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Chapterhouse traerá Whirlpool a México: la leyenda del shoegaze celebrará 35 años de su álbum debut

Whirlpool, el debut de Chapterhouse, se convirtió en una de las obras esenciales del shoegaze británico gracias a su mezcla de guitarras envolventes, melodías etéreas y una sensibilidad que sigue influyendo a nuevas generaciones de músicos. Ahora, la banda originaria de Reading, Inglaterra, llegará por primera vez a México como parte de una gira por América Latina con la que celebra el 35 aniversario de Whirlpool. La cita será el 24 de septiembre en Bajo Circuito, Ciudad de México, en una presentación que promete recorrer íntegramente el álbum que los consolidó como una de las agrupaciones fundamentales del movimiento shoegaze. Aunque el nombre de Chapterhouse suele aparecer junto al de My Bloody Valentine, Slowdive, Ride o Lush, la agrupación siempre mantuvo una identidad propia. Desde sus primeros sencillos como “Pearl” y “Falling Down”, el quinteto construyó un sonido donde la distorsión y las texturas psicodélicas convivían con melodías pop, alejándose poco a poco de las etiquetas para explorar territorios cercanos al ambient, el dream pop e incluso la electrónica. Con el paso de los años, Whirlpool dejó de ser únicamente un clásico de culto para convertirse en un referente imprescindible de la música alternativa de los noventa. Canciones como “Pearl”, “Breather”, “Treasure” o “Autosleeper” continúan apareciendo en listas de los mejores discos del género y mantienen intacta su capacidad para envolver al escucha en un paisaje sonoro hipnótico. La gira también marca uno de los regresos más importantes de la banda en años recientes. Después de una actividad esporádica desde la década de 2010, Chapterhouse volvió a los escenarios para interpretar Whirlpool de principio a fin, ofreciendo a sus seguidores la posibilidad de escuchar el disco tal como fue concebido hace más de tres décadas. Para el público mexicano, esta visita representa una oportunidad largamente esperada. Pocas bandas del shoegaze original han mantenido el aura de culto que rodea a Chapterhouse, y su debut en el país llega en un momento donde el género atraviesa una nueva ola de popularidad entre audiencias jóvenes y veteranos por igual. Los boletos ya se encuentran disponibles a través de Passline y el concierto se realizará el jueves 24 de septiembre en Bajo Circuito, en la Ciudad de México. Consigue tu acceso en el siguiente link: https://www.passline.com/eventos/chapterhouse-whirlpool-35?srsltid=AfmBOoq5HRr0jOIMtUy8TjY4TZzmEGUVEYOu6usBbmci7_7F7tnG_sAF

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DIIV y su nuevo álbum Frog in Boiling Water: Un grito existencial en tiempos de crisis

