Depósitio Sonoro

Pavel Rosado

Editor de Depósito Sonoro | Dj | Noveno piso

Mujeres pioneras de la música electrónica

La música electrónica es un vasto paisaje con varios subgeneros y personajes creativos que usan la tecnología como medio para crear arte que atraviesa los límites artísticos previamente entendidos, que muchas veces saturan al oyente, haciendo difícil entender la música electrónica y encontrar proyectos nuevos y originales que destaquen de la multitud. Aquí tenemos una lista de mujeres artistas que superaron con creatividad los límites de la música en general en busca de un nuevo territorio sonoro. Aunque las listas de música nunca están completas, y de ninguna manera en orden, esperamos sirva como punto de partida para el descubrimiento y entendimiento de música electrónica emocionante y creativa. Clara Rockmore Clara Rockmore, una artista nacida en Lituania que centró su trabajo al rededor del violín y del místico theremin. Su trabajo en este último fue particularmente trascendental para la historia de la música. Por su habilidad de identificar cualquier nota simplemente escuchándola, Rockmore trabajó junto a Leon Theremin (quien inventó el instrumento) ayudándole a perfeccionarlo. Sus recomendaciones (que más bien fueron modificaciones) incluyeron de entre otras, aumentar la sensibilidad de la antena y colocarla en un lugar en donde el interprete fuera más visible al publico.  Eliane Radigue  Nacida en París en 1932 estudió música electroacústica en Francia para después mudarse a Estados Unidos en 1970 en donde desarrolló grandes habilidades para componer música con el sintetizador Buchla y Arp, componiendo temas con tonalidades puras que plasmó en su primer álbum llamado Biogenesis en 1973. En 1975 se convirtió al budismo y comenzó el colosal esfuerzo de componer una trilogía de sinfonías dedicadas a Milarepa, un asceta medieval tibetano. Radigue concibe la música como una forma de expresión religiosa en donde cada uno de sus temas está destinado a ser escuchado y “leído” como una oración, empleando largas ondas sonoras que cambian imperceptiblemente de frecuencia actuando sobre la conciencia en un nivel subliminal.  Laurie Spiegel  Artista estadounidense reconocida por sus composiciones basadas en software musical algorítmico y sintetizadores modulares. Ha sido considerada una de las pioneras de la nueva escena musical de Nueva York pero se retiró en 1980 creyendo que la música electrónica había cambiado de enfoque artístico. El objetivo del trabajo del Laurie Spiegel es utilizar la tecnología en la música como un medio para promover el arte. En sus palabras, automatizar todo para que sea más libre.  Wendy Carlos  Compositora de origen estadounidense cuyas obras más aclamadas forman parte de películas tan famosas como Tron, Naranja Mecánica y El Resplandor. Wendy es también una de las pioneras del sintetizador modular, instrumento que se convirtió en herramienta fundamental para el desarrollo de la música electrónica.  Daphne Oram No hay forma que pueda hablar de Daphne Oram sin enfatizar cuan legendaria es esta mujer para la música electrónica. Daphne se hizo popular por muchas cosas, pero una de sus contribuciones más populares a la música electrónica fue la experimentación dentro del movimiento de la musique concrete (genero musical experimental basado en la mezcla de sonidos de fuentes naturales y de la vida cotidiana), además de ser también pionera en el diseño y construcción de instrumentos musicales y sintetizadores. Oram fue fundadora del Estudio de Efectos de sonido Radiophonic Workshop de la BBC junto a Desmond Briscoe en 1958.  Pauline Oliveros  Pionera musical varias veces, Pauline Oliveros fue una compositora y acordeonista estadounidense, figura central de la música electrónica experimental de la postguerra a través de sus obras y conciertos. Su instrumento principal fue el acordeón que sintonizó y manipuló de forma improvisada y meditativa. Fue autora de libros, formuló nuevas teorías musicales e investigó nuevas formas de centrar la atención en la música incluidos los conceptos de escuchar profundo y conciencia sonora. Cosey Fanni Tutti (Throbbing Gristle) Cuando el punk conoció a la música electrónica en los años setenta, Cosey Fanni Tutti era miembro de Throbbing Gristle, la primera banda de industrial de la historia. Cosey sigue activa componiendo música increíble, fresca, oscura y profunda.  Laurie Anderson  Cantante, violinista, poeta, dibujante y artista experimental que combina música minimalista con criticas y reflexiones hacia la sociedad, la política, el rol de los sexos y la civilización occidental moderna. Ha inventado y modificado varios instrumentos que ha presentado en vivo. Estuvo casada con Lou Red hasta la muerte del músico en el 2013.

