Depósitio Sonoro

Pavel Rosado

Editor de Depósito Sonoro | Dj | Noveno piso

El maravilloso mundo tropical de Polo & Pan

Caravelle, el álbum del dúo francés Polo & Pan explora muchos géneros por lo que es difícil determinar su estilo exacto pero está cargado de sonidos tropicales, funk y eurodisco. Género: Dance | Electrónica | Funk | Tropical | Disco Label: Caroline Records ★★★★★ Cada que se acerca el verano o simplemente cuando tenemos planeado un viaje a la playa, todos estamos a la caza de canciones perfectas para el viaje en la carretera, la piscina y la orilla del mar, y afortunadamente siempre hay música de calidad para esos momentos. El dúo francés Polo & Pan lanzó recientemente un viaje musical veraniego llamado Caravelle. Un álbum que explora muchos géneros por lo que es difícil determinar su estilo exacto pero está cargado de sonidos tropicales, funk y eurodisco. Polo & Pan está integrado por Paul Armand-Delille (Polo) y Alexandre Grynszpan (Pan) quienes se conocieron en París en el famoso club nocturno Le Baron en donde ambos eran los Dj´s residentes. Su primera colaboración fue un proyecto llamado Rivolta con Hamburguer Records.  Grynszpan se inspira en la música pop, electrónica y rock psicodélico de principios de los años 2000, es un genio musical que lo expresa en su interesante proyecto radiooooo.com. Armand-Delille se inspira en sus viajes místicos al rededor del mundo y en su trabajo para la agencia MAD en donde crea espacios de trabajo para artistas en almacenes industriales. Juntos Polo & Pan hacen música de baile que hace sentir a uno como si se estuviera tomando bebidas de sol en la jungla.  Caravelle es un álbum lleno de psicodelia, trance extraño, k-pop francés, funk, eurodisco. Es un álbum encantador y vibrante en el que la tropicanidad y bailabilidad están presentes en cada uno de los temas. Escucha este tesoro y ponle play el siguiente día que tengas calor sin importar la estación del año. 

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Kin, el álbum visceral y emocionante de Mogwai para la pantalla grande

La música Mogwai se centra principalmente en tonos y texturas instrumentales que forman melodías que llevaron a los escoceses a producir desde mediados de los 90´s hasta mediados de los 2000 algunos de los álbumes post-rock más importantes de la historia. A pesar de que la gran parte del tiempo Mogwai ha grabado algunos álbumes cada pocos años, ha pasado gran parte de la última década de produciendo trabajos para películas y series. Género: Post-rock Label: Temporary Residence Ltd ★★★ Kin parece ser su proyecto cinematográfico más ambicioso hasta la fecha, una pieza cinética y visceral que contiene un ambicioso conjunto de sonidos. El álbum comienza con gran fuerza demostrando que Mogwai todavía son maestros escribiendo simples progresiones de acordes mientras que los sonidos de los teclados y los tintes electrónicos muestran la elegancia sonora de la banda. Aunque la mayoría del álbum suena al trabajo histórico de Mogwai, ser parte de una banda sonora nunca permite olvidar que solo es es eso, una banda sonora. Así que el deslumbrante e inquieto Kin únicamente parece ser una secuencia de escape en la historia de la banda.   Las pistas minimalistas son profundamente hermosas pero parecen estar diseñadas intencionalmente de esta forma para no saturar e interferir en las imágenes de la película. En estos momentos es cuando se nos recuerda que la banda estuvo ahí para hacer solamente un trabajo; es decir, son solo una pieza de un proceso artístico más amplio, pero incluso trabajando dentro de estos márgenes y límites, Kin es un álbum que representa la gran música de Mogwai. 

