Depósitio Sonoro

Pavel Rosado

Editor de Depósito Sonoro | Dj | Noveno piso

Boards of Canada, música profunda y personalizada

Boards of Canada tomó a la música electrónica que se había alejado del toque humano y la hizo sentir inmensamente personal, invitando a sus oyentes a profundizar en los recuerdos provocados involuntariamente por sus texturas y atmósferas rítmicas. Boards of Canada inspira un nivel de obsesión que no tiene par en el argot de la música, incluso en la música electrónica, un género que tiende a atraer a muchos fanáticos del saberlo todo y del componer fácil. Este fervor obsesivo por el dúo escocés es parte del misterio constante que cultiva, por ejemplo, rechazando entrevistas fuera del intercambio de correos electrónicos ocasionales. Según toda la información actual en internet, el dúo ha actuado en vivo apenas diez veces en su historia de un poco más de tres décadas, la mayoría de las veces en eventos que se realizan antes del lanzamiento de algún álbum. Mientras tanto, sus temas y portadas de discos están llenas de simbolismo críptico: referencias subliminales a la numerología, oscuros fenómenos científicos, cultos religiosos y temas similares.  Mike Sandison y Marcus Eoin comenzaron a hacer su mito desde muy temprano en sus vidas. Crearon los primeros temas de Boards of Canada en gran parte para ellos mismos y para su colectivo Hexagon Sun, que los dos describieron en términos vagos, como una especie de fiesta con fogatas y música en las tierras altas de Escocia, es decir, un tipo de comuna libre de pensamientos integrada por músicos, artistas y diseñadores. Sus primeros lanzamientos, Twoism y Boc Maxima, se publicaron de forma extremadamente limitada principalmente a petición de amigos, familiares y personas que admiraban su música. Uno de ellos fue Sean Booth de Autechre, quien ayudó a Boards of Canada a lanzar su primer álbum oficial, Hi Scores, en el sello independiente Skam. Poco después, Boards of Canada (junto con todos su primeros temas) llegaron a los venerables Warp Records para lanzar Music has the right to children en  1998, momento en el cual el dúo ya tenia una mística completamente conformada. A falta de información concreta del dúo, Sandison y Marcus solían ser imaginados como una especie secta secreta que habitaba en el bosque posiblemente grabando dentro de un búnker nuclear abandonado lavando el cerebro de todos sus oyentes para convertirlos en una especie de secta tecno-pagana. En su primera entrevista pública, Sandison y Marcus hablaban de como surgió su música, insistiendo que estaban más interesados en las capacidades psicológicas de los sonidos e imágenes que en su estética; así como en la creación de sonidos subliminales.  “No estamos tratando de pasar con precisión el pasado; se trata de inventar un pasado que realmente no sucedió” dijo Sandison a la revista Clash en el 2005. En ese mismo año Sandison declaró que cuando era niño, de unos 5 o 6 años, un familiar cercano tenía un búho de cerámica que tenia los ojos de diamantes con colores multifacéticos y que mirarlos era como mirar a través del tiempo y eso era lo que Boards of Canada estaba tratando de hacer con su música, mirar a través del tiempo. Por abstracta que parezca, la música de Boards of Canada es un resumen perfecto de su estado de ánimo predominante, por ejemplo, el soñar despierto durante la infancia mezclado con el kitsch de los años setentas; una nostalgia melancólica, refractaria y distorsionada. Una creación artificial de un recuerdo probablemente falso.  Music has the right to children lo resume en su portada, una foto de una familia de vacaciones blanqueada por el sol cuyos rostros se han difuminado, erosionados por el tiempo o por sus propias facultades mentales. Como explicó Sandison, “si hay tristeza en la forma en que usamos la memoria, es porque el tiempo en el que te estás enfocando se ha ido para siempre, un tema con el que jugamos mucho, esa cosa agridulce con la que te enfrentas en ciertos capítulos de tu vida que solo son imágenes ahora”.  La nostalgia de Boards of Canada está en todos lados, en su música, en sus portadas, en su nombre como un homenaje a los documentales de National Film Board of Canada que Sandison y Marcus veían cuando eran niños. La música de Boards of Canada tiene también la intención explícita de evocar a las bandas sonoras de esas tenebrosas películas documentales que veían los días de resaca de su profesor de ciencias o las exposiciones retrofuturistas de latón sintetizado que formaban parte de los logotipos de marcas de los ochentas y la gran cantidad de películas curiosas de ciencia ficción que ahora están perdidas en cintas VHS inservibles.  Por mucho tiempo ha sido un tema de debate determinar si Boards of Canada ha sido pionero o solo pertenece a la categoría de música descrita por Derrida conocida como hauntología, en donde artistas electrónicos como The Caretaker, Burial o William Basinski usan sintetizadores antiguos, cintas de grabación viejas y sonidos de campo crepitantes para recrear la idea de un pasado que nunca sucedió. Sean pioneros o no, Boards of Canada comparte definitivamente las obsesiones de esos artistas de crear música con tonos decadentes, distorsionados y desmembrados mientras los escuchas casi lloran en tiempo real.  Si todo esto parece romántico y meloso, la música de los Boards of Canada también es pretenciosa, con buen sentido del humor. Es música que también se puede disfrutar como música de estar sin preocuparse por la tarea de pensar. También es música de fácil escucha y hermosa, sin ser banal. A pesar de las notas misteriosas y discordantes, la música de Boards of Canada nunca se sacrifica para ser agradable o forzar una postura vanguardista, todas esas tensiones temáticas son simplemente sentidas.  Es esta respuesta emocional y única de la música Boards of Canada que los ha convertido en uno de los dúos más importantes de la música electrónica y posiblemente de los más influyentes. Boards of Canada tomó a la música electrónica que se había alejado del toque humano y la hizo sentir intensamente personal. Invitó a sus oyentes a profundizar en los recuerdos