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Los iconos del shoegaze, Ride, examinan el mundo cambiante en su nuevo álbum, This Is Not A Safe Place

Ride, la icónica banda shoegaze de los noventas junto a otros grandes como Slowdive, My Bloody Valentine y Cocteau Twins, lanzaron cuatro álbumes de rápida sucesión de 1990 a 1996, consolidando un buen lugar en los corazones de muchos durante esos años. Poco antes del lanzamiento de su álbum Tarantula en 1996, las relaciones de la banda comenzaron a fracturarse. Pasando el tiempo rápidamente, casi dos décadas después, en el 2014 la banda anunció un nuevo álbum, Weather Diaries que fue lanzado en el 2017, manteniendo esa emoción, Ride ha lanzando un nuevo álbum a través de Wichita Recordings llamado, This Is Not A Safe Place. Género: Shoegaze | Rock | Alternative | Label: Wichita Recordings ★★ La música posterior al reencuentro de Ride ha sido más introspectiva, dando tiempo a la banda para reflexionar sobre su música y su lugar en la sociedad. This Is Not A Safe Place juega con esos temas mientras la banda intenta entender en dónde se equivocaron y examinar cómo la sociedad ha cambiado drásticamente a su alrededor.  Desde la burla de quienes buscan la fama mediática y viral, hasta mirar en su pasado para tratar de entender en dónde tuvieron errores en el pasado, Ride muestra una evolución sonora destacable sin dejar sus raíces continuando con los amplificadores difusos y las guitarras distorsionadas cubiertas con voces nebulosas. Ride puede comportarse un poco melancólico en este regreso al mundo musical pero todavía se divierten en su trabajo. Sin embargo, el nuevo álbum de Ride puede a veces ser un poco monótono, demostrando que no siempre las largas ausencias pueden ser buenas para todos. Pero se siente en el una gran energía que sugiere que Ride podría llegar a la gloría sonora que tuvo algún día.   

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Algunos datos increíbles de los Pet Shop Boys

A pesar de su premio Brit de por vida, de sus numerosos número uno en listas de popularidad y éxitos en los top´s (10, 20, y 40) de radios internacionales, a veces es fácil olvidar cuan grandes son realmente los Pet Shop Boys. Han vendido más de cien millones de discos desde 1982 y han colaborado con algunos de los artistas más importantes de los últimos veinte años.  Pero, ¿Por qué nos gustan tanto los Pet Shop Boys?… porque los Pet Shop Boys son una puerta giratoria constante. Cada álbum y cada tema avanza en una nueva dirección, desde West end Girls hasta Pop Kids, cada tono inocente de la voz de Neil Tennant trae una nueva ola y vibraciones  de discoteca. Habiendose extendido a todos los rincones de la música, el cine, la televisión y el teatro, los Pet Shop Boys han tenido tantos proyectos ocultos y secretos que han influenciado a cientos de músicos en el panorama mundial, y siguen siendo por mucho, los mejores de su genero.  Aquí hay algunos datos increíbles de ellos. Antes de formar Pet Shop Boys, Neil Tennant trabajó como periodista y escritor en varias revistas. Inicialmente trabajó en Marvel Comics antes de convertirse en coeditor de Smash Hits. En su tiempo en la revista de pop, Tennant entrevistó a Depeche Mode y Madness. También viajó a Nueva York para entrevistar a The Police en donde conoció al productor Bobby Orlando, quien luego produjo el primer álbum de Pet Shop Boys. Los Pet Shop Boys siempre han nombrado sus álbumes con una sola palabra, mucha gente cree que debe a algún mensaje oculto, sin embargo, Tennant ha declarado que solo han querido dar un nombre sencillo a sus discos.  La asociación por los derechos de los animales PETA pidió al dúo que cambiara su nombre a Rescue Shelter Boys en el 2009 para crear conciencia sobre la crueldad hacia los animales en las tiendas de mascotas. Si bien Tennant dijo que el tema era algo delicado que valía la pena pensar, se negó a cambiar el nombre.  El dúo ha colaborado con más de veinte artistas a lo largo de toda su carrera, entre ellos, David Bowie, Elton John y Robbie Williams, sin embargo, la principal colaboración de Pet Shop Boys fue para el álbum Twentieth Century Blues, un homenaje a Noel Coward organizado por Neil Tennat que incluyó a artistas como Damon Albarn, The Divine Comedy y Sting.  Chris Lowe apareció en una telenovela australiana en 1995. En el episodio, Chris conducía un auto en el que se detuvo a preguntar en donde estaba un estudio de grabación antes de continuar su camino.  El cover Always On My Mind de Elvis Presley surgió después de una actuación improvisada que tuvieron en un programa homenaje a Elvis. El dúo tocó el tema Love Me Tender en 1987 durante el décimo aniversario de la muerte de Elvis, pero después de forma improvisada cantaron Always On My Mind, cover fue el numero uno en todas las listas de popularidad para finales de ese año.   

