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Nostalgia

10 bandas alemanas, del Krautrock a la electrónica de los dos miles

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Si se tiene la impresión de que Alemania tiene una débil variedad de bandas y música, entonces realmente se está perdiendo de la mejor música que va de los años sesenta al 2019. Es posible escuchar música sin saber que se está escuchando a alguna banda con una gran influencia alemana, o peor aún, que se trata de una banda alemana. Algunas de estas bandas han traducido sus canciones o cantan en inglés para llegar a un público más amplio, mientras que otras se han mantenido leales a su idioma y han transmitido sus sonidos a través de las ondas de radio. Aquí tenemos una lista de las mejores bandas alemanas que han influido en la música tal como la conocemos hoy. Mouse on Mars El IDM llegó a la escena musical a principios de los años noventas, mismas fechas en las que el dúo de música electrónica de Düsseldorf, Mouse on Mars nació. Sus miembros Andi Toma y Jan St. Werner hacen música con beats densos mezclados con ambient, algo de música industrial y tecno. Aunque muchos músicos electrónicos actuales confían únicamente en los instrumentos digitales y ritmos programados, Mouse on Mars tiene un lado claramente analógico que incluye instrumentos en vivo durante sus actuaciones y canciones grabadas y ejecutadas en programas creados por ellos mismos.  The notwist  Una banda de indie rock alemana que canta y actúa en inglés, formada a finales de los años ochentas saltó a la fama en la escena musical de los noventas y sigue activa actualmente. Se especializan en canciones realmente fantásticas para días lluviosos, especialmente si estás en un estado de hibernación profunda.  Can Una banda de rock experimental originarios de Colonia que es sin duda, una de las mejores de Alemania y muchos expertos están de acuerdo que son los responsables de crear el Krautrock, el género alemán musical por excelencia. Su música abarca desde finales de los sesentas hasta finales de los noventas, pero su influencia se ha extendido a bandas que conocemos y respetamos hoy.  Neu!  Nacidos en Düsseldorf en 1971 tras la reorganización de Kraftwerk, Neu! es una banda mundialmente reconocida como pioneros del Krautrock que han influido en muchos músicos  y productores de música electrónica actual. Un verdadero ícono de la historia musical alemana y mundial.  Tangerine Dream  Simplemente uno no se puede considerar fan de la música electrónica sin haber escuchado a Tangerine Dream. Comenzaron a finales de los años sesenta, reflejo de lo increíble que es su música y su trayectoria. Su sonido ha cambiado mucho a lo largo de los años, desde el rock de la nueva era hasta la psicodelia. Música absolutamente imprescindible para generar un ambiente de vibraciones extrañas y cósmicas. Apparat  Ritmos hilarantes, emociones fuertes y atmósferas épicas. Apparat es uno de los músicos techno más peripatéticos y aventureros de Alemania en la actualidad. Su carrera comenzó a finales de los años 90 con música para clubs vigorosa, antes de recurrir a ritmos emocionales, complicados y a experimentos de sonido electroacústicos. Cuanto más vanguardista se hicieron sus sonidos, más fuerte fue su talento para crear melodías pegadizas y de grandes gestos, abrazando e integrando sonidos imperfectos dentro de su grandiosa música. Faust A finales de los años sesenta y principios de los setenta en la Alemania occidental se formó una banda extraordinaria, ícono de la música experimental de la época junto con Can, Kraftwerk, Neu! y Cluster; con los mismos que hoy son considerados gran influencia de generaciones y géneros posteriores como el tecno, postpunk, electrodo, ambient y postrock. Con su álbum Faust IV, Faust alzó la mano en una creciente escena musical alemana y se volvió cabeza visible en un mundo exigente de sonidos nuevos e innovadores. Einstürzende Neubauten Comenzó en Berlín en 1980 y de inmediato aportaron una intensidad aterradora a su música y actuaciones en vivo que hizo que los actos industriales británicos parecieran casi corteses en comparación. Blixa y sus colaboradores usaron herramientas eléctricas y cualquier objeto como percusiones haciendo que las presentaciones de Einstürzende Neubauten parecieran más a un sitio en construcción que a un concierto: los miembros de Einstürzende Neubauten perforaban agujeros en el escenario, prendían fuego, ponían enormes tambores de petróleo suspendidos con cadenas sobre la audiencia y tocaban guitarras distorsionadas creando un caos rítmico que junto con la voz vibrante y cadavérica de Blixa grabaron varios de los álbumes más experimentales de la historial, casi imposibles de escuchar.  Cluster Al igual que muchos de sus pares del Krautrock, desde Tangerine Dream hasta Kraftwerk y Faust, la influencia de Cluster dentro de la música ambient, electrónica y rock de vanguardia desde principios de los años setenta ha sido significativa y amplia, quizá incluso más amplia que la mayoría, dado que el dúo nunca eligió una dirección o estilo para refinar y perfeccionar su música.  Kraftwerk  Por último, pero no menos importante, está Kraftwerk. Tal vez guardamos lo mejor para el final, o tal vez lo agregamos como un bono musical adicional para llegar al final de la lista, pero sabemos que valió la pena la espera. Kraftwerk, la mejor banda de música electrónica de todos los tiempos, si no fuera por Kraftwerk tal vez nunca habría llegado a las mentes y los oídos la música electrónica. 

