Depósitio Sonoro

Erika de la Rosa

Entrevista a Hocico, energía y oscuridad mexicana que proyectó su sonido hacia el mundo

Conocidos como la banda nacional más subversiva de aggrotech y la menos convencional por su afinidad a la crudeza de lo humano, Hocico es el proyecto con mayor reconocimiento en el extranjero. Con 20 discos –entre ellos piezas de culto como Odio Bajo el Alma, Signos de Aberración y su más reciente lanzamiento Artificial Extinction-, los mexicanos visitan nuestro país este 31 de agosto en El Plaza Condesa. Aquí la charla que tuvimos con Óscar Mayorga, miembro fundador de la banda. Contextualicemos sobre el origen. Eran finales años 80 y principios de los años 90 cuando Óscar tuvo su primer contacto con la música electrónica, género que se ancló en su inconsciente desde que obtuvo su primer álbum de Kraftwerk: “fue en la época del break dance cuando escuché Tour de France, esa canción me volvió loco porque le llamaban el baile de la escoba, en referencia a la película Breakin’s de 1984.” Aquellas primeras experiencias llevaron a Óscar y paralelamente a Erik García a experimentar con el sonido que definiría a Hocico: “Estábamos jóvenes y teníamos demasiada energía. Pasamos por el ciberpunk, el speed metal y el black metal, pero siempre tratamos de mantener ese toque electrónico con beats rápidos. La cuestión es que cuando uno está desarrollando música electrónica, posee una gama de sonidos más amplia en comparación de otros géneros como el rock convencional.” Originarios de Azcapotzalco y Naucalpan, Óscar Mayorga nos habla de una de sus primeras tocadas: “fue en el patio de la casa de Erik, cayeron grupos de Satélite como la Concepción de la Luna y Deux Ex Machina. Fue algo único porque éramos unos pubertos y lanzamos nuestro primer debut. Estábamos tocando en un garage y la gente estaba en shock. Cuando sacamos los demos pusimos que éramos del Estado de México y la gente pensó que éramos de Nezahualcoyotl. Pasó mucho tiempo circulando esa mentira. Nosotros somos orgullosamente del norte, que no se trata de dividir, pero la verdad es que en ese lugar se dio un movimiento de muchas bandas.” 1.-Con la llegada de los sintetizadores Size, Capitan Pijama y Casino Shangai fueron la antesala para que la escena post punk, electro/ new wave se produjera en nuestro país en los 80’s. Aunque son de otra generación ¿piensas que ustedes derivaron de este movimiento en México? “Pues claro. Había estaciones de radio que empezaban a promover esas bandas. Algo que me impresionó mucho fue cuando vi en la televisión a Interface, una banda de electro mexicano. Ver que una mujer estaba detrás de un sintetizador para mí fue muy difícil de entender, porque no sabía qué era un sintetizador. Entonces ellos trataban de explicar, enseñar y decir qué eran los sintetizadores a través de su música. Ese vídeo de interface me movió mucho. Tal vez mucha gente ya no se acuerde de ellos, pero también por ahí estaba Decada 2 e Illy Bleeding. Al principio pensábamos que venían desde Europa, pero ya después fuimos asimilando que formaban parte de la escuela de México.” 2.-Opción Sónica fue un sello discográfico icónico en los 80 y 90, ¿qué importancia tuvo esta compañía mexicana en la distribución de la música electrónica, ciberpunk e industrial en México? “Fue una compañía abierta a muchos estilos, además de los géneros que mencionas, promovían música alternativa, ska, jazz, techno. Nadie más se aventuró como ellos en aquel tiempo.” 3.-Incluso firmar con ellos los catapultó al extranjero, ¿no? “Claro. Nosotros estábamos de manera independiente y Opción Sónica nos contactó para grabar Odio en el Alma. Después nos llegó la oferta de abrirle a Marilyn Manson y eso catapultó todo porque después firmamos un contrato con la compañía discográfica alemana Out of Line. Pasamos por una serie de juicios legales porque éramos chavos, no leíamos contratos y supuestamente traicionamos a Opción Sónica porque ya estábamos con otra disquera. Edmundo Nava se molestó y tardamos en ajustar las cosas, pero eso nunca fue en mal plan, éramos muy inocentes y formaba parte de nuestra evolución.” 4.-¿Por qué crees que a pesar de que estos géneros se trataron de difundir en nuestro país no sobresalieron en comparación a otros países como Alemania? “A nuestro país le ha costado trabajo sobresalir en todos los estilos porque la música está más centrada en México y en el idioma, también de repente sale este malinchismo en el que se prefiere lo extranjero que lo nacional. De la misma forma, se trata de apasionarse por la música porque creo que eso lleva a muchos artistas a crecer, si no hay pasión, no hay nada, todo se convierte en algo frívolo y mecánico. Hacer un grupo creo que todos lo pueden hacer, pero realmente dar algo ante el mundo, no es tan fácil. Es cuestión de saber qué quieres y qué quieres reflejar. En el caso de Hocico, nos fuimos definiendo en cada álbum y honestamente nunca creí que fuéramos a tener relevancia. Éramos muy radicales para el tiempo y nunca pensé que se convertiría en algo masivo que incluso nos permitiría entrar a la Biblia Negra, un disco de colección de grandes bandas que sacaron en Estados Unidos.” 5.-México es un país oscuro y agresivo ¿esto cómo se refleja en el concepto de la banda? “A veces la gente busca las cosas más trasgresoras para reflejar cierto barbarismo a través de géneros que promueven el nazismo o el fascismo como lo es con ciertos grupos el Black Metal. Hocico es más inteligente, porque buscamos que la gente piense, evalúe y utilice su cerebro. Nosotros no somos líderes sindicales ni somos la voz ni el voto del pueblo. México es un país violento y oscuro, pero también tiene algo de luz. Eso alimenta a la banda porque exponemos lo malo al hablar de racismo, la muerte y violaciones…” 6.-De hecho fueron muy criticados por la prensa cuando lanzaron “Sexo Bajo Testosterona”. “Claro, muchas mujeres se ofendieron, pero hasta la fecha rechazamos esas conductas, pero o sea, no vamos a hablar de cosas buenas, porque hacerlo es

