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Diez extractos musicales en las películas de Stanley Kubrick

Se cumplieron 20 años del fallecimiento del director de cine Stanley Kubrick, por ello analizamos 10 extractos musicales de sus películas que a menudo eran “contrapuntales”, segmentos de música que son contradictorios con el valor emocional o visual de una escena. Esto abrió una gama de respuestas atípicas. Kubrick comenzó este hábito, al principio de forma incremental. Pero por “Dr. Strangelove ” estaba ya dentro y nunca volvería a una manera tradicional. De los cineastas de hoy en día, sólo Woody Allen, Marty Scorsese, Quentin Tarantino y Wes Anderson continúan esta tendencia.   Cuando se trata de música, los puntajes en sus películas no encajan bien con sus conceptos. Las partituras sinfónicas completas tenían una manera de calmar a la audiencia y dictar cada emoción. ¡Kubrick quería más! Dependiendo de cómo se mire, quería que su música fuera familiar pero agresiva. Quería comentar sobre la acción de la pantalla en formas deliberadamente irónicas. Por encima de todo, quería que sus películas fueran diferentes y memorables.   Así que, sin más preámbulos, aquí están los 10 usos principales de su música segmentada en sus películas:   1. Discovery super-lietmotif en “2001: A Space Odyssey” (1968) “Amanecer” de “Así hablaba Zarathustra”, op. 30 de Richard Strauss “Spake Zarathustra” es un poema musical compuesto por 9 partes. Cada parte aborda una emoción específica como anhelo, alegría, muerte o aprendizaje, por mencionar algunos. Kubrick utiliza sólo la primera parte: “Einleitung, oder Sonnenaufgang” (Introducción o Amanecer).   2. Dancing Christ en “Naranja mecánica” (1971) “Sinfonía núm. 9, segundo movimiento”, de Ludwig von Beethoven La novena sinfonía de Beethoven es una de las sinfonías más épicas jamás escrita por uno de los compositores más titánicos que el mundo haya conocido. Naranja Mecánica es una de las películas más controvertidas y violentas que se han hecho y considerada una obra maestra de angustia distópica contada al estilo de un cuento de hadas de pesadilla.    3. La violación de la esposa del escritor F. Alexander en “Naranja mecánica” (1971) “Cantando bajo la lluvia”, escrita por Arthur Freed y Nacio Herb Brown Una violación al ritmo de “Cantar bajo la lluvia” pone a uno al límite. Improvisado durante el rodaje, incluso después de 45 años, el contraste severo y extremadamente violento entre lo que está sucediendo en la pantalla, una golpiza brutal seguida de una violación aún más brutal, en comparación con las asociaciones anteriores de la canción como una de las más felices. Momentos jamás creados en el cine, no podrían estar más distantes y sigue impactando.   4. La muerte y el funeral de Brian Patrick Lyndon en “Barry Lyndon” (1975) “Sarabande, cuarto movimiento”, escrita por George Frideric Handel (como Georg Friedrich Händel) Lejos de la controversia provocada por “La naranja mecánica”, el “Barry Lyndon” de Kubrick no podría estar más lejos en el tiempo y el espacio desde el distópico Londres que hasta el campo bucólico de la nobleza y la familia. Y aunque no es exactamente contrapuntal en su naturaleza, las escenas y secuencias se complementan en perfecto equilibrio con una variedad de composiciones musicales profundamente arraigadas en una rica mezcla clásica de marchas, sinfonías, conciertos y melodías populares cercanas de esa época.   