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Mark Webber de Pulp presentará libro sobre historia visual de la banda

El guitarrista de Pulp, Mark Webber, está publicando un libro que presenta una historia visual de la muy querida banda de Britpop. I’m With Pulp, Are You?, que se publicará en septiembre. reúne material de una extensa colección de objetos efímeros y que Webber ha recopilado durante cuatro décadas de participación con la banda. Además de las palabras de Webber, el libro incluye fotografías, folletos, portadas de discos, listas de canciones, insignias, carteles, recortes de prensa y productos promocionales, así como otro material promocional. Viene con un prólogo del líder de Pulp, Jarvis Cocker, y también incluye nuevos ensayos del escritor Simon Reynolds y del propio Luke Turner de tQ. En una declaración sobre I’m With Pulp, Are You?, Webber dijo: “Comencé a excavar las cajas de artículos efímeros de Pulp que había atesorado a lo largo de los años y me sorprendió descubrir tantas cosas que no había visto en mucho tiempo”. décadas, cosas que había olvidado por completo. Ha llevado un tiempo reunirlo todo en un libro y, mientras tanto, el grupo se reunió inesperadamente para volver a salir de gira. Estoy emocionado de finalmente compartir las cosas que he guardado y presentarlas de esta manera, junto con los recuerdos de mis experiencias al estar involucrado en Pulp desde la década de 1980 hasta ahora”. Pulp se encuentra actualmente en medio de una serie de fechas de gira de verano que incluyen apariciones en festivales como el Primavera Sound de Barcelona, ​​el Northside de Aarhus y el Øyafestivalen de Oslo. Se volvieron a reunir el verano pasado para tocar en sus primeros shows en vivo en más de una década. Fuente: Quietus

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El saxofonista de Sun Ra, Marshall Allen, cumple 100 años de vida

Qué grandeza el poder llegar a los 100 años haciendo lo más te gusta hacer: tocar música. Marshall Allen es un saxofonista alto estadounidense de free jazz y jazz de vanguardia. También toca flauta, oboe, piccolo y electrónica EWI. Es mejor conocido por su trabajo con Sun Ra, habiendo grabado y actuado principalmente en este contexto desde finales de la década de 1950, y haber dirigido The Sun Ra Arkestra desde 1995, después de la muerte de Sun Ra en 1993 y la muerte de John Gilmore dos años después. El crítico Jason Ankeny describe a Marshall como “uno de los saxofonistas más distintivos y originales de la era de la posguerra”. En este contexto el propio Marshall señaló: “Un hombre no puede aprender sin disciplina”. El gurú del jazz Marshall Allen cumple 100 años. Desde luchar en una unidad de caballería de la Segunda Guerra Mundial hasta compartir la visión de una utopía negra interestelar, el multiinstrumentista ha tenido un viaje musical como pocas músicos en la historia. Allen es nativo de Louisville, Kentucky, y se instaló en Filadelfia con su padre. A los 18 años (en 1942), se alistó en el ejército y tocaba el saxofón alto y el clarinete como miembro de la Banda de Servicio Especial de la 17.ª División, parte de la 92.ª división de infantería del ejército, ampliamente conocida como los Soldados Buffalo. Mientras estuvo en Europa, Allen actuó junto a artistas como Coleman Hawkins, Don Byas, Art Simmons y James Moody. “Incluso algunos miembros de la banda de Duke [Ellington], todos estaban allí”. Fue dado de baja con honores en 1949 y en lugar de regresar a Estados Unidos, optó por ir a Francia y matricularse en el Conservatorio de París, estudiando clarinete. Si bien la música de Sun Ra a menudo se ha descrito como abierta y libre, tanto Allen como Scott le dirán que, de hecho, es todo lo contrario. “Sun Ra odiaba la palabra ‘libertad’”. “Creía en la disciplina y la precisión; resolvió todo usando ecuaciones. La gente pensaba que estaban jugando a la libertad y que era [realmente] científico”. En el contexto de su cumpleaños número 100, Marshall Allen le da crédito a Sun Ra por haber vivido tanto tiempo, repitiendo el mantra de su líder: “Disciplina: no se puede lograr nada sin ella”. Puede que su gira internacional haya terminado, pero su música no: “Ahora puedo quedarme quieto y hacer mi trabajo”, ha dicho en entrevistas.