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Entrevista con She Past Away: la última expresión del Dark-Wave desde Turquía

Simon Reynolds describió en Retromanía cómo las nuevas propuestas musicales suelen reivindicar los sonidos del pasado. Y no se equivocaba, porque hoy en día existe un puente entre las escenas subterráneas de los 80’s y las contemporáneas que experimentan con las raíces del Dark Wave, el Rock Gótico y el Post Punk. El dúo turco She Past Away es un ejemplo de cómo se ha rescatado el espíritu de aquel tiempo al mantener paralelismos sonoros con bandas como Pink Turns Blue, The Danse Society y Clan of Xymox. Con motivo de la cuarta edición del Synth Fest –evento comprometido con la promoción de sonidos oscuros y organizado por producciones Eutanasia-, tuvimos la oportunidad de platicar con Doruk Öztürkcan, miembro actual de She Past Away, quien nos platicó sobre el  inicio de la banda, su interés por capturar la esencia del Dark-Wave y sobre cómo es hacer música en países musulmanes: “She Past Away se forma en 2006. Volkan compuso algunas canciones y las grabó en su computadora, después se unió Idris -el bajista-, y comenzaron a armar algunos shows en los escenarios. Ese mismo año fueron a mi estudio de grabación en Estambul y grabamos el primer EP, ahí fue donde yo me uní, formamos una banda de tres integrantes que tocaban el bajo, la guitarra y la batería eléctrica.” Aunque en 2015, Idris Akbult abandonó el proyecto, la agrupación turca continuó con su concepto original: “Básicamente nuestras influencias vienen de bandas de los 80’s; sobre todo bandas de estilo dark como The Sisters of Mercy, Bauhaus y Siouxsie and the Banshees. Quisimos llevar estos sonidos a nuestra música. Algunos podrían llamarlo Dark Wave, algunas personas lo llaman Goth Wave o Post Punk. Pero me gusta mantener la idea de que la banda es más Dark Wave.” En conjunto de estos sonidos Volkan desarrolló su poesía lírica basada en su lengua materna, la cual habla sobre “problemas personales, el mundo interior, las emociones y las ansiedades”, asimismo ha logrado experimentar con el idioma español y crear La Maldad, una canción que pertenece a su último álbum Disko Anksiyete, pues  estuvo viviendo un par de años en Barcelona. A pesar de que Turquía colinda geográficamente con Europa y Asia, la experiencia de reproducir sonidos occidentales y hacer música en países musulmanes cobra un significado distinto, ya que las escenas nacientes mantienen sus propias fronteras. -En una entrevista mencionaron que la cultura / estética post-punk no puede extenderse en los países musulmanes, ¿por qué? Por qué el Islam prohíbe el libre pensamiento, prohíbe que pienses y te comportes fuera de los parámetros de la religión, es considerado un pecado sí lo haces, en algunos países no son muy abiertos, no les gusta la influencia del mundo exterior. Prácticamente es por el conservadurismo. El post punk lo tienes que descubrir por ti mismo y estar en él, tú sabes, se trata de traer nuevas ideas, esta es la manera de cómo nosotros lo vemos. -Bajo ese contexto político, ¿cuál es el medio que utilizan los jóvenes turcos para encontrar música? Ahora puedes hacerlo accediendo a Internet, pero en nuestro tiempo, en los ochenta y noventa era más difícil. La única manera era visitando  tiendas de discos que importaban música, pero no música pop sino estilos alternativos. Tú ibas a las tiendas de discos a encontrar música diferente y aprendías del mundo exterior. -Además de visitar las tiendas de discos, ¿compartían música en el mundo underground con sus amigos o conocidos? Sí, el medio era a través de cintas. Hacía copias de cintas grabadas por los dos lados. Era la principal forma de recibir música de tus amigos o dársela a ellos, eran cintas grabadas de baja calidad. Incluso a principios de los noventa entregabas cassettes con arte hecho por ti mismo, ponías los títulos, los decorabas y hacías mixtapes. -¿She Past Away podría considerarse un proyecto que va en contracorriente de la ideología y los valores dominantes de su país? En muchas formas sí, porque no es bien visto que expreses ideas o sonidos extraños. En un país como Turquía no es muy normal cambiar los instrumentos tradicionales por otros, aunque esto no nos guste. Así que en lugar de hacerlo, elegimos la guitarra y la batería eléctrica. -¿Qué géneros se escuchan más en tu país? La música tradicional, Pop o Folk turco. -¿Hay una escena de Dark-Wave en Turquía? Sí, pero el Dark Wave y el Post Punk no son escenas fuertes. De hecho la mayoría de sus giras han sido en Europa, en Latinoamérica y recientemente en Estados Unidos, ¿cómo ha sido la aceptación del público? Muy buena, hemos agotado las entradas de las giras. Nos han recibido bien en Europa y Estados Unidos, pero veo que en México y Sudamérica, es decir, en Perú, Chile, Argentina y Brasil hay una conexión más fuerte, siempre están en busca de cosas nuevas. -¿Qué nos espera para esta noche? Locura. México siempre es genial, la audiencia es muy entusiasta. Esta es nuestra cuarta vez aquí y cada vez que tocamos la audiencia es la más ruidosa y nos da el máximo. Si te quedas al concierto lo verás por ti misma

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The Flaming Lips lanza King’s Mouth: Music and Songs, álbum en colaboración con Mick Jones de The Clash

