Depósitio Sonoro

Shuffle

La importancia en el soundtrack de la serie Twin Peaks, creado por Angelo Badalamenti

David Lynch y su serie Twin Peaks inspiró una nueva forma de televisión, la banda sonora de Angelo Badalamenti ha hecho eco a lo largo de las décadas, adquiriendo vida propia. En 1989 Lynch y el guionista Mark Frost estaban a punto de comenzar a hacer Twin Peaks, una serie en la que un asesinato expone la vida secreta de un pequeño pueblo en el Pacífico noroeste de los Estados Unidos, por lo que necesitaban una banda sonora. En la cabeza de Lynch, la música, las imágenes y la narrativa estaban entrelazadas, por lo que le dijo al compositor Angelo Badalamenti que imaginara que estaba solo en un bosque por la noche. El viento soplaba, una lechuza ululaba… Badalamenti eligió un motivo ominoso y bajo. Más lento, dijo Lynch. “Simplemente ralentiza las cosas y se vuelve más hermoso”. Ahora, le sugirió, imagínese a una adolescente angustiada que emerge de la oscuridad, acercándose. Badalamenti subió constantemente al teclado, resolviendo la melodía en un éxtasis alto antes de volver a caer en la noche. Sólo tomó 20 minutos y Badalamenti sugirió desarrollarlo más, pero Lynch respondió: “No cambie una sola nota. Veo Twin Peaks “. Y así, acababan de escribir el tema sobre Laura Palmer. Debutando el 8 de abril de 1990, Twin Peaks fue un ejemplo pionero de eventos televisivos, impulsados ​​por un autor y posiblemente el primer fenómeno de la cultura pop de la década de los años 90, con fanáticos como Steven Spielberg, David Bowie y el líder soviético Mikhail Gorbachev. El álbum de la banda sonora fue un éxito internacional que aún resuena hasta nuestros días, se infiltró en el pop a un grado sin precedentes, homenajeado por artistas como Anthrax y Marilyn Manson, hasta KLF y Moby, quienes lanzaron su carrera incorporando el “Laura Palmer’s Theme”. Amar a Twin Peaks es también amar la música y el soundtrack creado por Angelo Badalamenti, lo que él ha llamado “mi trabajo definitorio como compositor”. “Si tarareas las primeras notas del tema de apertura, inmediatamente te transportas a otro mundo”, dijo alguna vez Jamie Stewart de la banda Xiu Xiu.

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Sonic Youth subió a Bandcamp The Whitey Album de Ciccone Youth, uno de sus mejores y más raros discos

El The Whitey Album de Ciccone Youth por Sonic Youth es considerado entre los fans absolutos como una de sus mejores obras, quizá no de culto, pero con una magia especial  ya que está muy alejado de esas guitarras ruidosas que nos hicieron amarlos, y eso es evidente  ya que fue un experimento sarcástico pero demostrando su fanatismo por Madonna o la música de los 80s y ahora lo puedes escuchar en Bandcamp y comprarlo también.   ¿Sonic Youth enamorados de Madonna? Claro, tan influyente la reina como siempre y Sonic bajo el alias de Ciccone Youth aprovechó perfectamente para rendir tributo en este disco o quizás no, con Sonic nunca se sabe, siempre evitaron el mainstream de la década de 1980. Inclusive las melodías de este disco son muy pop en los estándares pop de Sonic Youth evidentemente, pero funcionan bien, están bien hechas y pensadas y ejecutadas, hay una visión muy  sólida y clara referencia en este The Whitey Album al álbum blanco de  The Beatles como ellos mismos lo confirmaron es su momento.     The Whitey Album  pareciera, ¿una broma? o quizás una experimentación para pasar un buen rato, pero les quedó muy bien,  algunos fans nunca lo cacharon o algunos lo olvidaron o dejaron pasar o algunos ni les interesa, pero una cosas es bien cierta: entre sarcasmo, juegos e ironía podemos hablar de una obra relevante de principio a fin. Disfrutable. Entra a Bandcamp al final de esta nota y checa los demás bootlegs que han estado compartiendo durante este 2020.    Escucha The Whitey Album vía Bandcamp

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Retrospectiva del trío de jazz Medeski Martin & Wood

