Depósitio Sonoro

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Cocteau Twins anuncia que relanzará en vinil sus discos Garlands y Victorialand

Cocteau Twins anunció que está reeditando su álbum debut Garlands (1982) y su cuarto LP Victorialand (1986) en vinilo. Ambas rediciones contarán con audio remasterizado prensado en vinilo de 140 gramos y llegarán el 20 de marzo Los discos de la banda pionera del dream pop vendrán con arte fiel al trabajo original del diseñador Vaughan Oliver y del artista Nigel Grierson. Esta redición marcará la primera vez desde 2009 para el disco Garlands; y la primera vez desde la década de los ochenta para el disco Victorialand. Ya puedes hacer el pre-order de estos discos en los siguientes enlaces: https://4ad.com/releases/913 https://4ad.com/releases/914 “Cocteau Twins fue una banda de dream pop formada en Grangemouth, Escocia, activa desde 1979 hasta 1997. Los miembros originales fueron la cantante Elizabeth Fraser, el guitarrista Robin Guthrie y el bajista Will Heggie, quien más tarde sería reemplazado por el multinstrumentista​ Simon Raymonde. La banda ganó reconocimiento por parte de la crítica gracias a su innovador sonido etéreo; así como por la distintiva voz soprano de Fraser, que viraba alrededor de la glosolalia y el puirt á beul”.

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La voz que expresó a la gente sin voz: Nina Simone

Echar un vistazo a la vida de Nina Simone es una enseñanza más de lo que podemos imaginar. Todos nacemos con voz, cada voz está diseñada exclusivamente de forma sagrada que constituye parte central de nuestra existencia. Incluso, los mudos tienen voz a través de su silencio La voz de Nina Simone llegó tarde, la encontró durante el movimiento de derechos civiles de los negros en 1964. Nina nació en Carolina del Norte en 1933, fue la sexta de ocho hijos de una familia pobre; comenzó a tocar piano y demostró gran talento para la música a muy temprana edad. En su recital de debut a los 12 años, los padres de Simone, que tenían asientos en la primera fila, se vieron obligados a sentarse en la parte trasera del pasillo para dejar ese espacio para la gente blanca. En un acto, de lo que algunos llaman desafío, Nina se negó a cantar hasta que sus padres regresaran al frente. En esa Carolina del Sur de la década de los treinta, Simone cantó en contra de la injusticia, del desprecio a las personas por su color de piel y su estatus social.  Simone creció musicalmente de forma rápida hasta convertirse en una artista de clase mundial, incluyendo canciones que hablaban de sus orígenes afroamericanos, a pesar de nunca haber pisado el continente africano, de ser estadounidense, nacida y crecida, Simone se familiarizó inmediatamente con un recuerdo que murió con los primeros esclavos que fueron enviados a Estados Unidos.  En 1964, a los treinta y un años, Nina, por primera vez, abordó abiertamente la desigualdad racial que prevalecía en los Estados Unidos con “Mississippi Goddam”. Esta canción fue su respuesta a los ataques de 1963 a la iglesia Bautista de la calle 16 en Alabama, en donde cuatro jóvenes afroamericanas fueron asesinadas, y una más quedó parcialmente sin vista. Simone, con su voz, consiguió que la gente la mirara, que se entendiera la desigualdad racial y se hiciera conciencia sobre las inseguridades que enfrentaban las mujeres negras en los Estados Unidos, y Simone entendió el dolor del silencio y también encontró su voz.  A pesar de levantar miradas con su música y sus protestas, Simone fue rechazada, la esclavitud que se suponía había sido abolida pasó de las cadenas a las jaulas mentales que se unían a la pobreza, la baja autoestima y una batalla interminable de la comunidad afroamericana en Estados Unidos para demostrar el valor de uno mismo como persona; entonces, la esclavitud nunca fue abolida de los Estados Unidos, y eso, Nina Simone lo supo.  

