Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Alt-rock, hardcore, post-punk y leyendas de la música en la primera edición de The World Is A Vampire

La primera edición del festival The World Is A Vampire dejó en claro que esta es una propuesta que tiene mucho para dar. Este ambicioso esfuerzo nacido de la mente de Billy Corgan vio la luz el pasado sábado con un cartel con talentos de alt-rock, hardcore, post-punk y ciertas leyendas de la historia de la música.    La curaduría de Corgan sin duda es interesante, en la que consideró espacios para bandas más jóvenes y talentos mexicanos, en una gran oportunidad para presentar su trabajo en escenarios grandes y junto a bandas enormes. Temprano, conforme el público comenzaba a llegar al Foro Sol, El Shirota y Acid Waves calentaron la tarde con sus presentaciones, dos agrupaciones nacionales que se han posicionado como algunos de los talentos más originales en México. Desde Vancouver, llegó Ekkstacy con un show memorable, indie nostálgico perfecto para los corazones rotos. Chelsea Wolfe convocó a un buen número de escuchas y fue muy bien recibida por muchos fans de su goth rock. Al mismo tiempo, en el escenario principal, los Deafheaven tronaban brutal con una propuesta durísima de post-metal, y el mosh pit y el slam comenzaban a tomar forma. En el escenario B, las Margaritas Podridas alt-rock originario de Hermosillo, Sonora, y The Warning, el trío femenino de Monterrey, hicieron lo suyo de manera destacable, representando al norte musical nacional de gran manera en el #TWIAV. Los Turnstile dieron una de las mejores presentaciones del festival, con certeza. Hardcore punk de altísimo calibre, lleno de energía, gran conexión con miles de fans y una ejecución instrumental tremenda. Interpol, como ya es costumbre, cautivó a sus fieles escuchas una vez más y enamoró a muchos oídos frescos ante el trabajo de la banda. Paul Banks y su pandilla tocaron excelente, y arrancaron la ovación del público en diversas ocasiones.   Y después llegó el turno para la primera leyenda de la noche: Peter Hook & The Light. El escenario B se atascó, muchísima gente para el espacio designado, en el que el audio quedó a deber. Aún así, los cánticos del público al unísono en diversos clásicos de Joy Division y New Order te ponían la piel chinita. Cuando concluyó el show, una gran cantidad de personas que caminaba hacia el escenario A entonó el coro de “Love Will Tear Us Apart” como cantata futbolística, generando un momento especial.    “The world is a vampire”, dijo Billy Corgan para empezar el set de los Smashing Pumpkins con “Bullet With Butterfly Wings”. Gritos y aplausos atronadores en el foro. Con un set de dos horas, la banda cumplió y satisfizo a sus más grandes fans, salvo por aquellas personas que hubieran querido ver a D’arcy Wretzky, bajista original de los Pumpkins. “1979”, “Tonight”, “Today”, “Cherub Rock” y muchos himnos más noventeros y dosmileros llenaron el foro con melancolía y nostalgia.    Como entretenimiento adicional, el festival contó con un ring en medio de la plancha del foro para los dos happenings de lucha libre. En la página oficial de la banda aparece ya el cartel de próximas fechas en Inglaterra y Australia, en las que también habrá show de lucha. 

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Pop Ambient 2023, la compilación más emocional del sello Kompakt

