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Nostalgia

Siouxsie & The Banshees y la vibra goth del México de 1995

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Siouxsie & The Banshees visitó tierras mexicanas a mitad de los 90 para ofrecer hasta lo que ahora es considerado como un concierto de culto entre la memoria de los asistentes e historiadores. Quizá si eres muy joven no te acuerdes, no te tocó, eras un bebé o ni siquiera habías nacido, pero la banda de postpunk británica liderada por la enigmática Siouxsie fue uno de los grupos claves de la música de los años 80, incluso contando con Robert Smith  como guitarrista principal en sus inicios, un dato que no muchos saben y que después originó una banda llamada The Glove previo y en torno a The Cure simultáneamente. El Auditorio Nacional fue la sede de aquella oscura, excitante y energética noche como se aprecia en la grabación que fue documentada y ahora ha tomado más fuerza que nunca, pues como todos sabemos este movimiento ha tomado mucha fuerza entre la juventud y no solo de CDMX sino del mundo en general, quizá una de las más grandes quejas es la voz de Siouxie que por momentos decae pero su personalidad la saca adelante como su aura así siempre la definieron: provocación y simbolismos, principalmente con el rostro de una reina egipcia, inquietante, con los ojos imperfectamente delineados y  un vistoso maquillaje.  Todo encajaba con la música que proyectaron aquella ocasión y que dejaron un legado de seguidores que hasta el día de hoy crece. Su voz es potente, desgarradora, mágica, conmovedora y visceral. La originalidad de Siouxsie y su grupo jamás podría pasar inadvertida, que incluso en la serie de Stranger Things los hermanos Duffer hacen referencia a ella en el capítulo de la fiesta de disfraces (seguro la recuerdan). En efecto, 1995 quedará marcado en la historia de nuestro país cuando algunos tuvieron la fortuna de asistir a uno de los conciertos mejor guardados del underground nacional, pues tiene una vibra gótica que contagia, persiste y resiste. Puedes disfrutarlo a continuación.    

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Festivales de música que abrieron el milenio, de 2002 a 2009

