Depósitio Sonoro

Nostalgia

Heaven Up Here de Echo And The Bunnymen, uno de los LPs del post punk mejor logrados

La energía del postpunk sin lugar a dudas movió a toda la industria de la música a finales de los 70 y principios de los años 80, centrándose en crear ritmos y melodías que fueran más allá del clásico lema “Fuck off”  y esto lo hizo una de las mejores bandas de esa década: Echo And The Bunnymen. Heaven up Here fue el segundo material que sacó Echo and The Bunnymen en 1981, en el cual toda su energía se plasma en  un  Ian McCulloch con bastante fuerza de sus vocales que retumbaban en ecos de melodías con letras un tanto desesperanzadoras y un tanto agridulces,  esto puede escucharse en uno de sus mejores temas del disco Over The Wall que te lleva a esa atmósfera de desesperación sin salida en la cual tratan de interpretar un final a la locura que nos atrapa detrás de una falsa pared de existencialismo. “A Promise” es un grito de frustración a la confianza que generas en los individuos, de un Ian McCulloch que busca un balance de  estruendo entre agudos y  bajos, guitarras con un riff pegajoso y una batería que pareciera como si le estuviera pegando al destino, esto se complementa con un coro pegajoso al unísono de los integrantes que casi llega a ser contagioso. “The Disease” en una pequeña pausa en la mitad del LP en la que pareciera que las vocales vienen de un eco desconocido tratando de comprender los prospectos de una noche que se disfraza de un infierno meramente interno. “All My Colours” es un lamento a ciertas situaciones que terminan en una agonización meramente inerte y resignada que va retumbando en las baterías, mientras las guitarras interpretan un pasaje un tanto desolador y pesimista que hace contraste con unas potentes vocales. Pero no todo es agonía y frustración en el LP, “No Dark Things” nos muestra un  Ian McCulloch más positivo en cuanto a la manera de enfrentar ciertas situaciones, que siempre existe un pequeño punto de luz que nos optimiza al ver que no todo está jodido. Ya casi para terminar el LP  en “Turquoise Days” nos envuelven de nuevo a ese sonido de atmósferas llenas de abstencionismo a la vida, y que poco a poco se va transformando en un caminar que va dejando atrás recuerdos negativos hechos falsas promesas.

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El eslabón perdido de Alemania: Faust, nueva gira y un legado más presente que nunca

“No existe banda más mítica que Faust” escribió Julian Cope en su afamado libro Krautrocksampler (Head Heritage 1995). La enigmática banda conformada  en la actualidad por Jean-Hervé Péron y Werner “Zappi” Diermaier, miembros fundadores de la banda alemana, y que continúan explorando la paleta sónica del grupo a niveles insospechables. La banda está por comenzar su próxima gira en EUA, el mes entrante por lo que posiblemente la banda podría lanzar un álbum nuevo, como lo reporta el medio norteamericano Brooklyn Vegan. Dicha gira comenzará del 11 de Julio en Chicago y terminara el 29 de Julio en San Diego, California. Faust es una de las bandas más populares del kraturock (termino que ellos califican como despectivo y ofensivo) que con solo 4 álbumes lograron convertirse en una de las bandas estandartes del sonido de una era característica, una era de la resaca de la posguerra, el estigma y la efervescencia psicodélica de una juventud que no veía fronteras entre las músicas. Influenciados por el dadaísmo y más tarde por el movimiento fluxus; Faust logró no solo definir un sonido, sino que, permutó su obra en lo que hoy en día significa la banda, una banda que se siente nueva, fresca, con un sonido a la vez nostálgico como innovador, oscuro, el eslabón perdido de una era distante. Fundados en 1971, la banda conformada por Werner “Zappi” Diermaier, Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunther Wüsthoff, nació en la pequeña zona rural de Wümme, Alemania y gracias a la iniciativa del legendario productor Uwe Nettelbeck de formar un grupo que contrastará con la entonces invasión británica en el mainstream y la naciente visión del rock anglosajón; por lo que fácilmente lograron fichar 4 discos legendarios, en disqueras mayores, como la Polydor o la Virgin, estos últimos lanzando el que quizá es su álbum más popular Faust IV; desgraciadamente la banda de disolvió en 1975 tras la negativa de esta última disquera de lanzar su nuevo álbum. La banda se sumió a un profundo letargo, pero en 1994, decidieron reactivar al grupo con una alineación diferente, donde los miembros fundadores Jean-Hervé Péron y Zappi Diermaier comenzaron a dar giras por Estados Unidos y Europa, apoyados de miembros de Sonic Youth; además de lanzar una gran cantidad de discos junto a su miembro fundador Hans Joachim Irmler, bajo su propia disquera, Klangbad. Sin embargo en 1997 Perón deja el grupo para enfocarse en su propio arte multidisciplinario, dejando de nuevo al grupo a la deriva. En 2005 Diermaier y Perón se unen para conformar un “nuevo” Faust, con una alineación diferente, un sonido mucho más agresivo, crudo y oscuro, además de colocar el factor del azar y la improvisación en un primer plano; ejemplos claros de esto son: Rein (producido por Jim O’Rourke) Something Dirty o C’est Comm…Comm…Compliqué, materiales donde la banda muta completamente, pero al mismo tiempo revive en ocasiones el sonido de sus primeros discos. La banda actualmente se conforma por sus primeros dos fundadores, además de incluir numeroso colaboradores como lo son: James Johnston (ex Nick Cave and The Bad Seeds y Gallon Drunk) la artista británica multidisciplinaria Geraldine Swayne. Faust es una de las bandas más interesantes de la historia del underground, un grupo mutante sónicamente, pero que mantiene esa noción tan natural por revivir su sonido inicial, dando constantes giros de tuerca. Una banda que puede tanto colaborar con el fallecido Tony Conrad como con los míticos Slapp Happy, una banda que se cataloga dentro del krautrock como también con el rock in oposittion, o para algunos, precursores del industrial; una banda tan única por sí sola, que de haber dos como en algún momento extrañamente sucedió este mundo sería seguramente un poco más torcido de lo que ya es. ¡Larga vida a Faust!