Pop Ambient es una medicina contra enfermedades que no se padecen. Hojas de loto musical de las que gotas de agua residuales virtuales salpican el alma. AQUÍ ABAJO ESCUCHA LA RECOPILACIÓN 2023: 22 años ya de Pop Ambient, una celebración silenciosa de notas tranquilas en las que el alma se deja llevar por la elegancia del ambient pop. En los 22 años de celebración de la compilación anual de la disquera Kompakt dedicada a la música ambient, continúa con el tema central que mantiene el concepto estético de esta compilación. Kompakt es un sello discográfico independiente de música electrónica y distribuidor de vinilos/CD con sede en Colonia, Alemania, fundado en 1993, propiedad de Wolfgang Voigt, Michael Mayer y Jürgen Paape. Se especializan en microhouse y minimal techno, y son conocidos por su serie de compilaciones. Según la revista Grooves, “el principal objetivo estético de Kompakt siempre ha sido la combinación perfecta de textura ambiental y estructura lineal 4×4: combinar un diseño de sonido profundo y granular con la intensidad rítmica de 4 compases y el patrón que hace que el house y el techno sean tan efectivos en los clubes”. [4] Kompakt se ha destacado por sus lanzamientos que enriquecen las pistas de techno abstracto con elementos pop como voces; Mayer ha declarado que “crecimos con la música pop y realmente nos gustan los rastros de pop en la música techno. Esta es probablemente la mayor fortaleza de Kompakt: que podemos detectar estos rastros pop y darles un hogar”. Entre los productores que han hecho lanzamientos en Kompakt destacan Gas, The Orb, The Field, Panda Bear, John Tejada, Dettinger, Michael Mayer y Klimek. Aquí el playlist de su copilación 2023: 1.Leandro Fresco / Thore Pfeiffer – Sonne 2.Gen Pop – Blue3.Morgen Wurde – Ende Sah feat. Tetsuroh Konishi 4.Max Würden – Retrieve 5.Triola – Kupferblüte6.Sono Kollektiv – Bolzano Sessions IV 7.Jens-Uwe Beyer – Nero 8.Sono Kollektiv – Bolzano Sessions V 9.Reich & Würden – Receiver 10.Joachim Spieth / zakè – Air 11.Thore Pfeiffer / Kinbrae – Instinkt 12.Blank Gloss – Down At The Heel 13.Ümit Han – Sieg Über Das Ungute 14.Pop Ambient 2023 (Continuous Mix)

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Reseña de Fragments, el emotivo disco de Rachika Nayar

La compositora Rachika Nayar usa sus propias líneas melódicas como fuente de material para la manipulación electrónica, retorciéndolas y estirándolas hasta que ondulan y brillen como reflejos en aguas. El espejismo se disipa y nos quedamos con una figura solitaria arpegiada, uno de los pocos sonidos de guitarra fácilmente reconocibles en el álbum Fragments. Nayar agrega gradualmente más capas, pero pronto se detiene en una nota ahogada entrecortada que sugiere el final abrupto de una improvisada jam session solitaria. La producción y arreglos siguen siendo equilibrados y deliberados incluso cuando la música atraviesa enormes picos emocionales, el aire no planificado de este momento ofrece una mirada detrás de la cortina. El EP Fragments llegó 5 meses después de Our Hands Against the Dusk y funciona como una especie de pieza complementaria. Extiende esa mirada anterior al funcionamiento interno de la música de Nayar, revelando el tipo de grabaciones en bruto que a menudo sirven como puntos de partida para sus composiciones más grandes, según los materiales promocionales. Las 11 pistas del EP varían en duración desde 54 segundos hasta 2 minutos y medio, y generalmente contienen varias partes de guitarra entretejidas en un entramado intrincado, en bucle con acompañamiento electrónico ocasional. A menudo son encantadores y casi siempre terminan antes de lo que quisieras. Su magia radica no solo en sus texturas cristalinas sino también en la forma en que Nayar las desarrolla a lo largo del sofisticado arco compositivo de una pieza determinada. Cada pista en Fragments es similar a una sola parada en uno de esos viajes. Nayar presenta una idea, la deja funcionar por un tiempo, luego desconecta y pasa a la siguiente. Escuchar el EP se parece un poco a examinar los materiales auxiliares de una exposición de museo, mirar los primeros borradores de carboncillo sobre papel mientras cuelgan lienzos espectaculares detrás de usted. Nayar cita el midwest emo como una de sus influencias, que en el pasado era más audible en su trabajo como un trasfondo de sensibilidad en lugar de un punto de referencia explícito, una franqueza descarada de sentimiento y un instinto para los cambios de acordes que hacen que se te haga un nudo en la garganta. En los Fragments, la conexión está mucho más cerca. Nayar también menciona el trabajo del compositor minimalista Steve Reich, interpretado por el virtuoso guitarrista de jazz fusión Pat Metheny, como fuente de inspiración. La interacción de guitarra tintineante de pistas como “allegheny” y “softness” recuerda claramente el sonido emo canónico del midwest emo o incluso en el Math Rock, pero la forma en que Nayar usa estos riffs como recipientes para la repetición similar al trance es puro Reich. Como menciona una reseña del medio binaural: “… es ambient como nexo entre el math, el post rock y el emo de estética más digital”.