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La era de los festivales parece ser un fenómeno relativamente nuevo para apreciar cascadas de música nacional e internacional, pero no lo es del todo. Ya desde la década pasada comenzaron los precursores de esta manera de disfrutar música en México; y que a la fecha son a veces olvidados o recordados por algunos, porque en realidad son festivales que ya dividen a toda una generación. Te hablamos de los principales. Aca World Sound Festival (2000 y 2002) Duró 3 años (del 200o al 2002). El acto principal del 2002 fue Beck y The Flaming Lips, esperados por miles de jóvenes que fueron hasta Acapulco a disfrutarlo. Aunque al final ése lineup se canceló. El Festival se llevó a cabo en plena era de los raves, que si bien ya iban de salida, porque su boom fue a mediados y finales de la década de los 90, aún quedaba la cola de ir a festivales donde siempre había house, progressive y techno, y en ésta última edición fue aderezado de rock. ¿El motivo de su desaparición? Las pérdidas que se presentaron con el festival en su primera edición. No fue redituable para los organizadores. Acapulco recibió a DJs internacionales, actos en vivo y algunos grupos de rock, rap y funk en playas de Barra Vieja y en clubes del lugar. Hubo 5 escenarios: el Principal, donde se presentarán los principales artistas de drum&bass, hip hop y break beats, Jazz, Chill out, lounge, house, deep, progressive o acid, psychedelic trance y rock. MX Beat (2005 a 2009, aunque también hubo una edición en 2015) Cuando comenzaron a prohibir la publicidad de cigarros en medios impresos y en anuncios exteriores (vallas, espectaculares), a la marca Marlboro se le ocurrió la grandiosa idea de crear festivales de música para jóvenes. Era una especie de fiesta privada y las fiestas del deseo cada que sucedían, en donde pasaron bandas como Beastie Boys, M.I.A, N.E.R.D, Los Planetas, Data Rock, Lo-Fi Fnk, Digitalism, Cold War Kids, Chromeo, The Hives, The Go Team, Zoot Woman, Primal Scream, Sèbastien Tellier, Thieves Like Us, entre muchos otros que también se realizó por Puebla, Monterrey y Guadalajara, además de Toluca. Muchos dicen que fue el festival que marcó la tendencia de los posteriores, donde predominaba el rock electrónico, la música más nueva y contemporánea posible con tendencia global. El Mx Beat 2005 se realizó en D.F. (Hipódromo de las Américas), Puebla y Monterrey con el siguiente cartel: Louis XIV, Chicks on Speed, Los Planetas, Moving Units, M.A.N.D.Y., Vive la Fête. Mx Beat 2006. Guadalajara, Club Castores, 6 mayo. 2 Many DJ’s, Hot Hot Heat, Kinky, Soulwax y The Long Blondes. Puebla, Bodegas del molino, 12 mayo: Annie, Erol Alkan, Kinky. D.F. Parque Alameda Poniente (Santa Fe),20 mayo: Phoenix, We Are Scientists, Uffie, Kinky, Zoot Woman, Plastilina Mosh, Porter. Mx Beat 2007 y 2008 Mx Beat 2009 Manifest (2004 a 2007) Organizado por la revista Sónika, se vio pasar a talento principalmente nacional en sus comienzos. El Manifest 2004 se llevó a cabo en el extinto Salón 21 y parte de su line up fue: Austin TV, Babasónicos, Volovan, Zurdok, Fobia, Plastilina Mosh, Vaquero. El Manifest 2005 siguió la misma línea y los partipantes fueron Chikita Violenta, volovan, Dildo, La Lupita. Manifest 2006 Manifest 2007 El mejor y más recordado, porque pasó a convertirse en un festival de talla interancional. The Horrors, Interpol, Teddy Bears, Yo La Tengo. Se canceló debido a la crisis financiera en 2008 por el alza del dólar. Manifest 2008 Corona Music Fest (desde 2005) En la década en curso han habido más ediciones de este festival; aún no muere, sin embargo para lo que corresponde a esta nota solamente hablaremos de los que sucedieron en la década pasada. Todo comenzó en 2005 en la explanada de Estadio Azteca, de la ahora Ciudad de México. Y el de 2006 es quizá el más recordado por su cartel: The Mars Volta, Clap Your Hands Say Yeah, Of Montreal, NOFX. Sonofilia Festival (2007 y 2009). Guadalajara La primera vez que Björk pisó suelo mexicano lo hizo a través del Sonofilia 2007. Organizado en Zapotlanejo, Jalisco, un paraje localizado a media hora de Guadalajara. A pesar de tener muy poca difusión, logró reunir a más de 18 mil personas. Sonofilia hizo su debut con un line-up muy atractivo: Björk, Ratatat, Jay Jay Johanson, MSTRKRFT y Claude VonStroke. Aquí Björk hizo un acto que años más tarde sería “el pan de cada concierto”, ya que al terminar de de tocar “Pagan Poetry”, se dirigió a los asistentes que grababan con sus celulares y les dijo: “¿Me pueden hacer un favor? Siento que me estoy comunicando con máquinas y no con seres humanos. ¿Podrían dejar a un lado sus cámaras? Esto es un concierto en vivo, no una grabación. Quiero que estén conmigo”.   Para 2009 tuvieron un cartel bastante bueno de new-wave, al synthpop y house, con DJ Shadow, Röyksopp, Grace Jones, Fischerspooner, PNAU, Hercules & Love Affair, The Whip, Æther, Grafton Primary y Kavinsky. Lamentablemente ésta fue se segunda y última edición.  MOTORKR (2007 y 2008) Coca-Cola Zero Fest (DF, Guadalajara y Monterrey). 2008 Hace 10 años se celebró en el Autódromo Hermanos Rodríguez (preámbulo de lo que sería Corona Capital). Por menos de $550 podías disfrutar de The Smashing Pumpkins, The Mars Volta, My Chemical Romance, My Morning Jacket y más talentos nacionales. Festival Colmena (2008) Un Festival que apostó fuerte por su line up. En 2008 los headliners fueron Sigur Ros (aunque a pesar de lo bueno que estuvieron muchos recuerdan la travesía que era llegar al escenario). En medio de Tepoztlán, Morelos, había que caminar kilómetros. Toda una hazaña que seguramente es recordada por muchos.  Y en 2009 fueron TV On The Radio, la apuesta era grande pero por motivos desconocidos se canceló días antes ésta edición. aunque a pesar de lo bueno que estuvieron muchos recuerdan la travesía que era llegar al escenario.   Goliath (2009) Con este Festival se cerrço una década de festivales que se consolidaron, muchos más que desaparecieron y otros más que se volvieron ya de culto. Los organizadores fueron los

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Heaven Up Here de Echo And The Bunnymen, uno de los LPs del post punk mejor logrados