The Flaming Lips se distingue por darle un concepto a cada uno de sus discos, por desarrollar historias surrealistas mientras nos induce a su peculiar estética sonora. Vuelve ser el caso con King’s Mouth: Music and Songs, un álbum que tuvo una edición especial en vinil el 13 de Abril de 2019 durante el Record Store Day y que este mes se estrenó en las plataformas streaming. En este trabajo se contó con la participación del guitarrista Mick Jones de The Clash, quien funge como narrador y describe, como un viejo sabio, la trama de un rey que muere mientras intenta salvar a sus súbditos de una tragedia natural, se trata de una lectura casi cinematográfica en la que se devela un profundo significado sobre el estoicismo y benevolencia hacia los otros. El decimoquinto álbum contiene doce canciones, las cuales nos dan la bienvenida con sonidos ligeros, ambientados con voces de niños y coros suaves como en “Giant Baby”. A medida de que se desarrolla el disco podemos encontrar momentos más experimentales y hasta cacofónicos pero envolventes, es el caso del track “Mother Universe”. En este material también  hay un clímax auditivo como en “Electric Fire” y “All for the life of the City”. Mientras el desenlace remata con una atmósfera más bélica pero sublime como en “Funeral Parade” y “How can a Head”. La colorida caratula del álbum fue diseñada por el compositor estadounidense Wayne Coyne, en la que se observa una figura metálica que representa la imagen del rey mientras dos hombres le rinden culto y veneración como tributo a su legado. Bajo el sello discográfico Warner Bros, este material será utilizado como banda sonora de una instalación artística de la autoría de Coyne, asimismo, formará parte de un libro titulado King’s Mouth: Immerse Heap Trip Fantasy Experience. Este disco tiene una producción impecable, es una especie de compilación de microcuentos con más de un bello momento sonoro, es definitivamente un buen regreso que nos asegura transportarnos hacia escenarios etéreos  pero también llenos de ficción.

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Entrevista: Sol Sánchez nos habla de la trayectoria de Mint Field y su nuevo EP: Mientras Esperas