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Festival MexProg 2022: Reviviendo leyendas.

El rock progresivo en México ha sido un género que se ha mantenido en un sector muy específico de fanáticos desde sus inicios en el país. Como lo mencionó Víctor Moreno, un veterano fanático desde los tiempos de Avándaro, “en estos eventos lo único que cambia son las bandas, porque siempre venimos las mismas personas”, haciendo referencia al público de nicho que apoya fielmente este género.   El 22 de octubre se llevó a cabo -después de 20 años- la segunda edición del MexProg 2022, evento en el que participaron las 4 bandas nacionales Tangerine Circus, Rostro del Sol, Govea y la legendaria banda Chac Mool y 2 actos internacionales, Gianni Leone de Il Balleto di Bronzo y Colin Bass, bajista histórico de Camel.   A diferencia de los conciertos a los que el público en general puede estar acostumbrado, este festival se realizó en el Teatro Ferrocarrilero, lo que remitía a viajar en el tiempo, al tener guardadas a cada banda detrás de un gigantesco telón entre cada cambio y tener a los asistentes sentados en butacas que pudieran ser las mismas de cuando se construyó este recinto en 1968.   Al punto de las 3 de la tarde, el antes mencionado Victor Moreno y Jaime García -integrante y creador de varios proyectos y agrupaciones de rock progresivo mexicano- hicieron la presentación del festival, rememorando la primera edición, realizada en el 2000 y el recorrido del catálogo de la disquera Sun & Deneb Records, encargados de organizar el evento.   Tangerine Circus fue la banda encargada de comenzar el evento a las 15:17 horas. Cuarteto nacional que rescata la estructura del progresivo clásico y que la fusiona con elementos contemporáneos, se destacan por su fusión con toques de metal a la Porcupine Tree y sus pasajes virtuosos de piano, guitarra y bajo. Sus visuales con espirales adornados de relojes y figuras caleidoscópicas levantaron la presencia de la banda.     Les siguió Rostro del Sol, una banda que retoma el sonido clásico del rock mexicano de los 70’s que rememora a bandas como El Ritual, Toncho Pilatos y Peace and Love, con esa mezcla entre blues y rock psicodélico, aprovechando los instrumentos característicos del género. En el grupo, hay un saxofonista, clarinete y sintetizadores virtuosos, además de rescatar el uso del timbales ceremoniales.     La banda se destacó por su gran energía derrochada en el escenario que contagia al escucha a emocionarse. A diferencia de los grupos actuales, el vocalista de Rostro del Sol no duda en demostrar su talento vocal que recuerda a Robert Plant.   Continuó el ensamble de Salvador Govea, quien fuese tecladista del grupo de rock progresivo Iconoclasta entre 2001 y 2004. Entre dificultades técnicas tardó en comenzar. Los músicos que lo acompañaron fueron Luis Arturo Guerrero en el bajo y Hugo Sapia en la batería.   