en México ha sido un género que se ha mantenido en un sector muy específico de fanáticos desde sus inicios en el país. Como lo mencionó Víctor Moreno, un veterano fanático desde los tiempos de Avándaro, “en estos eventos lo único que cambia son las bandas, porque siempre venimos las mismas personas”, haciendo referencia al público de nicho que apoya fielmente este género. El 22 de octubre se llevó a cabo -después de 20 años- la segunda edición del MexProg 2022, evento en el que participaron las 4 bandas nacionales Tangerine Circus, Rostro del Sol, Govea y la legendaria banda Chac Mool y 2 actos internacionales, Gianni Leone de Il Balleto di Bronzo y Colin Bass, bajista histórico de Camel. A diferencia de los conciertos a los que el público en general puede estar acostumbrado, este festival se realizó en el Teatro Ferrocarrilero, lo que remitía a viajar en el tiempo, al tener guardadas a cada banda detrás de un gigantesco telón entre cada cambio y tener a los asistentes sentados en butacas que pudieran ser las mismas de cuando se construyó este recinto en 1968. Al punto de las 3 de la tarde, el antes mencionado Victor Moreno y Jaime García -integrante y creador de varios proyectos y agrupaciones de rock progresivo mexicano- hicieron la presentación del festival, rememorando la primera edición, realizada en el 2000 y el recorrido del catálogo de la disquera Sun & Deneb Records, encargados de organizar el evento. Tangerine Circus fue la banda encargada de comenzar el evento a las 15:17 horas. Cuarteto nacional que rescata la estructura del progresivo clásico y que la fusiona con elementos contemporáneos, se destacan por su fusión con toques de metal a la Porcupine Tree y sus pasajes virtuosos de piano, guitarra y bajo. Sus visuales con espirales adornados de relojes y figuras caleidoscópicas levantaron la presencia de la banda. Les siguió Rostro del Sol, una banda que retoma el sonido clásico del rock mexicano de los 70’s que rememora a bandas como El Ritual, Toncho Pilatos y Peace and Love, con esa mezcla entre blues y rock psicodélico, aprovechando los instrumentos característicos del género. En el grupo, hay un saxofonista, clarinete y sintetizadores virtuosos, además de rescatar el uso del timbales ceremoniales. La banda se destacó por su gran energía derrochada en el escenario que contagia al escucha a emocionarse. A diferencia de los grupos actuales, el vocalista de Rostro del Sol no duda en demostrar su talento vocal que recuerda a Robert Plant. Continuó el ensamble de Salvador Govea, quien fuese tecladista del grupo de rock progresivo Iconoclasta entre 2001 y 2004. Entre dificultades técnicas tardó en comenzar. Los músicos que lo acompañaron fueron Luis Arturo Guerrero en el bajo y Hugo Sapia en la batería. Fue un trío instrumental que presentó canciones como “Duelo” de su segundo álbum “Raíces” y demás canciones del LP “Danza Urbana”. A su vez, Govea hizo homenaje en solitario a varios tecladistas europeos que le sirvieron de influencia como el alemán Jürgen Fritz, de Triumvirat, con la pieza “A Day in a Life”; el británico Keith Emerson con “The Trainer”; los tecladistas de Yes Rick Wakeman y Patrick Moraz interpretando la canción “Karu”; del argentino Alberto Ginastera con “Malambo” con arreglo de Keith Emerson Band y cerrando su presentación con himnos del progresivo como “Focus III” y “Karn Evil 9”. Para cerrar los actos nacionales, la legendaria banda Chac Mool, a cargo del fundador Armando Suárez, dio un recorrido por los éxitos de la agrupación en sus primeros álbumes Nadie en Especial y Sueños de Metal, iniciando con “Un Mundo Feliz”, “Razones”, “Bienvenidos Al Fin Del Mundo”; “Requiem”, haciendo homenaje a las personas fallecidas en la pandemia y con énfasis principal a los miembros fallecidos Jorge Reyes, Carlos Alvarado y Eduardo Medina, para cerrar con “Salamandra”, “Sombras de la Noche” y “Nadie en Especial”. Esta encarnación de Chac Mool es posible gracias al talento joven de Rodrigo Martínez en la guitarra, Rafael Ramos en el bajo y Aldo Lira en la batería. Llegando a los actos internacionales, Gianni Leone presentó un setlist en solitario conformado por dos partes, siendo la primera un tributo a sus influencias y la segunda a su carrera con Il Balleto di Bronzo y de su etapa como solista. Siendo un acto de una sola persona, tocó con un conjunto de caja de ritmos y sintetizadores Roland y Korg. Su actitud extravagante y carismática provocó sonrisas en los asistentes que lo veían manifestándose como una estrella de rock de los setentas, conservando esa energía y trayéndola a nuestra época. Durante la primera parte dedicó la canción “Can We Still Be Friends?” de Todd Rundgren, a Colin Bass; además de interpretar otras como “Baby’s on Fire” de Brian Eno, “Sexy Sadie” de The Beatles y “Nevermore” de Queen. Leone comentó que el guitarrista que lo marcó fue Jimmy Hendrix a los ocho años y posteriormente el tecladista Keith Emerson. Durante su segundo set, por una mala coordinación en los visuales, Gianni rompió hacia una actitud estricta y bajó del escenario para confrontar al encargado de esa labor, lo cual fue aprovechado por los asistentes para tomarse fotos y pedir autógrafos ante lo que el italiano se les acercó con entusiasmo. Entre las canciones de Il Balleto de Bronzo que tocó fueron “Napoli Sotterranea” dedicada al lugar donde nació y “La Tua Casa Comoda”, la cual no había sido tocada en mucho tiempo. Para cerrar el festival Colin Bass ofreció un set acústico, íntimo y emotivo, interpretando canciones de sus álbumes como solista como “Denpasar Moon”, “As Far As I Can See”, “Walking to Santiago”; dedicando la canción “The Man Who Never Was” a un fanático mexicano que era fan de Camel y que lamentablemente había fallecido antes de poder asistir al festival. Subieron al escenario los músicos de Tangerine Circus,