Medeski, Martin and Wood es un trío estadounidense de jazz que está compuesto por el teclista-pianista John Medeski, el percusionista-baterista Billy Martin y el bajista Chris Wood, formado en 1992. Pertenecen al jazz de vanguardia, su estilo es el de la fusión del jazz con el funk y soul. Su trabajo oscila entre la improvisación experimental y una música más accesible para el gran público, con la que ha llegado a cosechar bastante popularidad. Su estilo oscila entre el Jazz, jazz-funk, jazz fusion, acid jazz, soul jazz, jam band. Sus primeras actuaciones juntas fueron en Village Gate, un popular club de jazz de Nueva York. Aunque comenzaron con una configuración de jazz de piano-bajo-batería más o menos sencilla, el trío expandió su sonido con configuraciones inusuales. Su primer álbum, Notes from the Underground, es un registro de su era completamente acústica, pero Medeski pronto agregó piano eléctrico (equipado con pedales de distorsión y otros efectos), y comenzó a alternar entre el órgano Hammond, Clavinet, Mellotron y otros. llaves. Wood alternaba entre la guitarra de pie y el bajo, pegaba papel detrás de sus cuerdas para un efecto de “caja” y ocasionalmente empleaba una baqueta como tobogán. Wood evitó por completo el bajo eléctrico en sus primeros tres álbumes y todavía depende en gran medida del bajo acústico vertical en grabaciones y durante presentaciones en vivo. Sus álbumes anteriores revelan una actualización influenciada por el Hip Hop de los sonidos clásicos del soul jazz, que es el tema principal de su conocido álbum de 1996, Shack-man. John Medeski, Billy Martín y Chris Wood son todo un concepto musical. El grupo vivió el cambio generacional que se produjo en el jazz de los años 90, llena de groove, funk, soul, rock y jazz; su mezcla natural es lo que les alejan del sector mas purista del jazz tradicional, pero al mismo tiempo gozan del favor y de la popularidad quienes se acercan al jazz por primera vez. Medeski, Martin & Wood, ofrecen todo un repaso a la historia del jazz, desde el clásico formato de trío acústico hasta la actual corriente electrónica, pasando por el acid-jazz de los 60, el jazz-rock de los 70, o el experimentalismo europeo de los 80 y 90. Su fórmula expansiva es el producto de un trío que está continuamente en crecimiento de sus ideas musicales. En su música mezclan los aires de Thelonious Monk, John Coltrane y Charles Mingus mezclados con lo más clásico de Grateful Dead en vivo sostenidos en piezas del viejo jazz de 1930 y la música vanguardista de Chicago, Los Ángeles o Nueva York. Vale la pena seguirles el rastro con cada uno de sus discos. Discografía 1992 Notes from the Underground 1993 It’s a Jungle in Here 1995 Friday Afternoon in the Universe 1996 Shack Man 1997 Farmer’s Reserve 1998 Combustication 2000 Tonic [directo] 2000 The Dropper 2002 Uninvisible 2002 Electric Tonic 2004 End of the World Party (Just in Case) 2006 out louder 2008 Radiolarians I 2009 Radiolarians II

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Dais Records anuncia la re-edición de Musick To Play In The Dark de Coil

A 20 años de su lanzamiento, el sello angelino, Dais Records ha decidido lanzar el proyecto de re-editar el legendario álbum de Coil – Musick To Play In The Dark, un disco que fue piedra angular de la música industrial y experimental. El sello publicará dicho lanzamiento en formato digital, en CD y Vinilo, completamente re-masterizado del master original, con sus tracks sin editar en cada canción. De los cuales ya se puede escuchar el track “Are You Shivering?” en su versión digital. Musick To Play In The Dark estará disponible por primera vez después de dos décadas el próxima noviembre 27 del presente año.  

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Gary Numan: entre la distopía del synth pop

Gary Numan fue y sigue siendo uno de los precursores indiscutibles de la escena electrónica, especialmente del denominado género: synth pop, todo ello, gracias a varios álbumes que revolucionaron el pop de esa época al darle un porte sintético a finales de los 70 en la música británica. En 1977 era el líder de Tubeway Army, una banda postpunk/new wave que tuvo un éxito medianamente aceptable en Inglaterra con éxitos como “Are Friends Electric?”, principalmente. De ahí, adoptó su nombre artístico de Gary Numan, influenciado por bandas como Ultravox y Kraftwerk, desarrolló una gran etapa en obras como Replicas o The Pleasure Principle que es de dónde se desprende “Cars” el himno del synth pop por todos conocidos y Telekon, un álbum más oscuro, la tercia suprema en la discografía de Gary Numan, a partir de ahí surgieron muchas cosas.   Es políticamente correcto decir que la carrera de Gary Numan ha sido un vaivén de emociones y permanecía. Después de alcanzar todo el éxito tan inmediato que jamás se imaginó , parecía mal preparado para el tipo de atención que le había traído su nueva fama, algo a lo que nunca antes estaba acostumbrado ya que desde siempre se declaró como un chico tímido.   Las críticas y la prensa a menudo despreciaban su trabajo y prácticamente contribuyeron a que su carrera no fuera más allá, inclusive, no era tan del agrado de David Bowie. Todo eso lo orilló a anunciar su retirada del ámbito musical en 1981.   Sin embargo, con el pasar de los años no tardó en arrepentirse, y ha seguido cultivando una carrera en la que la tecnología ha jugado siempre un papel crucial en sus deseos de trascender; después de sus 3 primeros discos su carrera pasó desapercibida hasta que adoptó otro tipo de influencias entrando a los 90 y sobre todo en su disco: Savage: Songs From A Broken World.   Numan comenzó a componer música que era mucho más oscura, más pesada y de tonos puramente industriales, lo que sorprendió a muchos fan y reseñistas, que también comenzaron a revaluar la obra que había dejado años atrás ya que bandas como Nine Inch Nails y específicamente personajes como Trent Reznor quien lo reconoció públicamente como una de sus máximas influencias. Gary Numan es uno de los más destacados representantes de la generación synth pop británica que cohabitó con el punk, el postpunk y la new wave y que durante cuatro décadas después resulta indiscutible no admitir o valorar su rol como pionero de la escena electrónica contemporánea, pues sigue influenciado la música de nuestros días.    