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Burial mantiene sus paisajes sonoros distópicos en su nuevo sencillo, Claustro / State Forest

Podría decirse que Burial, nombre artístico de William Bevan, uno de los artistas más misteriosos y con visión de futuro en la era del internet, ha encomendado su visión artística a un próspero público de culto. Género: Ambient | Downtempo | Dubstep Label: Hyperdub ★★★ Al mantenerse alejado de los ojos del publico, Bevan se ha mantenido envuelto en un aura enigmática creando una esencia alrededor de su música que se mantiene a sí misma como indescifrable. Desde su álbum debut homónimo, Burial ha esculpido acertadamente un legado a través de una discografía llena de energía enigmática. Hasta el día de hoy, los dos álbumes de Burial siguen siendo básicos para cualquier persona relacionada a la música electrónica.  Manteniéndose fiel a su sonido distintivo, los últimos dos temas de Burial funcionan como si fueran dos viejas reliquias indivualizadas. Construidas escrupulosamente, ambas pistas se mantienen fieles al sonido ambient, dub y breakbeat fracturado de Bevan, con voces distorsionadas y con cambios tonales que se mezclan con beats y sonidos de videojuegos que imitan a los de una computadora que se ahoga lentamente. Los paisajes sonoros se mantienen fieles a la visión distópica única de Burial y de manera normativa, mantienen un brillo contradictorio de inquietud junto con tonalidades cálidas y exuberantes.  Claustro, el primer tema, mantiene los tintes musicales característicos de Burial, pero progresa hasta convertirse en una esfera sonora más optimista. En State Forest, Burial contradice esto empleando un clásico ambient downtempo, un tema con un tinte tan ferviente que actúa como una novela llena de distopías. Es difícil descifrar el número de capas sonoras involucradas en State Forest: las voces distorsionadas, el agua que gotea, el vinilo que se quiebra, los encendedores que explotan, los interruptores de luz que se encienden y apagan, las campanitas que tintinean, los cuchillos que se desenrollan y el sonido de los sintetizadores. Exacto, todo es un misterio detrás de la creación de Claustro / State Forest.

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Un tributo a Jóhann Jóhannsson