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“Nunca volveré a tomar ácido ni hongos”: entrevista a Psychedelic Porn Crumpets – Hipnosis 2022

17 octubre, 2022 / Dejar un comentario / Entrevistas / Diego Navarrete / Australia, Festival Hipnosis, Garage, Hipnosis, King Gizzard and the Lizard Wizard, Primus, Psicodelia, Psychedelic Porn Crumpets, rock psicodélico, the mars volta

En las vísperas de la quinta edición del festival Hipnosis, a realizarse el 5 de noviembre, tuvimos la oportunidad de platicar con Jack McEwan, líder detrás la banda Psychedelic Porn Crumpets, quien nos compartió sus expectativas de presentarse en México por primera vez, los procesos creativos dentro de la banda y su experiencia con psicodélicos. Diego Navarrete: Hola, Jack, un gusto platicar contigo ¿Cómo estás? Jack McEwan: Estoy bien, aunque íbamos conduciendo hacia Chicago y nuestra van se descompuso ayer y tuvimos que cancelar un show. Estuvimos varados en una gasolinería por bastante tiempo. Lamento escuchar eso Afortunadamente todo sigue en pie y estamos bien ¿Cómo se sienten de tocar en México por primera vez? ¿Cuáles son sus expectativas del festival Hipnosis? No puedo esperar a llegar a México, nunca hemos estado ahí. Nuestros amigos de Royal Blood dieron un par de conciertos recientemente ahí y nos dicen que el público es increíble. Es raro que no lo hayamos hecho porque hemos tocado en Estados Unidos un par de veces pero ahora tuvimos la oportunidad de viajar allá. ¿Por qué les tomó bastante tiempo venir? No tengo idea. Yo creo que porque es caro llegar allá, en vez de conducir hay que viajar en avión. Así que hacer un show como headliner no sería tan factible pero un gran festival como Hipnosis nos funciona bien. En una entrevista mencionaste que Dread & Butter era una de tus canciones favoritas del nuevo álbum. ¿Los Crumpets se sienten obligados a tocar un setlist con máxima energía y por ende dejar atrás canciones más lentas como esa? No, creo que ahora tenemos bastantes canciones lentas. Claro que siempre estamos tocando las más pesadas, pero creo que tenemos que dar un paso en la producción para que pudiéramos ejecutar esas canciones en vivo. Por ahora estamos tocando November, que es una gran canción y Chris está tocando la guitarra y el piano al mismo tiempo. Además de esa, como Dread & Butter, ocupamos muchos samples, entonces podríamos intentarlo. Si tuviéramos las condiciones óptimas como banda definitivamente tocaríamos esa canción. Sería fantástico. ¿Están considerando tocar canciones más lentas en vivo? Si, definitivamente. Intentaremos tocar algunas canciones en el futuro pero por ahora tenemos tres guitarras, bajo y batería entonces estamos enfocados en tocar las canciones con más energía. ¿Qué cambió en el proceso creativo y el estilo de producción desde “High Visceral” y a partir del “And Now for the Whatchamacallit”? Yo siento que desde Whatchamacallit nos fuimos más al “lo-fi”. Todos nuestros álbumes los hemos hecho desde un cuarto, y ese fue más como una especie de “álbum lo-fi de circo o carnaval”. “Night Gnomes” fue un álbum donde tuvimos más tiempo para trabajar en él, debido