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Cuando la Unión Soviética creó lista de bandas peligrosas: Stooges, Black Sabbath, Madness y más

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Tal puede ser su reacción a una lista publicada en 1985 por el Komsomol, la organización juvenil soviética formada como la Liga de Jóvenes Comunistas Leninistas de toda la Unión en 1918. Consta de 38 bandas punk, rock, metal, disco y New Wave, la lista no es en absoluto diferente a los materiales impresos por la misma época por ciertas organizaciones juveniles con las que entré en contacto. Los mecanismos en la Unión Soviética en vísperas de la perestroika superaron los intentos relativamente leves de censura musical realizados por el gobierno de Estados Unidos, pero los mecanismos de propaganda fueron similares. Como en los panfletos y libros alarmados que entregaron en iglesias y campamentos de verano, la lista del Komsomol describe a cada banda en términos absurdos, cada una una categoría del “tipo de propaganda” que se ofrece. A muchos artistas se les acusaba únicamente de “violencia” o de “sexo”, que en algunos casos era una especie de su oficio. Un puñado de bandas de punk (Sex Pistols, The Clash) son acusadas de violencia y también simplemente acusadas de “punk”, un delito que se considera la única ofensa de los Ramones. Hay algunas acusaciones extrañamente específicas: Pink Floyd es culpable de una “distorsión de la política exterior soviética” y Talking Heads respalda el “mito de la amenaza militar soviética”. Un par de etiquetas hilarantemente incongruentes ofrecen LOL: Yazoo y Depeche Mode, 2 de las bandas más amables de la época, son llamadas por “punk, violencia”. Se dice que Kiss and the Village People (arriba), dos de las bandas más tontas de la lista, propagan el “neofascismo” y la “violencia”. Aquí la lista completa: Sex Pistols: punk, violence B-52s: punk, violence Madness: punk, violence Clash: punk, violence Stranglers: punk, violence Kiss: neofascism, punk, violence Crocus: violence, cult of strong personality Styx: violence, vandalism Iron Maiden: violence, religious obscuritanism Judas Priest: anticommunism, racism AC/DC: neofascism, violence Sparks: neofascism, racism Black Sabbath: violence, religious obscuritanism Alice Cooper: violence, vandalism Nazareth: violence, religious mysticism Scorpions: violence Gengis Khan: anticommunism, nationalism UFO: violence Pink Floyd (1983): distortion of Soviet foreign policy (“Soviet agression in Afghanistan”)*** Talking Heads: myth of the Soviet military threat Perron: eroticism Bohannon: eroticism Originals: sex Donna Summer: eroticism Tina Turner: sex Junior English: sex Canned Heat: homosexuality Munich Machine: eroticism Ramones: punk Van Halen: anti-soviet propaganda Julio Iglesias: neofascism Yazoo: punk, violence Depeche Mode: punk, violence Village People: violence Ten CC: neofascism Stooges: violence Boys: punk, violence Blondie: punk, violence

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Así le paga Spotify a los artistas

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Se ha hablado mucho sobre si los artistas están ganando menos que antes ahora que existe la música en streaming, tanto que hasta algunos artistas no han querido subir sus canciones a plataformas de streaming. Sin embargo, a los talentos no les queda de otra que hacerlo. De todos modos aún queda uno que otro que se queja de la manera en la que Spotify les paga así que la app sacó un video en el que explica cómo funciona su sistema. Primero que nada, Spotify no les paga a los artistas sino a los dueños de los derechos de las canciones (que algunas veces son las disqueras) y ya las disqueras distribuyen a los artistas, eso no lo controla Spotify. Hay disqueras que les dan más y hay algunas que les dan menos, eso depende del contrato que tengan con sus talentos. Spotify les paga a las disqueras el 70% de los ingresos y ellos se quedan el 30%; YouTube y la App Store tienen el mismo split. Lo que hace Spotify es que suma todo el dinero que le entra en cada país, esto es el que cae de suscripciones más el que cae de publicidad (que escuchan los que no tiene premium) y todo ese dinero lo divide 70–30. Con el 70% de los artistas ahora hace lo siguiente, lo reparte según el porcentaje que tenga un artista de reproducciones conforme a todas las reproducciones del país. Es decir, si en México hubo 100 reproducciones en mayo, y una canción la reprodujeron 10 veces, entonces el 10% de ese 70% se va para el artista. No te pagan por reproducción, sino por marketshare, por así decirlo. Es por eso que no es buena idea sacar tu single el mismo mes que lo saca algún artista muy reconocido como Bad Bunny, ya aunque las reproducciones aumenten 1000%, no ganará mucho share del mercado y no van a pagar tanto. Los artistas tienen que empezar a conocer y a enfocarse en mejores estrategias digitales también. ¿Sabías que funcionaba así? Checa este video:

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Álbumes pioneros del Stoner Rock y Stoner Metal ideales para el 4/20

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El Stoner es un subgénero del rock y del metal con gran influencia del rock psicodélico de fines de los años 60 y principios de los 70. Está conectado tanto con el rock alternativo como con el heavy metal. El stoner rock habitualmente usa tempos de lentos a medios y presenta guitarras afinadas grave, un sonido pesado de bajo y​ en ocasiones voces melódicas. La marihuana y la música pesada se han complementado durante décadas, desde que Ozzy Osbourne hizo pública su afinidad; y con ello nació el stoner rock (al menos el concepto). El stoner rock, sin embargo, no requiere que la música sea conceptualmente sobre marihuana, solo que evoca una cierta sensibilidad psicodélica nebulosa que evoca una especie de humo, como con el fuzz de la banda Sleep. Hoy en día existen infinidad de bandas con diferentes ramificaciones dentro del género, podemos encontrar en casi todos los países de Occidente varias bandas representativas, ahora hablaremos sólo de algunas de las más importantes o las que iniciaron el género, faltan bastantes, aquí daremos solamente una pincelada. Black Sabbath – Master of Reality (1971; Warner Bros.) A Black Sabbath se le ha atribuido el mérito de inventar esencialmente el heavy metal, así como el doom metal con los cantos fúnebres y lentos de su álbum debut, por lo que es lógico que la banda más importante de la música pesada también sea responsable de inventar el stoner rock. Kyuss – Welcome to Sky Valley Kyuss refinó el arte de la pesadez psicodélica al final de su carrera con Welcome to Sky Valley. La colección más concentrada y cohesiva de las jams de “rock del desierto” de la banda, Sky Valley, fue secuenciada de una manera que permitió que las pistas se mezclaran entre sí, agrupadas en grupos de 3 para una escucha óptima del vinilo (con mejora química opcional). Melvins – Stoner Witch (1994; Atlantic) Melvins siempre han sido bastante extraños en lo que respecta al metal y al hard rock, aunque, con mucho, no son la banda más extraña que termina en un sello importante, pero siempre se han caracterizado por tener un sonido muy propio. Dentro de las primeras pistas de Stoner Witch, la banda muestra su rango en algunos cambios bastante amplios, desde el lento y fangoso trabajo de “Queen” al galope del riff maníaco de “Sweet Willy Rollbar”, y se meten en un carril experimental infernal con varios minutos de retroalimentación y ruido al abrir “Magic Pig Detective”. Monster Magnet – Dopes to Infinity (1995; A&M) Este LP de Monster Magnet ofrece una versión casi de buen gusto de su embriagador heavy metal. Su rango se puede escuchar fácilmente en las pistas consecutivas “Ego, the Living Planet”, llenas de una producción arremolinada del fuego del infierno y el himno de folk oscuro “Blow‘ em Off “. Fu Manchu – In Search Of… (1996; Mammoth) Fu Manchu vivieron una vida inicial como una banda con esencia punk. Sin embargo, en lugar de sumergirse en el thrash o el death metal, la banda buscó refugio en sonidos del vintage y el proto-metal como Blue Cheer o Black Sabbath. In Search Of … se parece un poco a lo que podría sonar el valor de un álbum completo de “Sweet Leaf”. Electric Wizard – Dopethrone (2000; Rise Above/The Music Cartel) Los maestros británicos del stoner-doom Electric Wizard dejaron bastante clara su misión en la portada de su titánico álbum de 2000 Dopethrone: un mago con cuernos con una barba retorcida fuma una pipa que parece del tamaño de su cara. Más que la mayoría de los álbumes en el canon stoner / doom, Dopethrone es un material brutal y un tanto diferente al Stoner convencional. Sleep – Dopesmoker (2003; Tee Pee) El Dopesmoker de Sleep definitivamente se apoya más en el metal. Existe un argumento para que la titánica grabación del trío de Bay Area sea el álbum más pesado de todos los tiempos. Una sola pista que dura más de una hora, Dopesmoker es Sleep en su forma más potente y cósmica, entregando riffs épicos que son tan poderosos como psicoactivos.