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La breve carrera como rapero del basquetbolista Kobe Bryant

A mitad de su carrera en la NBA de 20 temporadas, Kobe Bryant, el cinco veces campeón de los Lakers, estaba trabajando en su aptitud como rapero. Trasladándonos a 1999-2000, cuando el entonces firmado por Sony Records, estaba siguiendo los pasos del veterano del baloncesto- dj ocasional: Shaquille O’Neal Bryant cuando no jugaba a la pelota en aquellos años, estaba grabando en Hit Factory con productores a finales de los años 90. Su grupo de artistas incluía a Nas, Noreaga, Punch and Words, Nature, y a un joven llamado 50 Cent . Bryant lo vivió todo en Nueva York. Bryant estaba enamorado de la forma más pura de hip-hop y quería ese desafío. Logró su sueño cuando una noche en Hit Factory, se unió al miembro de CHEIZAW, Broady Boy, para enfrentarse a Punch and Words. Bryant, típicamente imperturbable, mantuvo la compostura desde el principio. A continuación, te presentamos algunos de los lanzamientos más destacados de su breve catálogo de rap con el seudónimo de K.O.B.E.

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Recordando a Elliott Smith, el músico atormentado de los 90

La idea del suicidio habita en la cabeza de unos cuantos seres atravesados por la melancolía. En todo ese delirio aparece un patrón, una regularidad, que los más incrédulos o indiferentes decidimos omitir aunque las pistas estén ante nuestros ojos: el anuncio de la muerte por medio de ideas y conductas autodestructivas Poseído por ese dolor Elliott Smith fue encontrado el 21 de octubre de 2003 a los 34 años de edad con dos puñaladas en el pecho en la ciudad de Los Ángeles. La escena policíaca y el cuerpo teñido de sangre fueron elementos que insinuaron la posibilidad de un asesinato. La primera sospechosa fue Jennifer Chiba – su novia de aquel tiempo -, con quien discutió horas antes. Pareciera un caso no resuelto; sin embargo, lo que sabemos es que en realidad, Elliott Smith era un hombre sombrío que ya había intentado suicidarse; vivía una depresión profunda y su consumo de drogas y alcohol era cada vez más crónico. Más allá de hacer una apología sobre la muerte, lamentablemente, es un caso más de esa ola de artistas de personalidad retorcida que a su corta edad no encontraron una salida ante la incertidumbre, la soledad, las adicciones, el desamor, etcétera. Pienso en Nick Drake, Brian Jones, Keith Flint, Ian Curtis, incluso, en esos artistas que los medios se jactaron por agruparlos en el Club de los 27. En el documental biográfico Heaven Adores You se construye la vida de Smith a partir de relatos elaborados por sus amigos y conocidos. En él se narran las dificultades que vivió durante su infancia en Texas, su cambio de residencia a Portland y su etapa como músico en la banda Heatmiser, un grupo con éxito mediano; asimismo, se narra su conversión a lo acústico. Elliott Smith es esa clase de artistas que escapan de los reflectores y del protagonismo; sin embargo, nos deja siete álbumes de los cuales destacan Either/Or (1994), XO (1998) y Figure 8 (2000). Discos que por su composición artesanal y lírica nos revelan, más allá de esa tónica bohemia y convencional, mensajes estruendosos sobre su mundo personal. Smith ha sido comparado en muchas ocasiones con Cat Stevens, porque además de hacer música en solitario, fueron hombres que no estaban preparados para la fama. Un ejemplo épico fue cuando lo nominaron a los premios Oscar en la categoría de Mejor canción original por componer Miss Misery para la película Good Will Hunting. Ante el público opulento y presuntuoso que encierra la industria del cine, Smith se presentó en el escenario con un traje totalmente blanco y tocó su guitarra mientras se le notaba incómodo. Quizá sea de esos pocos eventos televisivos que cimbran al público al ver por la pantalla a un completo desconocido generando un impacto abrumador a través de su vibra melancólica. Aunque el cantautor no ganó ningún premio aquella noche, su música siguió apareciendo en otros proyectos cinematográficos, por ejemplo, en la banda sonora de American Beauty en la que versionó el tema Because de The Beatles; asimismo, en la película Schoolhouse Rock! con la canción Figure 8. Smith salió del terreno común en los años 90 – época en la que predominaba el movimiento grunge y que paradójicamente encabezaba Kurt Cobain -, pues imprimió musicalmente su sello personal al incursionar en el folk, dándole un toque contemplativo y honesto a su trabajo. No dudo que el muro que se utilizó como fondo gráfico para la portada del álbum Figure 8 y, posteriormente,se convirtió en memorial después de su muerte, sea un símbolo de toda una generación perdida que se refugiaba en sus letras. Ahora escucho Everything Means Nothing To Me y pienso en Smith como un alma atormentada, como un ser incomprendido que la vida le representaba una tortura diaria, por lo que el hecho de decidir morir por mano propia – aunque absolutamente nadie debe escapar así de este mundo -, fue un derecho esencial de su libertad para apagar el incendio interno que vivía.

