Depósitio Sonoro

Nostalgia

This Is Ska, antes de The Specials a la época de Prince Buster y demás origen

This Is Ska nos presenta a este ritmo musical en su verdadero origen con brillantes  imágenes de la época señalada, con gente bailando los primeros clásicos del género, inventando el futuro a su manera y también, el presente de aquellos días de uno de los géneros en donde predominaba el amor y la energía de toda una cultura. Es un documental basado totalmente en la música y con pocas explicaciones más que las necesarias, es decir, que la música y las imágenes sean las que te digan todo, un viaje en el tiempo total, la intimidad de las tocadas, el desenvolvimiento del público bailando, la eterna aura musical de algunos de sus pioneros, porque cabe recordar y siempre es bueno tenerlo presente, que antes de la explosión de la 2 Tone con The Specials, Bad Manners o Madness digamos a manera más comercial o mundial, algunos de sus precursores que inspiraron a los que vendrían después, fueron Prince Buster, Derrick Morgan o el grupo The Aces de Desmond Dekker, entre muchos otros. Nombres que jamás serán olvidados.

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Celebramos aniversario número 33 de Sarah Records

El sello discográfico Sarah Records cumple en este mes 33 años desde su fundación, el cual ha experimentado una significativa popularidad después del lanzamiento del libro Popkiss: the life and afterlife of Sarah Records de Michael White y el documental My Secret World: the story of Sarah Records de Lucy Dawkins, asimismo, por el resurgimiento del indie pop y todas las cosas “twee”.   Sarah Records se fundó por Clare Wadd y Matt Haynes en Bristol, Inglaterra, en 1987, sin embargo, anunciaron el fin de su historia el mes de agosto de 1995 a través de NME y Melody Marker; medios en los que propusieron terminar con su corta trayectoria con el emblema “A day for destroy things”, pues la premisa que caracterizó a dicha disquera fue asumir que nada era para siempre; en sí se trató de una especie de performance de art-pop que implicaba la autodestrucción del sello debido a una convicción política que criticaba a la industria musical establecida. Como lo dijo Hegel: el deseo es la presencia de una ausencia y Sarah Records no va a estar ahí todo el tiempo, incluso, genera un vacío, una nada que se materializa en una suerte de rechazo permanente hacia la vida pública. Quizá por esa búsqueda permanente uno vuelve al pasado para desempolvar toda esa música que nos hizo sentir algo especial en cierto momento, sin embargo, no todos tuvieron la fortuna de tener el material que produjo la disquera, igualmente, no se encuentra fácilmente en los servidores de música online ni en las tiendas de discos, sí, no hay más que unos cuantos tracks sueltos. Esto ocurrió después de que los fundadores lanzaron el álbum número 100 y decidieron que no habría más copias ni permisos para que se siguieran emitiendo los discos de las bandas, pero no contaban con que los escuchas ya no podrían tener acceso a estos materiales y las copias que había adquirían un valor muy alto entre los coleccionistas. Para resolver este problema subieron el material vía Bandcamp y los precios para adquirir alguno de los álbumes se lo dejan al criterio del consumidor.     Hay una razón que explica esto: Clare Wadd y Matt Haynes se involucraron en la música escribiendo fanzines políticos, en donde se narraban temas asociados al anarquismo, al feminismo y al veganismo, además, mantenían una crítica permanente a la distribución de la música y señalaron cómo los sellos discográficos reproducían materiales con fines mercantiles sin necesariamente beneficiar a las bandas ni a sus consumidores. De esta manera, estos personajes decidieron hablar de grupos que estaban fuera de la gran escena de Inglaterra en los años ochenta y noventa como una forma de promover su trabajo, y más tarde,  incluyeron flexi disc de baja durabilidad a sus publicaciones periódicas; así le dieron vida a bandas como The Field Mice, The Wake, Another Sunny Day, Blueboy, Heavenly, The Sea Urchins, Secret Shine, The Ochids, Brighter, East River Pipe, entre otras.     En un principio Sarah Records fue criticada por los principales medios de la época, por decir algo, en Melody Marker, Simon Reynolds llegó a decir que la música que producían era una regresión del rock y el punk (lo que sea que eso signifique), asimismo, otras voces llegaron a mencionar que su música era una especie de cáncer. A decir verdad los grupos estaba despojados de cualquier movimiento musical del momento, pues representaban la yuxtaposición de los sonidos que reproducía la gran industria, pues estos generalmente se asociaban a lo twee, fey o wimpy, es decir, con lo poco convencional y lo frágil. De hecho se tornaron posturas misóginas sobre la disquera, incluso, las puntuaciones que llegaron a obtener los discos de las bandas en las revistas musicales, lograron calificaciones mínimas, que hasta era imposible sentirse incomodo por tanta mediocridad, sin embargo, John Peel pudo reconocer algo en esas bandas de Bristol que otros no, pues fue de los pocos locutores que se interesó por el trabajo que había detrás de Clare Wadd y Matt Haynes.   Sarah Records creó su propio mundo y creció fuera de la industria musical establecida, porque hasta cierto punto entendía la relación simbiótica entre el artista y el distribuidor, sin embargo, también puso en tensión el alcance de las bandas por el estigma que había alrededor del sello.     Ciertamente se trató de un movimiento local que gracias a internet se ha expandido y ha logrado romper fronteras geográficas, lo cual nos permite a algunos rescatar esos archivos y reconstruir de manera desordenada parte de su historia. Ahora quizá se observa por una extraña razón desde una óptica más optimista que hasta revistas como NME, terminaron considerando a Sarah Records como uno de las mejores disqueras que han existido. ¿Será porque finalmente pudieron reconocer el mensaje que existe detrás de Clare Wadd y Matt Haynes? ¿O será porque monopolizamos la nostalgia y ciertos ideales que ocurrieron en un tiempo que no vivimos? No lo sé, pero feliz aniversario para Sarah Records.

