Depósitio Sonoro

Brian Eno

Robert Fripp y Brian Eno, colaboraciones imborrables en la historia: (No Pussyfooting)

(No Pussyfooting) es un álbum tremendamente manipulado desde las improvisaciones de Fripp hasta las capas sintetizadas de Eno, un trabajo al que podemos catalogar de culto aún en nuestros días, los dos son genios sónicos respectivos de sus géneros. El disco es una odisea a la espontaneidad de 2 mundos arquitectónicos musicales que ustedes conocen muy bien si son fans o seguidores de las carreras de estos músicos, además de que tanto como Eno y Fripp se retro alimentaron mutuamente de ello para trabajos posteriores.  Fripp se nutrió para nuevas exploraciones abrazando las técnicas heredadas de un Eno sintetizado y viceversa, Eno se nutrió de las técnicas del instrumento de 5 cuerdas que Fripp maneja a la perfección. La descripción general de esta obra y más importante es la que cada uno de ustedes quiera darle. Nosotros la canalizamos aquí con mucho amor, además de que cuenta con una portada minimalista preciosa.

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Se cumplen 40 años de Fear of Music de los Talking Heads, de la locura al funk, el punk y la new wave

Se cumplen 40 años de Fear of Music de los Talking Heads, de la locura al funk, el punk y la new wave.   Un disco producido por Brian Eno en donde su particular estilo New Wave de aquel entonces fue mezclándose en arreglos funky y guitarras rítmicas que marcaban un sonido conceptual sobre el miedo y la locura. Razones por las cuáles los llevaron a empujar con fuerza la escena de Nueva York contra los bordes de un enfoque político que pareciera estar siempre presente, sin ser tan descarado. El disco es un reflejo de lo que vendría para el futuro de la banda sin antes dejarnos himnos como “Heaven” o la asombrosa “Life During Wartime”.

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Brian Eno tiene listas 11 nuevas canciones que incluirá en la reedición de su disco Apollo

Hubo una vez en 1983 cuando Brian Eno estaba clavado en todo lo relacionado a aquel suceso histórico como lo fue el alunizaje (que siempre quedará la duda si se logró o fue algo montado) pero esa inspiración en conjunto con el criterio creativo de su hermano Roger Eno y Daniel Lois, pudo lanzar uno de los discos de ambient space más respetados e influyentes de aquella década como lo fue el Apollo: Atmospheres & Soundtracks. Apollo: Atmospheres & Soundtracks – Tracklist remasterizado: 01. Under Stars 02. The Secret Place 03. Matta 04. Signals 05. An Ending (Ascent) 06. Under Stars II 07. Drift 08. Silver Morning 09. Deep Blue Day 10. Weightless 11. Always Returning 12. Stars En este enlace puedes ir a la página en donde podrás comprar el disco. Un disco mil por ciento imersivo, lúcido, experimental y sobre todo emocional, pocas veces se logra reflejar la armonía, visión o mesura de como la música del espacio debe sonar o creemos que es perfecta, esto quizá porque en parte la música fue grabada para un documental que incluye imágenes del Apolo 11 al alunizaje: For All Mankind. Pues bien, Eno anunció que ya está lista una edición remasterizada y que aparte incluirá 11 composiciones de corte nuevo que serán liberadas el 19 de julio, mientras tanto, podemos escuchar ya la canción “Like I Was A Spectator”, un indicativo de su enorme calidad y de lo que nos espera.

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La música en tiempos del Yo: descarga y comparte