Barry Lyndon nació de la incapacidad de obtener luz verde para el proyecto soñado de Kubrick: Napoleón. Sin querer perder todo el tiempo y el material de investigación, rápidamente adaptó una novela del siglo XVIII de William Makepeace Thackeray de una manera racional, recorriendo caminos paralelos de la historia hasta la pieza de época.   5. El sexo del avión, abriendo la secuencia del título a “Dr. Strangelove ”(1964) “Prueba un poco de ternura”, escrita por Jimmy Campbell, Reg Connelly y Harry M. Woods “Dr. Strangelove ”es una película llena de excesos sexuales implícitos, libido, imprudencia y referencias sexuales no demasiado sutiles. ¿Cuál podría ser una secuencia más inapropiada que teniendo relaciones sexuales en aviones? ¿Y qué música más apropiada está ahí que “Prueba un poco de ternura”, durante el coito? ¡Habla de superar las restricciones! De todas las geniales secuencias de Kubrick, ésta es una de las mejores.   6. Ataque B-52 en objetivos primarios y secundarios en “Dr. Strangelove ”(1964) “Johnny Comes Marching Home” Música del director de la banda del Ejército de la Unión, Louis Lambert “Dr. Strangelove “sube la apuesta una y otra vez, a medida que la acción pasa de la esperanza a la desesperación, a lo inevitable a la pérdida absoluta. Kubrick aumenta la tensión al cruzar la Sala de Guerra y el B-52 en una pieza combinada que dura el último tercio de la película.    “Johnny Comes Marching Home” es una melodía de la guerra civil que expresa un anhelo por el regreso de amigos y familiares atrapados en la vorágine de la guerra. La música se repite y se repite, es una loca recapitulación en sintonía con las fortunas del intento del B-52 de entregar su paquete letal pero fuera de sincronía con los de la Sala de Guerra, que esperan contra la esperanza de que el B-52 falle en su misión y están haciendo todo lo posible para lograr este anti-objetivo.     7. El descubrimiento de “Todo funciona y no se juega” por Wendy en “The Shining” (1980) “Polymorphia” compuesta por Krzysztof Penderecki   No es puramente contrapunto, hizo una combinación de música misteriosa, sensual y en gran parte contemporánea de un oscuro modernista polaco para sugerir el horror y la presencia siempre presente de los fantasmas del Overlook. Lo que hace que “The Shining” sea único es su naturaleza casi experimental, combinada con toda la electrónica elemental, esa doble convención y expectativa que puso a todos los que vieron esta película. Quizá Kubrick miró a “The Exorcist” en busca de comparaciones de música.   8. Siniestro sobrevuelo, abriendo títulos en “The Shining” (1980) “Dies Irae” Gregorian Chant, arreglado por Wendy Carlos La brillantez de Kubrick en la elaboración de las secuencias de apertura se exhibe en una hábil combinación de trabajo de cámara hipnótica y un canto gregoriano misterioso

