Depósitio Sonoro

Crónicas y Reseñas

Music Has The Right To Children de Boards of Canada cumple 23 años. Un álbum que reinterpreta la nostalgia

Alguien tiene que alzar la voz y hacer el eco suficiente para darnos cuenta de la magnitud de lo que significa el aniversario 22 del disco Music Has The Right To Children de Boards of Canada. Una obra magistral y enorme creada por dos mentes musicalizando un concepto iluminado y de una manera evocadora hacia nuevos pasajes a lo desconocido, quizá comandado por el misterio y la intriga. La obra está compuesta y llena de matices ambientales que diversificaban la propiedad de nuevos géneros hasta ese momento (Intelligent Dance Music, Ambient, Psicodelia, Downtempo). El sonido electrónico ambiental son registros atraídos sorprendentemente de las profundidades de una síntesis atemporal que cuando se llega al nudo de las composiciones, es imposible resistirse al efecto de su encanto melancólico. La magia de este disco es que logra mantener un ritmo constante ligeramente más lento que la mayoría de sus contemporáneos de los años 90, como Autechre, Aphex Twin, Squarepusher o Plaid, crea un punto de referencia sobre hacia dónde se dirigen las cosas. Es como si lograran tipificar rítmicamente las sonoridades de sus percusiones apuntaladas por los lamentos de un mundo en donde los humanos escuchan, sienten, bailan, sufren y aman. Eso puede sonar aterrador y quizá lo es; sin embargo, es extrañamente reconfortante escuchar la música de Boards of Canada. El arte de la portada el arte tiene una familia de los años 70, con los rostros borrados en distintas tonalidades. Entre triángulos, rombos, matices e inflexiones Board of Canada puede llegar de golpe, como un collage con miles de fotografías de viajes y vivencias, como un mantra que busca el trance y la liberación de la mente del flujo constante de pensamientos difusos.   Un disco que te puede atravesar el alma; para degustar, sin prisa alguna, con la calma del campesino que observa su cosecha en temporada fluvial. En un lacónico tiempo este dúo escocés dejó rastros aún inconclusos. Hoy, más allá de ser una banda influyente y de “culto”, Boards of Canada se ha vuelto atemporal. Pueden empapar de nostalgia con su gran misticismo. Music Has The Right To Children nos abraza con mucha profundidad y sutileza, representa una nueva revelación, son espeluznantes, estimulan, atrapan y suavizan el alma de quien los escucha por primera vez bajo un cielo responsable de lo hipnótico hacia un nuevo significado, hacia un derecho que nos pertenece a todos: la música.

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#Estreno. Mouse on Mars – Dimensional People, un álbum con invitados a la altura de su música

Mouse on Mars ha estado haciendo música desde que Jan St. Werner y Andi Toma tenían 25 años, cerca de 1993. Gracias a la ayuda de gente como Bon Iver y The National han creado el álbum Dimensional People, álbum que probablemente nunca puedan vencer.    En realidad Bon Iver estaba invitado desde que se empezó a idear el disco pero fue en junio del 2017 cuando Mouse on Mars fue invitado al Festival Eaus Clair en donde se encontró con innumerables músicos interesantes para su nuevo álbum. Bon Iver les presentó a los miembros de The National, a la rapera Amanda Blank y a decenas de artistas que colaborarían en vientos, cuerdas y percusiones; “siempre hubo músicos que ni siquiera conocíamos“, confesó Jan Werner. Entre la gran variedad de artistas e ideas Mouse on Mars abrió las puertas y creo cosas para todos ellos, para que un banjo y una rima de rap pudiera combinar con su música. Así fue como sus invitados pudieron moverse libremente sobre los bucles y ritmos ofrecidos por ellos para después reunir el rompecabezas acústico y su posterior procesamiento en su estudio de Berlín.  Sonido espacial tridimensional  Por su puesto la velocidad de Dimensional People siempre fue la misma: 145 bpm lo que permitió a Mouse on Mars organizar las piezas y dividirlas en folk, ambient, rap y rock. Para masterizar el álbum utilizaron un software de sonido envolvente por lo que la música parece tridimensional. Al final obtuvieron un mosaico gigantesco de sonidos, voces e instrumentos enriquecido por los numerosos invitados que rara vez están en primer plano pero que son parte del concepto general del disco. Algunos dirán que Dimensional People es un álbum demasiado avant-garde, pero mas bien el disco está en busca de nuevos sonidos, tal como Brian Wilson, Can, David Bowie o Brian Eno lo intentaron alguna vez. Esta es la obra maestra de Mouse on Mars que difícilmente vencerán.  Un disco que puede escucharse en diferentes situaciones y que siempre da algo nuevo, la primera vez lo escuche caminando y no me gustó tanto, la segunda vez sentado en un sillón mirando la ciudad desde las alturas y quedé ¡encantando!.

