Depósitio Sonoro

Wilder Gonzales Agreda

Crisálida Sónica, 25 años de esta compilación de colectivo peruano de mentes inquietas en la música

Crisálida Sónica apareció en la Lima de mediados de los años 90 como un colectivo de inquietos músicos y no músicos que bebían de las neo-vanguardias que como el post-rock, el shoegaze, el aislacionismo, space-rock o el ambient, se estaban fraguando intensamente en distintas ciudades del planeta. Fueron los primeros en navegar por tales senderos en la escena peruana y, en varios casos, incluso en la escena latinoamericana. Eran los primeros días de internet, de la llegada de la televisión por cable y de una cada vez más palpable globalización en lugares como el Perú. Bautizados como Crisálida Sónica en una reunión en la casa de los hermanos Reyes de Catervas por Miguel Ángel “Chino Burga” (Espira) y Raúl Reyes, publicaron un cassette con 4 bandas en Marzo de 1997. 1 hora llena de muros de guitarras, ambient volador, neo-psicodelia drone y shoegaze. Esta escena de transgresión y ruptura metamusical fue conformada en su momento de esplendor por: Diosmehaviolado/Evamuss (proyecto al mando de Christian Galarreta junto a Fabiola Vásquez y Claudia Machuca)Espira (proyecto de Miguel Ángel Burga, Renzo Lari, Aldo Castillejos y Raúl Ochoa)Hipnoascensión (proyecto de Juan Roldán, Daniel Caballero, Hugo Medina, Lucho “Quimera” Tello y Patty Elías)Avalonia (proyecto de Wilder Gonzales, Fernando Ponce, Óscar Pita y Fabián Escalante)Girálea (banda de Carlos Mariño, Pierina Yupanqui, Miguel Ángel Burga y Henry Gates)Catervas (banda de los hermanos Pedro, Raúl y Javier Reyes con Wilmer Ruiz)Fractal (proyecto de Wilder Gonzales con Wilmer Ruiz)Labioxina (proyecto de Fernando Ponce) Casi todos publicaron sendos casettes hacia fines de los años 90. Como es usual pasaron desapercibidos en la movida local y sudamericana que en esos años endiosaba los sonidos de Aterciopelados, Soda Stereo o Radiohead. 25 años han pasado y varios de los implicados continúan activos dedicados al dream pop, al stoner rock o incluso a la experimentación electrónica. Recordemos un par de reseñas que fueron publicadas en su momento acerca de esta compilación para darnos una mejor idea del impacto que suscitaron en la movida perucha. COMPILACIÓN ICrisálida Sónica “Considerando el irritante conformismo que reina impune en la escena local (bandas reduciéndose al rol de meros epígonos para autoimponerse una cómoda sujeción a catecismos rockeros añejos y harto trajinados -punk y dark/gothic, sobre todo-) es una bendición la aparición de esta esperanzadora maqueta. Con vocación heterodoxa, cuatro bandas francotiradoras se atreven a arriesgar visitando parcelas sónicas más o menos marginales a la evolución del medio local. Algunos de estos colores nos son familiares: MY BLOODY VALENTINE, SPACEMEN 3, el romanticismo volátil y la estetica del delay de los COCTEAU TWINS. Otros nutrientes de esta crisálida sónica (nomás se pasaron con el nombrecito) quizá lo sean menos, lo que expresa es una laudable voluntad de ampliar los horizontes de nuestro misérrimo panorama rockero: estructuras minimalistas, laxos enoísmos, progresiones sónicas con eco del post-rock de TORTOISE o LABRADFORD. A partir de estas bases se gesta en esta