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La historia detrás de Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space de Spiritualized

Este junio de 2024 se cumplen 27 años de ésta obra seminal, te contamos la historia que le dio forma y fondo a uno de los mejores discos en la historia del rock contemporáneo: Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space de Spiritualized. 1997 fue un año seminal para la música, al menos en tres vertientes: la alternativa, la electrónica y el pop. En ese entonces podías encontrar a bandas como Blur, Suede, Pulp y Oasis en la cúspide/ocaso de sus carreras, mientras una nueva ola de grupos de música electrónica como Daft Punk, The Chemical Brothers, Air, The Prodigy y Aphex Twin, comenzaban a desplazar a dichos grupos con todo y sus fans; al mismo tiempo que el mundo se sumergía en una salvaje promoción de las Spice Girls en radio, tv, revistas, periódicos y… latas de Pepsi. Seguidos por Hanson y Sixpence None The Richer, la base perfecta para lo que vendría después con Britney Spears. Existió también otro género que ganó mucha fuerza ese mismo año por la calidad interpretativa y el sonido experimental de bandas y artistas como Portishead, DJ Shadow, Massive Attack y UNKLE dieron vida al Trip Hop años atrás, mezclando samples y scratcheos propios de la música electrónica con el jazz fussion, rock y soul downtempo, para crear algo verdaderamente sublime. Entre tantas expresiones artísticas ocurriendo al mismo tiempo en diferentes partes del mundo, surgió una de las historias de triángulos amorosos mejor guardadas del rock con la llegada del disco Ladies and Gentlemen we are floating in space de Spiritualized, un disco de proporciones épicas que marcaría un antes y un después en la vida de Jason Pierce, -AKA J. Spaceman- vocalista y líder de la banda. La historia va así: A principios de los 90’s, de las cenizas de Spacemen 3, surgió Spiritualized, una banda que combinaba la psicodelia y el blues con el shoegaze, para crear algo denominado Space Rock, según Jason. Con la salida del disco debut de Spiritualized “Lazer guided melodies”, la banda llamaría la atención de Richard Ashcroft, vocalista de The Verve, que por ese entonces se encontraba promocionando su primer sencillo “All in the mind”, por lo que ambas bandas se embarcarían en una gira a principios del ’92, compartiendo su amor por Pink Floyd, los sonidos saturados, los pedales de distorsión y las drogas. Es bien sabido que mientras los chicos de The Verve viajaban al espacio con LSD, los integrantes de Spiritualized preferían perderse entre las dosis de heroína que encontraban en cada ciudad que visitaban. Desde ese entonces una chica rondaría todas las sesiones de grabación, los ensayos y las tocadas de la banda hasta convertirse en la novia de Pierce, para luego incorporarse a los teclados y unirse formalmente a la banda, su nombre: Kate Radley. A partir de entonces, Radley se convertiría en la musa inspiradora de Pierce, siendo el tema principal en algunas canciones de la banda como: “If I were with her now”  y “I want you”. Hasta aquí, todo parecía una historia de amor perfecta y sin complicaciones, pero la felicidad no es para siempre. En 1995, Spiritualized lanzaría Pure Phase un disco alabado por la crítica pero sin éxito comercial, mientras que The Verve haría lo propio con el maravilloso A Northern Soul, con el que ganarían los elogios de la prensa, y de Noel Gallagher (quién también se encontraba en el mejor momento con Oasis), para luego dejar la escena underground y dar el gran salto al mainstream en cuestión de meses. Fue en ese momento en que Ashcroft y Radley decidieron casarse en secreto, así es, leíste bien, ¡Ashcroft y Radley!