Mint Field es un proyecto originario de Tijuana que se ha perfilado como una de las bandas más inquietantes y propositivas del país. Desde el 2014 la tónica de la banda transita entre el shoegaze y noise pop, sonidos que les ha asegurado espacios en festivales como Coachella, Desert Daze, Levitation, Nrmal y Ceremonia. En entrevista con Depósito Sonoro, Sol Sánchez nos habla acerca del inicio de la banda y de sus cambios de alineación: “cuando conocí a Amor Amezcua, recuerdo que nos juntamos un día para experimentar con sonidos. Ella estaba haciendo música electrónica y yo ya tocaba la guitarra en ese entonces. Le dije que tenía muchas ganas de hacer una banda con instrumentos reales (bajo, guitarra, batería). Amor, tenía una batería en su casa pero no sabía tocarla, sin embargo, nos pareció fácil internarlo. Así fue como comenzó la banda. Después Sebastián Neyra -el actual bajista-, se incorporó cuando nos mudamos a la Ciudad de México; así es como se formó el actual Mint Field.” Bajo el concepto de DIY (Did it yourself) Mint Field lanza en 2015 su primer EP Primeras Salidas, un trabajo totalmente casero y bullicioso, que trascendió las barreras de la industria musical y les permitió abrirse espacios en México y en otras zonas geográficas. Tres años después, seguidos de una larga gira deciden sacar su álbum Pasar de las Luces con la firma Innovatite Leisure: “Recuerdo con mucho cariño el proceso de grabación de Pasar de las Luces en Detroit, siendo nuestra primera vez grabando en un estudio con todo el equipo que habíamos soñado. Fue muy lindo estar dos semanas dedicado sólo a grabar un disco, junto a nuestro increíble productor Christopher Koltay.” Sin embargo el camino no paró ahí, pues a pesar de vivir en un país musicalmente centralizado en Marzo de este año crean Mientras Esperas -su último EP-, el cual tiene un sonido más sólido y arriesgado, es una mezcla de ritmos espesos, oscuros y de ensueño. “Mientras Esperas lo compusimos entre soundchecks de gira. Algunas canciones las hicimos en mi casa, otras fueron jams y con eso trabajamos. Queríamos que el sonido fuera muy en vivo. Lo grabamos en Long Beach, CA. en Jazzcats Studio con Johny Bell y nosotros lo producimos. Fue muy rápido, pero al mismo tiempo un proceso hermoso y natural. Justo veníamos de una gira con Ulrika Spacek por Estados Unidos y estábamos súper inspirados, lo grabamos en dos días.” Cuando pregunto qué mensaje intentan transmitir con Mientras Esperas, Sol Sánchez me dice en un tono sincero “este EP habla de la falta de conciencia como humanos, ya que vivimos en un mundo que se está desvaneciendo sin importarnos. Habla de la deshumanización, de cómo damos por hecho que siempre viviremos en el planeta cuando realmente no vamos a estar aquí por mucho tiempo y no somos lo único que importa en el mundo. Al mismo tiempo también hace una reflexión de cómo lidiar y encontrar la paz en un lugar como este.” Mint Field representa un gran paso para la escena independiente de nuestro país, se trata de una propuesta que ha ejecutado su propio sonido con naturalidad y que en