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Front 242: de la estética a la intensidad militarizada del EBM

  Front 242 es uno de los actos en vivo que surge en Bélgica durante 1981, ellos son clave para entender la música electrónica moderna tal y como la conocemos, son historia y leyendas vivas, aparecieron en 1981 para llevar la música electrónica al siguiente nivel. Siempre con una presencia imponente tanto en lo visual como en sus creaciones sonoras y sobre todos sus shows en vivo. La estética de la banda siempre ha fungido ser un comando militar de alta y elevada eficiencia que se inspira y apoya de la tecnología y de las máquinas para tener como resultado una música cargada de energía y violencia.     Pioneros del movimiento EMB con clarísimos perfiles industriales pero que también podía bailarse y que así fue con un gran auge en los 80s y principios de los 90s. Su parámetro clave sucede en 1982, cuando sale a la venta su disco debut: Geography y el emblemático tema “Operating Tracks”, seguido de No Comment en 1984, que sentó las bases de gran parte de su sonido y de lo que se conocería de ahí en adelante como el Electronic Body Music, destacando su álbum Front by Front de 1988 que es considerado por muchos fans y críticos, una de las obras claves en cuanto a música industrial-EBM se refiere.     A partir de ahí construyeron una carrera sólida que con el paso del tiempo ha sobrevivido a cambios de formación pero que jamás ha cesado su espíritu creativo de combinar sintetizadores, guitarras potentes y voces cristalizadas y militarizadas que dieron vida a himnos como “Headhunter” y “Welcome to Paradise”, entre muchos más. Con el cambio de siglo su actividad discográfica empezó a espaciarse, aunque aún han tenido tiempo para publicar nuevos discos y seguir vigentes en el corazón de los nostálgicos o de las nuevas generaciones.  