a la pandemia pudimos tener ideas más claras y juntar más canciones y creo que es de los álbumes más fuertes y escuchables a comparación de los dos anteriores. Y ahora, después de escucharlo varias veces, sería bueno hacer algo diferente de nuevo y mantenernos en ese mismo proceso de producción. He escuchado a muchos fans preguntando cuándo tendremos nueva música después de Night Gnomes. Puedo decir que bastante pronto. En noviembre, en cuanto lleguemos a casa, volveremos a grabar. Llegaremos al estudio, hacer los últimos detalles y grabar las ideas más fuertes en vez de grabar porque sí. Siento que tenemos una idea más clara de lo que queremos lanzar y lo que queremos tocar, en vez de grabar canciones que no podamos tocar en vivo. Se siente bien tener ese pensamiento claro de lo que queremos hacer musicalmente. ¿Será un LP o un material corto? Definitivamente será otro álbum. ¿Es posible agotar el proceso creativo de un género tan explorado? ¿Cómo evitas sonar como cualquier otra banda que se cataloga como “psicodélica”? Esa es una muy buena pregunta. Siento que entre más produces más comienzas a escuchar los mismos patrones de batería repetitivos, rasgueos, acordes o lo que sea. Definitivamente se está volviendo más difícil componer en ese género, pero por lo mismo hay bandas que destacan porque tienen que pensar más al momento de escribir. Así me siento con nosotros, si solamente nos mantuviéramos componiendo un álbum cada tres meses podría sonar bastante genérico, así que ahora necesitamos más tiempo para poder alcanzar un sonido más natural. Preferimos hacer algo con lo que nos sintamos felices en vez de algo que pudiera sonar a otra cosa similar antes de lanzarlo. ¿Alguna vez has experimentado la lucha entre escribir sobre lo que tú quieres contra lo que a la gente podría gustarle? Si, esa es una pregunta difícil. Si empiezas a pensar en lo que a la gente pudiera gustarle puedes darte la espalda a ti mismo. Si puedes quitar esas expectativas del lanzamiento y sólo empiezas a escribir para ti entonces vas a comenzar a componer mejor material porque no puedes confiar en que a todos les va a gustar lo mismo que a ti. Si empiezas a fingirlo puedes pensar que “todos son así” cuando puede que en realidad no. Pero si a ti te gusta puedes desarrollar mayor confianza en tu estilo de tocar y de componer, y te vuelves mejor de esa forma porque dejas de ser menos falso y creces más. ¿Cuál ha sido el mayor aprendizaje que has tenido en un viaje psicodélico? “Nunca volver a tomar ácido ni hongos, jamás”. Jajaja, creo que esa es la mejor lección. ¿Estás muy metido en eso o eres más moderado? Solía estarlo. Definitivamente solía estar más metido en eso. Fue en un periodo de mi vida cuando era más joven, algunos de los muchachos aún lo hacen, incluso en este viaje consumimos hongos y fue bastante divertido. De todas formas, no lo hacemos tanto como antes, solíamos hacerlo frecuentemente los fines de semana. Comenzar a crecer te ayuda a pensar diferente. En ese estado estás en tu realidad, en

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Entrevista con Skeleton Crew. Nuevo Post-Hardcore Mexicano