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Retrospectiva de 4 películas del director F.J. Ossang: poeta, músico, escritor y cineasta

F.J. Ossang es uno de los principales cineastas de culto franceses de los últimos años, amante de la música industrial y cantante del grupo punk M.K.B (Messagero Killer Boy) Después de 30 años, F.J. Ossang ha logrado convertirse ya en uno de los principales cineastas de culto franceses. Ha estado en el mundo del cine desde 1982 cuando estrenó Le dérniere enigme. Un cortometraje en el que deja constancia de otra de sus grandes pasiones: la música. En su banda sonora participan algunos de lo grandes pioneros del punk y la música industrial: Cabaret Voltaire, William Burroughs, Throbbing Gristle, Killing Joe, Public Image Limited. Ossang vivió en carne propia toda la movida punk gracias a su banda M.K.B (Messagero Killer Boy), de la que fue vocalista. Sus películas  casi siempre son en blanco y negro y con claras influencias en el expresionismo, surrealismo, el cine negro y la literatura. Es un director “muy francés con todo lo bueno y malo que ello conlleva”, como alguna vez leímos en una nota de el periódico El País, de España. Te hablamos de 4 películas que puedes encontrar en mubi.com DRARMA GUNS (2010) “F.J. Ossang imaginó una obra completa que surge de la imaginación de un hombre muerto, mezclando la cultura americana, griega y francesa”. 2. THE CASE OF MORITURI DIVISIONS  Una retrospectiva del poeta, músico y cineasta punk. Su primera obra de crítica política, mitos re-mezclados y espíritu renegado. Ubicados en un mundo donde los punks han dado la espalda a la sociedad y coquetean con la muerte.   3.-THREASURE OF THE BITCH ISLANDS “Fascinante viaje junto a un grupo de científicos locos hacia los confines más oscuros del destino de la humanidad, Treasure of the Bitch Islands es un cóctel molotov de belleza anárquica”. 4.-DOCTEUR CHANCE 1997 Esta febril película on the road recorrer el desierto de Atacama. Con Marisa Paredes y Joe Strummer como amantes, Doctor Chance por primera vez ve al poeta punk a todo color. Aquí el trailer de la película, filmada en Francia y Chile  en el año de 1997, específicamente en Iquique, mamiña (cementerio).  En esta película participo Joe Strummer (ex-vocalista de The Clash) y Francisco Reyes, actor chileno. Una vez que ya conoces los trailers de las cintas, puedes encontrarlas en mubi.com