empeñosa maqueta uno de los pocos productos de esta movida a los que cabe aplicar con justicia el usualmente sospechoso calificativo de “experimental”. Música en la que el sonido mismo es protagonista: envolventes lienzos, masas indistintas de ruido exquisito y misterioso. Desde el anglófilo registro soñador y lírico de ESPIRA y los interesantísimos CATERVAS, acaso más afín a la onda MBV, hasta la vertiente más vanguardista de la cacofónica parquedad y el disonante estatismo de FRACTAL e HIPNOASCENCION, con la riqueza timbral de sus extrañas texturas. Aguardamos con ansias la oportunidad de ver a las cuatro bandas en acción -con tal de que no tengamos que soplarnos otro fallido e inocente conato de performance con ínfulas de EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN, como en la tocada de Semana Santa en La Noche”. Marco Rivera[la primera reseña ever, en la revista “Caleta”, algún numero de 1997] LOS NUEVOS PREDICADORESCrisálida Sónica: Compilación I1997 “La represión es la madre de la innovación…” dijo en 1970 Holger Czukay, miembro de Can, y esta cinta, precursora en su género, lo confirma. Los cuatro convocados logran cuajar una gran performance en este primer acercamiento a terrenos muy poco frecuentados por nuestros rockeros. Desde el sideralismo post-Loveless fuertemente creativo de Catervas (A Caminar, b-2ble-p) hasta la devoción profesada a casi toda la saga Spacemen 3 (Sonic Boom, The Darkside, Spectrum, Alpha Stone, Experimental Audio Research) que traslucen los planteamientos cacofónicos de Fractal (el amorfo caos sonoro de Oh Dios, el vomitado psicodélico industrial Etersónico). Desde la mágica melancolía/tristeza y el trabajo en texturas ambientales de Espira (el más cercano al noise puro) hasta el cumplidor desempeño de Hipnoascensión (que recuerda a los simpaticones Spiritualized). Dos de las tres troncales que han acogido por estos lares se disputan palmo a palmo el protagonismo del tape con resultados alentadores. De los fragmentos, el quinto del lado A parece enmedar la plano a Hipnoascensión acercándola a tonadas menos dulzonas, mientras que el primero le añade una pizca de diáfana nostalgia al prontuario de Espira (NdeR: el autor de la reseña se equivoca el bonus track en mención no es de Espira sino Fractal) y el sexto es una escalofriante toma alterna de Oh Dios de Fractal. En el retazo 2, Catervas presenta el arranque de Clave de Ángeles. En una palabra, vibrante. HÁKIM DE MERV(Extraído del dossier “Marcianos al ataque – Un vistazo a la música experimental hecha en Lima” publicado en el # 4 de la revista SUB, año 1999) De vuelta a la realidad post-pandemia, Marzo 2022, debemos señalar nuevamente que el público de Crisálida Sónica fue ínfimo. Ello y el mutante devenir de cada entidad terminarían provocando la desintegración del colectivo hacia fines de milenio. Aunque los miembros del colectivo no han parado de producir; la retromanía, el neo liberalismo y la gentrificación terminaron por adueñarse de todo y hoy en día nos parece irracional que una generación de artistas se dedique a la música exclusivamente por un afán innovador. Por lo mismo este casette tras 25 años cumple, entre muchas otras cosas, la función de recordar a todes que nada ni nadie te quitará lo soñado. DA CLIC