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Escuchar profundo, tributo a Pauline Oliveros

Pionera musical varias veces, Pauline Oliveros (1932-2016) fue una compositora y acordeonista estadounidense, figura central de la música electrónica experimental y de la postguerra a través de sus obras y conciertos. Su instrumento principal fue el acordeón que sintonizó y manipuló de forma improvisada y meditativa. Fue autora de libros, formuló nuevas teorías musicales e investigó nuevas formas de centrar la atención en la música incluidos los conceptos de “escuchar profundo” y “conciencia sonora”. Pauline Oliveros nació el 30 de mayo de 1932 en Houston, tuvo una niñez siempre acompañada por los sonidos de las lecciones de piano que tomaba su madre, por los cantos de pájaros y cigarras, y por los curiosos efectos de sonidos usados en sus series de radio favoritas. Tomando el acordeón como su instrumento principal, también aprendió a tocar el violín, el piano y la tuba. Cuando tenía 20 años se mudó a California en busca de aprender composición musical y se acercó a la improvisación gracias a colegas como Terry Riley o el bajista Loren Rush. En 1988 como resultado de descender 14 pies en una cisterna subterránea para hacer una grabación, Oliveros creó el término “escuchar profundo” como una disciplina auditiva que obliga a escuchar no solo los detalles convencionales de una actuación musical determinada (melodía, armonía, ritmo, entonación) si no también a escuchar los sonidos que rodean esa interpretación, incluido el espacio acústico y el ruido extramusical. Su interés en el “escuchar profundamente” la llevó a experimentar y crear música en lugares sonoros inusuales; era particularmente aficionada a producir música en lugares con propiedades reverberantes ricas como el atrio del Winter Garden, cisternas o lugares similares. Desarrolló un componente electrónico que adaptaba a sus instrumentos para que muchas de sus obras tuvieran esa densidad sonora en las salas de los conciertos de todo el mundo en donde se presentaba. Oliveros adaptó elementos de ceremonias y rituales encontrados en sus estudios sobre los indios nativos americanos y la religión oriental, y condujo retiros meditativos para compartir su disciplina artística llamada “conciencia sonora”. A partir de este momento desarrolló un principio musical que se basaba en la improvisación, la música electrónica y la meditación. Una estética musical diseñada para inspirar a artistas entrenados y no entrenados a practicar el arte de escuchar y responder a las condiciones ambientales en situaciones como solistas y en conjuntos. Oliveros creía en el acto de hacer música como un arte comunitario y viajaba por el mundo dirigiendo audiencias para Sonic Meditations en donde los asistentes cantaban y coreaban para de alguna manera contribuir al “rendimiento” de la música. A veces, cuando componía sus obras, las notas no eran notas tradicionales en un pentagrama, eran mas bien una lista de instrucciones para que los artistas interpretes o ejecutantes las siguieran, casi con la simplicidad de un zen.  Todo este proceso dio origen y nombre a un proyecto llamado Deep Listening Band integrado por la misma Pauline Oliveros, el trompetista Stuart Dempster y el compositor y vocalista David Gamper fallecido en el 2011. Con el tiempo, el estandarte de Deep Listening se extendió a retiros, talleres y conferencias en los que Pauline Oliveros compartía su disciplina artística.  En el año 2005 Oliveros fundó Deep Listening Institute definiendo su misión de innovación creativa a través de las fronteras y las capacidades entre artistas y público, músicos y no músicos, médicos y discapacitados físicos o cognitivos, y niños de todas las edades. Entre otros proyectos el instituto apoyó el desarrollo de un software que permitía a niños con discapacidades físicas o cognitivas crear música improvisada. En sus ultimas años de vida Oliveros creó vínculos con instituciones y grupos como el International Contemporary Ensemble logrando tener presentaciones en lugares tan emblemáticos como el Lincoln Center o el Miller Theatre de la Universidad de Columbia.  Oliveros murió mientras dormía en su casa en Kingston el 24 de noviembre del 2016 a la edad de 84 años dejando un legado musical que permanecerá a través del tiempo en las mentes de artistas y público amantes de la experimentación sonora. Las composiciones de Pauline Oliveros enriquecen la imaginación musical, expanden los oídos y tal vez, incluso el alma. 