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Se cumplen 40 años de Fear of Music de los Talking Heads, de la locura al funk, el punk y la new wave

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Se cumplen 40 años de Fear of Music de los Talking Heads, de la locura al funk, el punk y la new wave.   Un disco producido por Brian Eno en donde su particular estilo New Wave de aquel entonces fue mezclándose en arreglos funky y guitarras rítmicas que marcaban un sonido conceptual sobre el miedo y la locura. Razones por las cuáles los llevaron a empujar con fuerza la escena de Nueva York contra los bordes de un enfoque político que pareciera estar siempre presente, sin ser tan descarado. El disco es un reflejo de lo que vendría para el futuro de la banda sin antes dejarnos himnos como “Heaven” o la asombrosa “Life During Wartime”.

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Escucha Lilliput, 28 registros darks, shoegazers y alternativos del sello 4AD

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El legendario sello discográfico independiente 4AD comandado desde sus inicios por su majestad sonora: Ivo Watts-Russell, ha promovido antes que nadie la mejor música under de la década de los años 80 y 90 en su mayoría aunque hoy en días sus direcciones han cambiado. Esto no quiere decir que no sean malas, es más bien un tema de evolución. Y es que, es difícil dejar el estigma atrás de bandas como los Pixies, Bauhaus, Cocteau Twins, This Mortal Coil, Throwing Muses y muchos más. Lilliput, justo envuelve lo mejor de ese recorrido en sus vertientes darks, shoegazers y alternativos,  un poco de su historia a tu alcance, una historia exhaustiva y de brillos intensos que marcó la música de las bandas independientes en cuanto a registros históricos se refiere, en Lilliput podrás disfrutar a The Birthday Party (la primer banda de Nick Cave), Modern English, Xmal Deutschland, Clan of Xymox, Lush, Dead Can Dance, entre otras joyas.

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John Peel: Un recorrido por algunas de las mejores sesiones de su legado

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La importancia del Dj John Peel de de la BBC Radio quien falleciera en 2004 sigue siendo una fuente inagotable de descubrimientos musicales que aun siguen dando mucho sentido al panorama de variedad  y discursos que las bandas y la música en general tienen que ofrecer. Sus sesiones musicales que grabó con bandas de su interés en aquellos años, describe en su conjunción, espíritus de autenticidad bellamente registrados, por eso te presentamos a continuación una playlist que incluye a bandas como Buzzcocks, PJ Harvey, The Fall, Pavement, The Smiths, Killing Joke, Julian Cope, Pixies, The Jam y muchos más en dónde se logra envolver esa magia. Disfrútala.

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1999, año de películas distópicas: The Matrix, Fight Club, American Beauty, Office Space y Being John Malkovich, comparten algo en común

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¿Qué hicieron los años 90?  Las computadoras se estaban volviendo rápidas, fáciles y baratas, y con ellas llegó un sentido de igualdad para todos.  A diferencia de “las películas de monstruos que muestran ansiedades de la Guerra Fría y las películas de terror que transmiten temores,” las películas de 1999 “no trataban de sobrevivir al presente, porque el presente iba bien. Se trataba de estar cansados ​​de ese estable presente y buscar un futuro radicalmente diferente. Esas palabras provienen de “por qué todas las películas de 1999 son iguales”, el ensayo en video de la parte de abajo de la nota. The Matrix, Office Space, Fight Club, American Beauty, Being John Malkovich, y todos los otros principales lanzamientos de Hollywood que presentan “un personaje principal cansado de la estabilidad, la monotonía y el desenvolvimiento de su vida”, “casi siempre involucra un trabajo corporativo constante y aburrido. Esa época fue también cuando el cómico Dilbert de Scott Adams llegó a la cima del espíritu de la época satirizando los elementos de la existencia de oficina: jefes incompetentes, compañeros de trabajo holgados y cubículos. Llamando a 1999 “el año de la película del cubículo”, este ensayo en video describe su representación cinematográfica de las frustraciones de los trabajadores de oficina como “un espejo perfecto de finales de los 90”. No es que esas representaciones fueran literalmente “lo mismo”: los hombres aburridos de Fight Club “hacen todo lo posible para crear conflictos y caos”; Office Space hace comedia y atascos; siendo que John Malkovich “exagera las imágenes corporativas opresivas en películas como Office Space al crear una oficina absurda con techos bajos” que “literalmente afecta a sus empleados”; American Beauty “critica la estabilidad percibida de la era, sugiriendo que es simplemente una máscara que oculta el verdadero yo”. Y en The Matrix esa apariencia de estabilidad y prosperidad existe solo para ocultar la esclavitud total de la humanidad. Es posible que la humanidad moderna nunca deseche sus distopías, pero es justo decir que las visiones distópicas que mantenemos hoy en día son bastante diferentes a las que se recibieron hace 20 años, y también es justo decir que muchos de nosotros los entretenemos mientras soñamos con seguridad relativa, estabilidad y prosperidad, real o imaginaria, que algunos disfrutaron en aquel entonces. Pero como nos recuerdan las películas de 1999, esas mismas cualidades también podrían llevarnos a una especie de locura. Coupland puede llamar acertadamente a los 90 “la buena década”, pero incluso si pudiéramos volver a esa época podría haber buenas razones para no querer. Checa este video:

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La historia (homenaje) de un verdadero artista, Daniel Johnston

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No Daniel Johnston, una figura de culto de la música underground que ha extendido sus influencias a otras corrientes musicales y que su arte tiene una calidad que, aunque quizá no es universal, resuena en otros artistas ¿Qué tienen en común Pearl Jam, Tom Waits y Beck?, además de ser figuras icónicas en sus respectivos géneros musicales, todos han interpretado alguna canción de Daniel Johnston. El mismo Kurt Cobain promocionó con profundo impacto el estilo musical de Johnston e incluso dijo que Yip/Jump Music era uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos. Larry Clark usó parte de la música de Johnston para crear la banda sonora de su controvertida película Kids en 1995. Lana del Rey produjo una breve biografía que narra la enigmática y peculiar vida de Johnston. La lista continúa, pero ¿quién es el hombre detrás de la musa de tantos artistas?. Nacido en 1961 Daniel Johnston creció en las colinas rurales del oeste de Virgina, es el menor de cinco hermanos. Después de no tener éxito en el curso de arte de la Universidad Estatal de Kent, se mudó a Austin, Texas para continuar con su carrera musical. Rápidamente reunió a un público local pequeño pero dedicado repartiéndoles cintas con su música en el McDonald´s dónde trabajaba. Sus fanáticos acudían con fervor a sus presentaciones no tradicionales, por ejemplo en sótanos y así, poco a poco, Johnston amplió su alcance al aparecer en un programa de MTV que promovía la Nueva Sinceridad en Austin, un movimiento cultural y musical que sería la clave para entender el atractivo de Johnston, sin embargo, fue hasta que Cobain apareció en los MTV Video Music Awards de 1992 con una camiseta con la portada del álbum Hi How Are You de Johnston hasta que realmente su popularidad comenzó a despegar. A pesar de que Johnston residía en un hospital psiquiátrico en ese momento por sufrir esquizofrenia y episodios maniacos intensos, los sellos discográficos mostraron gran interés en su música. Después de negarse a firmar un contrato de varios álbumes con Elektra Records porque creía que estaban asociados con satanás y lo lastimarían, finalmente llegó a un acuerdo con Atlantic. Por problemas comerciales Johnston tuvo que dejar el contrato y volvió a grabar su música a su manera: solo y por su propia cuenta.  Para Johnston, escribir canciones es una compulsión. A lo largo de toda su carrera su discografía total actualmente es de 29 álbumes, el último lanzado en el 2013. En resumen, el estilo de escribir canciones de Johnston es, en todo caso, verdaderamente honesto. No intenta oscurecer el significado de sus letras a través de la ironía o el cinismo. Debido a esto se puede identificar a Johnston como la voz del principal del movimiento de la Nueva Sinceridad tanto en la literatura como en la música. No todo lo escribe lo ha experimentado, tanto física como mentalmente, pero cuan estrechamente esté vinculado a la realidad o sus experiencias, es otra historia.  Cuando se escucha a Johnston existe la impresión de que su mente está plagada por las voces internas características de la esquizofrenia, llena de palabras e historias que él intenta expresar con desesperación. Hay un discernible sentido de urgencia en su voz y música a medida que sus pensamientos caóticos ocupan lugar central en sus temas. La instrumentación rudimentaria y simplista define su estilo, a menudo categorizada por los críticos como experimentación pop o folk que parece ser adecuada para sus letras de expresiones crudas con energía infantil. En sus actuaciones en vivo, Johnston parece frágil, colocado delicadamente en un escenario frente a una multitud que parece demasiado grande para el tipo de nicho que él quisiera.  Con la edad, Johnston adquirió un temblor permanente y debilitante como resultado de su tratamiento antipsicótico, se ha retirado de su carrera con una última gira en el 2017 y se encuentra en su casa dibujando y escribiendo cartas a sus familiares. En una entrevista para New York Times, Johnston dijo que no podía dejar de escribir, si dejara de hacerlo no habría nada. Tal vez todo parara.  Actualmente Johnston continua viviendo en Austin, a lo largo de su vida se ha convertido en una figura de culto de la música underground, su influencia se extiende a otras corrientes musicales y su arte tiene una calidad que, aunque quizá no es universal, resuena en otros artistas.   

