Shuffle

En octubre de 1985 se estrenó el ahora clásico disco homónimo de Kortatu. El álbum que también es conocido como Aizkolari, anuncia diversos elementos del momento coyuntural que atravesó la escena musical en España y, en particular, del País Vasco y alrededores. Los símbolos se dejan entrever desde la portada. Esta consta de la fotografía de un ‘aizkolari’, un deportista que practica un juego prominentemente vasco. Básicamente, su competencia consiste en cortar troncos con un hacha y es uno de los deportes rurales vascos más famosos por su singularidad. Este primer elemento es una ligera insinuación, voluntaria o no, de todo el trasfondo identitario, cultural, político y social en el que Kortatu se adentró. Pero, ¿por qué un aizkolari nos diría tanto de aquel momento clave en el que Kortatu se gestó? “Mañana sol y buen tiempo”: La Transición y los años 80 Kortatu nació en los años donde algunos de los efectos de La Transición española ya podían hacerse visibles. España se trasladaba del fin del franquismo a la restauración de la democracia. En 1975, Francisco Franco murió y puso fin a sus casi 40 años de dictadura, con lo que llegaron cambios políticos y económicos, por supuesto, pero también sociales y culturales. En los años posteriores al fin del franquismo, la juventud española experimentó una época de libertad y diversidad cultural, lo cual se hizo más visible durante los años 80. Las escenas artísticas obtuvieron, durante esa época en particular, mezcolanzas interesantes con influencias de diferentes partes del mundo. La música y el arte en general tuvieron un alcance significativo en diferentes puntos de España, bajo una estética alternativa y contracultural que retrató la libertad y las ideas revolucionarias de las nuevas juventudes. Escenas como la Movida Madrileña o la Movida Gallega, fueron algunas de las más populares que marcarían la historia de la música hispanohablante. De estas ‘movidas’, musicalmente alcanzaron el éxito bandas como Alaska y Dinarama (antes con Los Pegamoides), Radio Futura y Parálisis Permanente. La influencia de sonidos provenientes de la New wave y el post punk hicieron de estas agrupaciones una bocanada de aire fresco para las nuevas generaciones, bajo un resplandor hedonista, relajado y divertido dentro de los últimos años 70 y la década de los 80. Mientras tanto, en el norte de España el ambiente se caracterizó especialmente por la movilización social, la violencia, la crisis económica y altas tasas de paro. Ahí nació una escena con un ángulo diferente; se distinguió de sus contemporáneos por, sobre todo, un preeminente contenido político. “En este contexto, otro de los aspectos que indicaba que las cosas estaban cambiando fue la extensión de diversos estilos musicales entre los jóvenes vascos que aparecen unidos no sólo a estéticas específicas sino en algunos casos a estilos de vida bien diferenciados. Entre ellos, fue el punk uno de los nuevos movimientos musicales más destacados en el País Vasco durante los años ochenta”. (1) En El País Vasco, una de las zonas especialmente afectadas socialmente durante La Transición, se formó una particular escena musical y cultural que después sería denominada como Rock Radikal Vasco. “Sabotaje, Rebelión, desobediencia, agitación”: Rock Radikal Vasco El Rock Radikal Vasco (RRV) fue una escena musical y cultural que tuvo lugar alrededor de los años 80 en el País Vasco y en Navarra. Se definió por ser, en un principio, de gestión independiente, desarrollarse en el underground, incorporar diversos sonidos jóvenes y contraculturales de alrededor del mundo (principalmente el punk), así como por su estrecha relación con la política o la aversión a la misma. Entre las bandas más representativas de este movimiento se encuentran algunos nombres conocidos como Eskorbuto, Cicatriz, Barricada, Hertzainak, La Polla Records y Vulpes. Al igual que en otros lugares de España, La Transición