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Bruno Pronsato y L.A. Teen “A Face Wasted On The Theatre”

El productor de música electrónica de origen alemán Bruno Pronsato se ha asociado formalmente con su frecuente colaborador bajista israelí Yonatan Levi (L.A. Teen) para lanzar su último álbum llamado A face wasted on the theatre. Género: Dance | Electrónica | Jazz | Rock | Minimalista Label: Foom Music ★★★ Como era de esperarse, hay mucho énfasis a la esencia de los trabajos de Pronsato anteriores, dando al álbum una sensación de urgencia desplegada a sus reflexiones melódicas previas. Son destacables los ritmos de baile acompañados de este tipo jazz afrobeat y el extraño triphopismo que Pronsato y Levi lograron crear. Ritmos que le dan al álbum una tonelada de matices sin pretensiones para que los oyentes entusiastas lo asimilen. Sin embargo, podría ser fácil pasar por alto la gran cantidad de encantos musicales y texturales si uno no le presta toda su atención. Y este podría ser su punto álgido, la espeluznante mezcla oscura con la que ambos cocinaron este disco a veces exige toda la atención del oyente, pero queda extraña y generosamente balanceado si esto no ocurre.  Un álbum que para disfrutarte totalmente se debe escuchar minuciosamente más de una sola vez (aunque si esto no ocurre también se disfruta) y que sugiere por momentos lo que pudo haber sucedido si se hubiera dado una colaboración intencionada entre David Lynch y Frank Zappa.    

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Brandt Brauer Frick, la banda que crea música electrónica como banda de orquesta

El trío Brandt Brauer Frick reinterpreta la música electrónica con instrumentación clásica. Mientras que artistas como Jeff Mills y Carl Craig han visto sus producciones adaptadas para orquestas, el trio viaja en la dirección opuesta a lo largo del continuo lazo acústico-tecnológico, reemplazando sintetizadores y sonidos producidos digitalmente por cuerdas, metales y baterías en vivo. A mediados de los años 70 Kraftwerk se deshizo de sus instrumentos convencionales y recurrió a los sintetizadores para crear su enormemente influyente Autobahn. Cuarenta años después, otro grupo alemán está jugando nuevamente con las conversiones musicales pero esta vez en un sentido inverso al de sus antepasados. Brandt Brauer Frick está utilizando instrumentos acústicos para recrear la música tecno. Aunque no son los primeros en producir música de baile a través de instrumentos tradicionales,  el sonido que han logrado ha sido tan automatizado y rítmico que logran explorar de manera excepcional los sucios lados de las percusiones de los instrumentos análogos.  Antes de unirse en el 2008, Paul Frick, Daniel Brandt y Jan Brauer habían pasado innumerables horas jugando en varios proyectos y cada uno tenia algún grado de experiencia en la música clásica y convencional. Frick estudió composición clásica en un conservatorio, y Brandt había trabajado como ingeniero de sonido y diseñador. Su álbum debut, You make me real, llegó en el año 2010 a través de !K7 y demostró que tanto el rigor de la música clásica occidental como la libertad de la experimentación sonora podían estar en la misma medida y frecuencia. Posteriormente el mismo álbum fue regrabado en Mr. Machine, un álbum de tecno tocado en vivo con un ensamble de diez piezas. En el 2014 el grupo incursionó en una mezcla para Dj-Kicks reuniendo  treinta canciones de temas de amigos y colaboradores en una sesión completa de vinilo en el famoso club Watergate en Berlín.  Durante todo su recorrido por la música Brandt Brauer Frick ha expresado su preferencia por la evolución estilística continua. En su tercer álbum Miami, y en el más reciente, Joy, el trío pasó de grabar en vivo a utilizar producción y grabación de estudio introduciendo voces dentro de las grabaciones.  La música de Brandt Brauer Frick es rica y en capas pero conserva la esencia estructural del tecno. Es música que por su naturaleza puede ser extrañamente conmovedora, incluso emocional.  A pesar de su complejidad y sutileza el resultado de su sonido se comunica a nivel visceral. Es música para bailar y divertirse, también es música para escuchar,  música que sirve para ambas cosas, para escucharse y mover un píe o todo el cuerpo.  Brandt Brauer Frick se presentó en la edición número 15 del festival Mutek en la Ciudad de México con la colaboración de La Orquesta Filarmónica Mexiquense como uno de los artistas principales al ya nutrido y cargado cártel de talentos de 2019.  