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VOX, documental sobre el amplificador que revolucionó el R&R

  Los amplificadores VOX han definido un sonido espectacular, vanguardista  y único en el desarrollo del rock and roll, desde su estética hasta la revolución de toda una generación de míticas bandas, incluyendo, claro, a las más populares de toda la historia: The Beatles y The Rolling Stones. Checa a continuación un interesante documental acerca de su historia, incluye sub-títulos.      VOX tienen sus semillas y orígenes en la Segunda Guerra Mundial, cuando los fundadores Dick Denney y Tom Jennings se conocieron, pero fue Dick Denney, quien tenía una visión más allá de como tenía que sonar el futuro de las cuerdas, y en 1957 inventó el modelo AC15, el amplificador tuvo un impacto brutal en los músicos que lo comenzaron a utilizar por vez primera, pues todos estaban impactados y reconocían, entre otras maravillas,  que nunca antes algo había sonado así, destacando particularmente la potencia que le daba al sonido. Fue así que en los años posteriores llegó la invasión de la música británica todos abanderados por VOX, desde The Beatles, The Kinks, The Monkees, Rolling Stones y The Hollies pasando la estafeta a Tom Petty, The Edge de U2, el legendario Paul Weller de The Jam y también Oasis y Radiohead fueron usuarios de sus ecos, entre una lista interminable.

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La relación Nick Cave-Jarvis Cocker, entre covers y colaboraciones

Del archivo de covers excepcionales, Nick Cave a inicios de este siglo, versionó muy a su manera “Disco 2000”, una de las canciones más grandes y famosas de la banda británica Pulp.     A distancia, estos episodios de nostalgia cobran más fuerza y nunca está de más recordarlos, les hacen bien al alma y a la música, pueden sentirse como notas musicales surgiendo de la niebla, nada tan alejado de la poesía de Cave y Cocker.  Se sabe que hay una admiración mutua de ambos artistas y mantienen una buena relación desde ya hace muchos años y ese cover a “Disco 2000” fue el click perfecto para unir ambos mundos, pero en el que sin duda Cave abrió un portal íntimo para absorbernos en ese mundo de melancolía y excelsitud que le conocemos . La versión es maravillosa y prácticamente está a mundos distantes de la original, lo cuál es la magia del mundo de los covers y lo más difícil de lograr, quizá algunos de ustedes la recuerden, y otros la descubran.      Si te gustó el cover, también puedes disfrutar de la aparición de Jarvis en “Fifteen Feet Of Pure White Snow” de los Bad Seeds, con sus ya tradicionales pasos de baile. Otro gran episodio en donde las vidas de ambos músicos compartieron tiempo y espacio haciendo lo que más aman, el arte por la música.  

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33 años del disco Scum de Napalm Death, pionero del grind-core

De Napalm Death se puede decir infinidad de cosas por su aporte al metal. El album Scum que hoy 1 de julio cumple 33 años de su lanzamiento, es considerado como el que dio origen al grind-core. Scum además figura en el libro de Robert Dimery como uno de los 1001 Álbumes que debes escuchar antes de morir. El álbum vendió más de 10,000 copias en el año de su lanzamiento y alcanzó el #8 en la lista independiente de Reino Unido. En 2005, Scum fue votado como el 50º mejor álbum británico de todos los tiempos por Kerrang!, y en 2009 ocupó el puesto número 5 en la lista de Terrorizer de álbumes grindcore europeos esenciales. Hace 33 años se creó este disco en Birmingham, Inglaterra creando un alto impacto entre los estándares del heavy o de la música metal en sus vertientes. Propiamente dicho, estaba naciendo un nuevo género que mezclaba hardcore punk, thrash, heavy metal, death metal. El disco contiene 28 canciones en 33 minutos, con letras en su mayoría politizadas o existenciales. Napalm Death por medio de los blast beats crearon formalmente nuevas formas de velocidad en las canciones, pesadez y brevedad. Lo curioso es que el disco se grabó en dos partes, tiene 2 lados, y fueron grabados por alineaciones diferentes. Los miembros de la primera parte fueron el guitarrista Justin Broadrick, quien más adelante formó Godflesh y Jesu. El único miembro del trío del lado A que tocó en la segunda parte de Scum, fue el baterista Mick Harris, quien dejaría Napalm en 1991. Precisamente a él se le acuñe de los términos ‘Blast beat’ y ‘Grindcore’ para describir su feroz ataque de batería y el género que ayudó a crear y popularizar. Scum es ampliamente considerado el primer álbum de grindcore de la historia.