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Una conversación con Reed Ghazala, el creador del circuit bending

Es conocido mundialmente como el Padre del Circuit Bending o Encorvamiento de Circuitos, una técnica que descubrió azarosamente allá por los años 60’s la cual hoy ha llegado incluso a nuestras tierras en donde no-músicos experimentales devoran/abren diversos aparatos para extraerles sonoridades inéditas. Reed Ghazala es en realidad uno de los pocos genios aún vivos de las jornadas sesenteras y setenteras. NOTA QUE NOS FACILITA A DEPÓSITO SONORO EL BLOG PERÚ AVANTGARDE Traducción por: Arturo Breña. “Reed no tuerce las reglas. Simplemente nunca las aprendió” (Perfect Sound Forever dixit). Su campo de trabajo no se restringe solo a lo sonoro, también interviene diversas fuentes visuales además de ser un alucinante pensador en sintonía con la naturaleza y las plantas sagradas. Sus creaciones forma parte de colecciones como el MOMA de New York, el Guggenheim y el Whitney. Sus famosos instrumentos circuit bendeados han sido construidos para Tom Waits, Peter Gabriel, Pat Mastalotto de King Crimson, Faust, Chris Cutler, Towa Tei, Yann Tomita, Peter “Sonic Boom” Kember, Blur y muchos otros. La obra de Reed Ghazala ha sido difundida por medios masivos como ABC Television, The Discovery Channel, MTV, Disney, The New York Times, The Washington Post, Wired Magazine, Option, Billboard y Computers & Music. Un hombre del Renacimiento, un alma de colores, el siempre genial QUBAIS REED GHAZALA. Enjoy! Es un verdadero honor para nosotros hacerte una entrevista. Eres el “padre del circuit-bending”, una técnica bien consolidada en la actualidad. Por favor dinos ¿cómo y cuándo fue que surgió la idea de curvar o encorvar el circuito de algo? ¿Qué ocurrió entonces? Gracias Wilder, por tu interés en mi trabajo. Ok. Era un adolescente cuando el momento mágico sucedió. El año: 1966. Estuve buscando algo en los cajones de mi mesa, cierro el cajón y de repente la habitación se llenó de sonidos electrónicos raros. Me quede alucinado y confundido… pero amaba los sonidos fantásticos. ¿Qué ocurrió? Un pequeño amplificador de pilas había generado un corto circuito ante un ítem de metal en el cajón. Lo dejé con su parte trasera apagada, electrónicamente expuesta y algo de metal había caído en el circuito, configurando un nuevocircuito de casualidad. Un oscilador había sido creado. El sonido barría hacia arriba una y otra vez. Y pensé si esto podía ocurrir por accidente, cuántos sonidos más podrían ser creados si yo corto circuito, tan arbitrariamente aquí, allí y ¿en cualquier lugar?. Lo que luego denominé como “circuit – bending” o encorvamiento  del circuito había nacido. La casualidad en lugar de la teoría se convirtió en la prueba del ácido. Pronto configuré este circuito en un sintetizador táctil, el primero de una serie de instrumentos diseñados alrededor de este amplificador voluntariamente en “corto circuito”. Podía gruñir como un perro, ronronear como el gato, piar como un pájaro, y hacer un sinfín de poderosos y salvajemente abstractos sonidos de sintetizador, cíclicamente hacia arriba y chillando. Aquí hay una foto de esto, una generación después en su actual caja de vidrio, su lámina contacta cableada a grandes  cuerpos de contacto fuera del armazón para instalaciones de observación-participación. Uno puede tocar ese antiguo instrumento todavía, hoy. A diferencia de todos los notables diseñadores de sintetizadores del momento, yo era un niño, no tenía padre en mi casa, tampoco un respaldo académico, sin efectivo, ningún entrenamiento formal en electrónica ni nadie que pueda conectarme con el campo. Nadie para ayudarme a publicar mis descubrimientos. Sin mentor, sin becas, sin círculo de profesores y técnicos en los cuales apoyarme. Entendí que si me iba a mantener en mi campo, mi trabajo sería considerado renegado, o aún peor. Sería rehuido por los diseñadores tradicionalistas, mi trabajo seria convenientemente descartado. Pero me mantuve. Los circuitos antiguos parecían magia, era suficiente. Y como resumen: el DIY-“Hazlo tú mismo” no era una elección—era un mandato. (Tenía 14 años durante este período de descubrimiento; Bob Moog tenía 33, Nam June Paik de 35, Tom  Oberheim tenía 31, Raymond Scott con 59, Donald Buchla 30, Michael Waisvizs 19— Michael estaba asistiendo a STEIM y todos estaban rodeados por expertos en electrónica, su trabajo sostenido por compañeros brillantes, universidades e instituciones). De alguna forma, solo, tuve que montar algo de todas mis desventajas. Lo sabía y muchos de nosotros en la música underground lo sabemos. Así que auto-publico, creé un sello casero (Sound Theatre), escribí artículos, di interminables entrevistas, grabe mucha música y seguí construyendo instrumentos. Seguí a mi anti ortodoxia, los diseños de sistemas simples basados en la casualidad… porque tuve que hacerlo y funcionó.  Por el resto de mi adolescencia seguí este camino y esta técnica, experimentando conmigo mismo, creando proto-synths en el sótano, empalmando cintas rotas para que así pueda seguir grabando en mi casi estropeado reproductor  mono riel, imaginando como seria si tuviera dinero —-siempre andaba quebrado. No fue hasta que los editores reconocieron mi trabajo que tuve que darle un nombre al proceso, identificar sus datos personales para una abierta discusión. Le puse el término “circuit-bending” (encorvamiento de circuito) en 1992 para mi vigésimo artículo serial en la revista: Instrumentos de Música Experimental. Por cinco años doné esos derechos a EMI (Experimental Music Instruments) con el único propósito: incrementar la colección planetaria de instrumentos experimentales. ¡Pues funcionó! Miles de nuevos, instrumentos experimentales han resultado de la decisión de publicar mis técnicas “renegadas”. Al final cualquiera puede “encorvar el circuito”. Es divertido, barato, y puedes acabar con un instrumento que no existe en ningún otro lugar del universo. Ya no me preocupo para nada sobre si mis procesos encajan, se amoldan, son tradicionales o lo que sea. En mi libro explico lo que llamo como el “concepto del coco”. Simplemente, circuit-bending es un arte contemporáneo folk, similar a los infinitos instrumentos musicales folk que han sido inventados en el mundo usando cáscaras de coco preparadas. Hoy el circuito es el coco. ¿Puedes decirme algo sobre THE ODOR BOX? Estuviste en una banda para entonces y  tu invención causaba repulsa a  los rockeros más convencionales de los  años 60. ¿Fue esto así? El instrumento que diseñé antes del Odor Box, mi sintetizador original, fue