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Four Tet anuncia nuevo álbum, Sixteen Oceans

Uno de los pioneros del IDM, Four Tet, de nombre real Kieran Hebden, acaba de anunciar un nuevo álbum titulado Sixteen Oceans. Hoy 23 de enero de 2020 lanzó una canción de adelanto.  El originario de Londres utilizó Instagram para publicar una foto de una nota adhesiva en la que se lee: el nuevo álbum está listo. El nuevo disco de Four Tet llegará en marzo, después del aclamado New Energy del 2017, varios álbumes en vivo y algunos otros sencillos como el increíble Anna Painting, cuya portada corrió a cargo de la pintora Anna Liber Lewis. Ahora queda claro que el video y el tema Teenage Birdsong publicado en el 2019 es uno de los temas que figuran en Sixteen Oceans. Four Text – Sixteen Oceans 1. School 2. Baby 3. Harpsichord 4. Teenage Birdsong 5. Romantics 6. Love Salad 7. Insect Near Piha Beach 8. Hi Hello 9. ISTM 10. Something In The Sadness 11. 1993 Band Practice 12. Green 13. Bubbles At Overlook, 25th March 2019 14. 4T Recordings 15. This Is For You 16. Mama Teaches Sanskrit Además del anuncio de su nuevo álbum, Kieran Hebden también recordó su próxima presentación en México como parte de la celebración del octavo aniversario de Dynamic Waves, celebrado el próximo 3 de abril en el Foro Normandie. 

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Alva Noto crea un exclusivo playlist de casi cinco horas

Una de las figuras más respetadas de la composición experimental moderna, Alva Noto, creó una playlist de casi cinco horas Carsten Nicolai es un artista alemán que ha tenido gran impacto en el mundo de la experimentación musical y ha impulsado a instituciones de arte moderno como Guggenheim New York, New National Theatre Tokio, Tate Modern y Venice Biennale; también ha colaborado con artistas tan importantes como Ryoji Ikeda, Iggy Pop, John Cale, Ryuji Sakamoto y Björk.  Deambulando en senderos compuestos por Steve Reich, Meredith Monk y Mika Levi o luminarias del ambient como Brian Eno y Fennesz, o artistas de vanguardia como Laurie Anderson, William Basinski y Nico, los temas seleccionados por Alva Noto son una colección musical para perderse en un mundo creado por uno mismo musicalizado por mentes creativas de el mundo.  

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Anthony Braxton, saxofonista y compositor que cruza la línea entre la tensión y la liberación musical