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Roma: la música que definió a México en los años 70

En diciembre del 2018 llegó a Netflix la galardonada película Roma, de Alfonso Cuarón. Una película que se enfoca en la vida de Cleo, una empleada doméstica en la Colonia Roma del México de 1970. La película ganadora del Oscar por Mejor Director, Mejor Película Extranjera y Mejor Fotografía logra transportar al espectador de vuelta al pasado, a través de los recuerdos de Alfonso Cuarón. Además, estuvo nominada a Mejor Sonido y Mejor Edición de Sonido, a cargo del talentoso Sergio Díaz, quien se encargó de encontrar cada uno de los elementos sonoros que hacen que la película tenga una gran peso evocativo. En cine, los elementos que componen un filme, como la fotografía, dirección, escenografía y el vestuario, le dan a éste las herramientas para sumergir al espectador dentro de ella. Pero hay un elemento en específico que llega a empatar con las fibras sensibles de la persona, y ese es la música. Uno de los elementos más fuertes dentro de la película multipremiada de Cuarón, es el Diseño de Producción, el cual, ha llevado al equipo de este departamento a reconstruir, con detalles minuciosos, el México de 1970. Roma es una película que carece de música original, todo lo que podemos escuchar dentro de este viaje a los recuerdos del pasado, son los sonidos que nos remiten a ciertos lugares, como el sonido del afilador, el del camotero, o inclusive ruidos, como los gritos de comerciantes ambulantes o el tráfico. Y es aquí, que la música entra de forma circunstancial, apareciendo como guiños, constituyendo un elemento fundamental para transportarse a esa época. El México de 1970 es una época definida por movimientos sociales que agitaron al país. Las marchas y represiones estudiantiles del ’68 y ‘71 dieron visibilidad a los problemas nacionales e hizo evidente el autoritarismo gubernamental. De este primer movimiento, la música de protesta se volvió parte del espíritu de los estudiantes, siendo Óscar Chávez y Judith Reyes los músicos que serían la voz del movimiento junto con Joan Baez, Leonard Cohen, Bob Dylan y Peter Seeger, quien fue invitado por el Partido Comunista a tocar en la Facultad de Ciencias de la UNAM. Los grupos de Rock&Roll de la década los 60 comenzaron a diluirse, Enrique Guzmán, César Costa y Johnny Laboriel dejaban Los Teen Tops, Los Camisas Negras y Los Rebeldes del Rock respectivamente, y comenzaron a forjar sus carreras como solistas. Mientras tanto, el movimiento hippie comenzaba a influenciar a los estados fronterizos. Si se tuviera que elegir a un género musical que haya definido a esta década, definitivamente sería el de balada romántica con arreglos sinfónicos. A pesar de las cosas que sucedían en el país, esta música sirvió para poder hacer al mexicano olvidar su realidad. Es en 1970, año en el que transcurre la película, que las carreras de artistas como Leo Dan, Juan Gabriel, José José y Rocío Durcal se consolidaron y marcaron a gran cantidad de la población haciendo que sus canciones vivan hasta nuestros días. Los grupos sudamericanos y españoles encontraron en México la cúspide de sus carreras, como lo fueron Los Pasteles Verdes, de Perú, Los Terrícolas, de Venezuela, o Los Ángeles Negros de Chile. Por ejemplo, Leo Dan, originario de Argentina, llegaba a tierras mexicanas en 1970 con el éxito Te he prometido. Él era gran aficionado de la música mexicana, y aquí, grabó otras canciones que le llegaron al público nacional, como Toquen mariachis canten y Mi última serenata. Este año, significó también el nacimiento de El Príncipe de la Canción, José José, quien tuvo como primer éxito la canción La Nave del Olvido. Meses después, se presentaría ante un público internacional televisado en el II Festival de la Canción Latina, con sede en el Teatro Ferrocarrilero de la Ciudad de México, en dicho evento, cantó por primera vez el éxito que marcó su carrera para siempre, El Triste. El Divo de Juárez, Juan Gabriel, después de graves problemas financieros e incluso penales, lanza en 1971 su primer disco Alma Joven, con el sencillo No tengo dinero, este álbum -al igual que con José José- ayudó a posicionarlo como uno de los interpretes de balada romántica más importantes del país. La música que nunca ha faltado en el corazón de los mexicanos es la de artistas como Álvaro Carrillo, Javier Solís y los clásicos Pedro Infante, José Alfredo Jiménez y las irreverentes canciones de Tin Tan. Todos estos artistas, consolidados 20 años antes, seguirían marcando a la población. Pero no todo fue música romántica y baladas durante la década de los años 70. Esta década representó el punto de quiebre para las bandas de rock nacional. Había una división musical demasiado amplia, porque, a pesar que los artistas antes mencionados eran de consumo masivo, las clases populares y sectores más contestatarios se inclinaron al rock. Es así, que tres meses después de la Matanza de Corpus, se llevó acabo el primer festival masivo de música en México, el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, considerado el Woodstock Mexicano, el cual estaba programado para 5 mil asistentes, que verían una carrera de autos acompañados de bandas, pero la asistencia final fue alrededor de 150,000 personas, que experimentaron en el festival una especie de catarsis social que emanaba del recuerdo de las matanzas de los años anteriores, además de expresar el amor libre y el uso de drogas. Fue en este festival que la banda Three Souls In My Mind, después conocida como El Tri, que marcaría y sería el estandarte del rock de esa década. Después de este evento, el gobierno mexicano prohibió grandes reuniones juveniles, para evitar nuevos movimientos y cerró las puertas en el país a grupos internacionales de rock a presentarse por esta misma razón. Es por eso, que la música en México que llegaba a las grandes audiencias, era aquella que fuera más tranquila y de temas más generales. Roma se desarrolla entre 1970 y 1971. Como se puede observar, este par de años sirvieron como punta de lanza para el desarrollo