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Cómo se crean los sonidos que escuchamos en las películas

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“The Magic of Making Sound”, el video de Great Big Story, revela el trabajo de los artistas de Foley, algunos de los artesanos menos conocidos de la industria del entretenimiento. Por lo general, pensamos en el realismo como una cualidad principalmente visual, alabando algo que “parece real” casi tan a menudo como nos quejamos de lo que “parece falso”, pero gran parte de lo que hace que la acción dramática en pantalla se sienta real ocurre en un nivel completamente invisible. Los artistas de Foley (llamados así por el primer diseñador de efectos de sonido Jack Foley) crean todos los sonidos incidentales que esperarías escuchar en la vida real, así que si y solo si hacen bien su trabajo, nadie en la audiencia lo notará. (El trabajo mínimo de Foley, combinado con el diálogo doblado en un estudio en lugar de grabado durante el rodaje, contribuye en gran medida a la calidad “onírica” ​​de algunas películas más antiguas, especialmente de Europa y Asia). El video de The Great Big Story, junto con el breve perfil del veterano artista de Hollywood Foley Gary Hecker, muestran a los maestros del oficio que emplean una variedad de sus herramientas: bolsas de almidón de maíz para la nieve, guantes con sujetapapeles pegados a las yemas de los dedos para las patas de los perros, y para ese inevitable (aunque inverosímil) movimiento de una espada desenvainada, una espátula de cocina. Al igual que las imágenes, el sonido requiere un cierto grado no solo de imaginación, sino de exageración para lograr esa sensación de “más grande que la vida”. Aún así, la artesanía de Foley tiene sus orígenes en los sonidos hechos a mano para acompañar los dramas de radio en la década de 1920. Es posible que la profesión haya pasado de los cascos de caballo con cáscara de coco de hace casi un siglo (estos videos muestran el estándar actual de la industria, un dispositivo de aspecto de jerry hecho de tazas de émbolo), pero la mayor parte de su equipo se ha mantenido sin cambios de manera confiable.

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Un nuevo libro documenta con fotografía los años de la carrera de Patti Smith

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Patti Smith siempre sorprende a sus fans con nuevos trabajos y nuevas oportunidades para admirar su compromiso con el arte y el activismo. Desde los años 60 con sus cámaras Polaroid y una Minox 35EL alemana. “No soy fotógrafa”, dice, “sin embargo, tomar fotografías me ha dado una sensación de unidad y satisfacción personal. Son reliquias de mi vida. Recuerdos de mi deambular “. Pero a pesar de lo cómoda que se ha sentido Smith detrás de la cámara, se ha mostrado aún más relajada frente a ella: “ampliamente considerada como un ícono de estilo”, escribe Stephanie Eckardt en la revista W, “ha sido un imán para los fotógrafos casi inmediatamente” después de que llegó a Nueva York “para pasar el rato en CBGB y posar para Robert Mapplethorpe”. Apareció en muchas fotos con Mapplethorpe cuando los 2 eran solo niños. El fotógrafo Frank Stefanko capturó su descanso bohemio en los años 60 y 70 en blanco y negro. (Cuando la encontró por primera vez en el sur de Jersey, dice, se veía como “el chico malo entrando en un salón en una vieja película del oeste”). “Hay muchos fotógrafos que han fotografiado a Patti que son artistas maravillosos”, escribe Lynn Goldsmith, cuyo sorprendente registro fotográfico de la carrera de Smith se está publicando ahora en un nuevo libro de Taschen titulado Before Easter After. Sin embargo, a diferencia de Goldsmith, “no hicieron un documental, ni un concierto ni un trabajo de estudio con ella. Eso nos permitió a Patti y a mí tener una narrativa en el libro que pudiéramos compartir con la gente sobre lo que estaba sucediendo en ese momento “. Smith describe lo que estaba pasando con su lirismo casual habitual: Seguimos el camino del rock ‘n’ roll, saboreando su arrogancia, pero esquivando las trampas. [Lynn] fue testigo de noches formativas en CBGB, ganando terreno en todo Estados Unidos, mi accidente en un estadio de Tampa y la lucha por volver a levantarse. Dando clic aquí puedes comprar el libro.