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La energía del postpunk sin lugar a dudas movió a toda la industria de la música a finales de los 70 y principios de los años 80, centrándose en crear ritmos y melodías que fueran más allá del clásico lema “Fuck off”  y esto lo hizo una de las mejores bandas de esa década: Echo And The Bunnymen. Heaven up Here fue el segundo material que sacó Echo and The Bunnymen en 1981, en el cual toda su energía se plasma en  un  Ian McCulloch con bastante fuerza de sus vocales que retumbaban en ecos de melodías con letras un tanto desesperanzadoras y un tanto agridulces,  esto puede escucharse en uno de sus mejores temas del disco Over The Wall que te lleva a esa atmósfera de desesperación sin salida en la cual tratan de interpretar un final a la locura que nos atrapa detrás de una falsa pared de existencialismo. “A Promise” es un grito de frustración a la confianza que generas en los individuos, de un Ian McCulloch que busca un balance de  estruendo entre agudos y  bajos, guitarras con un riff pegajoso y una batería que pareciera como si le estuviera pegando al destino, esto se complementa con un coro pegajoso al unísono de los integrantes que casi llega a ser contagioso. “The Disease” en una pequeña pausa en la mitad del LP en la que pareciera que las vocales vienen de un eco desconocido tratando de comprender los prospectos de una noche que se disfraza de un infierno meramente interno. “All My Colours” es un lamento a ciertas situaciones que terminan en una agonización meramente inerte y resignada que va retumbando en las baterías, mientras las guitarras interpretan un pasaje un tanto desolador y pesimista que hace contraste con unas potentes vocales. Pero no todo es agonía y frustración en el LP, “No Dark Things” nos muestra un  Ian McCulloch más positivo en cuanto a la manera de enfrentar ciertas situaciones, que siempre existe un pequeño punto de luz que nos optimiza al ver que no todo está jodido. Ya casi para terminar el LP  en “Turquoise Days” nos envuelven de nuevo a ese sonido de atmósferas llenas de abstencionismo a la vida, y que poco a poco se va transformando en un caminar que va dejando atrás recuerdos negativos hechos falsas promesas.

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El eslabón perdido de Alemania: Faust, nueva gira y un legado más presente que nunca

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“No existe banda más mítica que Faust” escribió Julian Cope en su afamado libro Krautrocksampler (Head Heritage 1995). La enigmática banda conformada  en la actualidad por Jean-Hervé Péron y Werner “Zappi” Diermaier, miembros fundadores de la banda alemana, y que continúan explorando la paleta sónica del grupo a niveles insospechables. La banda está por comenzar su próxima gira en EUA, el mes entrante por lo que posiblemente la banda podría lanzar un álbum nuevo, como lo reporta el medio norteamericano Brooklyn Vegan. Dicha gira comenzará del 11 de Julio en Chicago y terminara el 29 de Julio en San Diego, California. Faust es una de las bandas más populares del kraturock (termino que ellos califican como despectivo y ofensivo) que con solo 4 álbumes lograron convertirse en una de las bandas estandartes del sonido de una era característica, una era de la resaca de la posguerra, el estigma y la efervescencia psicodélica de una juventud que no veía fronteras entre las músicas. Influenciados por el dadaísmo y más tarde por el movimiento fluxus; Faust logró no solo definir un sonido, sino que, permutó su obra en lo que hoy en día significa la banda, una banda que se siente nueva, fresca, con un sonido a la vez nostálgico como innovador, oscuro, el eslabón perdido de una era distante. Fundados en 1971, la banda conformada por Werner “Zappi” Diermaier, Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunther Wüsthoff, nació en la pequeña zona rural de Wümme, Alemania y gracias a la iniciativa del legendario productor Uwe Nettelbeck de formar un grupo que contrastará con la entonces invasión británica en el mainstream y la naciente visión del rock anglosajón; por lo que fácilmente lograron fichar 4 discos legendarios, en disqueras mayores, como la Polydor o la Virgin, estos últimos lanzando el que quizá es su álbum más popular Faust IV; desgraciadamente la banda de disolvió en 1975 tras la negativa de esta última disquera de lanzar su nuevo álbum. La banda se sumió a un profundo letargo, pero en 1994, decidieron reactivar al grupo con una alineación diferente, donde los miembros fundadores Jean-Hervé Péron y Zappi Diermaier comenzaron a dar giras por Estados Unidos y Europa, apoyados de miembros de Sonic Youth; además de lanzar una gran cantidad de discos junto a su miembro fundador Hans Joachim Irmler, bajo su propia disquera, Klangbad. Sin embargo en 1997 Perón deja el grupo para enfocarse en su propio arte multidisciplinario, dejando de nuevo al grupo a la deriva. En 2005 Diermaier y Perón se unen para conformar un “nuevo” Faust, con una alineación diferente, un sonido mucho más agresivo, crudo y oscuro, además de colocar el factor del azar y la improvisación en un primer plano; ejemplos claros de esto son: Rein (producido por Jim O’Rourke) Something Dirty o C’est Comm…Comm…Compliqué, materiales donde la banda muta completamente, pero al mismo tiempo revive en ocasiones el sonido de sus primeros discos. La banda actualmente se conforma por sus primeros dos fundadores, además de incluir numeroso colaboradores como lo son: James Johnston (ex Nick Cave and The Bad Seeds y Gallon Drunk) la artista británica multidisciplinaria Geraldine Swayne. Faust es una de las bandas más interesantes de la historia del underground, un grupo mutante sónicamente, pero que mantiene esa noción tan natural por revivir su sonido inicial, dando constantes giros de tuerca. Una banda que puede tanto colaborar con el fallecido Tony Conrad como con los míticos Slapp Happy, una banda que se cataloga dentro del krautrock como también con el rock in oposittion, o para algunos, precursores del industrial; una banda tan única por sí sola, que de haber dos como en algún momento extrañamente sucedió este mundo sería seguramente un poco más torcido de lo que ya es. ¡Larga vida a Faust!