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Leftism de Leftfield: pilar electrónico de los 90

Allá por el lejano año de 1995 estaba en auge varios géneros clásicos de la música electrónica, entre ellos el techno, dance, trance, psycho, y el progressive house,   motivaron a algunos grupos  a mezclar sobre estos géneros, entre ellos a finales de los 80 nació el grupo Leftifield. Este dueto originario de Londres formado por Paul Daley y Neil Barnes en 1989, comenzaron a experimentar con varios sonidos y hacer importantes colaboraciones, un ejemplo de ello fue con John Lydon , el mismísimo mítico vocalista de los Sex Pistols, y esto se demuestra en uno de sus primeros sencillos “Open Up”. Pero el reconocimiento no les llegaría hasta 1995 donde llego el álbum que cambio la perspectiva de muchos Djs y productores. Leftism es considerado uno de los mejores álbumes de música electrónica de toda la historia, la primera impresión es la portada, la parte frontal de la boca del  sistema óseo de un anfibio mostrando un subwoofer en su interior, en ello te dabas cuenta de que tan sorpresivo e inesperado pudiera ser el contenido del disco, desde su comienzo con la ya tan mezclada “Release the Pressure” a mediados de los 90 llegaron a los charts del Reino Unido, pero lo que realmente innovó fue la incursión de instrumentos con sonidos nativos de África, el resultado fue “Afroleft” con la colaboración del intérprete africano DJUM DJUM que movió las masas hacia sonidos de diferentes percusiones,  “Song Of Life” es (al menos para mí y creo que también para gran parte de los seguidores) una de las mejores creaciones hechas por este dúo, se percibe con un comienzo un tanto introspectivo y lento, para luego arrancar con ambientes de un sintetizador que te envuelve y termina por hacer un tremendo estruendo en todos los sentidos auditivos, pero no todo el disco es mención de estar en una densa atmósfera de movimiento, rolas como “Melt” nos hace evocar un chill out lleno de tranquilidad y misticismo sin perder esa esencia de un beat en un lento pero continuo movimiento. Como podrá apreciar el lector Leftism fue un disco que marcó pronunciadamente la adolescencia de muchos jóvenes  en busca de escuchar algo realmente diferente y novedoso en la música electrónica, y aún dos décadas después sigue haciendo una referencia para muchos artistas actuales que se remiten a crear sus propios sellos haciendo referencia a este monstruoso LP.  

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#Estreno. Nils Frahm – “All Melody”