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Aparece en servicios de streaming el brillante disco de Pantha Du Prince, The Bliss (2007)

Pantha du Prince está lleno de texturas y de influencias. Su disco “This Bliss”, de 2007, es una especia de techno alemán contemporáneo. Está marcado por figuras geométricas sonoras y de entornos tan evocadores en los que el productor alemán creó su propio mundo. Cuando la historia recuerda el cruce entre la música indie y la música electrónica de baile en el lejano 2007, es probable que se fije en Justice, LCD Soundsystem o similares, pero esa no es la única manera de hacer música dance indie, como lo demuestra ‘This Bliss’. Que aunque tiene otra paleta de sonidos marcó un paso diferente con este su éste segundo LP. Es un disco hecho con suaves sintetizadores del Detroit techno, cuerdas y toques de campanillas a no un millón de kilómetros de la música ambiental post-rave hecha por gente como The Orb. ‘This Bliss’ es Minimal techno, es romanticismo melancólico, cuerdas susurrantes, beats, crujidos furtivos y lúgubres, podrían ser “el sonido de un bosque abandonado que elabora pacientemente su propia elegía, absolutamente distante y, sin embargo, silenciosamente triste mientras espera su propia desaparición”. Sucesiones de espectaculares arpegios de sintetizador que suenan casi esperanzadores. This Bliss fue nombrado el 55º mejor álbum de la década de 2000 por Resident Advisor. En días reciente el mismo Pantha Du Prince dio a conocer en sus redes sociales que el disco se encontraba en plataformas digitales (anteriormente al parecer no lo estaba). Lo anunció de la siguiente manera: “Tenemos el gran placer de presentar este Bliss por primera vez como una reedición digital.En 2007 este álbum provocó un huracán en mi vida.Amantes de la música de todo el mundo empezaron a escribirme y conocí a muchos de mis héroes de la época.Los periodistas escribían críticas entusiastas y entusiastas, de modo que mucha gente se interesó en mi trabajo como Pantha du Prince.Fue el boca a boca y las revistas curadas, myspace acababa de comenzar.Hoy se siente alineado para traer este disco nuevamente a la Luz después de no estar disponible físicamente durante una década y aparecerá por primera vez en servicios de transmisión (digital).Ahora es el momento de celebrar la Música desde un Corazón puramente poético y experimental.La mayoría de las piezas me llegaron mientras vivía en un antiguo monasterio secularizado en París y creaba una tienda de discos en St. germain, mientras disfrutaba de la vida nocturna, la escena artística y Fashion Guerilla de la ciudad. Me inspiré mucho en la música digital y hice un pequeño montaje de controladores y sintetizadores, así como grabaciones de campo de la ciudad y el entorno natural.Quería bailar y mover mi cuerpo con la música que estaba haciendo al mismo tiempo que disfrutaba de la atmósfera de eufórica melancolía que me faltaba en la mayoría de los clubes en los que había estado.Una forma de música de danza contemplativa que tiene una cualidad transportadora.Fui canalizado hasta mis oídos y huesos…Inspirado en la música concreta Pierre Schaeffer @INAGRM @daphneoram @Stockhausen @editionsmego música shoegaze de @slowdive, @ride y @mybloodyvalentine experimentos de @terrethaemlitz @snd @plaidmusic @aphextwin @boardsofcanada, Panasonic, ritmo y sonido, canal básico, Detroit Techno de @moodyman @carlcraignet @theoparish @undergroundresistace @ricardovillalobos70 @isolee _music @wolfgangvoigtEntonces creé la música que me faltaba para bailar, soñar, viajar en el tiempo y estar en un espacio de trance y conexión con mi entorno.Un lugar de Alegría algo rota“.