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Recordando a los Sugarcubes de Björk

The Sugarcubes fueron una de las bandas más importantes de Islandia, quienes no tuvieron miedo de llevar más allá a la música pop fuera de los niveles convencionales. Solo estuvieron juntos de 1988 a 1991 y grabaron 4 discos de estudio: Life’s Too Good, Here Today, Tomorrow Next Week!, It’s-It y Stick Around For Joy.       Quizás en el momento fueron algo muy relevante o pasajero, pero hoy en día y con el tiempo y la trascendencia, sin duda el legado que dejaron ha pasado a cobrar mucha importancia en los fans de Björk y los que están interesados en otras corrientes musicales que prefieren a Sugarcubes, pues su complicidad para mezclar canciones post-pop y punk/post-punk de manera tan divertida y original, fueron un gran sello distintivo. Inclusive coqueteando con el naciente dream pop.     Éste concierto que compartimos aquí arriba, el Live at Auburn University, Alabama, October 1988, es uno de los mejores registros que se tienen de esa primera e inolvidable etapa de la banda, debutando y expresando sus ideas, arte y performance.   Un dato curioso de esos que se vuelve una especie de leyenda, es que la banda se formó el día en que Björk fue mamá por primera vez. Previamente, los otros dos cerebros del grupo Einar Örn Benediktsson y Siggi Baldursson, habían estado esparciendo sus ideas musicales en otros grupos under como Kukl, banda de noise-punk totalmente radical para la época y más para Islandia, tanto así, que lograron colocar su música en el sello independiente de los también ahora legendarios y de culto, la banda de anarcopunk: Crass.           El sello One Little Indian fue la puerta para que se hicieran famosos en Inglaterra, con lo que la prensa británica se desbordó en elogios hacia su carismática cantante: Björk, puesto que en ese entonces no había uno tono vocal como el de ella y creo que aún en 2020, no lo hay, y no porque no hayan existido excelentes vocalistas posteriormente como Beth Gibbons en Portishead o Sarah Cracknell de Saint Etienne, si no que el de Björk tenía esa peculiaridad de sus raíces naturales en donde nació, en fin, esa prensa entregada a ella, con el paso del tiempo, provocó tensiones entre Björk y el resto de la banda, particularmente con Einar Örn. Y esa es en parte la historia, de como Björk dio inició a su carrera solista, después de haber colaborado con la banda de Manchester en un par de tracks, los 808 State.     Hoy más que nunca The Sugarcubes han salido de esa etapa under y de culto gracias a la existencia masiva de medios, pero nunca está de más recordarlos, crearon grandes canciones y las grandes canciones nunca mueren y todo lo que hicieron colaborando juntos. Entre ellos, estos tesoros de Kulk, proyecto alterno de Sugarcubes que pertenecía a la vena oscura del post punk y que se percibía influenciado por Siouxsie And The Banshees.  

