Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Reseña del último y quinto disco de Tycho titulado Weather

La música de Tycho ha sido muy fácil de gustar, digerible. Los álbumes de estudio encabezados por Scott Hansen: Past is Prologue, Dive, Awake, Epoch lucen ambientes entrecruzados, downtempo retro, IDM y roza el post rock, formando surcos en los que puedes perderte y, en algunos momentos, dan una sensación que casi podría volverse repetitiva si no fuera por su construcción y calidad. El nuevo álbum Weather satisface su desafío creativo autoimpuesto de incorporar muchas vocales Género: Ambient | IDM | downtempo Lanzamiento: julio 2019 Label: Mom + PopNinja Tune ★★★★ Hay que reconocerlo: el resultado de este quinto álbum no es tan emocionante como los lanzamientos anteriores  de Tycho. Esto se reduce realmente a la elección de voz de Hannah Cottrell aka Saint Sinner, quien ha pasado los últimos años obteniendo exposición en blogs y Spotify como cantante y compositora electrónica, especializada en trabajos solistas y colaborativos, ambientales y ligeros. Sinner participa en cinco piezas del álbum Weather. Las canciones instrumentales “Easy”, “Into the Woods”, “Weather” están en el lugar común y característico de Tycho, aludiendo siempre a las maravillas de Boards of Canada y Ulrich Schnauss, como siempre lo han hecho. Pero el alma de Saint Sinner, la digitalización y la guitarra de repuesto de Tycho se combinan para obtener himnos brillantes y livianos como “No Stress”, con el objetivo quizá de llegar a más público y explorar nuevos terrenos. Es un disco que hay que regalarle algunas escuchas para lograr engancharse bien, porque aunque es uno de sus discos más digeribles, hay que encontrarle el alma y la profundidad que ha caracterizado a Tycho. Quien escribe este texto ya encontró el aura del disco, pero no fue a la primera escucha; y ahora las maravillas sonoras vuelas y se transmiten por sí solas. Vale mucho la pena este disco. Premios recibidos (2019) – Posición UK Independent Albums – 17 US Billboard 200 – 132 US Top Dance/Electronic Albums (Billboard) – 3

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#Reseña de “When I Get Home”, el nuevo disco de Solange

La cuarta entrega de Solange es un viaje ambiental que evoca tiempos y sentimientos personales en una creación excepcional, adentrándose y estilizando más los géneros en los que se desplaza su música: R&B, pop y soul “Solange Piaget Knowles (Houston, Texas, 1986), conocida como Solange, es cantante, compositora, actriz, modelo, DJ y empresaria estadounidense. Es también activista en contra de la segregación racial denunciando la brutalidad policial en Estados Unidos contra la población negra. Lanzó su propio sello discográfico Saint Records en 2013​ y tiene una boutique en Nueva Orleans.​ En enero de 2017 sus canciones fueron elegidas por Barack Obama para su despedida en la Casa Blanca donde Solange se presentó acompañada por la banda The Roots.​ Es la hermana menor de la cantante Beyoncé“. Solange tiene un predecesor difícil de superar: A Seat at the Table (2016), una joya que dejó a todos expectantes a la artista, sin embargo, una de las cosas que han resultado mejor para disfrutar los nuevos lanzamientos, es entender que comparar es válido pero no definitivo porque los artistas, como humanos, son mutables. En esta producción se abandonan las estructuras tradicionales y las melodías comunes para atravesar un estilo sonoro más ambiguo, exploratorio y, a la vez, más libre. En colaboración con Panda Bear, Tyler the Creator, Gucci Mane, Pharrel Wiliams, entre otros, Solange rinde tributo a su natal Houston con un trabajo fascinante, de ritmo ligero, articulado cuidadosamente y con declaraciones breves pero potentes. Con esa voz afable que se entrelaza entre sonidos relajantes, salen increíbles frases como la siguiente: “¿Te das cuenta de lo magnífica que eres?, somos las encarnaciones caminantes de la conciencia de Dios”. Su lanzamiento pasado hacía referencia a la identidad femenina negra, y en este parece dirigirse hacia una mujer liberada y espiritual. Sin necesidad de colgarse de la fama de su hermana Beyonce, Solange hace desde una escena menos glamourosa, una entrega por un viaje poderoso lleno de celebración a las raíces, a la mujer y a su magnitud como creadora; un trabajo que abona a su capacidad artística y a su compromiso como activista. When I Get Home se distingue por la riqueza de sus mezclas; es un proyecto que suena íntimo, como una invitación familiar a pasar un rato cándido; los sintetizadores, sonidos ambientales y fragmentos de voces documentales en conjunto con la voz de Solange, entregan un disco apetitoso de principio a fin. Sin duda un homenaje a la música y a la mujer, un recordatorio de que Solange es una artista para tener en la mira y que aún no sé por qué tardé tanto este año para escuchar tremenda producción.