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This Is Ska, antes de The Specials a la época de Prince Buster y demás origen

This Is Ska nos presenta a este ritmo musical en su verdadero origen con brillantes  imágenes de la época señalada, con gente bailando los primeros clásicos del género, inventando el futuro a su manera y también, el presente de aquellos días de uno de los géneros en donde predominaba el amor y la energía de toda una cultura. Es un documental basado totalmente en la música y con pocas explicaciones más que las necesarias, es decir, que la música y las imágenes sean las que te digan todo, un viaje en el tiempo total, la intimidad de las tocadas, el desenvolvimiento del público bailando, la eterna aura musical de algunos de sus pioneros, porque cabe recordar y siempre es bueno tenerlo presente, que antes de la explosión de la 2 Tone con The Specials, Bad Manners o Madness digamos a manera más comercial o mundial, algunos de sus precursores que inspiraron a los que vendrían después, fueron Prince Buster, Derrick Morgan o el grupo The Aces de Desmond Dekker, entre muchos otros. Nombres que jamás serán olvidados.

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Mira completo el show de AIR en el Sidney Opera House

Los franceses de AIR, se metieron a la máxima catedral de música de Australia, el Sidney Opera House, uno de los espacios arquitectónicos más bellos que existen en el mundo, dejando registrada, además, una de sus mejores presentaciones de los últimos años.      Sin duda fue una cátedra en donde podemos soñar despiertos con paisajes utópicos, ejecutados con total control. No por nada AIR ha sido durante mucho tiempo una especie de movimiento compartido con artistas de su ciudad, llámese Phoenix o Daft Punk, entre los más populares.   En esta grabación para el Boiler Room podemos disfrutar de un viaje sonoro/visual rígido y admirable con una singular tensión al ser proyectado. Encanta y atrapa. Estremece y embelese por sobre todo, revisando su sonido comprometido en relación a toda su discografía y un par de tracks nuevos con lo que AIR ofrece una oportunidad de traer algo del arte que forma átomos en su música para trabajar en redescubrir la elegancia dentro de la deriva superficial elegante que a menudo faltar en agrupaciones más efímeras.  

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Carta al ruido, la inmediatez de la improvisación

El ruido o una ancestral llamada al desastre. El ruido en la antigüedad nunca estuvo en manos del hombre.   Se podía encontrar sólo a los pies de una manada de búfalos huyendo en estampida o en el desastre natural como terremotos, explosiones de volcanes o tormentas. El individuo mientras más acercaba a estas manifestaciones naturales más se elevaba en adrenalina también en la excitación del combate, en la caza o la supervivencia. El ruido es en toda forma es una expresión naturalista de la rebeldía, mientras que todos los géneros y subgéneros musicales intentan ser fieles a su etiqueta para responder a un deseo mecanizado aun mandato de una longeva tradición musical. El ruido viaja en dirección contraria rompiendo estructuras que lo hacen mas humano, el error como liberador de la camisa de fuerza llamada control de la previsibilidad, la inmediatez de la improvisación nos recuerda al ritual del cántico nuevo, muy arraigado en la cultura judía, rituales que forman un muro de lamentos en las ya anquilosadas formas de expresión compuestas por curvas aristotélicas sui generis como “ principio- clímax- coros- fade out- repeat”. El aliento fresco de la complacencia y el riesgo como aventura. Lo mismo vemos el mecanismo descubierto en el invento de la rueda aplicado a al constante girar de una tornamesa, el control del fuego en cierta sobre-amplificación o una simple taquicardia elaborada con adrenalina esculpida en los 180 bpm en el Drum & Bass, como vemos en medio de nuestra ceguera dentro de una procesión religiosa, una caravana de New Age portátil en las pantallas seudotáctiles del futuro.

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