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La historia detrás de Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space de Spiritualized

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Este junio de 2024 se cumplen 27 años de ésta obra seminal, te contamos la historia que le dio forma y fondo a uno de los mejores discos en la historia del rock contemporáneo: Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space de Spiritualized. 1997 fue un año seminal para la música, al menos en tres vertientes: la alternativa, la electrónica y el pop. En ese entonces podías encontrar a bandas como Blur, Suede, Pulp y Oasis en la cúspide/ocaso de sus carreras, mientras una nueva ola de grupos de música electrónica como Daft Punk, The Chemical Brothers, Air, The Prodigy y Aphex Twin, comenzaban a desplazar a dichos grupos con todo y sus fans; al mismo tiempo que el mundo se sumergía en una salvaje promoción de las Spice Girls en radio, tv, revistas, periódicos y… latas de Pepsi. Seguidos por Hanson y Sixpence None The Richer, la base perfecta para lo que vendría después con Britney Spears. Existió también otro género que ganó mucha fuerza ese mismo año por la calidad interpretativa y el sonido experimental de bandas y artistas como Portishead, DJ Shadow, Massive Attack y UNKLE dieron vida al Trip Hop años atrás, mezclando samples y scratcheos propios de la música electrónica con el jazz fussion, rock y soul downtempo, para crear algo verdaderamente sublime. Entre tantas expresiones artísticas ocurriendo al mismo tiempo en diferentes partes del mundo, surgió una de las historias de triángulos amorosos mejor guardadas del rock con la llegada del disco Ladies and Gentlemen we are floating in space de Spiritualized, un disco de proporciones épicas que marcaría un antes y un después en la vida de Jason Pierce, -AKA J. Spaceman- vocalista y líder de la banda. La historia va así: A principios de los 90’s, de las cenizas de Spacemen 3, surgió Spiritualized, una banda que combinaba la psicodelia y el blues con el shoegaze, para crear algo denominado Space Rock, según Jason. Con la salida del disco debut de Spiritualized “Lazer guided melodies”, la banda llamaría la atención de Richard Ashcroft, vocalista de The Verve, que por ese entonces se encontraba promocionando su primer sencillo “All in the mind”, por lo que ambas bandas se embarcarían en una gira a principios del ’92, compartiendo su amor por Pink Floyd, los sonidos saturados, los pedales de distorsión y las drogas. Es bien sabido que mientras los chicos de The Verve viajaban al espacio con LSD, los integrantes de Spiritualized preferían perderse entre las dosis de heroína que encontraban en cada ciudad que visitaban. Desde ese entonces una chica rondaría todas las sesiones de grabación, los ensayos y las tocadas de la banda hasta convertirse en la novia de Pierce, para luego incorporarse a los teclados y unirse formalmente a la banda, su nombre: Kate Radley. A partir de entonces, Radley se convertiría en la musa inspiradora de Pierce, siendo el tema principal en algunas canciones de la banda como: “If I were with her now”  y “I want you”. Hasta aquí, todo parecía una historia de amor perfecta y sin complicaciones, pero la felicidad no es para siempre. En 1995, Spiritualized lanzaría Pure Phase un disco alabado por la crítica pero sin éxito comercial, mientras que The Verve haría lo propio con el maravilloso A Northern Soul, con el que ganarían los elogios de la prensa, y de Noel Gallagher (quién también se encontraba en el mejor momento con Oasis), para luego dejar la escena underground y dar el gran salto al mainstream en cuestión de meses. Fue en ese momento en que Ashcroft y Radley decidieron casarse en secreto, así es, leíste bien, ¡Ashcroft y Radley!… En otras palabras, uno de tus mejores amigos se casa con tu novia a tus espaldas. Increíble ¿no? Lo curioso del caso no es que se haya mantenido el secreto por más de 15 años o que nunca se hiciera un escándalo mayor en la prensa británica sobre el mismo, al ser revelado en 2012, sino que Radley siguió siendo parte de la banda 2 años más, aún después de terminar su relación con Pierce, hasta 1997, año en que se lanzara Ladies and Gentlemen we are floating in space, un disco por demás íntimo y destructivo que por fin llevaría a Spiritualized a la cima de éxito internacional, pero ¡a qué precio! En dicho disco, a Radley se le acreditaría como la encargada de los teclados, el órgano y el piano. Resulta obvio que dicho suceso provocó en Jason un efecto devastador que lo hizo recaer en su consumo de heroína, (que había dejado desde la llegada de Kate a la banda), pero al mismo tiempo exaltó su capacidad creativa a niveles insospechados, no solo a nivel lírico sino musical. Durante 2 años, Pierce tuvo a bien experimentar con el gospel,  R&B, soul, garaje rock, blues y jazz para generar 12 canciones de proporciones épicas, en su totalidad dirigidas a su ex novia. Casi tan revelador y oscuro como The Downward Spiral de NIN, Ladies… es la descripción perfecta de la autodestrucción de una persona después de una ruptura amorosa. Lo más irónico, sin duda, es que el disco inicia con la voz de Radley pronunciando casi como un susurro: “Ladies and gentlemen we are floating in space”, seguido por la voz de Pierce: “All i want in life’s a little bit of love to take the pain away”. Mientras que en I think i’m in love se hace una clara alusión al uso de heroína: “Love in the middle of the afternoon, just me, my spike in my arm and my spoon”, al igual que en la última canción Cop shoot cop: “There’s a hole in my arm where all the money goes”. Según declaraciones de Sean Cook, entonces integrante de la banda, Pierce no era tan prolífico al momento de escribir, pues por lo general se tomaba su tiempo y comenzaba con la parte musical, dejando que las letras llegaran a él poco a poco mientras se armaban las