“Si bien algunas personas pueden no estar conmigo ahora, los discos que escuchamos juntos, están todos aquí en mi pequeña caja blanca de recuerdos, todos amorosamente copilados y curados, esperando el momento en que podría volver a necesitarlos.” –Dylan Jones. IPod, Therefore I Am David Byrne cuenta cómo la música al ser grabada, comenzó a tocarse para las grandes salas, clubs y radios. Incluso como el hip hop está pensado para las bocinas en las cajuelas de los autos, y así, los graves y agudos se acoplen a la acústica las partes traseras de los autos. Incluso nos dice la forma en la que las aves han cambiado sus sonidos y cantos de acuerdo a que los cambios que sufren sus entornos y contextos. Un ave de San Francisco, no canta igual a un ave del bosque y a su vez, esta tampoco lo hace que un ave de mar. Todo lo sonoro cambia de acuerdo a su contexto. Después Brian Eno, comentaba el origen de la música ambient, cuando el famoso pianista francés Eric Satie, componía Gimnopedias para que apenas se notara y se integraran a los ruidos de los cubiertos, platos, vasos, voces y demás ambientes sonoros del restaurante donde tocaba los viernes por la noche. Esto me hace pensar que en algún momento, la música se integraba a los demás sonidos del mundo, ya sea en el metro, un camión, por la avenida más transitada o un parque. No estoy seguro que la música siga siendo parte de ese ambiente. El mundo gira y las formas de consumo también. La música sufrió cambios significativos a finales del siglo XX y en la primera década del mismo. En la era digital en la que vivimos, es importante señalar la desmaterialización de la música.  El MP3, YouTube, Itunes, el Ipod y ahora el streming con plataformas como Spotify o Deezer. Tal vez, comenzó con el CD player, que ya brindaba la oportunidad de cambiar de una canción a otra, de adelantar la pista, de pausar o repetir una pieza, cosa que con el casete sucedía, pero era tardado y tedioso, y con el vinilo, era prácticamente imposible. Todas las plataformas de consumo de música que mencioné anteriormente, son una maravilla en muchos casos, pero sin duda, trajo consigo nuevas formas de ver el mundo y entenderlo,  también, por supuesto, de contemplar la música. El Ipod, el MP3 o el streaming brindan las posibilidades de llevar tu colección de música en un pequeño rectángulo, una radio que programa perfectamente lo que quieres escuchar, de acuerdo al contexto, a tu estado de ánimo, en el lugar y tiempo que lo desees. Incluso ya existen playlist prediseñadas a tu estado de ánimo y actividad, como si fuera una radio personalizada.   La radio ofrece un sentido de sorpresa, a diferencia de los cientos y/o miles de canciones descargadas. La cultura de la descarga ha dado en vuelco en las formas de consumo ¿Acaso nos acercamos al perfil de un archivista compulsivo capaz de descargar, seleccionar y ordenar de forma casi neurótica la información que se brinda en la red, a la de un escucha amante de la música? Los accesos son inmediatos, y las herramientas para ordenar ésta información nos hacen todo más fácil, con un click nuestros discos o pistas están perfectamente ordenados por alfabeto, o por cuestione más snob que uno puede elegir. Comencé citando a Eno y su comentario sobre Satie, porque hoy en día, me parece que la música no se integra a los demás sonidos del mundo, al contrario, se aíslan y nos aíslan ¿Hay algo más antisocial que los audífonos en volumen alto para caminar por la ciudad? Al final “I”pod y “I”tunes es una señal clara de que el yo manda, mi música cuándo yo lo decido y dónde yo lo decido. Hace una semana me quedé sin internet por algunos días, y a pesar de contar con varios días de música en el Itunes, una pila de alrededor 100 Cd´s y otra de 300 casetes, sumando las 230 canciones que carga mi celular que reproduce MP3, me sentía incompleto en el sentido musical, me di cuenta que el Deeze lo es casi todo para mí en términos musicales, a través del Deezer descubro y reincorporo lo que necesite escuchar en ese momento. Puedo encontrar las lo que necesite: diferentes versiones de alguna canción o banda, covers, versiones en vivo o ediciones singulares, y por si fuese poco, todo se puede descargar, lo puedo llevar y curar a mi antojo y reproducir en mi computadora a la hora de trabajar, en la ducha o en el metro, siempre mi música y yo. Tal vez la era del MP3, el Ipod y la cultura de “descarga y comparte”  han sido la de cambios más radicales para la música y su forma de consumo, hoy en día el deseo es reducido a unos cuantos segundos en lo que carga nuestra plataforma preferida para escuchar música ¿Será que estamos en un proceso de extinción de la contemplación de la música al tenerla tan a la mano? Perdidos en la música, intentando escuchar todo lo posible, intentando absorber los accesos y los ritmos. A veces basta poner todo en “aleatorio” y listo, no tendremos que decidir qué escuchar, delegamos la responsabilidad a un rectángulo digital, dueño de nuestras más íntimas colecciones, que como dice Jordi Soler: a veces tengo la tentación de pensar que el aparato, esa hermosa maravilla tecnológica a la que van todos enchufados, importa más que la música que reproduce.  