Dedicamos esta nota a Anthony Braxton, saxofonista infatigable que va más allá de los estándares, al cruzar la línea entre la tensión y la liberación musical El estándar es un concepto por excelencia en el jazz. Una composición canónica re-interpretada y desensamblada tanto por los nuevos intérpretes como por los viejos establecidos: obras que consolidan su lugar en la tradición en virtud de su capacidad duradera para transformarse y mantener la esencia de su identidad. Definido así, el saxofonista y compositor Anthony Braxton es algo así como un estándar. Con más de 350 obras a su nombre, ha sido anunciado como una luminaria del jazz libre (free jazz) con influencias como John Coltrane, Paul Desmond o Eric Dolphy; así como un compositor radical de ópera y piezas orquestales en el linaje de experimentadores como Karlheinz Stockhausen. Su música, a menudo, encapsula lo que podría verse como “difícil” en el jazz: vibraciones explosivas de energía, armonía mareada e impredecible, ruido gutural directo, pero siempre mantiene una mano guía en la melodía, manteniendo su identidad sonora inefable. Nacido el 4 de junio de 1945 en Chicago, comenzó a tocar el saxofón alto en su adolescencia y continuó haciéndolo en una banda del ejército de Estados Unidos. En 1966, se unió a la innovadora Asociación Cooperativa de Free-Jazz para el Avance de los Músicos Creativos (AACM, por sus siglas en inglés) y se convirtió rápidamente en un músico original. Experimentador incansable, fue el primero en grabar un álbum completo de solos de saxofón no acompañados (For Alto, 1968). Se trasladó en 1969 a Francia y ganó rápidamente reputación internacional. Realizó una gira y grabó como solista en flauta, saxofón y clarinetes, así como con sus cuartetos, que incluyeron (en la década de 1970) al bajista David Holland y al trombonista George Lewis y (en la década de 1980) a la pianista Marilyn Crispell y al baterista Gerry Hemingway . También trabajó con los pianistas Dave Brubeck, Muhal Richard Abrams y Chick Corea; la Orquesta Globe Unity; bop músicos; e improvisadores de jazz libre con sede en Europa. Braxton también compuso, inspirado por John Cage, Karlheinz Stockhausen y otros, piezas escritas en gráficos de colores y tituladas usualmente con diagramas. Algunas de sus obras incluyen For Two Pianos (1982); Creative Orchestra Music 1976, un álbum importante de partituras de grandes bandas de jazz; For Four Orchestras (1978) con 160 músicos y cuatro directores; y una serie de óperas titulada Trilium, que funciona para configuraciones de cámara, para 100 tubas y para 4 palas amplificadas y una pila de carbón. A lo largo de su carrera, Braxton ha desarrollado diferentes sistemas musicales, especialmente Ghost Trance Music, que describió como “melodía que no termina“. En la década de 1990, Braxton también actuó como pianista y ya en el siglo XXI lo podemos encontrar de gira por el mundo. También es conocido por ser padre de Tyondai Braxton (1978), compositor, cantante y guitarrista estadounidense de rock de vanguardia, improvisación libre y jazz contemporáneo, conocido ampliamente por su presencia como fundador del grupo Battles, en el que tocó únicamente en la etapa inicial de la banda. Hasta a la fecha tiene publicado alrededor de 9 discos como solista.

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La librería de Radiohead, estrategia de marketing que llega 20 años después