Fue un trío instrumental que presentó canciones como “Duelo” de su segundo álbum “Raíces” y demás canciones del LP “Danza Urbana”. A su vez, Govea hizo homenaje en solitario a varios tecladistas europeos que le sirvieron de influencia como el alemán Jürgen Fritz, de Triumvirat, con la pieza “A Day in a Life”; el británico Keith Emerson con “The Trainer”; los tecladistas de Yes Rick Wakeman y Patrick Moraz interpretando la canción “Karu”; del argentino Alberto Ginastera con “Malambo” con arreglo de Keith Emerson Band y cerrando su presentación con himnos del progresivo como “Focus III” y “Karn Evil 9”.     Para cerrar los actos nacionales, la legendaria banda Chac Mool, a cargo del fundador Armando Suárez, dio un recorrido por los éxitos de la agrupación en sus primeros álbumes Nadie en Especial y Sueños de Metal, iniciando con “Un Mundo Feliz”, “Razones”, “Bienvenidos Al Fin Del Mundo”; “Requiem”, haciendo homenaje a las personas fallecidas en la pandemia y con énfasis principal a los miembros fallecidos Jorge Reyes, Carlos Alvarado y Eduardo Medina, para cerrar con “Salamandra”, “Sombras de la Noche” y “Nadie en Especial”.   Esta encarnación de Chac Mool es posible gracias al talento joven de Rodrigo Martínez en la guitarra, Rafael Ramos en el bajo y Aldo Lira en la batería.       Llegando a los actos internacionales, Gianni Leone presentó un setlist en solitario conformado por dos partes, siendo la primera un tributo a sus influencias y la segunda a su carrera con Il Balleto di Bronzo y de su etapa como solista.   Siendo un acto de una sola persona, tocó con un conjunto de caja de ritmos y sintetizadores Roland y Korg. Su actitud extravagante y carismática provocó sonrisas en los asistentes que lo veían manifestándose como una estrella de rock de los setentas, conservando esa energía y trayéndola a nuestra época.   Durante la primera parte dedicó la canción “Can We Still Be Friends?” de Todd Rundgren, a Colin Bass; además de interpretar otras como “Baby’s on Fire” de Brian Eno, “Sexy Sadie” de The Beatles y “Nevermore” de Queen.   Leone comentó que el guitarrista que lo marcó fue Jimmy Hendrix a los ocho años y posteriormente el tecladista Keith Emerson.   Durante su segundo set, por una mala coordinación en los visuales, Gianni rompió hacia una actitud estricta y bajó del escenario para confrontar al encargado de esa labor, lo cual fue aprovechado por los asistentes para tomarse fotos y pedir autógrafos ante lo que el italiano se les acercó con entusiasmo.   Entre las canciones de Il Balleto de Bronzo que tocó fueron “Napoli Sotterranea” dedicada al lugar donde nació y “La Tua Casa Comoda”, la cual no había sido tocada en mucho tiempo.     Para cerrar el festival Colin Bass ofreció un set acústico, íntimo y emotivo, interpretando canciones de sus álbumes como solista como “Denpasar Moon”, “As Far As I Can See”, “Walking to Santiago”; dedicando la canción “The Man Who Never Was” a un fanático mexicano que era fan de Camel y que lamentablemente había fallecido antes de poder asistir al festival.    Subieron al escenario los músicos de Tangerine Circus,