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Wipeout, un videojuego para la historia de la música electrónica

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Wipeout, es el juego de liga de carreras anti gravedad que seguramente ya conocías si acaso eres un tanto aficionado de los videojuegos y por toda la historia que existe detrás. Si no, podría ser que recuerdes haberlo jugado por ahí del año 1995 con tus amigos cuando salió la versión para PlayStation 1, y del cual particularmente nos interesa hablar en esta ocasión, ya que ese soundtrack fue uno de los primeros en incorporar música electrónica de artistas alternativos, entre ellos The Chemical Brothers. Es curioso que la lista de canciones del soundtrack es diferente a las del juego en sí, ya que en el juego solamente aparecen las canciones 1, 2 y 5 de la lista a continuación, y más bien se utilizaron canciones de Cold Storage. “Wipeout (P.E.T.R.O.L.)” fue escrito y grabado específicamente para el juego, mientras que “Afro Ride” y “Chemical Beats” son re-mezclas de canciones que los artistas ya habían grabado. 1 Leftfield– Afro Ride (Edit) Producer – LeftfieldVocals – Djum Djum Written-By – Daley*, Barnes*, Cole*Producer – Leftfield Vocals – Djum Djum Written-By – Daley*, Barnes*, Cole* 4:24 2 Chemical Brothers*– Chemical BeatsEngineer – Steve ‘Dub’ Jones* Producer – Chemical Brothers* Written-By – Simons*, Rowlands* Engineer – Steve ‘Dub’ Jones* Producer – Chemical Brothers*Written-By – Simons*, Rowlands* 4:50 3 New Order– Blue Monday (Hardfloor Mix)Producer – New OrderRemix, Producer [Additional] – HardfloorProducer – New OrderRemix, Producer [Additional] – Hardfloor 8:34 4 The Age Of Love*– The Age Of Love (Jam & Spoon Mix)Producer – Roger SalyonRemix, Mixed By – Jam & SpoonWritten-By – B. Sanchioni*, G. Chierchia*Producer – Roger SalyonRemix, Mixed By – Jam & SpoonWritten-By – B. Sanchioni*, G. Chierchia* 6:45 5 Orbital– Wipeout (P.E.T.R.O.L)Written-By – Hartnoll*, Hartnoll*Written-By – Hartnoll*, Hartnoll* 6:15 6 The Prodigy– One Love (Edit)Mixed By, Producer – L. Howlett*, Neil McLellanWritten-By – L. Howlett*Mixed By, Producer – L. Howlett*, Neil McLellanWritten-By – L. Howlett* 3:52 7 Manic Street Preachers– La Tristesse Durera (Scream To A Sigh) (Dust Bros. Mix)Lyrics By – Nicky Wire, Richey James*Music By – James Dean Bradfield, Sean MooreProducer – Dave EringaRemix, Mixed By – Dust Bros.*Lyrics By – Nicky Wire, Richey James*Music By – James Dean Bradfield, Sean MooreProducer – Dave EringaRemix, Mixed By – Dust Bros.* 6:13 8 Sunscreem– When (K-Klass/Pharmacy Mix)Producer – SunscreemRemix, Producer [Additional] – K-Klass And The Pharmacy*Written-By – Holm*, Carnell*Producer – SunscreemRemix, Producer [Additional] – K-Klass And The Pharmacy*Written-By – Holm*, Carnell* 8:40 9 B.B. Feat. Angie Brown– Good Enough (Gemini’s Psychosis Mix)Engineer – M. Braghieri*Producer – BacciRemix – GeminiRemix [Credited To], Producer [Additional] – Spencer KincyWritten-By – L. Cittadini*, M. Braghieri*Engineer – M. Braghieri*Producer – BacciRemix – GeminiRemix [Credited To], Producer [Additional] – Spencer KincyWritten-By – L. Cittadini*, M. Braghieri* 8:54 10 Robert Armani– Circus Bells (Hardfloor Remix)Remix – HardfloorWritten-By, Producer – R. Armani*Remix – HardfloorWritten-By, Producer – R. Armani* 8:58 11 Dreadzone– Captain DreadProducer – DreadzoneWritten-By – Roberts*, Irvine (2), McGlynnProducer – DreadzoneWritten-By – Roberts*, Irvine (2), McGlynn 5:24 12 The Shamen– Transamazonia (Deepdish Rockit Express Dub Mix)Engineer – Victor ImbresProducer – The ShamenRecorded By – Brian Pugsley, The ShamenRemix – Deepdish*Remix [Reconstructed By, Credited To] – Dubfire And Sharam*Written-By – Angus*, West* Engineer – Victor ImbresProducer – The ShamenRecorded By – Brian Pugsley, The ShamenRemix – Deepdish*Remix [Reconstructed By, Credited To] – Dubfire And Sharam*Written-By – Angus*, West* 4:21 Wipeout es un videojuego de carreras futurista desarrollado y publicado por Psygnosis, lanzado en 1995 para Sony PlayStation, Sega Saturn, PC con sistema operativo MS-DOS y Amiga con Hardware PowerPC. También fue relanzado, 12 años más tarde, para PSP a través de PlayStation Store, el 8 de marzo de 2007 y se compatibilizó con PS3 el 3 de mayo de 2007 para Norteamérica y en junio de 2007 para Europa.​ En 2012 se lanzó una versión para la consola portátil PSvita.