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Man Machine, uno de los mejores discos de Kraftwerk

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En el año de 1978 surgió uno los mejores discos de Kraftwerk, que innovaron desde la década de los 70,  imponiendo nuevos estilos aun incomprendidos en esos tiempos.   The Man Machine trajo consigo una ola de nuevas tecnologías, modas y estilos de imponer la música electrónica que ya se venía gestando desde el francés Jean Michel Jarre, esto se ve reflejado en la portada del disco la cual muestra a estos jóvenes alemanes totalmente estéticos e inertes como si fueran unos mismísimos robots y eso se complementa en su primer track cuando lo único que vocalizan es “We Are The Robots”. “Space Lab” es una invitación a la ciencia ficción que se vivía a finales de los 70  en Europa, mostrando varios audiovisuales en sus presentaciones sobre imágenes espaciales que incautaban a la audiencia. Sin lugar a dudas Karl Batos y Ralf Hutter tenían esa genialidad de crear varios sonidos novedosos para el mundo que no estaba preparado para escuchar otra cosa que llevara guitarras, bajo y baterías. “The Model” fue en el que se convertiría en uno de los hits número uno de la banda alemana, ya que internacionalmente estuvo en las listas de los charts de varios países de Europa y Norteamérica, esto llevaba una cierta implicación de un momento subversivo en el mundo del modelaje atraiéndolo hacia la tecnología de un nuevo beat. Por su parte , “The Man Machine” el último tema del LP, mismo nos muestra una serie de sonidos un tanto futuristas que nos llevan a confundir un cierto pesimismo hacia sobre la música electrónica, pero esto no era sino una metáfora hacia el camino un tanto incierto de las nuevas tecnologías implantadas en la música.