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Se cumplen 50 años de Space Oddity, la estrella brillante en el firmamento de David Bowie

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En una carrera por el estrellato de la ciencia ficción que había crecido a principios de los años 70, el joven David Bowie escribió el himno de un astronauta en el espacio de 1969, quizá la canción mas hermosa de el. En la oscuridad del Casino Cinerama de Londres, David Bowie de 21 años miraba impactado a un embrión espacial flotando en la enorme pantalla del teatro, era verano de 1968 y esta era la tercera vez que el cantautor había visto 2001: A Space Odyssey, estrenada en abril de ese año, Bowie relacionó esa escena con la sensación de aislamiento, de fluidez. Si bien la película de Stanley Kubrick proporcionó el escenario y titulo para el primer éxito de Bowie, hubo otras inspiraciones que dieron forma al sonido y visión de la canción. Ese verano Bowie se enamoró del álbum Bookends de Simon & Garfunkel, especialmente al tema Old Friends cuyas notas de viento fueron tomadas para la parte en donde el Mayor Tom sale de su nave. Más significativa fue la relación decadente de Bowie con su novia, la actriz Hermione Farthingale quien lo hizo escribir para y sobre una persona específica. La ruptura con ella produciría un puñado de canciones, pero el vacío solitario que Bowie sintió por la ausencia de Hermione fue la metáfora perfecta al estar un astronauta a la deriva abandonado en una cápsula espacial.  Nunca se supo de dónde salió el nombre del astronauta pero hay una teoría intrigante. Cuando Bowie era niño y crecía en Bromley vio carteles que anunciaban la presentación del conocido interprete de música de sala Mayor Tom, momento en el cual ese nombre se alojó en su memoria. Cualquiera que sea la fuente, el comandante Tom se convirtió en el primero de una larga lista de personajes míticos que flotan en el universo musical de Bowie.  El demo fue lanzado el 11 de julio de 1969, nueve días antes de la llegada del Apolo 11 a la luna. Miles de copias fueron enviadas a los Estados Unidos pero a pesar de los esfuerzos para llevar a cuestas el momento más glorioso de la NASA hasta ahora, el tema tuvo poco éxito en los Estados Unidos, sin embargo, su aceptación en Inglaterra fue mucho más cálida, por ejemplo, fue usado por la televisión británica como música de fondo durante la transmisión del aterrizaje del Apolo 11 en la luna, aunque a Bowie se alegró mucho de que lo hicieran, él estaba consciente que en ese momento la música era lo que menos le interesaba a la gente.  Space Oddity sigue siendo el sencillo más vendido de Bowie en el Reino Unido hasta la actualidad. Ha sido interpretada por más de veinte artistas incluidos Def Leppard, Tangerine Dream y Cat Power, ha aparecido en juegos de video y se iba reproduciendo continuamente en el auto Tesla lanzado al espacio en el 2018. Canción de cuna intergaláctica, melodía de ruptura o de nuevos caminos, conexión de la NASA, Space Oddity es todo esto y más. Una canción de cinco minutos tremendamente tentativa que comenzó la fértil vida de Bowie dentro del pop innovador. Un tema que quizá no fue algo que nadie hubiera hecho antes y que quizá es por eso que sigue siendo un clásico hermoso, que habla sobre el gran sueño de la humanidad que empujó al hombre al espacio pero que una vez que llegó ahí no estaba tan seguro de haberlo logrado. Space Oddity, un ícono de la música y una estrella brillante en el firmamento del legado de Bowie.       

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Escucha el capítulo 16 del podcast Dead Mexican Radio, en entrevista con Valmiki

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Escucha el capítulo 16 del podcast Dead Mexican Radio, en entrevista con Valmiki, uno de los personajes claves dentro del hardcore y straight edge en México, escena libre de toda clase de drogas y en pro del vegetarianismo. Escúchalo, aquí: Sigue a Dead Mexican Radio, en su Facebook, dando clic aquí. 

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