Jóhann Jóhannsson (1969-2018) estaba obsesionado con la textura del sonido. Junto con una dosis seria de inspiración creativa, esa obsesión le permitió destilar música verdaderamente hermosa y conmovedora. Tenía el don de reunir temas altamente complejos e ideas musicales que contrastan con una aparente facilidad y una sorprendente franqueza emocional. Nacido en Reikiavik el 19 de septiembre de 1969, Jóhann Jóhannsson estuvo involucrado con la música desde una edad temprana. Alcanzó la mayoría de edad en su ciudad natal Reikiavik en la década de los 80 y probó desde el shoegaze formando parte de Daisy Hill Puppy Farm, hasta el metal con la banda Ham, antes de centrarse en escribir música y cofundar Kitchen Motors, un sello discográfico y colectivo encargado de explorar la música entre los límites del rock, jazz y música clásica. Su álbum debut, Englabörn se publicó en el 2002 e incluso, en esa etapa temprana, Jóhannsson ya era un compositor maestro que podía traducir sentimientos y emociones en paisajes sonoros poderosamente atmosféricos. El éxito de álbumes lanzados como compositor solista en los años dos miles, lo convirtieron en un músico cada vez más ambicioso produciendo música cada vez más texturada. Entre los admiradores de su música se encontraba el cineasta franco-canadiense Denis Villeneuve quien eligió a Jóhannsson para que le ayudara con la banda sonora de su debut Prisioners en el año 2013.  La elegante música de Jóhannsson le dio peso a la película para convertirse en un thriller lento y sofocante sobre un hombre consumido por su dolor, lográndolo a través de una mezcla perfecta de sonidos interpretar cada escena de la película, siendo un ejemplo real de enlace entre imágenes y música en forma de arte. Prisioners allanó el camino a Jóhannsson para tener dos colaboraciones más con Villeneuve, Sicario en el 2014 y Arrival en el 2016, colocandolo en el máximo nivel de compositores de películas de Hollywood. En pocos años Jóhannsson ganó un Globo de Oro y fue nominado al Oscar por su participación sonora en La Teoría del Todo.  Jóhannsson siguió componiendo hasta poco antes de su muerte el 9 de febrero del 2018 en Berlín. Una figura pionera de la escena musical contemporánea quien ignoró las barreras entre la música clásica y la electrónica, al fusionar elementos minimalistas, formas tradicionales, expresividad sinfónica y sonidos acústicos y electrónicos, creando no solo imágenes líricas, sino también un lenguaje musical completamente nuevo.  

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Rocco de HVOB, una buena alternativa radical en la era del streaming

Los álbumes dobles son cada vez más populares en la música electrónica. Sin embargo, solo unos pocos logran en cerca de 80 minutos un equilibrio perfecto entre la euforia y la relajación. Anima Mundi de Vril podría considerarse un buen ejemplo. Género: Techno | Downtempo | Dance Label: [PIAS] ★★★★ El dúo de productores vieneses HVOB quiso construir música sobre esta idea y creó historias coherentes sobre dejar ir, despedirse y reorientarse. El concepto se basa principalmente en la dramaturgia de los temas individuales, que a veces, toman una dirección completamente diferente de lo que inicialmente se podría esperar.  HVOB ofrece buena música alternativa radical a la música rápida en la era del streaming, en donde la música está un poco agotada y desgastada, además en Rocco, no hay una estructura clara que combine las pistas individuales en una unidad homogénea, característica que constituye a los grandes álbumes dobles de música electrónica. 

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Polymer, el nuevo álbum de Plaid, un álbum maravillosamente evasivo e impredecible que sorprende constantemente

EL dúo británico Plaid ha sido durante mucho tiempo uno de los nombres más innovadores y vanguardistas de la música electrónica. Al escuchar cualquier álbum de su extensa carrera encontraremos ritmos maravillosos que producirán desviaciones cerebrales que jugaran con la noción de espacio, profundidad y tiempo. Género: IDM | Downtempo | Techno | Dance Label: Warp Records ★★★★★ El nuevo álbum de Plaid, Polymer no es diferente a sus trabajos anteriores, pero a la inversa, también es una bestia sonora muy diferente a lo que han hecho antes con nuevas direcciones musicales antes inexploradas. Inspirados por temas actuales de la música ambient y tecno, en temas de mortalidad y conexión humana, todos los elementos lúdicos y luminosos de este nuevo álbum se ven contrarrestados por algo completamente más oscuro, como el gris, las nubes y la lluvia que envuelven lentamente un cielo azul claro.  Desde temas emocionantes, impulsivos y vibrantes como Meds Fade, hasta viajes sonoros tan experimentales como Drowned Sea, Polymer es un álbum maravillosamente esquivo e impredecible que sorprende constantemente. Sin duda, es un álbum con desviaciones rítmicas y ritmos complicados que lo colocan como uno de los álbumes más impactantes de Plaid hasta la fecha y en general, en lo que va del año.   