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Llega a la Cineteca Nacional la película: “Rave En Irán”

En la  Cineteca Nacional estará transmitiendo del 23 al 28 de septiembre la película “Rave en Irán” (2016), la cual trata de 2 DJs que vivirán los peligros del oficio en la música electrónica clandestina de Irán. “Anoosh y Arash son dos DJs que deben lidiar con las dificultades de la escena techno clandestina de Irán: esconderse de la policía, organizar raves en el desierto, vender su álbum sin permiso y ver estancada su carrera. Cuando reciben una llamada del festival techno más grande del mundo para invitarlos a dar un concierto en Suiza, los jóvenes deben decidir entre sacrificar la música y la libertad por la familia y su país. Filmada en su mayoría con teléfonos móviles por razones de seguridad, Rave en Irán retrata la censura y violencia que padecen los iraníes, en un país donde la música occidental está prohibida. El resultado es una historia cruda pero apasionada de dos jóvenes en una encrucijada”. Revisa aquí los horarios y en el video de arriba el trailer de la película.

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Res­o­nant Body de Octo Octa, un álbum que irradia todas las sensaciones de la pista de baile

El nuevo álbum de la Dj y productora Octo Octa está enfocado a la pista de baile, pero en el camino sirve como un bálsamo para el alma. Género: House | Techno | Disco Label: T4T LUV NRG ★★★ En julio, cuando el sol comenzó a ponerse en el último día del festival Melt, en Alemania, la multitud parecía bastante cansada rodeada de una atmósfera hastiada, pero fue Octo Octa quien con su  mezcla de sonidos eufóricos, pausas y silencios, comenzó a irradiar energía positiva mientras bailaba despreocupada, la pista de baile no tardó mucho en volver a la vida.  La música de Octo Octa es cinética, confortable, catártica. Octo Octa quiere hacer que público se conecte con su música a un nivel físico y espiritual, y cuando la música es tan acogedora, alienta a sintonizarse con su estado de ánimo.  Con una discografía que actúa como una memoria personal, Octo Octa cuyo nombre real es Maya Bouldry-Morrison, no es ajena a destapar su alma a través de la música, en donde sus dos álbumes anteriores proporcionaron una salida al difícil proceso que vivió durante su transición de sexo, Resonant Body podría ser entonces la producción de Octo Octa más alegre y centrada a la pista de baile hasta la fecha.  Grabado en diciembre de 2018, después de un agitado año de giras, gran parte de Resonant Body es una mirada a la era dorada del house pero con un ambiente fresco y vibrante. Un disco que irradia una dulce sensación de éxtasis.

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La música en modo nostalgia, o de cómo cancelamos el futuro