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Aisha Devi y los sonidos más internos de la humanidad presentes en el Mutek

Nacida en Suiza de herencia nepalí-tibetana, la artista sonora Aïsha Devi crea música ritualista que la de sentido espiritual a la pista de baile. Aïsha Devi cree que la antigua división teatral entre el público y el artista debe de desaparecer y debe existir una relación de coexistencia, de tal forma que de manera improvisada, Aïsha responde a cada uno de los asistentes a sus espectáculos musicales con frecuencias sonoras capaces de llegar a lo más interno del alma. De esta manera, tanto ella que interpreta, como el publico que escucha, forman un sistema dual de simultaneidad, en donde el yo y el otro yo entran en un complejo sistema de autohipnosis. La música de Aïsha está saturada por su práctica de meditación, alquimia y el conocimiento de frecuencias sonoras curativas y filosofías antiguas. Su trabajo, por lo tanto, no solo es sobresaliente, sino que lleva un rico mensaje político y filosófico, que junto al artista visual Tianzhuo Chen, hacen que sus actuaciones en vivo sean espectáculos audiovisuales espirituales y disruptivos.  Aïsha frecuentemente hace uso de un tipo de canto llamado khoomei usado en algunos grupos étnicos de algunas regiones de Mongolia. Cantar khoomei es parte importante del animismo antiguo en donde se expresa la creencia de que todos los objetos, lugares y animales poseen una esencia espiritual. Esta creencia también identifica a esa esencia espiritual no solo en la forma, sino también en el sonido, por lo tanto, las frecuencias sonoras de cualquier materia inanimada o viva parten de su alma o núcleo.  La música de Aïsha Devi incursiona en lo más intimo de nosotros mismos. Aïsha le da a su música una dimensión totalmente nueva a lo que podría significar la experiencia de la música electrónica contemporánea, al llevar al oyente a una dimensión totalmente diferente de su estado mental.  Aïsha Devi y su música electrónica espiritual y profunda se presentaran en la Ciudad de México dentro de las actividades de la edición 16 del Festival Internacional de Creatividad digital Mutek. 

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i, i, de Bon Iver, su nuevo álbum nostálgico y ecléctico

Parece que Bon Iver compone solo discos clásicos, a lo largo de una década ha sido el centro de atención de los fanáticos del folk, ha sido un creador de música prolífico, un colaborador impecable y un intrépido explorador sonoro. Ha creado música bajo muchas formas, en varias configuraciones y con una gran variedad de personas. Su discografía es amplia y profunda, y en gran parte gratificante. Género: Folk | Indie | Rock | Label: Jagjaguwar ★★★ Hasta ahora, Justin Vernon ha creado tres álbumes como Bon Iver, cada uno brillante y especial a su manera.  Ahora, tres años después de su último disco, Bon Iver ha regresado con un su cuarto álbum, i, i. Tal vez sea coincidencia, pero el intermedio más corto entre los álbumes de Bon Iver ha producido el cambio menos radical de su historia musical. En lugar de reinventar su sonido, en este nuevo álbum, Vernon ha ido recogiendo fragmentos de todo su camino por la música, resultando un álbum que suena más familiar que nuevo.  En  i, i, Vernon y su elenco de colaboradores muestran el lenguaje musical que han desarrollado y han convertido en propio durante años. Como compositores, productores e interpretes, Bon Iver continua trabajando en un alto nivel musical, en todos los ámbitos, por lo que su música nunca se siente estancada, incluso cuando hacen eco en su pasado. Sus canciones, creadas a partir de los ingredientes más convencionales pueden ser cautivadoras cuando nacen de la inspiración y se elaboran con cuidado. Incluso cuando se respiran con el dolor celestial de For Emma, las canciones de Bon Iver desarrollan un esplendor terrenal que enriquecen los nootrópicos radioactivos de 20, A Million.  Muchos de los amigos de Vernon se reunieron con él para crear i, i. James Blake, Jenn Wasner, Moses Sumney, Marta Salogni, etc. Todos ellos dejaron su propia marca dentro del universo sonoro de i, i establecido por Vernon. Si For Emma, Forever Ago sonaba a un disco solitario, i, i, parece más una vasta congregación de músicos futuristas de gospel secular en el que queda claro que Bon Iver es una banda con una visión musical inconfundible que ha llegado a un punto de su carrera en el que ha forjado una identidad única. Con i, i, es evidente saber que Bon Iver se ha mantenido tan inspirado y atractivo sin mucha agitación, sin embargo, si i, i es calificado usando otras obras maestras de la banda, probablemente este nuevo álbum no deje sin aliento. Después de pasar unas horas escuchando i, i, se puede solamente decir algo: gusta, pero no es nada nuevo. 