17 septiembre, 2022 / Dejar un comentario / Entrevistas / Diego Navarrete

Skeleton Crew es una banda mexicana de Post-Hardcore originarios de CDMX. Está conformada por el dúo Andy y Hugo experimentando con una mezcla de distintos géneros musicales, influencias creativas y mucha energía, Recientemente han estrenado su último sencillo “SHELLSHOCK“. Por lo que platicamos con ellos sobre su experiencia como dúo y su grabación en Estudio 42, a cargo del productor Alejandro Castañeda. ¿Cómo ha sido su experiencia siendo un dúo? Andre: Al principio pensábamos que iba a ser algo temporal, pero siempre me han inspirado mucho los dúos y cuando vimos que lo podíamos lograr, nos decidimos a siempre serlo. Yo honestamente no puedo imaginar a mi banda con otra persona que no sea Hugo. Creo que es demasiado difícil conectar con gente en objetivos, gustos y encima que toquen algún instrumento. La verdad amo ser un dúo y amo tocar con mi mejor amigo. Hugo: Siempre nos ha facilitado mucho el aspecto logístico de tener una banda, es fácil viajar, es más sencillo tomar decisiones que otras bandas que son 4 o hasta 5 integrantes y al momento de componer la idea de a donde queremos llegar es más aterrizada que componer con 5 cerebros ¿Cuál consideran que es la temática central en las letras de Skeleton Crew? Andre: Creo que son tristeza mezclada con enojo. Creo que somos personas muy emocionales y yo no me logro identificar con canciones felices. Creo que cuando estoy feliz no pienso mucho las cosas pero cuando estoy en estados negativos las cosas me llegan más. También es algo muy terapéutico, canalizar todo esta “oscuridad” en algo constructivo. Hugo: Principalmente escribimos sobre sentimientos o sobre experiencias en su mayoría negativas, sentimos que es una catarsis y a la vez todos vivimos experiencias negativas, tal vez cantando estas canciones todos podamos dejar ir los momentos malos ¿Para ustedes qué es la oscuridad y de qué manera influye en sus vidas? Andre: Siempre he visto la obscuridad como algo muy atractivo. Amo los temas “oscuros” y todo lo que tenga que ver con ello. El misterio, la intriga, se me hace algo muy emocionante. Hugo: Creo que la oscuridad vive en todos y todos tenemos una faceta oscura, para nosotros es esa parte que nos permite hablar en nuestras canciones de temas que quizás no hablaríamos con tanta facilidad de otra forma Grabaron en Estudio 42 ¿Cómo fue la experiencia de grabar ahí? ¿Cómo fue el proceso de producción? Andre: Conocer a Alex fue esencial para nuestro disco. Desde el primer día notamos la calidad de sonidos que produce, lo enamorado que esta con su trabajo y cómo eso se refleja en el producto final. Conectamos muy bien con él no solo como productor sino como amigo también. Hugo: Trabajar con Alex fue un regalo, traíamos una forma de trabajar muy diferente y en cuanto empezamos a grabar con el, adoptamos un ritmo de trabajo muy proactivo, formamos un equipo de trabajo muy productivo y se sintió increíble terminar el disco con él, puedo decir que lo amamos, ya es un skeleton. ¿Cómo ven la escena del Post-Hardcore actual en México y en el mundo? Andre: La escena de post-hardcore actual creo que es bastante interesante. Creo que es un género que como no esta muy definido, siempre esta cambiando y eso lo mantiene fresco y siempre aportando nuevas ideas. Siempre hay bandas nuevas y frescas y es lo que amo del genero. Creo que en México es algo medio nuevo, pero es interesante ver bandas como Joliette tener tanta atención, inspira mucho. La verdad no me puedo quejar de nuestra escena, tenemos grandes bandas. Hugo: A nivel mundial el Post hardcore y en general la música pesada no es solo un género que está super presente, está de subida. Hay muchos artistas que están poniendo la música alternativa en alto en especial en festivales de música que no es pesada En cuanto México, hay bandas, hay foros, hay público pero siempre es complicado ubicar una banda como nosotros, porque no somos black o death metal, pero tampoco somos pop punk, siempre hemos sido los “diferentes”. ¿Cuáles son los proyectos musicales mexicanos actuales que les interesan? Andre: Terror Cósmico ha sido mi nueva banda favorita mexicana. Hace poco vi un show de Vondré y me gustaron muchísimo. Point Decster también son increíbles y muy buenos amigos.❤️ Hugo: Bandas como Nörte, Point Decster, Vondré, Satón y varias bandas del circuito hardcore son muy interesantes y se están ganando mucho terreno en la escena Puedes escuchar su más reciente sencillo SHELLSHOCK en todas las plataformas digitales. Sigue a Skeleton Crew en Facebook, Instagram , YouTube y TikTok. Si estás interesado en grabar algún proyecto musical, puedes acercarte al Facebook e Instagram de Estudio 42.