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Stereolab anuncia ‘Pulse Of The Early Brain’, quinto compilado de rarezas

El pasado 26 de junio, Stereolab celebró 30 años de su debut formal, marcado por el estreno de su primer álbum Peng! (1992). Desde entonces y hasta ahora, la discografía del grupo londinense se ha mantenido como un work in progress gracias a las constantes reediciones, remezclas y colecciones de rarezas que estrena año con año. A esta serie de lanzamientos se sumará el álbum Pulse Of The Early Brain, quinto volumen de la serie de compilados Switched On, dedicada a reunir lados B y tracks inéditos de Stereolab. Pulse Of The Early Brain será distribuido por Duophonic Records y Warp Records en formato digital y físico, de doble disco compacto y de 3 vinilos. La compilación incluirá un total de 21 piezas que abarcan los 30 años de existencia de Stereolab, desde piezas de la época de su EP seminal Low Fi (1992) hasta rarezas de Chemical Chords (2008), último álbum oficial del grupo. Como primer adelanto de este material, Stereolab compartió la canción “Robot Riot”, pieza que el grupo compuso originalmente para una exposición del artista estadounidense Charles Long —con quien la banda había colaborado anteriormente, en una obra que quedó registrada con el álbum Music for the Amorphous Body Study Center de año 2000—. Además de “Robot Riot”, el compilado incluirá piezas como “ABC”, cover estrenado originalmente en un tributo al grupo neoyorkino de los sesenta Godz; “Magne-Music” y “The Nth Degrees”, las cuales vieron la luz dentro de la edición japonesa del álbum Chemical Chords; “Blaue Milch”, grabada originalmente para un compilado de Peter Thomas Sound Orchestra, y “XXXOOO”, tema lanzado en 1992 como promocional del fanzine Tea Time. Asimismo, Pulse Of The Early Brain incluirá canciones conocidas, como una versión en vivo de “Cybele’s Reverie” grabada desde el Hollywood Bowl en 2004, así como “Refractions In The Plastic Pulse”, esta vez remezclada por Autechre. De igual forma, el compilado incluirá los temas que Stereolab estrenó en colaboración con Nurse With Wound en 1997, y las versiones en físico reunirán también las remasterizaciones de las cuatro canciones que conformaron el EP Low Fi (1992). Pulse Of The Early Brain es el segundo lanzamiento de la serie Switched On desde la entrada de los años 2000, siendo el primero Electrically Possessed, lanzado a mediados de 2021. Sin embargo, es también el quinto volumen de la serie Switched On, la cual comenzó en 1992 con el compilado del mismo nombre, dedicado a reunir los tres primeros EP de Stereolab; continuó en 1995 con Refried Ectoplasm, donde se juntaron rarezas de los primeros años del grupo, y siguió en 1998 con Aluminum Tunes, uno de los compilados favoritos de los fans. El lanzamiento de Pulse Of The Early Brain coincidirá con la gira que Stereolab dará por Estados Unidos y Canadá, la cual abarcará más de 20 ciudades entre los meses de septiembre y octubre de este año. Por su parte, Pulse Of The Early Brain se estrenará este 2 de septiembre y la preventa ya está disponible en el Bandcamp del grupo (https://stereolab.bandcamp.com/) y en su sitio web oficial (https://stereolab.co.uk/).

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Austero presenta: Reina Frustrada

Este mes, el trío de Chihuahua lanza su más reciente sencillo titulado Reina Frustrada,  la cual nace en pre-producción a cargo de Joe Cardamone (The Icarus Line) hace algunos años en Los Ángeles, quién aportó estructura en la música y trabajo en las melodías vocales, y es ahora, en 2022 que la banda graba y produce la versión final como parte del próximo EP que viene en abril. Reina Frustrada es una canción que explora la parte más pesada de la banda por medio de potentes riffs de guitarra, baterías estridentes y un profundo bajo dentro de una mezcla expansiva que respeta cada sonido del track. Reina Frustrada fue grabado el cual fue grabado en el estudio Las Dunas ubicado en Monterrey. Escucha Reina Frustrada aquí y mira el video que acompaña a este poderoso sencillo.    https://www.youtube.com/watch?v=ET-xVcBZXiQ

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30 años de Vulgar Display of Power, de Pantera