… En otras palabras, uno de tus mejores amigos se casa con tu novia a tus espaldas. Increíble ¿no? Lo curioso del caso no es que se haya mantenido el secreto por más de 15 años o que nunca se hiciera un escándalo mayor en la prensa británica sobre el mismo, al ser revelado en 2012, sino que Radley siguió siendo parte de la banda 2 años más, aún después de terminar su relación con Pierce, hasta 1997, año en que se lanzara Ladies and Gentlemen we are floating in space, un disco por demás íntimo y destructivo que por fin llevaría a Spiritualized a la cima de éxito internacional, pero ¡a qué precio! En dicho disco, a Radley se le acreditaría como la encargada de los teclados, el órgano y el piano. Resulta obvio que dicho suceso provocó en Jason un efecto devastador que lo hizo recaer en su consumo de heroína, (que había dejado desde la llegada de Kate a la banda), pero al mismo tiempo exaltó su capacidad creativa a niveles insospechados, no solo a nivel lírico sino musical. Durante 2 años, Pierce tuvo a bien experimentar con el gospel,  R&B, soul, garaje rock, blues y jazz para generar 12 canciones de proporciones épicas, en su totalidad dirigidas a su ex novia. Casi tan revelador y oscuro como The Downward Spiral de NIN, Ladies… es la descripción perfecta de la autodestrucción de una persona después de una ruptura amorosa. Lo más irónico, sin duda, es que el disco inicia con la voz de Radley pronunciando casi como un susurro: “Ladies and gentlemen we are floating in space”, seguido por la voz de Pierce: “All i want in life’s a little bit of love to take the pain away”. Mientras que en I think i’m in love se hace una clara alusión al uso de heroína: “Love in the middle of the afternoon, just me, my spike in my arm and my spoon”, al igual que en la última canción Cop shoot cop: “There’s a hole in my arm where all the money goes”. Según declaraciones de Sean Cook, entonces integrante de la banda, Pierce no era tan prolífico al momento de escribir, pues por lo general se tomaba su tiempo y comenzaba con la parte musical, dejando que las letras llegaran a él poco a poco mientras se armaban las

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Man Machine, uno de los mejores discos de Kraftwerk

En el año de 1978 surgió uno los mejores discos de Kraftwerk, que innovaron desde la década de los 70,  imponiendo nuevos estilos aun incomprendidos en esos tiempos.   The Man Machine trajo consigo una ola de nuevas tecnologías, modas y estilos de imponer la música electrónica que ya se venía gestando desde el francés Jean Michel Jarre, esto se ve reflejado en la portada del disco la cual muestra a estos jóvenes alemanes totalmente estéticos e inertes como si fueran unos mismísimos robots y eso se complementa en su primer track cuando lo único que vocalizan es “We Are The Robots”. “Space Lab” es una invitación a la ciencia ficción que se vivía a finales de los 70  en Europa, mostrando varios audiovisuales en sus presentaciones sobre imágenes espaciales que incautaban a la audiencia. Sin lugar a dudas Karl Batos y Ralf Hutter tenían esa genialidad de crear varios sonidos novedosos para el mundo que no estaba preparado para escuchar otra cosa que llevara guitarras, bajo y baterías. “The Model” fue en el que se convertiría en uno de los hits número uno de la banda alemana, ya que internacionalmente estuvo en las listas de los charts de varios países de Europa y Norteamérica, esto llevaba una cierta implicación de un momento subversivo en el mundo del modelaje atraiéndolo hacia la tecnología de un nuevo beat. Por su parte , “The Man Machine” el último tema del LP, mismo nos muestra una serie de sonidos un tanto futuristas que nos llevan a confundir un cierto pesimismo hacia sobre la música electrónica, pero esto no era sino una metáfora hacia el camino un tanto incierto de las nuevas tecnologías implantadas en la música.