La banda neoyorquina DIIV, liderada por Zachary Cole Smith, ha vuelto a la escena musical con su nuevo álbum titulado Frog in Boiling Water. Este lanzamiento, cargado de guitarras envolventes y atmósferas melancólicas, profundiza en temas de alienación, desesperanza y crisis personal y colectiva. En este trabajo, DIIV sigue evolucionando su característico sonido dream pop y shoegaze, añadiendo un trasfondo más sombrío y urgente que refleja las tensiones sociales y personales que marcan nuestro tiempo. Un reflejo de la ansiedad contemporánea El título del álbum, Frog in Boiling Water (Rana en agua hirviendo), es una metáfora que hace referencia a la conocida fábula de la rana que, si se coloca en agua fría que se calienta gradualmente, no se dará cuenta del peligro hasta que sea demasiado tarde. Este concepto encapsula perfectamente el sentimiento que atraviesa el álbum: una sensación de desgaste progresivo ante un mundo en constante crisis, donde la urgencia de los problemas solo se hace evidente cuando es casi irreversible. Desde los primeros acordes del álbum, DIIV captura un estado de ánimo de ansiedad latente. La música se siente como un lento aumento de tensión, donde los riffs de guitarra reverberantes y las líneas de bajo profundas crean una atmósfera envolvente que atrapa al oyente en un viaje emocional. Las canciones, cargadas de efectos de guitarra que recuerdan al shoegaze de bandas como My Bloody Valentine y Slowdive, se entrelazan con letras que exploran el vacío emocional, el aislamiento y la lucha por encontrar sentido en un mundo fragmentado. Sonido y evolución musical A lo largo de su carrera, DIIV ha sido conocido por su fusión de indie rock, dream pop y shoegaze, con un enfoque en la creación de paisajes sonoros expansivos que a menudo evocan una sensación de introspección y nostalgia. En Frog in Boiling Water, la banda mantiene esa esencia, pero añade un toque más crudo y visceral, tanto en la producción como en las letras. En comparación con sus trabajos anteriores, como Oshin (2012) y Deceiver (2019), el nuevo álbum muestra una madurez tanto musical como lírica. Mientras que Oshin se centraba en la exploración de la juventud y el deseo de escapar, y Deceiver abordaba la lucha personal de Cole Smith con la adicción y la redención, Frog in Boiling Water se sumerge en el caos colectivo de nuestro tiempo. El álbum refleja un sentimiento de impotencia ante las crisis globales, desde el cambio climático hasta la pandemia, y su impacto en la psique humana. La producción es rica en texturas, con capas de guitarras que oscilan entre lo etéreo y lo abrasivo, creando un contraste entre belleza y desesperación. Los elementos shoegaze se manifiestan en muros de sonido que envuelven al oyente, mientras que las voces de Smith, a menudo difusas y distantes, añaden una cualidad fantasmal que acentúa el sentimiento de desconexión. Temáticas y letras Uno de los aspectos más poderosos de Frog in Boiling Water es su enfoque en temas profundamente existenciales y políticos. Las letras abordan el agotamiento emocional, la alienación y el colapso de las estructuras sociales y ambientales. Canciones como “Heat Death” y “Drowning World” hacen referencia directa a la crisis climática, utilizando metáforas de destrucción y descomposición para ilustrar el estado crítico del planeta. La canción que da título al álbum, “Frog in Boiling Water”, es una crítica a la apatía social ante problemas que se agravan con el tiempo, como el calentamiento global, la desigualdad económica y las divisiones políticas. En esta canción, DIIV parece preguntar: ¿Cuánto tiempo más podemos soportar antes de que todo colapse? Otro tema recurrente en el álbum es la lucha interna por encontrar significado en un mundo cada vez más caótico. “Ghosting Reality” y “Falling Asleep at the Wheel” exploran la desconexión personal, el sentimiento de estar a la deriva en un mar de incertidumbre, donde las respuestas parecen cada vez más distantes. El impacto emocional del álbum Más allá de la profundidad temática y la complejidad musical, lo que realmente define a Frog in Boiling Water es su capacidad para capturar el clima emocional de nuestra época. La sensación de un peligro inminente, combinado con la apatía o la incapacidad para actuar, está presente en cada nota del álbum. La música de DIIV en este disco tiene una cualidad casi catártica, ofreciendo un espejo emocional para quienes se sienten abrumados por las realidades del presente. El álbum también refleja una evolución personal para Zachary Cole Smith, quien ha sido abierto acerca de sus propias luchas con la adicción y la salud mental. En Frog in Boiling Water, parece haber un reconocimiento de que la sanación personal y colectiva está intrínsecamente ligada, y que la verdadera salida del caos solo puede encontrarse a través de la confrontación y la transformación. Un testimonio de nuestro tiempo Con Frog in Boiling Water, DIIV ha creado un álbum que no solo es relevante musicalmente, sino también culturalmente. Es una obra que captura la sensación de estar atrapado en un mundo en crisis, donde la apatía y la acción están en constante lucha. La capacidad de la banda para combinar su sonido característico de shoegaze con una narrativa tan urgente y contemporánea asegura que este disco se convierta en una pieza esencial dentro de su discografía y en una reflexión artística del momento histórico que estamos viviendo. En definitiva, Frog in Boiling Water es un disco sombrío, atmosférico y emocionalmente cargado que desafía al oyente a enfrentarse a las realidades incómodas de nuestro tiempo. DIIV ha logrado crear una obra que no solo es un testimonio de la ansiedad y el miedo colectivo, sino también una llamada a despertar antes de que sea demasiado tarde.