gran medida está inspirado en proyectos que tienen la capacidad de ofrecernos actos honestos. Ello se refleja en su nuevo rostro y sucesión artística: “Con Mientras Esperas es justo la evolución que hemos tenido estos años. Ahora todos tenemos más conocimiento musical, sabemos cómo queremos sonar y podemos hacerlo. Hace unos cuatro años esto era imposible, pero ahora siento que tenemos más claridad, sabemos cómo queremos seguir en este camino. Hemos aprendido mucho en los escenarios, en los estudios, cuando estamos de gira y cuando componemos en casa. Todos los días por lo menos tocamos un poco lo que hemos estado trabajando para el próximo disco y sabemos que esto le da un toque fresco, asimismo hemos aprendido a no dejar pasar los días sino aprovecharlos.” –asegura Sol. A diferencia de muchas bandas nacionales emergentes, la banda tijuanense mantiene intacta su convicción de trabajar su lírica en código hispanoparlante, Sol nos platica: “yo soy quien compone la mayoría de las letras, yo soy mexicana y obviamente mi primer forma de comunicación es el español. Es lo más natural escribir en mi idioma. Entiendo que el inglés es una manera más empática de que la gente lo entienda, pero siento que me estaría mintiendo a mí misma y no me sentiría tan conectada con las letras si fuera de tal manera.” Mint Field grabará en Londres su próximo álbum con Syd Kemp –bajista de Ulrika Spacek-, asimismo, estará de gira en algunos estados de la república presentando su nuevo material Mientras Esperas.  

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Reseña del efervescente regreso de Clinic con Wheeltappers and Shunters

Dentro de toda esta vorágine de sonidos, Clinic regresa a nuestros oídos con Wheeltappers and Shunters, un disco con una fórmula confiable, un producto sólido y musicalmente vigente. El octavo álbum del cuarteto de Liverpool es, en palabras del  frontman Adrian Blackburn, un lanzamiento diseñado para hacernos mover en cualquier pista de baile en un tiempo que se torna oscuro y conservador, es una apología a la diversión y al desprendimiento de los temores más ocultos. Bajo el sello discográfico Domino Records, Wheeltappers and Shunters evoca todo ese revival del garage, la neopsicodelia y el art punk que experimentamos auditivamente con el debut Internal Wrangler (2000) y al Walking With Thee (2002). El nuevo material tiene doce tracks muy cortos, pero incisivos, los cuales te introducen desde “Laughing Cavalier” a una atmósfera lúgubre, eléctrica y abrasiva. El ritmo es continuo hasta “Ferryboat of the Mind” y “Mirage”, piezas altamente hipnóticas por la base de guitarra y los disparos de sintetizador. Mientras en “D.I.S.C.I.P.L.E” y “Congratulations” nos encontramos, por su propia retórica y cadencia sonora, con vibraciones paralelas al dúo neoyorkino: Suicide. A pesar de que el regreso de Clinic es como un inesperado relampagueo, su material destaca por su sonido al más estilo británico, su seductor misticismo y nivel de experimentación. Recomendable para los nostálgicos del pasado y los fanáticos de resonancias envolventes.