El futuro, aquello que excitaba las mentes en décadas pasadas, ha quedado reducido a unas cuentas obras de la ciencia ficción. La cultura pop ha encontrado un oasis de contenidos en el pasado. Se dice que la innovación es uno de los estímulos más seductores para la cultura contemporánea, sin embargo, lo innovador ha quedado lejos de imaginar algo más allá del presente y su pasado, vivimos en una constante cancelación del futuro. Series de TV, reencuentros, reediciones de discos y libros, películas en live action de clásicos animados de nuestra infancia. Es la tendencia, es lo de hoy. ¿Qué nos hace desbordar las emociones del recuerdo y la añoranza? El pasado y la idealización del mismo; dicha idealización dotan al pasado de momentos significativos, mismos que hacen importante nuestra constitución de la identidad y cómo nos experimentamos a nosotros mismos frente al mundo.   En el caso de la música, nos conduce de manera directa a nuestro pasado, y a la forma en la que nos experimentamos a nosotros mismos. Simon Frith lo dice de una mejor manera: “Lo estético describe la calidad de una experiencia (no la de un objeto); significa experimentarnos a nosotros mismos (no solo el mundo) de una manera diferente.” Por ello, cuando escuchamos a la banda favorita de nuestra preparatoria, revivimos la experiencia estética, más allá de lo que la banda o artista, pueda decir melódica o líricamente; sin embargo, es un pasado muerto, un lugar al que no tenemos acceso, por ningún medio más que el de la fantasía. La filósofa mexicana Julieta Lomelí en su reciente texto “Poética de la nostalgia” cita a la a escritora Svetlana Boym: “es un anhelo por un hogar que ya no existe o que nunca ha existido. La nostalgia es un sentimiento de pérdida y desplazamiento, pero también es un romance con la propia fantasía”.   Ése romance con la fantasía, ha sido muy bien canalizado por el consumo, que ha explotado la idealización de esa fantasías, porque sin idealización no hay romance. Vivimos en un éxtasis cada vez más compulsivo por el pasado. ¿Nos estamos esforzando de más por montar una vida lo más apegada al pasado? ¿Por qué una banda hoy en día querría más sonar a los Ramones que postular una imaginativa del futuro al estilo Kraftwerk? No encontramos muchas referencias al futurismo, sin embargo, si encontramos muchas versiones actuales de referencias a artistas del pasado. Es más común escuchar que una “nueva” banda hizo una versión de indie rock sobre el estilo de Chuck Berry.   Frederic Jameson lo explica mejor: No obstante, la palabra “versión” resulta anacrónica en el sentido de que nuestra conciencia de la pre existencia de otras versiones. El mismo Jameson habla del “modo nostálgico” el cual deja fuera a la nostalgia desde la óptica de la psicología. El modo nostálgico atañe más bien a las técnicas “un apego formal a las técnicas y formulas del pasado, una consecuencia del abandono del desafío modernista de crear formas culturales innovadoras adecuadas a la experiencia contemporánea”.   En el libro de “Los fantasmas de mi vida”, Mark Fisher postula como ejemplo de lo antes mencionado, el vídeo de los Arctic Monkeys con la canción de “I Bet You Look Good On The Dancefloor”. Genuinamente creí que era algún tipo de artefacto perdido de un momento cercano a 1980- comenta. Vídeos como esto donde las bandas no representan si no simulan estar en décadas pasadas y pertenecer a ellas, es cada vez más común. The Strokes con “Last Nite” o The Growlers con “Love Test” son 2 ejemplos cercanos al modo nostalgia. Fisher abrocha espléndidamente explicado esto: Las discrepancias en la textura –resultado de las técnicas de grabación y los estudios modernos – denotan que no pertenecen ni al presente ni al pasado, sino a una era implícita “sin tiempo”. La moda de la nostalgia y su consumo.   Sin duda, el pasado nunca estuvo más en tendencia que en nuestros días. Aún recuerdo las vueltas que di por las tiendas de tenis tratando de encontrar un modelo de Adidas. Quería los Gazelle, pero no la nueva versión del modelo, quería la pasada, los que usaba Jay Kay. ¿Mis argumentos? Lo clásico del modelo, los colores y el diseño. ¿Cómo es posible que un producto lanzado en 1960 sea el objeto del deseo por moda? En realidad, el objeto no es la moda ni la tendencia, sino lo retro. Lo que simula. Dentro de ello no sólo existe un sentimiento de originalidad, también de superioridad y distinción, esto afirma que el paso fue superior al presente negado el futuro, al punto en el que la vanguardia cultural nos parezca anticuada o muchas veces ridícula. Recuerdo el film de Noah Baumbach con: Ben Stiller, Naomi Watts, Amanda Seyfried y Adam Driver. La historia va de una pareja sumida en la cotidianidad de una vida sin sobresaltos pero en crisis; ella con la presión social de no tener hijos y él, atravesando un bloqueo creativo para su próximo documental, hasta que conocen a una pareja de jóvenes hipsters y enamorados del pasado. Dicha pareja de jóvenes retrata perfectamente el culto desmesurado hacia el pasado, dejando ver sus postulados en los diálogos, idealizando no sólo la forma en la que se vivía, sino los objetos y escenarios, creando un montaje que a toda costa busca escapar de su presente.   En la música no es muy diferente. La industria del disco marcó toda una forma de consumir música en los años 90, y aunque el CD sea casi obsoleto, el casete ha encontrado un segundo aire para las bandas emergentes que deciden sacar su música por medio de ese canal, o bien, bandas consolidadas que recurren a la nostalgia para recuperar sus inversiones. Hace unos días en Berlín, Sony confirmó el relanzamiento de uno de sus aparatos más entrañables: el Walkman TPS-L2. El Walkman tal como lo conocemos, en su momento fue una ruptura de la forma en la que se escuchaba y