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Conoce 9128.live, 24-7 streaming de música electrónica y Ambient

Esta es una plataforma que NO PARA, toca las 24 horas música. Ideal para ponerla a sonar mientras realizas tus actividades. ESCUCHA AQUÍ LA PLATAFORMA: https://9128.live/ Fundado por A Strangely Insulated Place en agosto de 2019, 9128 se creó como un destino seleccionado para mostrar a amigos, artistas y sellos dentro de la comunidad de música ambiental y electrónica, un colectivo de música con ideas afines. Su objetivo es tener un calendario 100% curado por sellos y artistas y su programación regular girará en torno a la música de todos los involucrados, junto con programas programados de nuestros socios. Siempre activo, siempre gratis, con miles de pistas ahora en rotación aleatoria cuidadosamente seleccionadas de nuestros sellos y artistas asociados. Detalles de la transmisiónNo tienen limitaciones específicas sobre la música que tocamos, realiza curaduría a nivel de sello/artista. Generalmente, la música presentada en 9128 se alinea con la estética de ASIP e incluye un espectro de ambient, drones, grabaciones de campo, experimental, banda sonora, clásica moderna, electrónica/IDM y techno profundo. 9128 Live Fácil de acceder. Sin inicios de sesión, sin muros de pago. Disponible como un sitio web normal, en una URL dedicada o dentro de otros servicios o aplicaciones que pueden hacer las cosas un poco más convenientes. Siempre funcionando. Música de fondo sin tener que preocuparte por lo que suena o cuándo termina. Escuchar música nueva. Disfruta esta experiencia a la hora que gustes, sin desplazarte y decidir qué reproducir, solo quería presionar reproducir y volver a tus actividades. Quizá esta estación de radio atrae a más personas y apoye a más artistas directamente en Bandcamp, pasando menos tiempo en el mundo de las redes sociales y las listas de reproducción en streaming. Nuevas formas de presentar la música. 9128 reproduce música de su catálogo – sellos y artistas. Ellos viven entusiasmados de ofrecer nuevas experiencias auditivas, como programas dedicados, estrenos de álbumes, espacios temáticos, exhibiciones de artistas y sellos discográficos y más. ESCUCHA AQUÍ LA PLATAFORMA: https://9128.live/ Si, según la definición de Eno, la música ambiental debía escucharse de fondo, entonces esperamos que esta sea la mejor música de fondo que puedas pedir.

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Los 10 conciertos gratuitos con mayor asistencia de todos los tiempos

Desde The Rolling Stones hasta Rod Stewart, los 10 conciertos gratuitos más concurridos de todos los tiempos cuentan, como era de esperar, con una colección de los nombres más venerados de la música contemporánea. En 1997, Jean Michel-Jarre, el pionero de la electrónica realizó un concierto en Moscú para celebrar el 850 aniversario de la ciudad. Fue la primera actuación de Jarre en Rusia, celebrada en la Universidad Estatal de Moscú, e incluso incluyó un enlace con la estación espacial rusa como parte del espectáculo. Los asistentes rusos al concierto acudieron en masa a la actuación, y el compositor francés acumuló una audiencia de más de 3,5 millones, convirtiéndose en el concierto gratuito más concurrido de todos los tiempos. Aunque las cifras suelen estar sujetas a estimaciones (o exageraciones) debido a la naturaleza de los eventos gratuitos, muchos conciertos afirman haber obtenido una audiencia de más de un millón. Jean-Michel Jarre ocupa casi un tercio de los diez primeros, con su espectáculo de celebración del Día Nacional de Francia en 1990 en París y un espectáculo de 1986 para el 150 aniversario de Houston, lo que le valió dos lugares más en la lista. La lista de los conciertos gratuitos más importantes de la historia de la música: 1. Jean-Michel Jarre, Moscow, 1997 – >3,500,000 2. Rod Stewart, Rio de Janeiro, 1994 – >3,500,000 3. Jorge Ben Jor, Rio de Janeiro, 1993 – 3,000,000 4. Jean-Michel Jarre, Paris, 1990 – 2,500,000 5. Monsters of Rock (with AC/DC, Metallica, The Black Crowes, Pantera, and E.S.T.), Moscow, 1991 – 1,600,000 6. Live 8, Philadelphia, 2005 – 1,500,000 7. The Rolling Stones, Rio de Janeiro, 2006 – 1,500,000 8. Jean-Michel Jarre, Houston, 1986 – 1,300,000 9. Various artists, Havana, 2009 – 1,100,000 10. The Beach Boys, Philadelphia, 1985 – 1,000,000 Fuente: faroutmagazine