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Cómo los audífonos cambiaron la forma en que escuchamos música

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Escuchar música es un asunto íntimo. Cada vez más personas se colocan audífonos en sus oídos. Debido al auge de los teléfonos inteligentes y la tecnología de transmisión, los teléfonos y las computadoras son ahora los 2 dispositivos principales que se utilizan para escuchar música, y los auriculares son la mejor manera de escuchar música desde tu dispositivo favorito.   Un poco de su historia El Electrófono, inventado en Gran Bretaña en la década de 1890, con servicio de suscripción, permitía a los clientes conectarse a una centralita y estar conectados a una actuación en vivo desde teatros de todo Londres. ¡Cosas de vanguardia en un mundo previo a la radio!   Más adelante, el ingeniero Nathaniel Baldwin inventó el primer par de auriculares de audio que se asemejan a los pares de hoy en día en 1910. La Marina ordenó 100 pares, sin saber que Baldwin los estaba haciendo a mano. En 1958, John Koss creó los primeros auriculares estéreo, los Koss SP-3. Los primeros modelos no eran más que mini altavoces cubiertos de cartón y espuma de sofá, pero su impacto fue inmenso. En lugar de conformarse con equipos de radiocomunicación y hardware de aviación, el amante del jazz, Koss, ideó algo puramente musical, y ayudó a impulsar una revolución en la forma en que la gente la escuchaba.   Walkman – 1979 Sony fabricó auriculares portátiles por primera vez con su reproductor de casetes, el Walkman, que vendió más de 400 millones de unidades. Si bien ahora es cosa del pasado, el hábito que generó, escuchar música donde y cuando quieras, es más grande que nunca. La invención del iPod llevó la música digital portátil a la corriente principal con sus comerciales coloridos y su marketing inteligente. De repente, cientos de millones de auriculares con cable blancos de Apple estaban por todas partes.   En su libro de 2012 How Music Works, el exlíder de Talking Heads, David Byrne, postula que la composición y producción musical dependen casi por completo del contexto tecnológico. Por ejemplo, explica que la música europea medieval a menudo era armónicamente simple porque tocar muchas notas a la vez sonaba terrible en las catedrales, y que las trompetas eran comunes en el jazz temprano porque la alta frecuencia del instrumento se podía escuchar en una audiencia habladora. Hoy en día, los teclados se han convertido en el instrumento central en la composición musical porque se traducen bien a MIDI, la interfaz para digitalizar la música.   Entonces, dado que los auriculares ahora son tan omnipresentes, ¿qué efecto tienen en la música popular? Un impacto importante parece estar en las voces.   “Escuchar música con auriculares es muy diferente a los altavoces donde hay una diferencia temporal y espacial entre tú y la música”, señala Charlie Harding, uno de los presentadores del podcast Switched On Pop y coautor de un nuevo libro sobre música. teoría en la música popular. Harding atribuye parcialmente el éxito del podcasting a los auriculares: escuchar de esa manera crea una sensación de cercanía entre los anfitriones y el oyente.   Actualmente existen muchos infinidad de modelos para todos los gustos y presupuestos, pero nosotros queremos recomendar unos audífonos para escuchar con mucha calidad tu música favorita: Skullcandy.   -Hasta 36 horas de batería-Carga rápida (10 min = 3 horas)-Carga rápida (10 min = 3 horas)-Tecnología de búsqueda Tile ™ incorporada-Plegable y plegable-Control de llamadas, pistas y volumen-Ajuste con aislamiento de ruido   Conoce toda la línea y catálogo de Skullcandy y elige tus favoritos, dando clic aquí.