Radiohead es una banda que siempre ha estado en tendencia no sólo por la música; sino por la importancia de su proceso de composición y fusión de géneros. Hoy, demuestra que su legado le permite explorar nuevas maneras de distribuir su trabajo El año 2001 daba sus primeros pasos, la música del 2000 nos sorprendía poco por no cumplir con tal responsabilidad. De inmediato, los ortodoxos de los noventa añoraban e idolatraban viejas leyendas y la responsabilidad caía en aquellos viejos héroes musicales que querían hacer nuevos himnos. Había un aire de impavidez que, de manera natural obteníamos por ser sobrevivientes del Y2K: la tecnología era nuestro nuevo puente a lo inimaginable. Todas las películas de ciencia ficción eran nuestro parámetro de realidad, la expectativa era tremenda. Con esa esperanza comenzamos a ver experimentos en conjunto con la inevitable muerte del video. MTV se enterraba y apostaba por contenidos que en lugar de explorar la imaginación nos llevaban a un vacío existencial que empataba con el incierto de una generación nueva que se gestaba en el nacimiento de una nueva era tecnológica. En ese instante existió un proyecto cuya responsabilidad era con ellos mismos y capaces de llevarnos a un camino de autocrítica severa en esta nueva era. Se cuenta que entre Radiohead y su productor de cabecera Nigel Godrich dejaban canciones en el estudio, encerradas esperando su momento, esperando no a los escuchas; sino al entorno. Es fue el momento en el que sentados en una mesa decidieron crear uno de los discos que marcó una vertiente para la banda cuyo nombre no es más que un referente al mayor cáncer que sufriríamos como sociedad ante nuestra propia vida, Amnesiac. El 5 de junio de 2001 justo a mitad del año, iniciando una nueva década, la banda inglesa propuso compartir con nosotros un disco maravilloso, sucesor de una sesión que le dio vida al Kid A; no obstante, algunos no notaron el mensaje creado entre líneas de estas dos obras que hoy recordamos. Hace siete años, un usuario de Reddit publicó una pregunta ya que él había adquirido la edición especial de  Amnesiac, pocos recuerdan que esta edición era un libro rojo extraído supuestamente de Nosuch Library.     De acuerdo con el usuario de Reedit, el libro contenía información vital, textos, diagramas e imágenes increíblemente importantes. “Este libro ha sido olvidado, ahora yacía polvoriento, amarillento, en un viejo cajón del escritorio en un ático cerrado que nadie podía encontrar. El libro tenía cubiertas de tela roja deshilachada, páginas frágiles y quebradizas; el escritorio tenía barniz descascarado, graffiti rayado de niños ahora viejos, ahora muertos; el ático tenía polvo, telarañas, fantasmas, una trampilla cerrada con clavos.  Reconstruimos el contenido del libro, unimos todos los fragmentos. De las librerías de segunda mano surgieron texturas, colores, portadas, lomos deshilachados, dorados gastados. Todavía estaba dibujando obsesivamente la figura del minotauro llorón, encontrando referencias a toros y dioses con cuernos en todas partes, trazando los templos de Mitra que los legionarios romanos habían dejado atrás.  Después de años, finalmente, pudieron rehacer el libro olvidado; al menos, un simulacro de ello, una versión imaginada de lo que podría ser. Este era el “empaque especial” para el Amnesiac de Radiohead, o este era un libro robado de la biblioteca, o era un envoltorio ridículamente exagerado para un disco compacto. Era un archivo encriptado, pero no en el sentido que la etiqueta de registro entendía. Estaba codificado con un significado oculto; todo realmente significaba algo. ¿Pero qué? Había una imagen del mismo libro, pero más viejo, andrajoso. Había muchas fechas estampadas en la “tarjeta de la biblioteca” y palabras y frases extraídas de las tumbas de Kernow. Y, era muy importante, incluso, si era sólo una aproximación de un libro olvidado en un escritorio en un ático polvoriento”. Se cree que este usuario es en realidad algún integrante de la banda, o bien alguien que llevaba la parte de marketing y se le ocurrió crear esta historia e intentar dar difusión a uno de los discos menos vendidos de la banda. Pero analizando los medios y formas en las que Radiohead ha distribuido su música, llegamos a la conclusión de que la banda no sólo ha creado un estilo propio; sino ha desarrollado un camino de creatividad que por años ha llevado a sus fans a niveles irreales.   Por ejemplo, In Rainbows salió el 10 de octubre de 2007 y fue una declaratoria en contra de las disqueras y todos aquellos que roban deliberadamente dinero a costa de los artistas que crean música. Para este disco, cada usuario pagaba lo que ellos consideraban que valía. Muchos los llamaron locos, pero resultó que sus ganancias económicas fueron mayores a las que obtendrían a través de una disquera. Como nota importante un año antes de este suceso, una plataforma de origen sueco comenzaba y, hoy, es uno de los medios de difusión más importantes del mundo, esa plataforma es Spotify. Podemos citar más ejemplo innovadores, pero queremos centrarnos en su reciente planeación que, curiosamente es una Librería virtual , acaso será proveniente del lugar donde salió ese supuesto libro del que habló ese usuario de Reddit, o quizás hace 20 años imaginaron que toda su música viviría en este lugar. Simplemente la opciones imaginativas del porqué hoy Radiohead crea una librería virtual son inmensas, lo que es un hecho es que podrán encontrar verdaderas joyas, música, videos, conciertos, entrevistas y materiales no sólo de la banda, sino de cada uno de los integrantes. Dicho material, durante años, estuvo en cientos de lugares perdidos como aquel libro rojo. Demos gracias a que existe una banda que nos invita a imaginar y crear, que nos lleva a vivir experiencias únicas que sólo ellos pueden contar. Por cierto, amigo lector, recuerda que, como cualquier biblioteca necesitas de una credencial para adquirir tu libro, despreocúpate ya que también pensaron en ello. Acata las reglas y lo más importante: ¡no corras! NOTA: Les dejo varias playlist creadas por los integrantes de Radiohead que están disponibles en Spotify; en ellas encontrarás la música que sonó en el lanzamiento físico del A Moon Shaped Pool, en distintas tiendas del mundo.  

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