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La interesante charla entre Rick Rubin y Brian Eno

Un placer este episodio. Rick Rubin y Brian Eno hablaron hace hace 3 años, justo antes del debut de la estación de radio Sonos de Eno, The Lighthouse, donde Eno programó durante días temas inéditos de varias épocas de su carrera. La conversación que tuvieron fue fascinante. Rick y Eno discuten las obras que han cambiado la concepción del arte de Eno incorporando la aleatoriedad en su música. Como lo menciona la descripción del video en Youtube: No muchos músicos citan el diseño o la arquitectura como inspiración. Pero sentado en un aeropuerto alemán bellamente diseñado en 1978, Brian Eno se inspiró para crear música atmosférica que complementara el espacio. Siguió su álbum histórico, “Ambient 1: Music for Airports”, y con él, Eno creó la música ambiental, un género completamente nuevo que aún prospera en la actualidad. La carrera de 50 años de Brian Eno está repleta de innovación. Comenzó a tocar sintetizadores a principios de los años 70 como miembro de la banda de glam-rock del Reino Unido, Roxy Music, y luego grabó una serie de álbumes en solitario, y finalmente produjo álbumes que definieron su carrera para una serie de bandas como U2, Devo, y Coldplay. En este episodio @RickRubin habla con Brian sobre su amor por el espacio musical que existe entre humanos y máquinas. Eno también recuerda haber predicho el nacimiento del hip-hop en la parte trasera de un taxi con @davidbyrneofficial y explica por qué escuchar a @Beyonce a través de una pared es extrañamente satisfactorio. Muchas sorpresas más en este video y su charla. ——- Rick Rubin (1961) personaje clave para la fusión del rap y metal. Nombrado el productor más importante de los últimos 20 años, también fue el DJ original de Beastie Boys. Este productor discográfico estadounidense, numerosas veces ganador del Grammy,​ es más conocido por su trabajo con el rap y el heavy metal, así también por la serie de discos de American Recording con Johnny Cash. En 2007, MTV lo nombró «el productor más importante de los últimos 20 años»​ y ese mismo año la revista Time lo incluyó en la lista de las 100 personas más influyentes del mundo. Brian Eno (1948), artísticamente Brian Eno o Eno, es un compositor, activista, cantante, artista conceptual, artista visual, ingeniero de audio, inventor, escritor, fotógrafo y productor musical inglés.​ A lo largo de su trayectoria ha desarrollado trabajos en géneros musicales como el ambient -del que se le considera un pionero-, el glam-rock -con Roxy Music-,​ la música electrónica​ y experimental.

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Sons Of Kemet y su disco Your Queen Is A Reptile, para entender el futuro del jazz

