Depósitio Sonoro

Ecosistema Musical

Lords of Chaos o la amplificación del mito

A finales de los años 80 e inicios de los 90, Noruega nos dio la última saga de mitología rockera. Una cuyo panteón de héroes está lleno de personajes que le darían forma al género musical más extremo que ha conocido la humanidad hasta ahora. La controversia es parte del ADN del black metal, y finalmente después de un par de años de especulación la película Lords of Chaos (Inspirada en el libro homónimo) llegó a las pantallas de todo el planeta. A su paso ha polarizado la escena, desde la facción de fans más true le han pintado dedo a todo lo que huela a “mainstream media” en el género hasta los más curiosos turistas y adoradores de la capacidad mediática que este tipo de productos generan en la Psique Colectiva. A ciencia cierta no podemos saber cuál es el porcentaje de verdad y mentiras de la historia que nos presentan en el film. Todos aquellos versados en el cannon black metalero conocemos la historia en base al rumor, una historia que durante más de 2 décadas ha echado una raíz bastante grande en el undeground de la música y los medios; que ya hoy el género es bastante prolijo y ha engendrado bastardos a todo lo largo y ancho del planeta, creando una escena lo suficientemente sólida para convocar a legiones de fanáticos aguerridos adoradores de una leyenda donde Øystein Aarseth y Varg Vikernes son parte integral del génesis sonoro del “Verdadero Black Metal Noruego”. Vice Films ha hecho gala de su colmillo mediático y le vio futuro a llevar la historia de unos adolescentes noruegos; sin embargo, lo que me parece remarcable es la capacidad para cocinar esta idea con los ingredientes “correctos”. El director del film es el sueco Jonas Åkerlund, quien además de haber dirigido vídeos para Lady Gaga o Madonna, fue el baterista original de la banda Bathory (bastión de esa trinidad oscura que yace en la esencia del Black Metal y se completa junto a Venom y Celtic Frost). Además de tener un director con “raíces” en el género, reúnen a un grupo de actores poco conocidos pero con apellidos famosos como Rory Culkin (sí, hermano menor del “Mi Pobre Angelito” original), Jack Kilmer (hijo de Val Kilmer), Sky Ferreyra (cantante y estrella de myspace), Valter Skarsgård (de la dinastía de actores suecos) y para ponerle el ingrediente final a esta bomba, nada más y nada menos que, Arion Csihar (hijo de Attila Csihar, vocalista actual de Mayhem). Los de Vice son expertos en lo que hacen y han logrado captar la atención tanto de metaleros, críticos y de curiosos; así mismo, las estrellas del Black Metal también han entendido el termino “cambio generacional” y han sabido sacarle provecho al film, ya que se han encargado de crear la controversia necesaria para agitar las aguas y poner el reflector en el sitio correcto. Ya que, la pregunta es obligatoria, si este es un film sobre una banda de música y sus protagonistas reales aparentemente están en contra del film, ¿qué carajos va a pasar con la música? Bueno, en primer lugar, todos los involucrados en la historia real (es decir, todos esos noruegos) venían declarando que estaban en contra del film, que no habían autorizado absolutamente ninguno de sus temas, logos, nombres, etcétera para aparecer en el film. Los de Mayhem decían “A big fuck you for Lords of Chaos”, Fenriz hizo gala de su excelente sentido del humor pidiendo ser interpretado por Reese Whiterspoon, Varg Vikernes se lanzó en Youtube desacreditando todo sobre el film y gente como Satyr, Frost, Ihsahn y Faust se hicieron ojo de hormiga y simplemente han omitido cualquier opinión al respecto. La postura de estos personajes al parecer era clara, no estaban de acuerdo en que su historia llegara a la pantalla grande y por lo tanto, la música tampoco lo haría. Este fin de semana se dio “el estreno mundial” del film mas allá de las plataformas de los festivales independientes y pude aclarar muchas de mis dudas. La realización del film no es mala, sin embargo, tampoco es extraordinaria. Inicia como un film para adolescentes que en menos de 20 minutos se torna bastante oscuro, vemos en primer plano el suicidio de Ohlin (interpretado por Jack Kilmer), hay unas secuencias bastante buenas de Mayhem en el estudio de grabación (donde vemos a Arion interpretando a su padre), las secuencias de la quema de iglesias están cool y finalmente vemos cómo Varg asesina a sangre fría a Øystein. En fin, son 2 horas en las que si bien, si entretiene, no logra ningún resultado extraordinario ni aporta ningún dato que no conozcamos ya de antemano sobre esta historia. Sin embargo me queda claro, Mayhem si autorizó que su música apareciera en el film pero en versión “demo”, es decir, se regrabaron algunos temas para darnos esa sensación de cómo fue que sonó en un principio. De igual manera aparecen las portadas de un par de álbumes de Burzum y en la lista de créditos se encuentran personajes que aparecen en el film (interpretados por actores) como Fenriz. Al final del film la lista de créditos y agradecimientos se extiende, desde la familia Aarseth hasta Bard Eithun y todos los miembros centrales del Mayhem actual, Attila, Necrobutcher y Hellhammer. Era lógico, pon en la silla del director a una de las figuras de inspiración de esta movida y eso hará mas sencillo que todos los involucrados participen con mayor integración. ¿Por qué, si estaban en contra del film, a final de cuentas todos aparecen? En lo personal no estoy en contra del uso que aquellos involucrados realmente en la historia le dan a ésta. Me parece que están tratando de llegar a una nueva audiencia por medio del “shock value” que el cine le inyecta a una historia que conocíamos sólo por lo que leíamos en fanzines, revistas e internet. Llevar esta historia a la pantalla grande le da una nueva dimensión a la historia musical de éstos