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A Love Electric imparte clases de música y talleres en localidades mexicanas

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A Love Electric, Todd Clouser, Aarón Cruz y Hernán Hecht, tras la publicación de Permanent Immigrant (Octubre del 2020) su cuarto y más reciente material discográfico, continúan con el compromiso de compartir conocimiento musical, siendo fieles creyentes que el arte, en especial la música, contribuye al desarrollo comunitario y humano. La creación no es el único objetivo de A Love Electric, pues tanto Clouser, como Hecht y Cruz son partidarios de la enseñanza de las artes, una de las características del trío ha sido generar comunidad en diferentes lugares de México y el mundo impartiendo clases magistrales de música y gestión en localidades con limitado acceso a las artes. En esta ocasión con un enfoque completamente diferente del lanzamiento de un álbum a nivel mundial, la banda implementó un formato que incluyó una serie de clínicas musicales en territorio mexicano, apoyando a jóvenes promesas que en un principio no cuentan con los recursos para exponer sus habilidades artísticas. Inmigrante Permanente, Talleres y Presentaciones. El concepto de la Gira Inmigrante Permanente fue salir de los foros tradicionales y comercializados para regresar la música a su raíz. La necesidad de compartir historias, gustos y tradiciones pretenden generar la posibilidad de crear nueva música de alto nivel, sincera, que provoque empatía entre culturas, artistas y alumnos. Las actividades se realizaron de manera pública, con la participación de grupos locales, se generó música, habilidades técnicas, estrategias e ideas prácticas para desarrollar una carrera profesional. “Creemos que las trayectorias de los tres miembros del grupo y la música de A Love Electric que combina géneros desde, blues, free jazz y rock, nos posiciona para ser útiles en comunidades que no tienen acceso a este tipo de talleres y presentaciones. Más que realizar una gira lujosa, pretendemos colaborar con músicos en comunidades que muchas veces no son tomados en cuenta” A Love Electric. La Suma de Esfuerzos. Con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), A Love Electric materializó este proyecto que llegó a distintos sitios como Xalapa, Foro Cauz, Guadalajara, Fundación Tónica, Durango, Foro Culturas Populares, Indígenas y Urbanas, San Luis Potosí, Secretaría de Cultura San Luis Potosí y Ciudad de México, Foro un barrio sin violencia. Si bien, hubo un ajuste de protocolos por motivos sanitarios a nivel mundial, A Love Electric se adaptó a las circunstancias para el desarrollo responsable de cada evento.

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