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Nuestras Manos Son Incendios: Adiós Cometa presenta su primer álbum oficial

Reverb, chorus, delay. Shoegaze, post-rock, dream pop y ambient. Desde San José de Costa Rica surge Adiós Cometa, banda que comenzó en 2019, justo antes de la pandemia, con la idea de hacer música juntos y grabar. El tiempo libre durante la pandemia les permitió enfocarse en producir y lanzar su EP debut La Isla Que Somos. Las experiencias en vivo post-pandemia moldearon un sonido más libre y natural, que se refleja en cada tema de su nuevo y primer álbum oficial, Nuestras Manos Son Incendios, placa que marca la cúspide de cuatro años de trabajo.  El disco abarca un amplio rango de influencias de todos los miembros de la banda, y cada canción es un testimonio del sonido distintivo de la banda, con diez canciones que capturan la vibrante diversidad sonora y estética que el grupo ha estado explorando incansablemente. Esta es una nueva era para Adiós Cometa, con el álbum ya disponible en todas las plataformas digitales. Además, la disquera estadounidense Daydream Records lanzará una edición en vinilo, Velvet Blue Music de California una edición en CD y el sello costarricense Furia una edición en cassette.  Checa el video para “Diente de León”, track en colaboración con los mexicanos No Somos Marineros. En conversación para Depósito Sonoro, Leo Moreno platicó con Emanuel Mora, guitarrista y uno de los tres vocalistas de la banda, y el batería Pablo Matamoros, quienes nos compartieron sobre la música costarricense, sus dinámicas creativas, lo duro que es construir una escena y la mezcla de gustos y talentos de 5 músicos que buscan expandir su sonido y hacerlo llegar a diversas partes del mundo.    ¡Checa AQUÍ la entrevista!  Para más info: 

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Galaxie 500: Recordando a la banda que precedió al shoegaze