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Tras su partida, recordando a Mick Rock: el fotógrafo que retrató los años 70

28 noviembre, 2021 / Dejar un comentario / Shuffle / Diego Navarrete

De acuerdo al psicólogo Enst Weber, para que una persona pueda percibir una diferencia entre dos cosas, es necesario que deba existir un estímulo mínimamente más fuerte que el anterior para que surta efecto. En un mundo donde vivimos sobreestimulados con imágenes constantemente, es difícil detenernos y poder percibir aquél mínimo estímulo que capta nuestra atención, pero en el ámbito de la fotografía aquellos con la práctica y toque creativo son capaces de transmitir por ese medio la esencia de una persona, de un lugar o incluso de un género musical. Ese era Mick Rock, legendario especialista de la documentación visual, quien en alguna ocasión mencionó que él trabajaba “en el negocio de la evocación del aura”, lamentablemente fallecido el 18 de noviembre de este año. Es posible que, por nombre, las personas ajenas a la afición musical puedan reconocerlo, pero es casi seguro que en algún punto se han topado con el legado de este fotógrafo. Es gracias a él que existen portadas de álbumes trascendentes en nuestra cultura pop, como la de Transformer de Lou Reed, Raw Power de Iggy Pop y la icónica imagen sobre fondo oscuro a una sola luz del Queen II de Queen. Pero es aún más reconocido por ser quien acompañó y retrató a David Bowie durante el punto más alto de su carrera. Según cuenta Mick Rock en entrevista con Seattle Channel, la forma en la que llegó a David Bowie fue porque alguien le regaló una copia del álbum Hunky Dory y comenzó a buscarlo. Rock cuenta que en la escena musical no había mucho dinero y mucho menos para un fotógrafo, entonces se acercó a él por medio de una entrevista, en la cual pudo conocer a fondo a Bowie hablando sobre filosofía e intereses personales. En marzo de 1972 le tomó su primera fotografía en el backstage de un concierto para 400 personas, tres meses después Bowie estrenó el álbum Ziggy Stardust donde Mick Rock se encargó de documentar sus presentaciones frente a una audiencia considerablemente más grande. Mick Rock ayudó a consolidar la imagen de David Bowie, ya que “no había tantos fotógrafos interesados” en acercarse al autor de Moonage Daydream. No fue hasta que comenzó a hacerse más popular que lo comenzaron a buscar. Otros de los músicos con quien pudo tener más cercanía fue Syd Barrett, el miembro fundador de Pink Floyd, con quien compartió piso durante la época que dejó la agrupación. Barrett trabajó dos álbumes en solitario, The Madcap Laughs y Barrett, de los cuales Mick Rock fue el fotógrafo. En una entrevista con Entertainment Weekly, Rock lo recuerda como “un chico muy dulce que siempre reía”. Cuenta que él estaba consciente que existía un comportamiento fuera de lo común de vez en cuándo, pero cuando estaba con él era amigable y tranquilo, a pesar de que eventualmente existieron situaciones con las que él ya no pudo lidiar. Se pueden contar muchas anécdotas entre Mick Rock y muchas personas de la industria musical, no por algo es llamado “el fotógrafo que retrató la década de los años setenta”, ya que su catálogo incluye, además de los artistas previamente mencionados, a The Sex Pistols, Ozzy Osbourne, The Ramones, Joan Jett, Talking Heads, Roxy Music, Thin Lizzy, Geordie, Mötley Crüe, y Blondie. ¿Qué le da a un fotógrafo su título? Más allá de las miles de fotos que alguien pueda sacar, incluso siendo espectador con un teléfono, un fotógrafo -en opinión del autor de esta nota- es aquél capaz de retratar la esencia de las cosas, de poder jugar con la luz de tal forma que pueda robarle un instante al tiempo, además de crear un vínculo entre lo fotografiado y la persona que captura la imagen. Mick Rock nos ha dejado muestra de eso, un legado de imágenes que viven más allá que los artistas que aparecen en ellas, una inmortalización fotográfica, capaz de retratar sonidos y épocas.