Música extraordinaria, increíblemente bella, celestial, casi enviada por la deidad. Es todo lo que he escuchado esta semana en el nuevo álbum de Nils Frahm, All Melody, no hay nada mas decir y no me importa admitirlo; ese tipo que estaba caminando por la ciudad con audífonos y con una gran sonrisa en el rostro, era yo. Descubrí a Nils Frahm justo después de mudarme de casa, en un mal momento, especialmente cuando la gloria de su álbum en vivo Spaces se hizo evidente. En la portada del nuevo álbum de Nils Frahm se observa su nuevo estudio construido con la ayuda de sus amigos en un edifico histórico en la parte antigua de Berlín. En los últimos años Frahm ha crecido rápido en popularidad siendo después de Ólafur Arnalds el músico más popular que con frecuencia mezcla música neoclásica con música electrónica. Su nuevo estudio le permitió experimentar el contenido de su corazón sin tener que preocuparse por los vecinos. Poder trabajar en paz claramente le ha dado frutos y logró proporcionarnos más de setenta minutos de placer auditivo. Este álbum revela una amplia gama de sonidos e ideas, más que en sus trabajos anteriores. Según Frahm los sonidos que imagina en su cabeza parecen imposibles, pero Frahm produce música extraordinariamente bella y radiante que presumiblemente es la aproximación más cercana a sus pensamientos.  All Melody es un álbum encantador, el mejor que Nils Frahm ha hecho en un estudio hasta la fecha, sería fascinante escuchar lo que hace con el en el escenario. 

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#Estreno. Alva Noto – “Unieqav”

Alva Noto (Carsten Nicolai) concluye la trilogía de álbumes prefijados por UNI con Unieqav, la tercera instalación y la más centrada a la pista de baile. La continuación de Unitxt (2008) y Univers (2011) une oscilantes ritmos electrónicos de gran amplitud y techno minimalista a manera de recordarnos con gran fuerza la última producción de Monolake e Ilpo Väisänen, sin embargo, a pesar de todas las comparaciones se sabe inconfundiblemente que se trata de Alva Noto.   Siguiendo las raíces del proyecto en la pista de baile del Club UNIT en Tokio hasta un final lógicamente satisfactorio, Nicolai despliega 12 temas típicamente intensos pero conmovedores definidos por la dinámica y el flujo de sus sonidos y dimensiones ideales para renderizar en un club nocturno o poner la cabeza bajo el agua gracias a una conjunción notable de minimalismo-maximalismo tonal y sensibilidad estudiada hacia la propiocepción. Los resultados de este último trabajo de Alva Noto son frágiles pero robustos, altamente placenteros en un contexto de auriculares y sofá manteniéndonos cautivos entre sus líneas con el punzante puntillismo de Uni Clip y la asombrosa escala ascendente de Uni Normal; con el drama panorámico de Uni Blue y con un movimiento rápido similar a un movimiento de pies con Uni Edit, mientras que las voces de Anne-James Chaton dan fuerte contraste a Uni Dna.  Otro álbum más de Alva Noto altamente recomendado. 

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The Chameleons: añoranza y recuerdos del Script Of The Bridge

Hace 15 años mientras estaba re descubriendo bandas que me han marcado en cada momento de mi vida, me percate que tenían una canción con tintes de un post punk armonizado con unas guitarras y una voz que resaltaban, por un momento llegue a pensar erróneamente que era U2 por el sonido similar y no tarde en preguntar en la tienda de discos y la persona encargada me miró de re ojo y me dijo que eran The Chameleons, en cuanto se percató de mi interés me mostró un LP en donde la portada muestra la cara de un infante viendo hacia un paisaje totalmente desolador y surrealista a la vez.   En cuanto llegue a mi casa puse el LP mientras miré fijamente el nombre del disco Script Of The Bridge y empezaron los acordes del primer track “Don’t Fall”,  a veces es un poco complicado describir ese justo momento en que una banda te vuela la cabeza desde el primer momento en que suena el tocadiscos, y eso paso con The Chameleons.  El disco de principio a fin sonaba una y otra vez y no podía entender como esta banda de post punk de principios de los 80 no recibió la atención y el mainstream que merecían, “Up The Down Escalator” son de esas rolas que inmediatamente piensas que fueron un himno en aquellas épocas, la letra desesperanzadora del vocalista y bajista Mark Burgess me hacen evocar recuerdos en que el new wave y post punk se fusionaron para crear nuevos sonidos que venían de un Manchester  con mucha propuesta musical, “Second Skin” creo que este track es mi favorito del disco, ya que me muestra cómo se pueden manejar diferentes tiempos de melancolía y atmósferas de un new wave lleno de guitarras atmosféricas.   La segunda parte del LP es bastante interesante ya que rolas como “Less Than Human” hace recordar un post punk más estilizado y puro, mientras llega otro momento álgido y lleno de nostalgia con “Thursdays Child” que evoca un comienzo con unas guitarras un tanto emotivas  terminando con la lírica “Creciendo lentamente avejentado”. Para cerrar el disco “View From a Hill” te invita a reflexionar sobre si los últimos tracks deben ser lo mejor del disco porque la voz de Mark Burguess está en un tono bastante pasional. No cabe duda que The Chameleons tuvo mucha influencia para bandas que vinieron después, como Interpol por mencionar un claro ejemplo en el cual Paul Banks comenta que su sonido es similar a esta gran banda.