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Tim Hecker anuncia Konoyo, su nuevo álbum y comparte el inquietante tema “This life”

Tim Hecker grabó su noveno álbum en un templo japonés con la ayuda del conjunto Tokyo Gakuso. Género: Ambient | Drone | Glitch | Experimental | Postclásica Label: Kranky Lanzamiento: 28/09/18 Han pasado dos años desde que Tim Hecker nos cautivó con Love Streams, su octavo álbum y durante estos veinticuatro meses intermedios se ha encontrado haciendo giras, publicando material antiguo remasterizado y publicando eventualmente sencillos como el Adult Swim, pero ahora, el artista experimental canadiense regresa con un álbum nuevo llamado Konoyo que saldrá publicado a través del sello Kranky.  De acuerdo con un comunicado de prensa el álbum fue grabado principalmente en un templo japonés con miembros del conjunto Tokyo Gakuso,  un grupo de música clásica japonesa llamada Gagaku con quienes Hecker planea realizar una gira. Tim Hecker informó que los temas de Konoyo se grabaron usando cuerdas, instrumentos de viento de madera, percusión y, por supuesto, una gran cantidad de manipulación electrónica. Gran parte de la música del nuevo álbum de Hecker esta basada e inspirada en conversaciones con un amigo de el recientemente fallecido con temas relacionados al espacio negativo y a un sentido mas banal que la música ha ido adoptando. El resultado de este trabajo según Hecker es un álbum que proyecta modernidad y elegancia en el que se perciben texturas e intenciones de humor sombrío y ceremonial, impregnado de misticismo y arrepentimiento.  This Life, el sencillo principal de Konoyo despliega todas estas tendencias, un tema que se desarrolla deliberadamente a lo largo de ocho minutos y medio con notas penetrantes que evocan sirenas de alarma que glacialmente dan paso a una tormenta de ruido trémulo. Mientras llega el 28 de septiembre, fecha esperada para el lanzamiento de Konoyo, escucha aquí This Life. 

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FABRICLIVE se despide con Kode9 y Burial

A principios este año Burial se asoció con The Bug para un proyecto en colaboración que siguió a un 2017 lleno de lanzamientos como Rodent, el sorpresivo Subtemple EP y el Pre Dawn / Indoors. Ahora la leyenda del dubstep se ha alidado al productor del Reino Unido Kode9 con quien lanzará la centésima y última entrega de la serie de mezclas FABRICLIVE del club nocturno Fabric.  La mezcla de 74 minutos se lanzará el 28 de septiembre y solo en ese momento se dará a conocer la lista de temas. Tambien el álbum estará disponible digitalmente en CD y en vinilo.  Aunque se dice que la serie FABRICLIVE ha llegado a su fin, se especula que una nueva era de mezclas comenzará el próximo año después de que FABRICLIVE 100 salga a la venta en octubre. 

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Perfume Genius vuelve a iluminar No Shaped, su obra maestra del 2017 con un increíble EP de remixes

No Shape el exitoso álbum nominado al Grammy de Perfume Genius y uno de los considerados mejores álbumes del 2017 volvió a ser iluminado nuevamente con un EP de remixes lanzado en junio pasado. Género: Indie Pop | Chamber pop | Folk | Art – pop Label: Matador Records ★★★★ Mike Hadreas, Perfume Genius, recientemente lanzó Reshaped, un EP de seis pistas que remezcla canciones de su gran álbum No Shape del 2017. Los artistas que contribuyeron en este EP incluyen al productor neoyorquino mmph; al productor y solista inglés Mura Masa; al productor y Dj estadounidense Jam City quien trabajó con Kelela; a la artista en solitario de Hyperdub, Laurel Halo; al cantante y compositor Blake Mills; y a la relativamente artista nuevo de pop con sede en Brooklyn, King Princess.  Hadreas intentó elegir a personas que coincidieran con el revoltijo de emociones que aparece en No Shape. Quería elegir a personas que traerían ese extraño tipo de tensión de música pop pero con algo de subversivo debajo. Reshaped es un de los álbumes de mixes que se postula para ser de los mejores del 2018. 

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