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Robert Fripp y Brian Eno, colaboraciones imborrables en la historia: (No Pussyfooting)

(No Pussyfooting) es un álbum tremendamente manipulado desde las improvisaciones de Fripp hasta las capas sintetizadas de Eno, un trabajo al que podemos catalogar de culto aún en nuestros días, los dos son genios sónicos respectivos de sus géneros. El disco es una odisea a la espontaneidad de 2 mundos arquitectónicos musicales que ustedes conocen muy bien si son fans o seguidores de las carreras de estos músicos, además de que tanto como Eno y Fripp se retro alimentaron mutuamente de ello para trabajos posteriores.  Fripp se nutrió para nuevas exploraciones abrazando las técnicas heredadas de un Eno sintetizado y viceversa, Eno se nutrió de las técnicas del instrumento de 5 cuerdas que Fripp maneja a la perfección. La descripción general de esta obra y más importante es la que cada uno de ustedes quiera darle. Nosotros la canalizamos aquí con mucho amor, además de que cuenta con una portada minimalista preciosa.

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Un cierre con altos decibeles: así fue el ultimo día de celebración del 316Centro

Millones de personas conviven a diario con ruidos que sobrepasan los 65 decibelios (dB), el umbral diurno establecido por la Organización Mundial de la Salud (OMS). La noche del 30 de Agosto era perfecta para romper la norma.   Para hablar del cierre de las celebraciones del primer aniversario de uno de los venues más interesantes de la Ciudad de México, el 316Centro,  es importante recalcar la experiencia que vives al acudir a cualquier evento que organicen. Durante un año han mostrado ser una locación disruptiva que da cabida a los sonidos diversos que nacen de la gente que buscan compartir sonidos refrescantes. Es un lugar que habla y nos cuenta historias desde afuera, simplemente su ubicación es  muy cerca del corazón de la Merced, un lugar que ya es un patrimonio citadino de quien vive aquí. Ya adentro una perfecta distribución de espacios que te permite estar tan cerca de los músicos como quieras,  pocos lugares permiten esa intimidad.   Después de semanas de intensidad llego la cereza del pastel con un evento que debido a la demanda de boletos cambió de sede al SALA, lugar que perfectamente albergó una propuesta del estilo. La noche comenzó puntual con  Vyctoria & Julian Bonequi que tuvieron la oportunidad de hacer un colectivo sonoro  con una fusión de sonidos alusivos al drone.       Me llamo la atención que en el lobby regalaban algunos tapones para las orejas, definitivamente esto era un anuncio de lo que viviríamos más tarde. En punto de las 23:05 Lori Goldston nos invito a olvidarnos de la semana con tonos ácidos y aterciopelados que emitía con su chello y un amplificador Fender. Mientras ejecutaba esta especie de espasmo sonoro muchos de los asistentes sonreían sorprendidos mientras algunos comenzaban a colocar los tapones color naranja.       Por fin llego la media noche, la hora perfecta para recrear un exorcismo auditivo por parte del fundador de uno de los proyectos más enriquecedores de la escena drone, Sunn O))) . Para la gente iniciada en el genero pudimos comprender el motivo primordial de su existencia, es complejo lo que vivimos esa noche ya que no hay explicación de lo que tu cuerpo sentía al momento de interpretar sonidos que que se convertían en una especie de mantra que por alguna razón te satura desde la orejas hasta los pies para purificarlos. Durante el concierto varios  cerramos los ojos, yo en particular intenté imitar los sonidos mientras todo mi cuerpo sentía  una catarsis guiada.     El cierre de esta celebración liderada por Stephen O´Malley fue una  meditación siniestra acompañado de imágenes que simulaban el descubrimiento de un lugar misterioso, todos esos visuales armonizados con 5 Stacks perfectamente ecualizados para derrumbar el lugar. Simplemente maravilloso. Por ahora les compartimos el ultimo álbum de Sunn O))), “Life Metal”.         Visita nuestra galería completa: Fotos de Paola Baltazar  Foto de portada cortesía de Chaba MR