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Festival Oculto: una fiesta de documentales, películas y música

Cuernavaca, Morelos, a lo largo de 3 años, se caracterizó por la organización del Festival Grotesco que, por el momento, “está en pausa”, y tenía una línea de dar a conocer distintas cosas relacionadas al horror que se hacen en México; tanto en gráfica, cine, música y literatura. Sin embargo, uno de sus organizadores, Eduardo Santaella, conocido en el mundo gráfico como “Guro”, desde 2016 que se unió a un colectivo llamado Cultura Horrible, junto a algunos músicos de Cuernavaca que participan en Turbonada, Para Decir Adióss, Holy Rat, Spray Canela y Sadlist, dice que este evento es algo aparte del festival con el que dio de qué hablar por distintos lugares del país. “A diferencia del Festival Grotesco, que se centra totalmente en el horror, el Festival Oculto está enfocado en la música”, explica Guro. “Este será nuestro octavo evento en dos años que tiene de existir Cultura Horrible”. Lo que caracteriza al Festival Oculto, en esta, su primera edición, será la proyección de distintos documentales y películas relacionadas con la música. Guro, después de dos años de organizarse con algunos amigos y comenzar a darle forma a todo esto, recuerda que en las primeras fiestas organizadas por Cultura Horrible sólotocaban bandas de distintos estilos de rock como punk, noise, shoegaze, experimental, etcétera. No obstante, él y los demás que integran este colectivo, dice que decidieron comenzar a darle mayor forma, y así integrar un mercadito de gráfica alternativa, y también añadir la parte visual y cinematográfica. “El colectivo surgió de forma natural y como respuesta a la cultura musical que hasta ahora existe en Cuernavaca”, explica Guro. “Y como a quienes conformamos Cultura Horrible no nos gusta la exposición que se les da a los mismos proyectos musicales, incluso desde puestos institucionales, y sumándole que, además, la interacción que se tiene con bandas de otras partes de la República Mexicana es casi nula, y los proyectos de aquí tampoco es que salgan mucho a otro lugares a tocar, esta es nuestra manera de cambiar la dinámica que existe aquí, trayendo proyectos que nos gustan; además de que hemos creado un vinculo con gente más joven que ha estado formando nuevas propuestas bastante chidas”. El Festival Oculto se realizará el sábado 13 de octubre, pero habrá 2 eventos previos que son gratuitos: uno será la parte de la proyección de documentales y películas, y la otra el show de K, Terror Cósmico y Sadlist; donde, incluso, habrá visuales mientras las bandas tocan en vivo. “El asunto de los documentales, las películas y el show, es más bien como una pre-fiesta gratuita para todos los que estén interesados”, menciona Guro. Y, en relación a la cuestión cinematográfica-musical, explica: “Los documentales se consiguieron con contactos que ya se tenían del Festival Grotesco, más otros con conocidos directamente de bandas. Por ejemplo, el documental de Slave to the grind se consiguió a través del STUFF MX Film Festival; su programador anteriormente ya nos había pasado el docu que se hizo del último show de Nasum. El de It’s gonna blow… que es sobre la escena underground de San Diego, California, se logró tener gracias a un integrante de la banda Ali Adka, quienes vienen de Mexicali a tocar al festival. Lo demás que proyectaremos ya son más conocidos o hasta de culto, a excepción de Gimme danger, que es de The Stooges, realizó Jim Jarmusch, y que por alguna razón no tuvo mucha difusión aquí en México”. También, Guro hace énfasis que proyectar estos documentales y películas, es para que la gente más joven que tiene pensado acercase al festival o que está interesado en lo, llamémoslo, “alternativo”, se den por enterados de escenas o movimientos que existen o han existido en otros lados del Mundo. “El plan es que se salgan un poquito de todo ese rollo escenoso local que existe aquí en Cuernavaca, y que tiene unas ideas bien anticuadas y solemnes. Igualmente, la idea es tratar de difundir las cosas que creemos valen la pena y están chingonas, aunque para este momento sólo pueda ser de una forma independiente, lo cual me parece es algo bueno, ya que tiende a acercarse gente más joven”, finaliza diciendo Guro. PRE-FIESTA: PELÍCULAS Y DOCUMENTALES A PROYECTARSE (CINE MORELOS, MORELOS 188, CENTRO HISTÓRICO) Viernes 28 de septiembre, 2018 Concierto-visual con K. y Terror Cósmico (CDMX), más Sadlist (Cuernavaca) Sábado 29 de septiembre, 2018  12:00 – This is spinal tap (Rob Reiner, 1984)  14:00 – Repo man (Alex Cox, 1984)  16:00 – American hardcore: The history of American punk rock 1980-86 (Paul Rachman, 2006)  18:00 – Slave to the grind: A film about grindcore (Doug Brown, 2018)  20:00 – Heavy metal (Ivan Reitman, 1981) + En el andén (Jorge Zamora, 2018) Domingo 30 de septiembre, 2018  12:00 – The return of the living dead (Dan O'Bannon, 1985)  14:00 – Green room (Jeremy Saulnier, 2015)  16:00 – It’s gonna blow!!! San Diego’s music underground 86-96 (Bill Perrine, 2014)  18:00 – Gimme danger: The story of The Stooges (Jim Jarmusch, 2016)  20:00 – Punk: Attitude (Don Letts, 2005) BANDAS TOCANDO EN VIVO EN EL SALÓN CANDILES (AV. CUAUHTÉMOC/CRL. AHUMADA 133, COLONIA CHAPULTEPEC) Sábado 13 de octubre, 2018 Nelson y los Filisteos, Soga y Somewhere (CDMX), XIII (San Luis Potosí), Ali Adka (Mexicali), B 301 (Estado de México) y Mía Sonora, Holy Rat, Akapulke, Así Hablaron los Cardíacos, Para Decir Adióss, Spray Canela, Marciana y Narciso el Nefasto (Cuernavaca). Nota por: Javier Ibarra

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Muestra Internacional de Cine y Música, 20 a 23 de septiembre, Cineteca Nacional