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Falleció Scott Walker, el ídolo pop experimental que vino del siglo 30

Falleció Scott Walker a la edad de 76 años, el ídolo pop experimental que vino del siglo 30. Scott Walker fue sin duda el artista más disciplinado y deconstructor de la música y sus teorías en la historia,  tardándose en grabar a veces hasta 10 años entre uno y otro, especialmente Climate of Hunter, Tilt, The Drift y Bish Bosch  son algunas de las obras más ambiciosas hacia lo desconocido que alguien haya grabado. Es casi el fin de una era en la historia de quienes revolucionaron. Sus 4 primeros discos son obras bellísimas, prácticamente el soundtrack de un montón de cosas y casi todo, habiendo influenciado a artistas como David Bowie, Brian Eno, Thom Yorke, Jarvis Cocker, Damon  Albarn, Goldfrapp, Soft Cell, Boy George, Sunn O))), entre otros cientos.

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Videos internacionales grabados en algún punto de México

Ya sea porque un grupo o artista anda de tour o viene a tocar a México, pero el encanto de paisajes, ciudades y pueblos mágicos de México han llamado la atención a muchos de ellos que deciden grabar su videos. Te presentamos algunos. Max Cooper Presenta “Perpetual Motion” “Perpetual Motion” es el primer sencillo de Yearning for the Infinite, el próximo proyecto audio-visual del productor irlandés Max Cooper, mismo que captura el movimiento de la caótica Ciudad de México a través de drones aéreos y manipulación digital.  Damon Albarn (y Brian Eno) – Heavy Seas of Love Utilizan lugares como Teotihuacán, Xochimilco, la caseta de Ecatepec. Así como una mirada retro a la ciudad, desde el Ángel de la Independencia, hasta la Torre Latinoamericana. 2014 Keane – “Everybody’s Changing” Ciudad de México (y shows en Nueva York y Londres) 2009 The Mars Volta – “Cotopaxi” Locación: Guadalajara Moby – “Disco Lies” Álbum: Last Night. Grabado en la Ciudad de México 2008 Nine Inch Nails – “We’re In This Together” Locación: Guadalajara y Sayula 2009 Empire of the Sun – “We Are the People”  Locación: Xilitla, Monterrey, y García, NL 2013 The Rolling Stones – I Go Wild El más viejo de todos grabado en el Extemplo de San Lázaro 1994 Real State  – Had To Hear Date un tour al estilo Real State: Xochimilco, el Museo Soumaya, Teotihuacán, etcétera. 2014 At the Drive-In -“Invalid Litter Dept.” Locación: Ciudad Juárez 2007 The Chemical Brothers – “Out of Control” Locación: Ciudad de México 1999-2000 Chromatics – “These Streets Will Never Look the Same” Locación: Calles del CDMX (y otras ciudades del mundo) Disclosure – Holding On y Omen 2015 Cranes – “Beautiful Friend” Locación: Ciudad de México 1994-1995

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David Bowie: el hombre que bajó de las estrellas