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Telefon Tel Aviv regresa después de diez años con un nuevo álbum, Dreams are not enough

Dreams are not enough es el primer álbum completo de Telefon Tel Aviv desde la trágica muerte de su fundador Charlie Cooper. Joshua Eustis acaba de anunciar que lanzará el próximo 27 de septiembre a través de Ghostly International, el primer álbum de Telefon Tel Aviv después de la muerte de su compañero y fundador, Charlie Cooper.  Dreams are not enough es la continuación de álbum Immolate Yourself del 2009 y del tema Something Akin To Lust lanzado en el 2017.  El regreso de Eustis como Telefon Tel Aviv después de la muerte de su amigo y colaborador, requirió diez años de reflexión y un proceso gradual que sembró el deseo de revivir a Telefon Tel Aviv y aventurarse a un cuarto álbum.  Desde el 2009, año de la muerte de Charlie Cooper, Joshua Eustis ha colaborado con Nine Inch Nails, Apparat, Vatican Shadow, Tropic of Cancer, Sons of Magdalane, The Black Queen y Second Woman, pero ha sido una década después que el espíritu y la madurez de superar la muerte de Cooper lo han alcanzado y ha logrado crear este nuevo álbum, el cual será lanzado el 27 de septiembre a través de Ghostly International.   Mira la carátula del álbum, la lista de temas y escucha standing at the bottom of the ocean; el primer sencillo lanzado hasta hoy. 1. I dream of it often 2. a younger version of myself 3. standing at the bottom of the ocean; 4. arms aloft 5. mouth agape 6. eyes glaring 7. not seeing 8. not breathing 9. still as stone in a watery fane.

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10 bandas alemanas, del Krautrock a la electrónica de los dos miles