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Human Drama marca su regreso con Farewell

Después del lanzamiento Broken Songs for Broken People en 2017, Human Drama rompe el silencio con un nuevo sencillo titulado “Farewell”. El trabajo estuvo a cargo del pianista Mark Balderas, el violinista Jamii Szmadzinski y el vocalista Jhonny Indovina, quien también se encargó de crear la letra. La agrupación originaria de Los Ángeles, California, reveló algunos detalles del track vía redes sociales, en donde además mencionaron que lanzarían una serie de singles a lo largo del año, los cuales posiblemente conformarán parte de un nuevo álbum. Human Drama tendrá una presentación el siguiente 5 de Octubre en el Festival Resistencia, en el que compartirán escenario con S.P.O.C.K., Orange Sector, Disfunción Orgánica, entre otros.

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Entrevistamos a Los Mundos respecto a su disco: Calor Central

Los Mundos es una banda originaria de Monterrey conformada por Alejandro Elizondo y Luis Ángel Martínez que desde Las Montañas – su álbum lanzado en 2016-, la banda regiomontana nos ofrece una propuesta única en donde fusionan la música y la literatura. Te ponemos en contexto con la banda y te presentamos esta entrevista. Con ese mismo concepto y bajo la influencia sonora de Melvins y Hawkwind, Los Mundos estrenan este mes Calor Central, un disco en donde deciden hacer un viaje sonoro a través de las venas de la Tierra para captar los sonidos más cavernosos de una mina ubicada al norte del país y representar un delirante texto de ciencia ficción de Julio Verne. Calor Central es una metáfora de Un viaje al Centro de La Tierra de Julio Verne ¿cómo representaron este concepto en cada uno de los tracks? Alejandro: Calor Central es un disco totalmente conceptual. El disco estuvo pensado para contar una historia de manera cronológica: tiene un principio, un intermedio y un final. Un viaje al centro de La Tierra de Julio Verne nos parece un relato muy inspirador. Nos gusta el horror y la ciencia ficción, entonces quisimos plasmarlo en este trabajo. Yo estuve encargado de la música y Luis de las letras, las cuales se acomodaron muy bien para describir la historia en este álbum. Luis: El álbum tiene su propia narrativa, existen momentos de emociones, misterios y seres raros. Desde el primer track intentamos interpretar la novela de Julio Verne, desde cómo los personajes escalan un volcán, tienen una vista increíble y empieza su aventura, se sumergen en un cráter, pasan por galerías subterráneas y por mares de lava que los ayudan a viajar por las venas de la Tierra. Sé que parte de la batería y las percusiones de Calor Central se grabaron en una mina abandonada en las cercanías de Monterrey, ¿cómo fue su experiencia dentro de aquel lugar? Alejandro: El lugar está a una hora y media en carro, es la Mina Hidalgo-Monterrey. Este disco fue totalmente experimental porque quisimos aterrizar el concepto a la realidad. De acuerdo a la historia del libro, quisimos hacer sentir al escucha que estaba entrando al centro de La Tierra. Durante la grabación llevamos un tambor, un yembé, percusiones y captamos el eco para grabar la primera canción, las demás las grabamos en el estudio. Quisimos hacer algo diferente, incluso, utilizamos dos baterías para componer el resto del disco. ¿Qué retos implica trabajar en un espacio así? Alejandro: Ya vas con la idea, las canciones están diseñadas para que suenen bien así. El lugar nos inspira mucho. Está increíble ir ahí. A diferencia de sus primeros trabajos, Calor Central se aleja de los sonidos del shoegaze y se concentra en la psicodelia, el stoner e incluso el space rock, ¿esto viene de una necesidad de explorar nuevos sonidos? Alejandro: Es parte de la evolución de la banda. Al principio éramos una banda a distancia y no pensábamos mucho las cosas. De hecho hacíamos cosas muy sencillas y grabábamos un disco en un mes. Conforme va pasando el tiempo, nos vamos poniendo retos, metas, aprendimos a tocar mejor, usamos diferentes escalas, pensamos más las letras, y como de alguna manera hemos pasado más tiempo juntos como banda, tenemos más comunicación. De esta forma nos hemos dado cuenta de que nos gusta mucho el metal, el shoegaze, los delays y todo ese estilo, entonces nuestro sonido cambia. Nuestro propósito no es sonar igual. En esta ocasión trabajaron con las disqueras Avandadoom (Monterrey), Cardinal Fuzz (Europa) y Little Cloud Records (E.U), ¿qué obstáculos han encontrado en la difusión de géneros que apuestan por la psicodelia y derivados en nuestro país? Luis: Nuestra música se relaciona con ese movimiento, como una forma de arte. Esos tres sellos se especializan en la psicodelia. Pero básicamente lo que hacemos es por amor al arte, nos gusta mucho tocar, hacer rolas y por eso lo hacemos, más que por ser aceptados. Alejandro: La música que tocamos no es para un mercado amplio, definitivamente no es para todo mundo. Cada banda tiene su público y hay públicos más reducidos, para gente clavada en la música. Más o menos lo que tratamos de hacer es proponer, cambiar perspectivas aquí y en otros lados. De hecho, en 2015 participaron en el festival Levitation en Austin Texas y en 2018 hicieron un live sessions en KEXP, ¿qué significó esto para su carrera? Luis: En 2015 estuvimos en Levitation y el año pasado estuvimos en KEPX, grabamos el live sessions en noviembre pero salió hace un mes. Eso representó un logro. Alejandro: Ha sido muy padre participar en un festival que te gusta y estar en lugares donde siempre querías estar. Claro que nos preferiríamos tener más presencia, pero igual eso implica trabajar más. ¿Cómo se visualizan en un futuro? Alejandro: Pues probablemente seremos más grandes, más maduros, más inteligentes y estemos haciendo cosas más retadoras. Nos podemos enojar e Igual y nos deshacemos (risas). De hecho, estamos trabajando en otro disco. Lo que te podría decir del nuevo material es que otra vez fuimos a la mina, pero ahí llevamos la batería y todo el equipo de grabación. Calor Central nos empujó a hacer esto.