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Entrevista: Lorelle Meets the Obsolete

2 noviembre, 2021 / Dejar un comentario / Entrevistas / Diego Navarrete

Después de un año y medio sin conciertos, uno de los primeros festivales en encabezar la reapertura de los eventos masivos es el Festival Hipnosis en su cuarta edición, el cual se llevará a cabo durante la primera semana de noviembre. Entre las bandas del cartel, Lorelle Meets the Obsolete es una de las representantes nacionales. Con 10 años de trayectoria, 5 álbumes y giras en Europa y Estados Unidos el sonido del grupo originario de Guadalajara, Jalisco, se mantiene vigente e innovador. Tuvimos la oportunidad de hablar con el dúo formado por Lorena Quintanilla y Alberto González previo a su presentación en el festival, en donde nos compartieron su experiencia profesionalizándose como músicos, sus expectativas sobre el futuro y sobre el regreso a los escenarios. Sobre los inicios de la agrupación en 2011, Lorena comenta: “no sabíamos que nos íbamos a dedicar a ser músicos de tiempo completo por la misma dificultad que parecía serlo en México y más siendo músicos independientes.” Hablando sobre las claves que han permitido sobrevivir a Lorelle Meets the Obsolete, Lorena declara: “ha sido algo que hemos descubierto poco a poco. Lo primero fue cuestionarnos qué tantos gastos podríamos recortar si nos queremos dedicar a esto y lo primero que hicimos fue mudarnos a Ensenada porque las rentas son más baratas y estamos cerca de la frontera, lo que nos permitió ir de gira más fácil a Estados Unidos.” Beto agrega: “Tenemos muy claro qué es lo que no queremos hacer, entonces nos tomamos nuestro tiempo para tomar decisiones. Todas los pasos que damos, aunque nos tardemos mucho, se tienen que sentir bien con los dos y con nuestras ideas.” Diez años después la banda se encuentra consolidada y bien establecida en el ámbito nacional e internacional. Viendo en retrospectiva este camino Lorena agrega: “ha sido un proceso lento, nuestra forma de operar es no detenernos, no importa qué. Seguir grabando, seguir haciendo giras. Lo interesante ahora, ya reconociéndonos como músicos de tiempo completo, es que se ha abierto la posibilidad de acercarnos a otras disciplinas y caras de la misma música, como por ejemplo, vamos a comenzar una disquera llamada El Derrumbe”. La banda ha estrenado sus últimos materiales a través del sello discogrñafico El Derrumbe, sobre esta última declaración, Beto explica que “la idea es que no sólo se trate sobre Lorelle sino que tenemos dos discos de bandas de México que vamos a editar. Yo creo que una de las cosas que más ha cambiado en estos 10 años es la facilidad de emprender disqueras digitales, me parece que es la respuesta y la adaptación que hace el Under ante las nuevas plataformas. Creo que con lo digital hay una forma de que se mantenga el registro de todas estas escenas que han existido”. La pandemia ha causado que algunas bandas hayan retrasado sus lanzamientos ante las expectativas sobre su recepción, en este caso Lorelle estrenó el EP Re-Facto en marzo del 2020 y el último álbum de J.Zuz, proyecto personal de Lorena, en agosto del 2020, ante el cual comenta que “la disquera y yo estábamos decidiendo si lo sacábamos o no, pensando en que para agosto las cosas se compondrían y podría ir de gira. Continuamos con el lanzamiento y para el estreno ya sabíamos que se había cancelado mi tour. Fue extraño porque no lo pude tocar en vivo, sólo esa parte estuvo incompleta, pero siempre estuve pensando en que en algún punto se va a completar. Se siente que es un trabajo incompleto hasta que lo presentas con la gente.” Después de más de un año sin eventos masivos, Lorelle Meets the Obsolete forma parte del Festival Hipnosis, uno de los primeros conciertos en realizarse desde que llegó la pandemia. Frente a este regreso Beto expresa que “Se siente muy bien. Simplemente regresar a la Ciudad de México, después de un encierro así, es algo muy padre porque es una ciudad donde nos reciben bien chingon y tenemos una conexión fuerte con ella. Es una oportunidad para ver a muchos amigos y reencontrarnos con la gente”, a lo que Lorena suma “Siempre hemos apreciado tocar en vivo, sabemos lo valioso que es y lo privilegiados que somos de tener un trabajo donde tocas en vivo y conectas con otras personas por medio de otro lenguaje que no es el hablado. Pero ahora se siente con más significado porque permite apreciar más estos momentos, lo valoramos más. Pensar que esta comunión tan bonita como la de un concierto pueda terminar, como músicos es muy traumático, entonces valoramos todavía más esta experiencia, que quién sabe si se va a poder seguir haciendo”. Hipnosis se ha caracterizado por presentar propuestas musicales que derivan de la psicodelia, al ser éste uno de los eventos que más énfasis hace a esta temática Lorena comenta que “cuando empezamos la banda en el 2010 fue cuando sentimos que estaba más efervescente todo lo de la psicodelia, porque fue cuando empezó el Austin Psych Fest (ahora Levitation) y creo que ahí estaba despertando más este revival de la psicodelia y nosotros entramos con esta etapa de alguna forma.” Beto comentó que desde entonces ha habido varios festivales similares en varias partes y agregó que “lo padre de todo esto es ver cómo se puede pasar de la nostalgia a algo más propositivo y contemporáneo. Nos hemos dado cuenta que cuando los festivales de más esfuerzo se convierten en algo nostálgico se van quedando en el camino y creo que el reto y lo interesante es ver cómo estos festivales se van modernizando, pensando más en la psicodélica como algo contemporáneo y no como un estado nostálgico.” Sobre la psicodelia como eje creativo Lorena resalta la cuestión de cómo podemos reinterpretar la psicodelia en estos tiempos, diciendo que “uno de mis festivales favoritos de psicodelia es el de Liverpool y es porque, aunque todo parece entrar en un marco de la psicodelia, es completamente moderno porque puedes ver actos como Father Murphy que es totalmente