significó en Euskadi una ruptura de las viejas tradiciones que marcaron la llegada de las nuevas generaciones, con sus posturas ideológicas y políticas extensas. Esto se notó en la música, pero dentro del RRV tuvo un impacto singular. Aunque el RRV se dirigió por una actitud punk de rechazo a las instituciones, tradiciones dogmáticas y el impulso por revolucionar su realidad, musicalmente no todas las bandas adoptaron el punk como su único estilo. Sobre todo, esta escena se distinguió por portar una diversidad de sonidos dentro del mismo concepto. (…) Más que copiar un estilo punk muy marcado, recogían esa actitud característica de los grupos de este estilo más clásicos de juntarse y con los instrumentos a su alcance, sin una formación musical previa en muchos casos, componer sus canciones para expresar sus emociones e inquietudes sociales, políticas, etc. ante un público ávido de la experiencia colectiva de los conciertos. (…) Esa denominación se debía a que era «un rock muy fuerte, era radical y vasco»” (2) Al mismo tiempo, el Rock Radikal Vasco representó una ruptura con la tradición. Si bien, este estilo fue heredero de los cantautores vascos antifranquistas, quienes en los años 60 y 70 fueron portavoces de un ala fuertemente politizada, los sonidos cambiaron notablemente y se extendieron en el RRV. Esta nueva escena incorporó elementos frescos como el punk, el ska, el oi!, el hardcore y el heavy metal, estilos que ya tenían auge en otras partes del mundo, principalmente el Reino Unido. Fue mediante mediante viajes, material importado, fanzines y radios libres, que varios jóvenes de la época tuvieron acceso a los nuevos sonidos de primera mano. “And we were fighting also in persecution”: Kortatu Fue en este contexto en el que nació Kortatu. Fundado por los hermanos Iñigo y Fermín Muguruza, a quienes después se unió Treku Armendariz, Kortatu formó parte de un RRV que incorporó mucho más los sonidos jamaiquinos y el punk, tal y como habían hecho, años atrás, bandas como The Specials y The Clash en el Reino Unido. Pero la principal particularidad de Kortatu fue la participación política que tuvo durante su trayectoria; tanto en conciertos como en sus propias letras. Estas últimas, altamente politizadas, donde con ironía, sátira y protesta hablaron de temas coyunturales

De acuerdo al psicólogo Enst Weber, para que una persona pueda percibir una diferencia entre dos cosas, es necesario que deba existir un estímulo mínimamente más fuerte que el anterior para que surta efecto.  En un mundo donde vivimos sobreestimulados con imágenes constantemente, es difícil detenernos y poder percibir aquél mínimo estímulo que capta nuestra atención, pero en el ámbito de la fotografía aquellos con la práctica y toque creativo son capaces de transmitir por ese medio la esencia de una persona, de un lugar o incluso de un género musical.  Ese era Mick Rock, legendario especialista de la documentación visual, quien en alguna ocasión mencionó que él trabajaba “en el negocio de la evocación del aura”, lamentablemente fallecido el 18 de noviembre de este año. Es posible que, por nombre, las personas ajenas a la afición musical puedan reconocerlo, pero es casi seguro que en algún punto se han topado con el legado de este fotógrafo. Es gracias a él que existen portadas de álbumes trascendentes en nuestra cultura pop, como la de Transformer de Lou Reed, Raw Power de Iggy Pop y la icónica imagen sobre fondo oscuro a una sola luz del Queen II de Queen. Pero es aún más reconocido por ser quien acompañó y retrató a David Bowie durante el punto más alto de su carrera.  