Si se tiene la impresión de que Alemania tiene una débil variedad de bandas y música, entonces realmente se está perdiendo de la mejor música que va de los años sesenta al 2019. Es posible escuchar música sin saber que se está escuchando a alguna banda con una gran influencia alemana, o peor aún, que se trata de una banda alemana. Algunas de estas bandas han traducido sus canciones o cantan en inglés para llegar a un público más amplio, mientras que otras se han mantenido leales a su idioma y han transmitido sus sonidos a través de las ondas de radio. Aquí tenemos una lista de las mejores bandas alemanas que han influido en la música tal como la conocemos hoy. Mouse on Mars El IDM llegó a la escena musical a principios de los años noventas, mismas fechas en las que el dúo de música electrónica de Düsseldorf, Mouse on Mars nació. Sus miembros Andi Toma y Jan St. Werner hacen música con beats densos mezclados con ambient, algo de música industrial y tecno. Aunque muchos músicos electrónicos actuales confían únicamente en los instrumentos digitales y ritmos programados, Mouse on Mars tiene un lado claramente analógico que incluye instrumentos en vivo durante sus actuaciones y canciones grabadas y ejecutadas en programas creados por ellos mismos.  The notwist  Una banda de indie rock alemana que canta y actúa en inglés, formada a finales de los años ochentas saltó a la fama en la escena musical de los noventas y sigue activa actualmente. Se especializan en canciones realmente fantásticas para días lluviosos, especialmente si estás en un estado de hibernación profunda.  Can Una banda de rock experimental originarios de Colonia que es sin duda, una de las mejores de Alemania y muchos expertos están de acuerdo que son los responsables de crear el Krautrock, el género alemán musical por excelencia. Su música abarca desde finales de los sesentas hasta finales de los noventas, pero su influencia se ha extendido a bandas que conocemos y respetamos hoy.  Neu!  Nacidos en Düsseldorf en 1971 tras la reorganización de Kraftwerk, Neu! es una banda mundialmente reconocida como pioneros del Krautrock que han influido en muchos músicos  y productores de música electrónica actual. Un verdadero ícono de la historia musical alemana y mundial.  Tangerine Dream  Simplemente uno no se puede considerar fan de la música electrónica sin haber escuchado a Tangerine Dream. Comenzaron a finales de los años sesenta, reflejo de lo increíble que es su música y su trayectoria. Su sonido ha cambiado mucho a lo largo de los años, desde el rock de la nueva era hasta la psicodelia. Música absolutamente imprescindible para generar un ambiente de vibraciones extrañas y cósmicas. Apparat  Ritmos hilarantes, emociones fuertes y atmósferas épicas. Apparat es uno de los músicos techno más peripatéticos y aventureros de Alemania en la actualidad. Su carrera comenzó a finales de los años 90 con música para clubs vigorosa, antes de recurrir a ritmos emocionales, complicados y a experimentos de sonido electroacústicos. Cuanto más vanguardista se hicieron sus sonidos, más fuerte fue su talento para crear melodías pegadizas y de grandes gestos, abrazando e integrando sonidos imperfectos dentro de su grandiosa música. Faust A finales de los años sesenta y principios de los setenta en la Alemania occidental se formó una banda extraordinaria, ícono de la música experimental de la época junto con Can, Kraftwerk, Neu! y Cluster; con los mismos que hoy son considerados gran influencia de generaciones y géneros posteriores como el tecno, postpunk, electrodo, ambient y postrock. Con su álbum Faust IV, Faust alzó la mano en una creciente escena musical alemana y se volvió cabeza visible en un mundo exigente de sonidos nuevos e innovadores. Einstürzende Neubauten Comenzó en Berlín en 1980 y de inmediato aportaron una intensidad aterradora a su música y actuaciones en vivo que hizo que los actos industriales británicos parecieran casi corteses en comparación. Blixa y sus colaboradores usaron herramientas eléctricas y cualquier objeto como percusiones haciendo que las presentaciones de Einstürzende Neubauten parecieran más a un sitio en construcción que a un concierto: los miembros de Einstürzende Neubauten perforaban agujeros en el escenario, prendían fuego, ponían enormes tambores de petróleo suspendidos con cadenas sobre la audiencia y tocaban guitarras distorsionadas creando un caos rítmico que junto con la voz vibrante y cadavérica de Blixa grabaron varios de los álbumes más experimentales de la historial, casi imposibles de escuchar.  Cluster Al igual que muchos de sus pares del Krautrock, desde Tangerine Dream hasta Kraftwerk y Faust, la influencia de Cluster dentro de la música ambient, electrónica y rock de vanguardia desde principios de los años setenta ha sido significativa y amplia, quizá incluso más amplia que la mayoría, dado que el dúo nunca eligió una dirección o estilo para refinar y perfeccionar su música.  Kraftwerk  Por último, pero no menos importante, está Kraftwerk. Tal vez guardamos lo mejor para el final, o tal vez lo agregamos como un bono musical adicional para llegar al final de la lista, pero sabemos que valió la pena la espera. Kraftwerk, la mejor banda de música electrónica de todos los tiempos, si no fuera por Kraftwerk tal vez nunca habría llegado a las mentes y los oídos la música electrónica. 

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Rachel Goswell de Slowdive y su esposo tienen un proyecto musical nuevo: The Soft Cavalry

Si bien Rachel Goswell ha servido como parte fundamental de Slowdive durante décadas, la ícono del shoegaze ha lanzado junto con su esposo, Steve Clarke, un nuevo álbum como The Soft Cavalry, música con un toque particularmente británico con un intenso drama cinematográfico. Género: Pop-rock | Indie | Alternative | Label: Bella Union ★★★ El álbum homónimo se lanzó el 5 de julio a través de Bella Union. Goswell conoció a Clarke durante una gira de Slowdive en el 2014 y la pareja se casó cuatro años después.  Además de trabajar con Slowdive, Goswell ha sido miembro central de Mojave 3, Minor Victories y lanzó un álbum en solitario en el 20014 llamado Waves Are Universal. Recientemente también ha trabajado como vocalista invitada en varios proyectos incluidas las contribuciones de álbumes a grupos como American Football, Mercury Rev y Beach Fossils.  La música de The Soft Cavalry tiene un toque particularmente británico de intenso drama cinematográfico. Melódico y atemporal, el álbum aterriza en las dimensiones atmosféricas entre los propios Slowdive, Talk Talk y R.E.M. Música que irradia la crisis de la mediana edad pero igualmente una gran euforia ansiando su resolución. El álbum refleja la historia de dos enamorados, la crisis de fe, el trabajo de amar. Una sesión de terapia individual y de pareja de 56 minutos. 

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