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Luz Negra: Gira Underground de conciertos en la Ciudad de México

2 noviembre, 2021 / Dejar un comentario / Agenda / Diego Navarrete

InQvox es una radio por internet que nace durante la pandemia, la cual se enfoca en la difusión de bandas de Goth Rock, Darkwave y demás géneros de la escena Underground de la Ciudad de México. Con el fin de llevar más allá de las plataformas digitales la difusión de estos proyectos, David Zamora, también conocido como “DDx”, la persona detrás de inQvox, se planteó realizar un concierto, el cual eventualmente se transformó y dio lugar a la creación del proyecto Luz Negra, una gira de conciertos de bandas underground por la capital, el cual involucra 19 bandas entre las cuales destacan Kompadres Muertos, Migraña Social y Acid Bats, así como grupos psychobilly, punk, post-punk y future-pop. Esta gira de conciertos gratuitos se ha enfocado en cubrir cuatro puntos de la capital con el apoyo de la Red de FAROS de la Ciudad de México, los cuales son centros enfocados al desarrollo cultural comunitario, dirigido a grupos prioritarios de la ciudad. Los Faros contemplados para esta gira son el Faro de Oriente, Faro Miacatlán, Faro Aragón y el Faro Cosmos. Para David Zamora, el espíritu del proyecto Luz Negra se puede resumir en la frase “No importa lo rápido que viaje la luz, cuando llega se da cuenta que la oscuridad ya estaba ahí esperándola”, refiriéndose a que lo underground, no solamente en la música, sino en sus otras expresiones artísticas, siempre ha estado ahí. La gira de conciertos Luz Negra se realizará durante todos los sábados de noviembre en varios puntos de la ciudad. Para más información, revisa las redes sociales de inQvox. Facebook: www.facebook.com/inQvox Instagram: Luz Negra en Directo, inQvox Radio

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