“Súbele a esa madre”, es lo que una de mis hermanas suele decirme cada vez que escucha música que le resulta demoledora, cuatro palabras que pronunció cuando sonó mi disco de Vulgar Display of Power de Pantera, por primera vez. Tenía 23 años cuando el sexto álbum de estudio de los texanos llegó a mis manos, uno que me hizo ojitos con su portada de un compa recibiendo un golpe directo a la cara, y al título que poco tiempo después supe que se trataba de una expresión dicha por Regan al padre Damien Karras en la película El Exorcista, justo cuando le pide una muestra de su poder a la posesa. Qué osado el sacerdote aquel. El disco que lo definió todo Antes de ver a un Phil Anselmo contorsionarse sobre los escenarios, escuchar el doble bombo de Vinnie Paul, los riffs endemoniados de  Diamond Darrell y a un Rex Brown desgarrando las cuerdas de su bajo, Pantera ya llevaba tiempo en el glam metal, género que después de la entrada de Anselmo, en sustitución de Terry Glaze, quedó en el olvido. A Vulgar Display of Power abrió las puertas del infierno un 25 de febrero de 1992, bajo el sello Atco Records, con Terry Date como productor, quien 2 años antes había maquilado junto con el cuarteto el Cowboys from Hell, quinto material discográfico que ya nos daba un adelanto de lo que estaba por venir. Al término de un tour con Judas Priest, Exodus, Sepultura, Suicidal Tendencies y Prong, en el que promocionaban ese quinto álbum, Pantera regresó al estudio para preparar su siguiente disco, uno que ya contaba con demos de 3 canciones antes de la intervención de Date. Su decisión de dejar atrás el spray para el cabello y los jeans ajustados estaba más que tomada, así como su interés por definir, sin miramientos ni inhibiciones, ese sonido característico que hasta la fecha los tiene como una de las bandas más representativas del groove metal, subgénero que se distingue por riffs no tan veloces, pero sí profundos y contundentes. La aparición del álbum negro de Metallica, en 1991, uno que de plano no agradó nada a ninguno de los cuatro, y su búsqueda de una identidad musical, fue lo que llevó a Pantera a marcar un antes y un después en su trayectoria; además de crear el sonido definitivo que los distinguió y los colocó en la cima y que mostró el talento lírico de Phil. Once canciones que arrancan con “Mouth of War”, tema que invita a quien la escucha a tomar venganza hacia uno mismo, a usar la ira a nuestro favor y no dejar que los demás opinen sobre tu propia vida, mensaje que se mantiene en “New Level”, segunda pista que motiva a confiar en nosotros mismos y avanzar juntos en contra de una sociedad que quiere verte caer. “Walk” es la siguiente canción, una que se volvió un grito de guerra para la banda y los fans, además de un reclamo abierto hacia aquellos que envidian tu éxito, que te critican y que les arde ver cómo eres fiel a tus ideas, acciones, palabras y a ti mismo, sin importar lo que los demás piensen o digan de ti. En “Fucking Hostile” la invitación de dejar tu mala actitud y adueñarte de tu propia vida continúa, acompañada de la rapidez de los riffs de un Darrell preciso y lleno de furia, sonidos que no dejan de salir desde los primeros segundos del disco. Sin perder la contundencia de la letra ni de su melodía, Phil se detiene un momento para entregarnos “This Love”, un tema cargado de sensibilidad, honestidad y una voz atiborrada de furia y crudeza. El doble bombo de Vinnie Paul y la velocidad a la que se mueven las cuerdas de la guitarra de su hermano regresan de inmediato con “Rise”, rola que reitera esa necesidad de revelarse contra lo social y políticamente impuesto, y de dejar de culpar a los demás por tus malas decisiones. Para “No Good (Attack the Radical)” el juego de tonos vocales de Anselmo se hace presente, predominando esa ira y aspereza que lo distingue durante los poco más de 58 minutos que dura el álbum, canción donde las mentes cerradas, plagadas de prejuicios, no tienen cabida. “Live in a Hole” abre con un bajo tajante, en manos de Brown y una precisión en la batería, tema con el que Phil se abre de capa reconociendo sus miedos e incluso su incompetencia para encarar una realidad cruel que lo asfixia. Pero poco le dura ese temor, pues en “Regular People”, el cabeza rapada, nacido en Luisiana, se reivindica diciéndole al mundo que tiene la suficiente fuerza para mostrarse tal cual es y hacer lo que muchos no se atreven. Con el siguiente track, “By Demons Be Driven”, las cuerdas vocales de Anselmo, envueltas en la melodía del bajo y la batería, hablan de cómo los demonios de la época arrastran lenta y dolorosamente a los jóvenes hacia un abismo del cual parece no haber retorno. Y como estocada final, este disco cierra con “Hollow”. Aquí se puede sentir la melancolía de un Phil que debe dejar ir a un ser que le dio luz y paz, partida que a pesar de no creer la asume y la desahoga con música impregnada de rabia y sufrimiento. Identidad llena de poder Gestado entre el heavy metal y el hardcore, Vulgar Display of Power fue la punta de lanza que definió el sonido e identidad de Pantera, al igual que la línea que seguirían sus próximos discos. Los temores, angustia, la lucha por definir quién eras y hacia dónde ibas, y la cotidianidad asfixiante que se vivía en aquel entonces, junto con los sonidos particulares salidos de cada instrumento, sumados a lo áspero y descarnado de la voz de Phil, hicieron de este sexto álbum un emblema en su carrera. Les dio un doble disco de platino por sus más de 2 millones de copias vendidas, 77 semanas en el

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