Según cuenta Mick Rock en entrevista con Seattle Channel, la forma en la que llegó a David Bowie fue porque alguien le regaló una copia del álbum Hunky Dory y comenzó a buscarlo. Rock cuenta que en la escena musical no había mucho dinero y mucho menos para un fotógrafo, entonces se acercó a él por medio de una entrevista, en la cual pudo conocer a fondo a Bowie hablando sobre filosofía e intereses personales. En marzo de 1972 le tomó su primera fotografía en el backstage de un concierto para 400 personas, tres meses después Bowie estrenó el álbum Ziggy Stardust donde Mick Rock se encargó de documentar sus presentaciones frente a una audiencia considerablemente más grande. Mick Rock ayudó a consolidar la imagen de David Bowie, ya que “no había tantos fotógrafos interesados” en acercarse al autor de Moonage Daydream. No fue hasta que comenzó a hacerse más popular que lo comenzaron a buscar. Otros de los músicos con quien pudo tener más cercanía fue Syd Barrett, el miembro fundador de Pink Floyd, con quien compartió piso durante la época que dejó la agrupación. Barrett trabajó dos álbumes en solitario, The Madcap Laughs y Barrett, de los cuales Mick Rock fue el fotógrafo. En una entrevista con Entertainment Weekly, Rock lo recuerda como “un chico muy dulce que siempre reía”. Cuenta que él estaba consciente que existía un comportamiento fuera de lo común de vez en cuándo, pero cuando estaba con él era amigable y tranquilo, a pesar de que eventualmente existieron situaciones con las que él ya no pudo lidiar. Se pueden contar muchas anécdotas entre Mick Rock y muchas personas de la industria musical, no por algo es llamado “el fotógrafo que retrató la década de los años setenta”, ya que su catálogo incluye, además de los artistas previamente mencionados, a The Sex Pistols, Ozzy Osbourne, The Ramones, Joan Jett, Talking Heads, Roxy Music, Thin Lizzy, Geordie, Mötley Crüe, y Blondie. ¿Qué le da a un fotógrafo su título? Más allá de las miles de fotos que alguien pueda sacar, incluso siendo espectador con un teléfono, un fotógrafo -en opinión del autor de esta nota- es aquél capaz de retratar la esencia de las cosas, de poder jugar con la luz de tal forma que pueda robarle un instante al tiempo, además de crear un vínculo entre lo fotografiado y la persona que captura la imagen. Mick Rock nos ha dejado muestra de eso, un legado de imágenes que viven más allá que los artistas que aparecen en ellas, una inmortalización fotográfica, capaz de retratar sonidos y épocas. 

Por Abraham Garcí[email protected] Se trata del segundo y último álbum de este obscuro grupo formado al sur de Londres, en Camberwell, para ser precisos. Al parecer, es de culto. Este álbum, y el grupo mismo, llegaron a mí a través de una de esas recomendaciones azarosas, que alguien escuchó y en el chat te ha dicho “checa esto”. Habría preferido conocerlo a la antigüita, en un bazar o en una tienda de discos, que ante mí se hubiese aparecido con una buena oferta para llevármelo a casa, ya sea en LP, casete, o incluso en el ya muy despreciado formato de CD. Tan sólo quisiera apreciar mejor el arte gráfico que tiene, ya que no me llena ver su portada en digital, integrada por un collage con imágenes alusivas a bombas atómicas y armamento nuclear,proyectadas sobre la cara de uno de los integrantes del grupo.¿Pero quiénes son This Heat? Se supone que esto es un texto sobre Deceit, pero no tengo más que la escucha sin previo referente sobre el proyecto, ya sea por grupos que hayan acogido su influencia y lo pregonen, ni por revistas musicales, alguna canción que haya salido en una película, ni por nada en realidad. This Heat es un grupo formado a finales de los años 70, que por la época y el lugar pudieron emparentarse con la movida punk y post punk británica, y sin embargo, de manera tajante quisieron mantenerse al margen de eso, no sé si por pretensiones vanguardistas, por llevarle la contra a los aspectos cliché de esas corrientes, o por simple aislamiento, aunque las tres razones podrían explicar todo. Integrado por los multi instrumentistas Charles Bullen, Charles Hayward y Gareth Williams, se nombraron This Heat (Este calorón) a causa de la fuerte ola de calor que hubo en el verano inglés de 1976 y decidieron armar