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Temas clave de la artista y una de las pioneras de la música electrónica: Laurie Anderson

Laurie Anderson, una artista única que trabaja en su arte sin ser contenida por él. En la década de los 80 parecía inverosímil en la escena post-punk, en donde a punta de violín y con un registro vocal inequívocamente tranquilo se abrió paso en las listas de popularidad logrando también allanar el camino para artistas contemporáneas como Kaitlyn Aurelia Smith y Jenny Hval, quienes comparten los banderines de Anderson para un audaz experimentalismo.  El trabajo de Anderson se basa en su papel de narradora de historias que gran parte ocurrieron en su vida mientras crecía y que originalmente comenzó a contar para entretener a su hermano menor quien tenía problemas para dormir.  Con un enfoque multidisciplinario, Anderson le dio sentido a su carrera artística mezclando escultura, cine y música, logrando extenderse entre la vanguardia y el pop. En 7 álbumes, la ahora de 73 años ha colaborado con figuras tan diversas como Nile Rodgers, John Zorn y su difunto esposo Lou Reed. Realmente no hay momento ideal para repasar la carrera de Anderson, por eso aquí tenemos algunos temas que sirven como una guía para entender la carrera expansiva y sorprendente de Laurie Anderson.  O Superman (1981) No hay un éxito más notable que O Superman, una canción de 8 minutos y medio de duración que se inspira en el minimalismo y la opera, una pieza musical densa e intertextual que forma parte de un disco compuesto por un espectáculo multimedia que mezclaba diapositivas, efectos de sonido y recitación de una concepción apocalíptica del poderío tecnológico de los Estados Unidos. El tema tuvo tanto éxito en el Reino Unido que alcanzó el numero dos en las listas de popularidad y colocó a Anderson como una artista de vanguardia con sede en Nueva York y un fenómeno del pop global dandole siete contratos en Warner Brothers. Cerca de cumplir 40 años, la canción suena tan fuera de tiempo como lo sonaba en 1981, lo que sugiere que Anderson estaba más que unas pocas décadas adelantadas a su tiempo.  From The Air (1982) From The Air es parte del camino que Anderson emprendió en O Superman pero con un ritmo más complejo, marcado en parte por la voz y el saxofón. A pesar de la participación tan importante de Anderson en este tema, no hay concesiones, por lo que se inclinó hacia sus idiosincrasias en lugar de trabajar en un tema más agradable para un publico más amplio.  Dark Angel (2001) La colación de Brain Wilson y Van Dyke Parks le da a Dark Angel una cualidad exuberante, como si se tratase de un musical perdido de los años 50 pero con una sensación nauseabunda que sugiere que la canción fue trabajada durante mucho tiempo; sin embargo, la voz de Anderson se siente improvisada, como si estuviera en un escenario mientras la música le persigue para darle ritmo. Un tema inteligente en el que la música de Anderson tiene un toque aún mas atemporal.  The Dream Before (1989) A diferencia del avant pop de sus primeros 3 álbumes, Strange Angels marcó un giro en la carrera de Anderson, en donde comenzó a quitar todos los arreglos a sus temas para hacer canciones marcadamente más musicales desde su enfoque. Al igual que en sus trabajos anteriores, en The Dream Before el movimiento de la canción está determinado por la narrativa pero nunca con tanto peso.  My Right Eye (2010) Con el lanzamiento de Homeland en el 2010, parecía que Anderson finalmente se sentía cómoda para sondear en la oscuridad sin tener que contrarrestarla con algunos temas o ritmos alegres. Canciones como My Right Eye tienen una cualidad directa que fue anticipada en trabajos anteriores como Strange Angels o Bright Red, enfatizando la voz sutil y expresiva de Anderson al tiempo que embellece la canción melódicamente con cuerdas y percusiones mínimas. Un tema que se siente honesto y sigue siendo tan intransigente como siempre.  A Story About A Story (2015) A Story About A Story es una reflexión sobre la vida, el amor y la muerte a través de la historia de su difunto perro, Lolabelle. Una línea ambiental de sintetizador que brilla levemente en el fondo mientras Anderson cuenta su breve historia. Un tema personal, con música austera en donde Anderson construye la canción con capas de voz narrativas antes de colapsar entre sí con un golpe final.  Estuvo casada con el cantante Lou Reed hasta la muerte de este iconico músico el 27 de octubre del 2013.

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