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Reseña de Song for Alpha de Daniel Avery, misterio y magia

Daniel Avery ha sabido superar el éxito arrasador de Drone Logic, quizá en popularidad  Song for Alpha no lo alcanzará, sin embargo, ahí radica el misterio y la magia, el escalón que lo eleva, no se repite ni se vuelve una caricatura de sí mismo. Es un artesano extrovertido pero en realidad tímido. Los tracks que ha venido construyendo para esta nueva placa son hambrientos y bombásticos pero también reflexivos internamente. La autenticidad es el platillo fuerte, están los beats pero también están los pasajes reflexivos y clavados a lo Brian Eno. Los 14 temas impulsivos de este nuevo disco  te estremecen la médula ósea y trasplanta el latido de tu corazón, pero no te deja tranquilo de esas posesiones demoníacas comandadas por sintetizadores modulares. Se convierte tema a tema en la gran excepción del techno actual jugando con dichos impulsos, sus reflujos y contornos completamente a placer, sin pretensiones y determinismos, es por sobre todo robóticamente gratificante saber que inclusive se puede jugar con el sonido acid del 303.

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Broadcast, o sucumbir ante la escritura automática de los botones tiernos

Es un tanto llano el día de hoy buscar la casilla para definir una música como la de Broadcast, desde lo más amplio y abstracto como sería denominarle Indie Rock, hasta clavadeces más estilizadas como pudo ser electropop experimental. Ambas definiciones un tanto válidas… un tanto escuetas. Para robustecer esta mirada por el retrovisor apelamos a uno de sus álbumes más exitoso, y no por ello menos denso: Tender Buttons (Warp, 2005). Un disco en el que hay que estar preparados para escuchar sintetizadores saturados, comprimidos, electrostáticos, corto-circuitos y demás ruidos relacionados con aparatos que emiten sonidos provenientes de la electrónica de bulbos. En tiempos donde Audiogalaxy y su básico sistema de algoritmos nos llevaban de una banda a otra esperando horas (quizá días) para bajar algún disco que parecía interesante, cierta vez me topé con este material que me atrapó de manera permanente y merecía la pena utilizar todo el internet de conexión telefónica posible. Las letras nos llevan por caminos ambiguos basándose en el método de escritura automática, Trish Keenan nos lleva por de resonancias y psicodelias de corte más bien pop que se quedan como una goma de mascar con muchas tonalidades en sabores y colores a explorar mientras se van degustando. I found the F, es el tema que abre el disco con una especie de escala básica de acordes de sintetizador y una batería que recuerda a algunos fills del clásico Starr. Todas las piezas conservan esta estructura verso-coro- verso que; sin embargo, nos remontan a música experimental. Un tanto por la saturación de los efectos y ruidos armónicos, un tanto por las letras en aparente irracionalidad. Tears in the typing pool nos frena y nos da un respiro del ambiente fuzzy previo. Es una canción de corte casi acústica y tonos nostálgicos en cuya letra no encontramos más que atmósferas de situaciones: The letters are sighing // The ink is still drying // I told you the truth // And now I sigh too. Escenas efímeras, nada explícitas porque no hay mucho que explicar. ¿Para qué? Tender buttons es un disco que merece escucharse tanto para crearse imágenes oníricas en la cabeza, como para dejar que esos ruidos exploren diferentes partes a las que nuestro cerebro no está acostumbrado… o no tanto.

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