su estudio en una bodega en Brixton. Ahí también grabaron su debut homónimo y el ep Health & Efficiency. El proyecto terminó poco después del lanzamiento de Deceit, ya que Williams, quien murió en 2001, desertó para irse a estudiar en India. No vería el reencuentro de Bullen y Hayward entre 2016 y 2019, bajo el apelativo This Is Not This Heat, para dar selectos conciertos con el repertorio y recoger un poco del reconocimiento que no hubo en su momento. La escucha de Deceit se siente ágil y accesible, poco más de cuarenta minutos y ya terminó, pero aún así parece un concentrado desconcertante y audaz de sensaciones sonoras. Todo va tan rápido que no sabes si te gusta o no te gusta a la primera. Por momentos me recuerda al Orgasm de Cromagnon. No es que This Heat traten de materializar música o recrear ruidos generados por antecesores del homo sapiens, sino que en todo el álbum hay un halo de crudeza, de creatividad fresca e inocente. Parece gente que ha descubierto cosas en sonido y no sabe del todo cómo trabajar con ellas porque no tiene mucha experiencia, pero genera algo interesante y lo mejor hecho posible dentro de las propias limitantes. Se siente como un álbum nuevo, aunque ya cumplió 40 años. También me hace pensar en unos Einstürzende Neubauten novatos, poco desarrollados, más experimentales, y que el grupo se contagió de la actitud snob de la Velvet Underground y un poco del valemadrismo para abordar la música que tuvo Crass. Deceit me remite a todo eso. Quizá lo único que tenga del post punk, género en el que han embolsado al grupo a su pesar, sea ese sonido un tanto seco y frío. Y ni así caben en el saco, ya que es rico en experimentación y parece ser la constante en el álbum. Ninguna canción tiene símil con otra. Deceit es un álbum sumamente obscuro en el sentido de que el grupo estaba un tanto obsesionado con el armamento nuclear, no hay que olvidar que eran tiempos de la Guerra Fría y el mundo estaba dividido en forma latente entre dos bloques contrapuestos que se disputaban las ideas de progreso y avance humano. Me pregunto si This Heat habrán leído la crónica Nagasaki, la bomba olvidada, del periodista Frank W. Chinnock, que por entonces era de reciente publicación, y asombrados con la lectura se habrán puesto a componer lo más caótico posible. “S.P.Q.R.” es en mi opinión el tema más pegajoso del álbum, el hit que sin problema pudo sonar en la radio y hacer alucinar a más de una persona. El trío canta a coro algo que pareciera un mantra hímnico, claman pertenecer al Senado y el Pueblo de Roma y su inconsciente colectivo. Hayward sostiene la febrilidad constante con su pie sobre el bombo mientras se luce en un interminable e hipnótico solo de platillos, presume con sus compañeros impartir y extender, mediante carreteras y caminos, la paz y la justicia romana (¿o será occidental?) luego de haber traicionado al hermano Remo. Sarcasmo fino. “Paper Hats” tal vez sea el mejor tema para ejemplificar las impresiones que he comentado sobre el álbum y el grupo en párrafos anteriores. Con seis minutos, es el de mayor duración y parece estar seccionado en tres partes que no tendrían sentido más que en una canción convertida a suite de veinte minutos para grupo virtuoso de rock progresivo. Los complicados acordes rítmicos de guitarra hacen giño a lo que ahora quizá se entiende como math rock. De pronto, Hayward se va a los gritos, cuestiona cuál es el sentido de la canción misma mientras Bullen y Williams lo secundan a coro y toda la estructura musical se va al demonio en una explosión dinámica y ruidosa, hasta que un ritmo repetitivo de guitarra detiene el colapso y concluye en un lento decrescendo. “Triumph” parece más un reto para que quien escucha trate de discernir todos los instrumentos y objetos para hacer ruido que usó el grupo en este collage sonoro. La letra relata el momento en que una persona puede ver a otra sin ser vista. Dada puro. Otro