A 400 metros de distancia del Muro de Berlín, se cocinaba en “Hansa Studios” uno de los álbumes más emblemáticos del músico y compositor David Robert Jones, mejor conocido en la historia como David Bowie, uno de los músicos más grandes que han existido. Heroes es considerado por los críticos de la música como uno de sus mejores aportaciones dentro del Art Rock, aunque para otros sobresalgan obras maestras como el “The Rise and Fall of Ziggy Stardust” o el “The Man Who Sold the World”. Algunos datos curiosos que hay alrededor de la grabación, es que Bowie desembarcó en la vieja Alemania en el momento que sufría una de sus peores crisis contra la cocaína, se alejaba de la locura pero la rozaba con los dedos y mantenía una disputa legal con su ex esposa. Aunque a simple vista no parecía muy buena idea hospedarse en el mismo piso del toxicómano Iggy Pop, estos hechos inspiraron a Bowie para la composición del disco, el cual engloba un virtuosismo instrumental idílico, y no es para menos, pues fue elaborado en colaboración de leyendas de la talla de Robert Fripp, Tony Visconti y Brian Eno. Durante este proyecto, Brian Eno llegó a usar sus estrategias oblicuas, una serie de aforismos en forma de cartas que él mismo realizó con Peter Schmidt, las cuales aplicaba cuando requería de una perspectiva fresca durante momentos de poca creatividad. Aquellas sesiones de grabación berlinesas, captaron el espíritu del tiempo que se vivió durante los años setentas: un contexto decadente a finales de la guerra, donde guardias soviéticos se escabullían vigilantes en edificios, mientras la vida de noche era iluminada a través de las luces de neón de cualquier bar. La interminable vida bohemia, los efectos de las drogas y el alcohol, llevaron a Bowie y a Visconti a recorrer los cabarets y bares de la ciudad, lugares en los que descubren a Antonia Mass, una cantante de jazz. Esta es la historia que hay detrás de la canción “Heroes”, una fotografía que registra Bowie desde su habitación: el beso que se llevó a cabo en las cercanías del Muro del apasionado romance que se mantuvo en secreto por mucho tiempo entre Visconti y Antonia Maas. La influencia de este disco fue tan grande que, incluso, se reflejó en la canción “Trans Europe Express” del grupo alemán de música electrónica Kraftwerk, en la que susurran: “From station to station back to Dusseldorf city/ Meet Iggy Pop and David Bowie/ Trans Europe Express, Trans Europe Express…”. Otros datos que valen la pena mencionar es que de la serie de discos que conforman la Trilogía de Berlín: Low, Lodger y Heroes, este último fue el único que en realidad se grabó completamente en dicha capital alemana. Y que a pesar de que Bowie fue conocido por su capacidad histriónica y por su necesidad de incursionar en caminos inexplorados, en este disco no hubo alter-egos, sólo estaba él y su talento. Después de diez años de la grabación, Bowie dio un concierto para toda una generación de berlineses divididos por los conflictos sociales, políticos y económicos del momento, por lo que “Heroes” se convirtió en un himno que representó la unificación, inclusive la cancillería alemana llegó a espetar: “Ahora estás entre los héroes. Gracias por contribuir a derribar el Muro”. Se trata de un álbum que trascendió el pensamiento de toda una época, por lo que héroes como Bowie hoy siguen vivos y recordados en la memoria de la colectividad.

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25 años del Laid de James, una perla producida por Brian Eno

James fue alguna vez uno de los grupos más grandes de Inglaterra. Claro que se remontaban más allá de eso, siendo la banda un tanto pasada de moda mientras que otros colosos de Manchester como The Smiths, The Stone Roses y Happy Mondays vinieron y se fueron, y en última instancia implosionaron, pero dejaron huella.   Esta es mi perspectiva del Laid de James: Fue después de un par de álbumes que rompieron el mercado con su tema “Come Home” de los años 90 y finalmente explotaron con el indie disco pop de la bellísima “Sit Down” cuando se relanzó en 1991. El resultado: sus discos finalmente se vendieron más y su carrera se volvió decente y atraída. James era, y sigue siendo, una banda que a mucha gente le gusta mucho. El Laid es probablemente su disco de culto, esto gracias a la llegada de Brian Eno como productor: Laid es la primera de varias colaboraciones entre él y la banda. Su presencia quedó perfectamente clara cuando el sexto álbum de James, Wah Wah, recopiló piezas de textura ambientales e improvisaciones justamente de las sesiones de la grabación del disco que en conjunto era uno de canciones sólidas, mostrando a James en su máxima expresión, relajándose en sus propios ideales y sonido. Un cálido y sutil álbum en tono, precursor de la camada britpopera que explotaría en los 90, con canciones como “Dream Thrum” “Sometimes”, “Out to Get You” y “Lullaby” podrían verse como precursores de un sonido original y hasta melancólico. A pesar de todo, James no siempre ha tenido una visión optimista del amor y eso queda mega reflejado en “Five-O” que cesa, luego el coro que es una punzada al corazón (“Si dura para siempre espero que sea el primero en morir”). En “P.S.”, una siniestra figura de guitarra en movimiento impulsa el motor de la canción, ya que describe una relación desintegradora. Por otro lado, “Say Something”, el segundo sencillo del álbum y un hit que celebra el primer amor con los sintetizadores y la percusión británica, Brian Eno lo había hecho de nuevo, quien mejor que él para incluir el toque de su instrumento predilecto perfectamente explotado en una balada excepcional, algo de Roxy Music se respiraba y respira ahí. La portada puede hacer que tus ojos se pierdan, la banda viste de gala y come algunos plátanos, pero los contenidos de Laid comprenden lo que probablemente sea la verdadera obra maestra de la banda. Sin duda alguna ni remota el Laid es un disco que nos deja aprendizajes, memorias de refugios y de salvaciones, de palpitaciones y suspiros cuando aterrizas la idea de que dar no es la antesala de recibir, sino que dar sólo puede ser dar y querer. Felices 25, feliz medio siglo de existencia.  

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