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“Electric Lady Sessions”, el nuevo disco de versiones en vivo de LCD Soundsystem

LCD Soundsystem es de esas bandas que surgieron a principios de los dos miles y que consiguieron que la música experimental se bailara y viviera como si fuese una especie maquinaria de hedonismo sonoro continuo. El proyecto liderado por James Murphy presenta luego de la sesión The Long Goodbye: LCD Soundsystem Live At Madison Square Garden (2014), una nueva versión en directo intitulada Electric Lady Sessions (DFA/Columbia Records). “Electric Lady Sessions” es un material que se grabó en el estudio que fundó el guitarrista Jimi Hendrix en las cercanías de Greenwich Village (NY) en los años 70, lugar que pisaron figuras como David Bowie y Patti Smith. Dicho trabajo tiene un inicio demoledor con el cover “Seconds” de The Human League, el cual se conjuga de manera brillante con “I Want your Love” de Chic y “(We don’t Need This) Fascist Groove Thang” de Heaven 17. Por otro lado, también se rescatan algunas canciones del American Dream (2017), This is Happening (2010) y el Sound of Silver (2007), en donde capturan los ritmos infecciosos del dance-punk característicos de la agrupación neoyorquina. Este trabajo revela la fuerza que LCD Soundsystem tiene en vivo a través de su estilo musical único, dados los arreglos texturizados y el mejoramiento de algunos tracks gracias al trabajo de producción. En sí el álbum podría considerarse como una de las más sobresalientes sesiones que el proyecto tiene en vivo, ya que mantiene una energía elevada y logra recordar a sus escuchas los éxitos que ha tenido a lo largo de su intermitente e irregular carrera.

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