A propósito de la reciente visita a México de Dean Wareham, ex líder de Galaxie 500, es casi imposible sacudirse los ánimos y pensar, quizá ingenuamente, en otra banda que haya influido tanto en su terreno. La realidad es que cuando Galaxie apareció en el mapa del rock estadounidense independiente de los años 80, ya estaba marcado el terreno de lo que posteriormente se conoció como dream pop. No así con el shoegaze, a quien se le atribuye buena parte de su influencia.El sonido de Galaxie, tan característico por ese aparente descuido vocal e instrumental, el cual crea capas de ruido con solos que flirtean con la idea del virtuosismo, compaginó bastante bien con los sonidos del mapa sonoro de su época. ‘Today’, su primer álbum, lanzado casi al filo de los 90, no suena tan diferente a lo que entonces estaban haciendo otros grupos del estilo dulce y guitarrero conocido como jangle pop, con una declaración de principios más cercana al mainstream. Sin embargo, un elemento de misticismo que envuelve a la música de Galaxie, quizá visto a posteriori, la acerca mucho más al sonido experimental entonces abanderado por A.R. Kane y Spacemen 3 (los últimos, influencia declarada de Wareham). Como sea, es cierto que Galaxie 500 nunca fue shoegaze. Si bien “Listen, the Snow is Falling” se le acercaba bastante, el verdadero mérito del trío de Boston para influir en este estilo fue permanecer en un punto medio entre el pop ruidoso de Hüsker Dü y los pasajes de ensueño de The Sundays. Fue en este espacio liminal, donde se gestó una predilección por el intimismo casi surrealista, que el shoegaze contemporáneo y parte del de “primera ola” tomaron elementos para construir su identidad definitiva. Por supuesto, a Galaxie 500 se le atribuye más bien una influencia en el slowcore, estilo frecuentemente asociado con el shoegaze, caracterizado por una renuncia a la velocidad del rock en pos de escenarios de calma y una búsqueda por llegar más lejos en aquel intimismo lírico. Ejemplos están Low y Codeine, el segundo más cercano al ruido, pero ambos principales herederos del sonido de Wareham y compañía. Que Galaxie 500 se separara con tan solo 5 años de carrera y 3 álbumes bajo el brazo no hizo más que, como ha ocurrido con un centenar de bandas, potenciar su estatus de culto. De acuerdo con testimonios de Dean Wareham en su libro Black Postcards (2008), y de Damon Krukowski (batería) y Naomi Yang (bajo) en la historia oral Temperature’s Rising (Mike McGonigal, 2013), la ruptura ocurrió de forma arbitraria, con el cantautor simplemente cansado de las dinámicas del grupo y sus compañeros sin saber cómo atender una indiferencia cada vez mayor, la cual culminó en llamadas de teléfono sin responder. “¿Qué sentí con la partida de Dean [de Galaxie 500]? ¿Bromeas? ¡Sólo escucha [el álbum de Damon & Naomi] ‘More Sad Hits’”, comenta Damon en Temperature’s Rising. Los proyectos consecuentes de los integrantes restantes, Damon & Naomi y, sobre todo, Magic Hour, exploraron de lleno los terrenos del shoegaze y el dream pop, lo cual, ante todo, se sintió como la continuación lógica del cierre asentado por Galaxie con “Listen, the Snow is Falling”.Pero, sobre todo, la música de Magic Hour fue el cierre poético ante la historia narrada primeramente por Galaxie; una muestra de la aceptación de lo inevitable que era la evolución de su propia sensibilidad. El sendero de vuelta, por supuesto, apunta siempre a Galaxie 500, un nombre que, al día de hoy, goza del privilegio de no ser del todo comprendido.

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Los Planetas: 29 años de mostrar que la madurez no está peleada con la creatividad

Uno de los grandes referentes del rock independiente en castellano es sin duda Los Planetas. Una sociedad artística originaria de tierras andaluzas, concretamente de Granada, España, que creó su propuesta a partir de la influencia de bandas como Sonic Youth, Lush, Pixies, Jesus and Mery Chain entre otros, aportando muchísimo a la música emergente de su momento con esa exquisita fórmula de guitarras sangrantes, distorsiones melódicas, y con mucho corazón shoegaze, que dio esperanza de salir de la condena mainstream y extra pop que había en la escena musical de sus inicios en los años 90. A pesar de ciertos aires narcisistas, Los Planetas nunca se han creído dueños de la verdad, pero sí de su discurso, siendo autogestivos en la medida de lo posible, pues cuentan con su sello propio: Ejercito Rojo, que no solo en el nombre tilda su postura, sino que además es una vía independiente para quienes tienen algo importante que contar con el idioma de la musica. Hoy Los Planetas han realizado 10 álbumes de estudio en estos casi 30 años de carrera, que han dejado ver en cada entrega cómo es que la madurez no está peleada con la creatividad, porque aunque la vitamina se diluye poco a poco, siempre existe en ellos una evolución artística elocuente con su época, que jamás deja del lado el espíritu contestatario, de crítica social y del sistema, plasmados a través de sus analogías y mensajes directos en sus letras. Sin dejar de lado esa parte romántica, vaivenes existenciales, de amores y desamores tan características en sus letras. Posturas que mantienen en éste su más reciente material, Las canciones del agua, en el que musicalmente muestra un poco de todos los géneros que el grupo ha ido utilizando en su carrera, como rock, pop, flamenco y psicodelia, además de algo menos ortodoxo como el track que abre el disco, El Manantial, una pieza un tanto ambiental y experimental de 12 minutos de piano, guitarra y vocales sobre un poema del dramaturgo, prosista y poeta español Federico García Lorca. Una buena oportunidad para disfrutar de la musica en directo de Los Planetas será en su próxima visita a Ciudad de México, con una versión diferente de lo que han venido mostrando en sus ya varias paradas en México, con un show denominado concierto esencial, un recital a piano con la voz de Jota al más estilo flamenco, Florent rasgando la guitarra a distorsiones, atmósferas, pedales y expresividad , y el pianista David Montañés, quien regala con su instrumento la elegancia que sus fans nunca creyeron escuchar en las versiones de los clásicos temas que colocaron a la banda en el centro del sistema solar de los amantes del rock de calidad. No dejes de ir al Auditorio BB este viernes 28 de octubre a las 20:00 y sé parte de un concierto por parte de la emblemática banda española. COMPRA TUS BOLETOS DANDO CLIC AQUÍ. Texto por: Jorge Carlos Armenta Álvarez e Ivan Luna Luna.