Esta semana será la Muestra Internacional de Cine y Música número 5, en la Cineteca Nacional de la Ciudad de México, con 4 días de actividades. Checa todo lo que habrá. LA BANDA PROMETIDA La historia de una banda de rock falsa formada por mujeres israelíes y palestinas que han decidido que, a pesar de su dudoso talento musical, un grupo de música es la mejor historia para conocerse e interactuar entre sí. Con la ayuda de una bien intencionada productora de televisión estadounidense, nuestras improbables músicos tienen que cruzar las fronteras en repetidas ocasiones, algunas incluso legalmente. REVOLUCIÓN DE SONIDO: TANGERINE DREAM Edgar Froese, líder de la banda Tangerine Dream y pionero de la música electrónica, está en una misión de por vida para encontrar el sonido definitivo. Su constante búsqueda lo lleva a él y a sus compañeros de banda al éxito mundial hasta los estudios de Hollywood en Los Ángeles. La película muestra imágenes previamente inéditas filmadas por el propio líder de la banda. Por primera vez vemos a la banda detrás del escenario, de gira en Europa y EE. UU, en sesiones de fotos con Jim Rakete o de vacaciones en la playa. LA PALABRA EN EL HIP HOP Lo que nació en las calles del sur del Bronx ha echado raíces en todo el mundo, y los jóvenes poetas de Nueva York han ayudado a engendrar dialectos regionales en todas partes. A través de interesantes secuencias de archivo, entrevistas a profundidad y viajes con artistas como Nas, Tech9, J Cole, Rapsody y Anderson .Paak. El documental explora las muchas dimensiones que ocupa la poesía del hip hop. HELLO HELLO HELLO : LEE RANALDO : ELECTRIC TRIM Filmado durante docenas de sesiones de grabación, Hello Hello Hello es una historia de un proceso creativo: Lee Ranaldo (Sonic Youth) colabora con el productor español Raül Refree durante todo un año y 3.842 millas con la ayuda de sus amigos. El novelista Jonathan Lethem (Motherless Brooklyn, The Fortress of Solitude) funge como escritor/letrista/musa de las andanzas de artísticas de Ranaldo, a través de paisajes sonoros creados junto a amigos y músicos invitados, como Nels Cline (Wilco), Sharon Van Etten, Alan Licht, Kid Millions (Oneida) y Steve Shelley (Sonic Youth). M. Miguel traza su camino intentando sobrevivir, su realidad cada vez se vuelve más laberíntica y es complicado hacerle frente a su propio ser, a su complejo comportamiento, una sociedad represora, una invasión de ideas confusas hacen de este documental una pieza sobre la complejidad humana actual en un México dominado por la violencia. ROCKSTAFF Leonardo Orozco mejor conocido tras bambalinas como “Palomo” roadie de diferentes agrupaciones como Los Amigos Invisibles, Sussie 4, Porter, Genitallica y The Raptures, se dio a la tarea de recopilar una serie de testimonios de personas que forman parte del staff de diversos grupos nacionales e internacionales para dar a conocer lo que se vive detrás de un escenario. Todas estas voces se encuentran resumidas en “Rockstaff” un documental en donde las historias, anécdotas y sacrificios tienen un lugar común: el escenario y la música. 33rpm, HISTORIAS DETRAS DE LA AGUJA Un compendio de historias de vida y anécdotas de amantes de la música, coleccionistas, vendedores y escuchas que tienen como vínculo la pasión por el vinilo. Este trabajo es un tributo a los melómanos y a un formato que ha resistido el paso del tiempo. ATRAPADO EN EL METAL La Historia del Heavy Metal en México desde sus raíces hasta nuestros días, narrada por los músicos y periodistas que han vivido cada etapa, quienes además analizan las causas y la sociedad que han impedido un despegue en la escena nacional. AVÁNDARO DE SERGIO GARCIA MICHEL Sergio García Michel fue un director de cine independiente, exponente de la corriente contracultural de nuestro país y que desarrolló su filmografía en el formato de 8 mm retratando el ámbito político y el rock nacional en su basta filmografía. Antes de morir, Sergio García lega uno de sus trabajos que no vio la luz, “Avándaro”, 28 minutos de escenas del mítico festival. Un documento de valor histórico que forma parte de la memoria visual de la cultura del rock en México. Aquí pueden checar la programación completa y los horarios a detalle. 

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Comienza tour de cine francés, 7 de septiembre a 18 de octubre

El TOUR DE CINE FRANCÉS es un muestra itinerante que presenta la mejor selección de cine francés contemporáneo (en versión original subtitulada) alrededor de la República Mexicana y Centroamérica, previo a su estreno comercial en salas. Con 22 ediciones en su historia esta muestra de cine galo se ha convertido en el festival de cine francés más visto en el mundo con más de 300,000 espectadores. México es el tercer país que más ve cine francés en el mundo después de E.E.UU y China. No te pierdas este 2018 de una selección muy bien escogida entre cine comercial, cine de arte y cine de autor. Dando clic en este enlace podrás conocer más a detalle la cartelera. 