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La historia de Morrissey y su primer concierto solista

Muy pocos lo saben, pero el primer concierto de Morrissey de manera solista en su carrera fue prácticamente con la misma alineación de The Smiths pero sin Johnny Marr en la guitarra, quien fue sustituido por Craig Gannon. Esto sucedió en Wolverhampton en 1988, Andy Rourke y Mike Joyce se quedaron a apoyarlo y sonaron muchos clásicos de The Smiths, Marr fue sustituido por Gannon,  quien sirvió a los Smiths como bajista durante el breve derrocamiento de la banda de Rourke en 1986, y se convirtió en su guitarrista rítmico de gira a partir de entonces. Cuando The Smiths se separaron antes del lanzamiento de su último álbum: Strangeways, Here We Come, esta fue la única presentación en vivo que abarca temas de esa placa. Morrissey subió al escenario  después de un largo período de aplausos y cánticos. En la primera canción “Stop Me If You Think You’ve Heard This One Before”, cantó “And so I drank one, or was it four?” En lugar de ” It became four” (se convirtieron en cuatro). De hecho, cantó esa línea como había sido escrita originalmente y no como apareció en Strangeways Here We Come. Antes de “Interesting Drug” que aún no se había lanzado y era desconocida para los fans, Morrissey comenzó “Esta canción se llama …” pero nunca logró terminar su presentación. En esa canción al igual que en la anterior:  “Dissapointed“, Morrissey se perdió muchas líneas debido al caos con los fanáticos y sus entonces ya legendarias invasiones al escenario. Morrissey visitará por sexta ocasión la ciudad de México el próximo mes de noviembre y lo hará al recinto donde vino por primera vez hace ya 18 años, el Auditorio Nacional en el año 2000. Recordamos aquí con mucha melancolía el setlist de aquella noche de Marzo.   1-The Boy Racer 2-Billy Budd 3-November Spawned a Monster 4-Hairdresser on Fire 5-Is It Really So Strange? (The Smiths) 6-Now My Heart Is Full 7-Break Up the Family 8-I Am Hated for Loving 9-Half a Person (The Smiths) 10-Alma Matters 11The Teachers Are Afraid of the Pupils 12-Meat Is Murder (The Smiths) 13-Ouija Board, Ouija Board 14-A Swallow on My Neck 15-Boxers 16Tomorrow 17-Shoplifters of the World Unite (The Smiths) Encore: 18-Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me (The Smiths)

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Fiebre mundialista con New Order

Mientras el álbum Technique de 1989 se afirmaba como uno de los mejores del año, New Order parecía anunciar una aparente separación momentánea de sus integrantes, era como el epitafio de uno de sus mejores álbumes de toda su carrera. Corría el año de 1990 cuando el grupo recibió una invitación para crear uno de los mejores himnos ingleses al fútbol de todos los tiempos “World In Motion”, esto aseguraba una reunión momentánea del grupo para escribir sobre una motivación a los jugadores ingleses que estaban por arribar al Mundial de fútbol de Italia 1990. Cuando a Bernard Sumner no se le ocurría alguna idea para crear este himno surgió la invitación de uno de los mejores comediantes y actores ingleses “Keith Allen”, el cual era aficionado el fútbol, este a su vez ayudo al grupo a escribir unas líricas bastantes emotivas y rítmicas para ser solo una simple canción de fútbol. La idea fue todavía mejor cuando algunos jugadores de la selección de Inglaterra se les invito para ser el el coro de un final inédito de la canción, la frase “We’re playing for England” En-ger-land tomo fuerza al ser cantada al unísono del grupo y los jugadores de Inglaterra. Pero la parte más álgida fue el momento de hacer un solo de Jonh Barnes (uno de las estrellas del fútbol inglés),  el cual mostró una astuta forma de cantar al estilo de un rap que no envidiaba a muchos autores de este género. El video de “World In Motion” fue un hit ya que muestra a un Barney con la playera de Inglaterra y unas imágenes de lo que eran en ese momento los jugadores ingleses, a un Keith Allen siendo divertido y sarcástico detrás de un John Barnes que con un balón en mano hacia destreza de cómo se debe cantar al fútbol. Sin lugar a dudas “World In Motion” fue lo mejor del mundial de Italia 1990 tanto que llego a ser número de los charts en Inglaterra y por mucho el mejor himno al estilo del fútbol inglés. Uno que a lo mejor no se ha repetido hasta la fecha ni en éste mundial de Rusia 2018.  