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Evolución y maduro, el nuevo EP de No Somos Marineros

La banda mexicana No Somos Marineros lanzó 3 canciones que acariciarán el alma y te dirán que todo estará bien. NSM exuda sentimiento en cada uno de sus temas y en cada presentación en vivo son sensaciones a flor de piel que culminan en una explosión de alegría. Ahora están de vuelta con un EP con mucho sentimiento que aumenta las ganas por volver a estar en un show en vivo. Este EP hace sentir que estamos viendo la luz al final del túnel. El autor de este texto comenta que no quiero comparar su sonido con el de otra banda, considera que No Somos Marineros es una banda única, que desde que los vio en 2013 en el Raymondstock en una casa de Ciudad de México, los ha invitado a tocar a Morelia varias ocasiones y ha seguido en festivales o shows “más grandes”, siendo testigo de su crecimiento. La banda muestra una extraordinaria evolución de su sonido entre el dream pop y un shoegaze en calma, siempre de manera orgánica conservando su esencia, que es lo que al final del día nos mantiene escuchándolos con atención en este 2021. Date un respiro, si eres fan o no, si los conoces o si aún no los conoces, este EP es un gran material para escuchar. Se siente como un anexo a su último disco, pero en este momento de la historia se siente como una palmada en la espalda. Además, escuchar música nueva siempre es bueno. Escucha el disco completo desde Bandcamp: https://nosomosmarineros.bandcamp.com/album/ep-lado-b-y-rarezas-2020-a-d-m O descárgalo en: distro.com.mx

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The Great Dismal de la banda Nothing, el sonido del post-shoegaze

La banda norteamericana Nothing, ha entregado en The Great Dismal, un disco de guitarras extraordinarias, ellos mismos lo catalogan como post-shoegaze. Les soy honesto, no estaba tan familiarizado con esta banda, sin embargo, el hype me condujo hasta este disco y vaya sorpresa. Lo percibo en los terrenos del post-rock con momentos de texturas post-metal pero sin pecar de oscuridad y pesadez, contrario a esto, es un disco muy suave, tranquilo, la banda misma en su comunicado, lo ha puesto con la etiqueta de post-shoegaze. Pareciera que en su escucha total no termina de explotar, pero esto es una virtud, ya que nos conduce por pasajes de calma que nos hablan de una luz al final del túnel. Todos estamos viviendo tiempos complicados, y hoy en día necesitamos música que nos ayudé a hacer que todo esto sea más llevadero, claro que la catarsis es necesaria, sin embargo, veo más esencial que los sonidos nos hablen de calma y The Great Dismal, es un disco que puede ayudarnos a afinar nuestros pensamientos. Sin duda estamos ante una grabación sólida, un disco excepcionalmente producido por Will Yip, un gran lanzamiento de tintes sónicos explosivos para estos últimos días del 2020.

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