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25 años del Forever de CRANES: Dream pop sangriento

De los grupos alternativos/indies que circulaban inmunes al hedor grunge a inicios de los 90 –Lush, Ride, Curve, Pale Saints– CRANES se distinguían por su filia dark wave, portentosa sección rítmica, la etérea de voz de la cantante Alison Shaw y su devoción por grupos de los 80 como The Cure, Cocteau Twins ySiouxsie & the Banshees. Habían publicado eps siniestros como el “Inescapable” o el “Self Non Self” además de su primer álbum “Wings of Joy” (1991), densos trabajos de neo clásico y gótico con los que lograron despertar el interés de algunos. Entre esos fans estuvo Robert Smith (The Cure) a quienes telonearían en el Wish Tour del 92 instalándose en un mayor radio de acción y  popularidad. Emprenden así la confección de su álbum más pop, “Forever” (1993). Visto a la distancia el 93 fue un año fecundo para la música independiente, “Souvlaki” de Slowdive, el debut de Pram, “Quique” de Seefeel, Insides y su clásico “Euphoria”, el “Motion Pool” de Main… Hermoso estar vivo y vivir la primera juventud en aquellos años de melomanía transgresora y vanguardia recalcitrante. En Lima nacía la discoteca Bauhaus y gente como Eduardo Lenti, compartía primero que nadie este tipo de delicias desde su tienda en los Pinos, Transmission Records, a donde ibamos todos a encontrar las últimas músicas. Recuerdo como en un bosque haber bailado Cranes alguna noche en esa disco ya por el 95. Noches de exploración y aprendizaje. “Forever” es un documento del alma. Amor a primera vista. Everywhere o Adrift más que canciones son himnos de rebelión y apostasía, Far Away, Cloudless y Rainbows -una relectura de Everywhere- supuran éter y melancolía en las vocales de Alison Shaw y los ambientes neo clásicos que despliega delicadamente el cuarteto. Jewel, el single de rigor, sería remezclado por el propio Robert Smith. Tales son las coordenadas y sensaciones con las que Cranes construye Forever, un documento básico para entender los 90. Más allá del grunge, brit pop, el techno rave y la prostitución mass mediática forzada que se instauró en Perú. Cranes transgreden sus influencias y logran salir con un sonido propio, nuevo y contundente. No tienen la cantidad de seguidores de bandas como Slowdive oMy Bloody Valentine pero su lugar en la Historia está asegurado merced a joyas como “Forever”  o “La Tragédie D’Oreste Et Électre” (1996). Música para bailar en tu cuarto o en la fiesta más in, solo o acompañado. Música para partirte el cerebro en pedazos. Pop de avanzada. Como la canción de la que toma prestado el título, una rareza de los Cure circa 1984, “Forever” es de esos discos que te quemarán eternamente cada vez que vuelvas a su madriguera. Narcótico y ensoñador, monumental, sangriento y hermoso. TEXTO ORIGINALMENTE PUBLICADO EN PERÚ AVANTGARDE.

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