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Balam Acab y su música bella, oscura y profunda

Es difícil creer que ese hombre de cara y cuerpo de adolescente sea responsable de crear esta música con ese poder sobrenatural, misterioso y de gracia fantasmal. Género: Chillwave | Witch house | IDM | Ambient Alec Koone conocido como Balam Acab es un productor de música electrónica experimental con base en Pensilvania. Lanzó su EP debut llamado See Birds en el 2010 y su álbum debut Wander/Wonder en septiembre de 2011, siendo altamente aclamado por la crítica considerandolo uno de los discos más únicos del año y posiblemente de la década dentro de la escena underground, etiquetándolo como “un álbum clásico moderno”.  El estilo musical de Koone está fuertemente influenciado por el witch house y el chillwave entre otros varios estilos, basando su música en gran medida en el agua; goteos suaves y muestras de agua salpicantes, voces angelicales y hermosas, dando al oyente la sensación que lo que se está escuchando no es del todo de este mundo.   Este año Balam Acab tiene dos discos nuevos, Free Etherea y Noided in Flint, MI que aunque no alcanzan la gloria eterna de Wander/Wonder son un gran viaje al perfecto mundo oscuro y hermoso de Balam Acab.

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A 29 años del disco debut de The Stone Roses

Corre el año de 1989 y mientras se vivía una explosión musical en Manchester sobre géneros como el rock, el techno, el dance, el acid house, entre otros, muchos grupos supieron llegar a niveles inimaginables de la escena de Manchester misma… un ejemplo de ello son The Stone Roses. La portada muestra el nombre mismo de la banda con unos gajos de cítricos regados y pegado a un muro grafiteado de una manera que hacía referencia al sarcasmo del arte mismo, no cabe duda que fue una de las mejores portadas de un álbum debut de ese año. “I Wanna Be Adored” se convirtió en un himno de una generación en la cual se buscaba reivindicar el rock británico de una forma más abierta, más liberal, más directa al hedonismo de un Ian Brown (vocales) que cantaba de una forma exquisitamente egocéntrica de lo que es llegar a ser adorado por todo el que le siguiera (al menos eso quería expresar la canción). Esa forma de abrir el disco impresiono a muchos, tanto que se llevó buenas críticas de la prensa nombrándolo uno de los mejores álbum debut dentro de la historia del rock. “Waterfall” se convirtió en otro hit en el cual esas guitarras empiezan con ese estilo clásico del brit pop, en ello se muestran unas líricas bastantes simples y hasta un tanto agridulces acompañadas de una bella conjunción de la batería y bajo. “Made of Stone” la cual fue producida por el mismísimo Peter Hook (ex bajista de New Order) y le dio su toque sublime,  los coros de esta canción hace que sea recordada como uno de sus mejores sencillos y sin dejar atrás las líneas de bajo de la mano de Hooky. “This Is The One” es una de mis canción preferidas ya que las líricas muestran la tierna lujuria de una adolescente al querer elegir a su pareja por primera vez,  las guitarras tomas fuerza mientras Ian Brown canta estremecido de lo que puede llegar a darse en este tipo de situaciones. “I am the Resurrection” cierra el disco de una manera fantástica ya que empieza con una batería un tanto básica y cierra con un solo de guitarra inolvidable de John Squire y  unas líricas haciendo referencia a lo que contrario a “I Wanne Be Adored” no necesita vanagloriarse de el mismo ni de nadie porque ellos mismos son la resurrección del rock británico en tiempos el que la música electrónica y el grunge tomaban gran parte de la industria musical. Uno de los mejores discos debut en la historia del R&R.

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