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Conoce el soundtrack de la nueva película de Gaspar Noé

 ‘Climax’, la nueva película de Gaspar Noé, una fiesta repleta de sexo y violencia, nos transporta a mediados de los años 90 para contarnos las historia de un grupo de bailarines veinteañeros que se reúne en un antiguo colegio durante tres días para practicar su nueva obra.  A Gaspar Noé lo recordamos por sus pasados largometrajes: “Sólo contra todos” (1998), “Irreversible” (2002), “Enter the Void” (2009), “Love” (2009). El cine de Gaspar Noé ha sido provocador y polémico desde hace casi dos décadas. Lleno de sexo y caos. Ahora, con “Climax” lo que sabemos es que durante una fiesta de celebración en la que toman sangría alguien adultera las bebidas, lo cual provoca una degenerada noche repleta de sexo y violencia. La película se estrenó formalmente en salas el pasado 18 de enero 2019.   Sin más, les dejamos el soundtrack. TRACKLIST: 1. [0:00] Gary Numan – Trois Gymnopedies 2. [2:44] Chris Carter – Solidit 3. [10:29] Cerrone – Supernature 4. [20:15] Patrick Hernandez – Born To Be Alive 5. [23:22] M|A|R|R|S – Pump Up the Volume 6. [27:28] Lil Louis – French Kiss 7. [37:20] Dopplereffekt – Superior Race 8. [40:27] Dopplereffekt – Technic 1200 9. [44:58] Thomas Bangalter – What To Do 10. [49:24] Neon – Voices 11. [53:10] Suburban Knights – The Art of Stalking 12. [58:08] Daft Punk – Rollin’ & Scratchin’ 13. [1:05:37] Aphex Twin – Windowlicker 14. [1:11:45] Wild Planet – Electron 15. [1:19:22] Soft Cell – Tainted Love 16. [1:22:05] Soft Cell – Where Did Our Love Go 17. [1:25:14] Giorgio Moroder – Utopia Me Giorgio 18. [1:28:38] The Rolling Stones – Angie 19. [1:33:11] Cosey Fanni Tutti & Coh – Mad

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A quite place: experiencia sensorial sorprendente de cine de terror contemporáneo

Lo que hace de “A Quiet Place” (2018) una muy buena película es que termina donde la mayoría de producciones recientes del género comienzan y se estancan; piénsese en mediocres productos al uso que mezclan ciencia ficción y terror como “Abraham Lincoln: Vampire Hunter” (Bekmambetov, 2012) “Dawn of the Dead” (Snyder, 2004) o la mejor (?) de “Resident Evil” (“Final Chapter”, W.S. Anderson; 2017). Lo que convierte a “Un lugar en silencio” en posiblemente el mejor filme de horror en lo que va del año, es que precisamente comienza donde un clásico como “The Birds” (Hitchcock, 1963) termina.   John Krasinski, el famoso actor de la comedia “The Office” (NBC,2005), cambia completamente de registro y sale , por lo menos como director, por fin victorioso. Krasinski consigue sumergirnos en un escenario del que se nos informa poco, una tarea que ni falta hace, ya que en los primeros minutos de su largometraje, por las pocas situaciones que se muestran, lo entendemos todo y aceptamos sus reglas de juego. “¡ES EL SONIDO!”, puede leerse en la pantalla, como titular en la portada de un periódico abandonado a su suerte, y es, curiosamente, la ausencia de este, la que también permite que la sala conecte fácilmente con todo lo que se le va presentando. Pocas veces, desde que se abarataron los smartphones y se amplió el menú en los múltiplex, se podrá disfrutar de una audiencia tan aconductada . El juego cognitivo aquí es bastante simple, aunque no faltará el público más ilustrado que presuma de su intelecto durante la proyección, ese al que le gusta hablar con la boca llena de palomitas y razón. A estos amantes de diseccionar la realidad como a un texto o como si se tratara de un pollo asado que se come con la mano, a ellos, les recomiendo quedarse mejor en casa. Para los demás, para nosotros, para los vulgares, esto es, gente ordinaria que va al cine a ver y a entretenerse y que sabe hablar solo lo suficiente, les anticipo una bella cinematografía y una ingeniosa mezcla de sonidos extraídos de la América profunda; una experiencia sensorial sorprendente, finamente orquestada con saltos y cacofonías, varios sustos, loables interpretaciones, modestos pero perturbadores efectos especiales, mucha tensión y, sobre todo, emociones humanas en estado puro. ADVERTENCIA: Las imágenes de “A Quiet Place” están desprovistas de cualquier propaganda o agenda ideológica, porque por fortuna cada vez que vemos el fin del mundo llegar, valen verga la exigencias de falsa igualdad, los derechos estatales y la equidad de género. Y es que en este “lugar en silencio” solo importa la supervivencia amparada en la estructura biológica e institución social por excelencia: la siempre necesaria familia nuclear y sus valores y tradiciones a prueba de todo. Esta cinta actualmente se encuentra en cartelera.

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