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Artistas imperdibles de la Edición 16 de Mutek

Mutek es un festival de creatividad digital y música electrónica activo en Montreal desde el año 2000 con ediciones satélites en San Francisco, Buenos Aires, Dubai, Barcelona, Tokio y Ciudad de México. Altamente reconocido por la calidad de sus artistas, las producciones de Mutek son conocidas también, tanto por su perfección como por su estilo escenográfico. Se acerca la Edición 16 para la Ciudad de México y como cada año, se presenta un cartel nutrido de artistas que reflejan la dedicación y la organización de Mutek, cambiando talento local con nombres internaciones.  Mutek ha anunciado la primera ola de artistas confirmados, todos sumamente interesantes, pero dentro de este primer anuncio destacan algunos que por su trayectoria y legado en la música electrónica, simplemente son artistas que no se pueden perder.   Tim Hecker & The Konoyo Ensemble  Compositor y artista sonoro canadiense que se especializó en transmutar el audio digital en gruesas miasmas de sonido que combinan la riqueza orquestal con el ataque sensorial de la música producida electrónicamente. Después de alcanzar una apoteosis con su álbum Revedeath, 1972, contrario a lo que hacen muchos artistas, Tim Hecker decidió la moderación. Su álbum Konoyo, es posiblemente el más discreto que ha producido hasta la fecha y ciertamente es de lo más inesperado. Konoyo se basa en grabaciones que hizo en Tokio trabajando con un pequeño grupo de músicos especializados en gagaku, la antigua música del norte de Japón. Fennesz  Artista y compositor de origen austriaco que utiliza una guitarra y una computadora para crear música brillante, ambiciosa y compleja. Fennesz logró quitarle a la guitarra el cliché de ser instrumento con poco alcance y limitaciones físicas, formando un nuevo y audaz lenguaje musical.  Fennesz es reconocido dentro su mundo musical particular por su impecable trabajo en la creación de hermosas composiciones de guitarra que están en algún lugar entre la música experimental, el ambient y los sonidos clásicos, en donde Fennesz extiende sus recursos sonoros y efectos de sonido para crear melodías y atmósferas que fusionan conceptos clásicos y orquestales, con experimentación, investigación musical conceptual y estructuras digitales complejas. Las presentaciones en vivo de Fennesz, con su guitarra y computadora portátil demuestran que él sigue siendo uno de los músicos más atractivos de la música electrónica actual.   Murcof & Jimmy Lakatos  Fernando Corona (Murcof) es un artista mexicano especialista en hacer música electrónica minimalista que se basa en percusiones electrónicas abstractas que a veces llegan a ser complejas. Las influencias armónicas y melódicas de Murcof provienen de la música clásica, del ambient, de la música étnica y de la improvisación. Toda esta mezcla de ritmos e influencias derivan en un ambient perfecto que frecuentemente se acompaña de minimal techno.   Jimmy Lakatos es un artista visual que inició su carrera trabajando para empresas de publicidad y fue introduciéndose rápidamente en la experimentación visual. Miembro de Artificiel, Jimmy Lakatos combina elegantes y reflexivas imágenes análogas y digitales que se conjugan con la música de Murcof para crear un binomio escultural óptico-acústico.  King Midas Sound Kevin Martin es la mente creativa detrás de King Midas Sound, artista que ha renovado y evolucionado perfectamente el soul, el ambient, el dub y el trip hop a través de un dubstep apocalíptico. Con su música, King Midas Sound retrata un apocalipsis urbano dibujado entre atmósferas sonoras densas y asfixiantes, alimentadas por voces profundas y ritmos electrónicos espectrales. Amor y dolor tratados con una sensualidad extrema para entregarnos en directo a una catarsis sonoro inigualable.  Ryoichi Kurokawa  Originario de Osaka pero residente en Berlín, Kurokawa describe sus obras como esculturas basadas en el tiempo, un tipo de arte basado en el flujo temporal, donde el sonido y la imagen se unen de manera indivisible. Su lenguaje audiovisual alterna complejidad y simplicidad, combinándolos en una síntesis fascinante. Sinfonías de sonidos que, en combinación con paisajes digitales generados por computadora, cambian la forma en la que el espectador percibe lo real. 

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