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Loscil anuncia nuevo álbum para agosto

Equivalent 7, el nuevo álbum de Loscil, música abstracta, claroscura, perturbadora y dramática. Tres años después de Monument Builders, el músico y compositor canadiense, exbaterista de Destroyer, Scott Morgan, conocido como Loscil, anuncia un nuevo álbum el cual saldrá el 16 de agosto a través de Kranky Records. Loscil toma el nombre de Equivalent 7 de una serie influyente de fotografías de principios del siglo XX de Alfred Stieglitz, que abstrae nubes en lienzos miasmáticos y pictóricos de humo y juegos de inquietantes de sombras.  Equivalent 7 hace referencia a el trabajo de Alfred Stieglitz en relación a que las fotografías que tomaba eran equivalentes a sus estados mentales filosóficos o emocionales; Loscil sugiere lo mismo con su música, con ambientes sonoros claroscuros, perturbadores y dramáticos. Cada tema de Equivalent 7 desplegará según el propio Loscil, atmósferas enigmáticas con poco oxígeno, cambiantes dramáticamente con capas disipadas por la luz de la luna, siendo entonces un álbum creado especialmente para la obra de Alfred Stieglitz con la excepción paradójica del tema homónimo al disco, Equivalent 7, que comenzó como una partitura de baile para su frecuente colaboradora Vanessa Goodman. La versión de este álbum fue reelaborada con el músico Amir Abbey, también conocido como Secret Pyramid.       

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Reseña de la grandiosa, audaz y electrizante música de Caterina Barbieri

En algún momento en el camino, el espíritu de la música electrónica primitiva pasó de la grandiosidad sonora a una gran escala estética auditiva y visual. Esto no fue un desarrollo ni positivo ni negativo; fue una progresión inevitable a medida que la tecnología se hizo más accesible. Género: Minimal | Experimental | Ambient Label: Editions Mego ★★★★ La última década vio al sintetizador como un instrumento que revivió, se reinventó y resurgió en círculos experimentales musicales en todo el mundo. Si bien esta fue una de las muchas tendencias que marcaron esta época, una fascinación renovada en la música electrónica análoga y en el trabajo de productores como Laurie Spiegel estuvo siempre presente. Todo esto hace que Caterina Barbieri para Editions Mego sea aún más especial. Ecstatic Computation es fascinante debido a las posibilidades del sintetizador en solitario, es decir, a las melodías minimalistas  profundas que crean introspección y se sienten estimulantes a los sentidos con sus sonidos algorítmicos repetitivos y constantes.  Caterina Barbieri (1990) estudió composición electroacústica y guitarra en el Conservatorio de Boloña,​ Italia. Además tiene un título de la Facultad de Humanidades y Filosofía de Boloña, obtenido con una tesis sobre etnomusicología indostánica y minimalismo. Su trabajo musical es inusualmente avanzado. Su música se basa en el uso creativo de técnicas musicales complejas basadas en algoritmos y patrones con el objetivo de hacer que los oyentes vuelvan a pensar en cómo escuchan la música y no solo en escucharla. Si el debut de Barberi, Patterns of Consciousness tuvo mucho que ver con la idiosincrasia del sintetizador, Ecstatic Computation se centra más en utilizar el instrumento como una herramienta para la libertad de la composición. 

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James Place lanza en el sello mexicano Umor Rex, Still Waves to a Whisper, 41 minutos de música electrónica hipnótica y ambiciosa

James Place regresa con Still Waves to a Whisper, fluyendo entre el mundo de ensueño de la música sintetizada ecológica y la funcionalidad hipnótica del tecno. Still Waves to a Whisper representa el continuo desarrollo de James en el mundo de la música dramática y rítmica. Género: Minimal house | Microhouse | Techno | Ambient techno Label: Umor Rex ★★★★ James Place es el nombre artístico del productor nacido y crecido en Nueva York, Phil Tortoroli. Luego de su debut en Opal Tapes en el 2015, James Place lanzó dos álbumes más y uno en vivo en el sello mexicano Umor Rex. Phil Tortoroli es también fundador del sello basado en Nueva York, Styles Upon Styles y administra RVNG Intl. La música de James Place varía desde los modos más ambientales de la música electrónica, hasta los más ambiciosos ritmos de tecno profundo y rítmico.  El nuevo álbum de Phil Tortoli se encuentra flotando en su propio mundo. Un disco repetitivo y ruidoso al principio, pero con una densidad musical sufiente para mantener a los oyentes intrigados durante los 41 minutos que dura. Aquí solo hay un hipnótico tecno de ensueño que se extiende sobre dimensiones cósmicas sonoras.    

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