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La historia de Morrissey y su primer concierto solista

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Muy pocos lo saben, pero el primer concierto de Morrissey de manera solista en su carrera fue prácticamente con la misma alineación de The Smiths pero sin Johnny Marr en la guitarra, quien fue sustituido por Craig Gannon. Esto sucedió en Wolverhampton en 1988, Andy Rourke y Mike Joyce se quedaron a apoyarlo y sonaron muchos clásicos de The Smiths, Marr fue sustituido por Gannon,  quien sirvió a los Smiths como bajista durante el breve derrocamiento de la banda de Rourke en 1986, y se convirtió en su guitarrista rítmico de gira a partir de entonces. Cuando The Smiths se separaron antes del lanzamiento de su último álbum: Strangeways, Here We Come, esta fue la única presentación en vivo que abarca temas de esa placa. Morrissey subió al escenario  después de un largo período de aplausos y cánticos. En la primera canción “Stop Me If You Think You’ve Heard This One Before”, cantó “And so I drank one, or was it four?” En lugar de ” It became four” (se convirtieron en cuatro). De hecho, cantó esa línea como había sido escrita originalmente y no como apareció en Strangeways Here We Come. Antes de “Interesting Drug” que aún no se había lanzado y era desconocida para los fans, Morrissey comenzó “Esta canción se llama …” pero nunca logró terminar su presentación. En esa canción al igual que en la anterior:  “Dissapointed“, Morrissey se perdió muchas líneas debido al caos con los fanáticos y sus entonces ya legendarias invasiones al escenario. Morrissey visitará por sexta ocasión la ciudad de México el próximo mes de noviembre y lo hará al recinto donde vino por primera vez hace ya 18 años, el Auditorio Nacional en el año 2000. Recordamos aquí con mucha melancolía el setlist de aquella noche de Marzo.   1-The Boy Racer 2-Billy Budd 3-November Spawned a Monster 4-Hairdresser on Fire 5-Is It Really So Strange? (The Smiths) 6-Now My Heart Is Full 7-Break Up the Family 8-I Am Hated for Loving 9-Half a Person (The Smiths) 10-Alma Matters 11The Teachers Are Afraid of the Pupils 12-Meat Is Murder (The Smiths) 13-Ouija Board, Ouija Board 14-A Swallow on My Neck 15-Boxers 16Tomorrow 17-Shoplifters of the World Unite (The Smiths) Encore: 18-Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me (The Smiths)

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Fiebre mundialista con New Order

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Mientras el álbum Technique de 1989 se afirmaba como uno de los mejores del año, New Order parecía anunciar una aparente separación momentánea de sus integrantes, era como el epitafio de uno de sus mejores álbumes de toda su carrera. Corría el año de 1990 cuando el grupo recibió una invitación para crear uno de los mejores himnos ingleses al fútbol de todos los tiempos “World In Motion”, esto aseguraba una reunión momentánea del grupo para escribir sobre una motivación a los jugadores ingleses que estaban por arribar al Mundial de fútbol de Italia 1990. Cuando a Bernard Sumner no se le ocurría alguna idea para crear este himno surgió la invitación de uno de los mejores comediantes y actores ingleses “Keith Allen”, el cual era aficionado el fútbol, este a su vez ayudo al grupo a escribir unas líricas bastantes emotivas y rítmicas para ser solo una simple canción de fútbol. La idea fue todavía mejor cuando algunos jugadores de la selección de Inglaterra se les invito para ser el el coro de un final inédito de la canción, la frase “We’re playing for England” En-ger-land tomo fuerza al ser cantada al unísono del grupo y los jugadores de Inglaterra. Pero la parte más álgida fue el momento de hacer un solo de Jonh Barnes (uno de las estrellas del fútbol inglés),  el cual mostró una astuta forma de cantar al estilo de un rap que no envidiaba a muchos autores de este género. El video de “World In Motion” fue un hit ya que muestra a un Barney con la playera de Inglaterra y unas imágenes de lo que eran en ese momento los jugadores ingleses, a un Keith Allen siendo divertido y sarcástico detrás de un John Barnes que con un balón en mano hacia destreza de cómo se debe cantar al fútbol. Sin lugar a dudas “World In Motion” fue lo mejor del mundial de Italia 1990 tanto que llego a ser número de los charts en Inglaterra y por mucho el mejor himno al estilo del fútbol inglés. Uno que a lo mejor no se ha repetido hasta la fecha ni en éste mundial de Rusia 2018.  

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