Para entender dónde está el futuro del jazz, es mejor seguir hacia dónde se dirige Shabaka Hutchings. Pocas figuras del jazz contemporáneo han cubierto tanto terreno en tan poco tiempo como el saxofonista y clarinetista nacido en el Caribe y afincado en Londres, que ha actuado con artistas como Jonny Greenwood de Radiohead y el pionero del jazz etíope Mulatu Astatke, y ha grabado y aparecido en unas seis docenas de créditos discográficos en los últimos 9 años. Por muy impresionante que pueda ser el volumen de su trabajo (incluidos algunos de los mejores discos de jazz de los últimos 2 años), es la vitalidad y la versatilidad lo que hace que valga la pena seguir esos créditos, desde el extenso jazz espiritual de Shabaka and the Ancestors hasta el jazz espacial escatológico de The Comet is Coming, además de haber contribuido al efímero y trascendente proyecto de Yussef Kamaal. Su mundo musical está en constante expansión. El camino que toma Hutchings en Your Queen Is A Reptile, el tercer álbum de su conjunto de jazz afrocaribeño Sons of Kemet, implica realizar un largo viaje a través de la historia negra. Es el primer lanzamiento del grupo para Impulse! Records, un sello que cambió la forma de la música a través de lanzamientos innovadores de artistas como John Coltrane, Charles Mingus y Pharoah Sanders, y hay una sensación similar de creatividad ilimitada en las nueve pistas aquí. También hay un espíritu activista que recorre estas pistas. Así, Sons of Kemet ofrece una afrenta a la figura británica al invocar los nombres de mujeres negras que cambiaron la historia, desde Harriet Tubman y Angela Davis hasta la propia bisabuela de Hutchings, Ada Eastman. Your Queen Is A Reptile, es un álbum político similar a lo que era el material profundamente espiritual de Pharoah Sanders a principios de los años 70, no tanto en los detalles de los temas que destaca sino en el mensaje más amplio y amplio que transmite. Éste es un álbum tanto sobre la alegría y la celebración de los negros como sobre la denuncia del patriarcado blanco (que toma forma como matriarcado). Esta es música que conmueve, como James Brown o Fela Kuti, de cuyo linaje la música de Sons of Kemet sin duda forma parte. Los furiosos ritmos brindan un telón de fondo para algunas de las músicas más intensas y poderosas aquí, las explosiones de saxofón de Hutchings son un contrapunto más abrasivo a la audaz línea de bajo de tuba. My Queen Is Yaa Asantewaa, que lleva el nombre de una reina madre anticolonialista de Ghana, toma un camino más sinuoso para alcanzar su clímax, con una inquietante sensibilidad psicodélica, mientras que “My Queen Is Anna Julia Cooper” adopta un enfoque más espacioso. El saxofón de Hutchings desempeña un doble papel: instrumento de respaldo discordante y líder serenamente seductor. No hay mucho en Sons of Kemet que sea tradicional, fuera de la tradición activista negra que honran y sobre la que construyen. Your Queen Is a Reptile tiene un sonido único construido sobre contrastes y contrapunto, cuyas influencias son transparentes pero de ninguna manera cliché u obvias. Es enojado e inspirador, funky y furioso, un álbum de jazz que no sólo suena a su época sino que refleja y contrarresta el tumulto del mundo que lo rodea. La banda estuvo activa del año 2011 al 2022, año en que se disovieron. Con información de: Treble

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Las canciones que formaron la carrera de Chelsea Wolfe

“Desde un amor adolescente por la banda sonora Romeo + Juliet de Fleetwood Mac y Baz Luhrmann, hasta encuentros en la vida real con Sunn O))) y Smashing Pumpkins, Chelsea Wolfe habla con Greg Hyde sobre los 13 discos que más impactaron su vida”. El metal y el gótico van de la mano con bastante naturalidad. No son lo mismo, pero hay similitudes que los unen, ya que cada uno de ellos es esencialmente una especie de elemento oscuro de la contracultura. Chelsea Wolfe (1983) no comenzó con todo el metal. Sus primeras grabaciones fueron moderadas, pero bastante inquietantes y con el tiempo agregó más y más pesadez a su sonido hasta el punto de que más o menos se convirtió en una artista de metal, o al menos en un metal adyacente. Hay algo sublime, distorsionado y hermoso que crece en la música de Chelsea Wolf, quien se ha convertido en un innegable monolito de atmósferas expansivas, hechizando a más y más personas. Y es interesante ahora conocer los cimientos de su creatividad. FUENTE: The Quietus

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