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Reseña de Tutti de Cosey Fanni Tutti

El espectro sónico existente de Cosey Fanni Tutti que aquí se maximiza es excesivamente tormentoso y de una ejecución sonora ambiental que raya en el existencialismo eufórico. Porque eso es lo que te proyecta el disco, poco a poco nos va mostrando que hay miles de maneras de crear grandes canciones accesibles y que toman como estandarte todo aquello que llamamos ruido. Se toman medidas deliberadas para asegurar que cuando la magia muere, no es nada más y nada menos que la entrada a una nueva atmósfera que fungirá como secuela a nuevas batallas fascinantes llenas de arreglos a prueba de balas. Sí, quizá no se trate de algo inmortal pero si estamos frente uno de los álbumes electrónicos más aterradores del año. Las pistas muestran incluso con gritos disonantes y estáticos que todo puede estar ahí frente a nosotros y que sólo necesitamos excavar hacia lugares con una tendencia  sencilla que devasta todo paso a paso , manteniendo siempre un espíritu rebelde,  un espíritu electro-post-techno-industrial.

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Girl With Basket of Fruit, el perturbador nuevo álbum de Xiu Xiu

Casi por estas fechas pero en el 2017, Xiu Xiu lanzó su décimo álbum, Forget, de título ambiguo que parecía indicar que Jamie Stewart se estaba alejando de los rieles emocionales de su música y se llevaba únicamente a la música con él. Género: Experimental Rock | Art-Rock | Experimental | Noise Pop Label: Polyvinyl Record Co 2019 ★★★ Ahora, con Girl with Basket of Fruit encontramos a Jamie Stewart arrastrándose entre los restos de una locomotora descarrilada con una gran cantidad de daños aparentemente sufridos. De hecho, el nuevo álbum, abre con un tema de título como la representación auditiva de un paro cardiaco, aunque líricamente se retuerce entre un doloroso episodio de nacimiento y una chica en bicicleta que flota en el espacio.  Girl with Basket of Fruit se trata de un álbum con una sinceridad palpable que lleva al oyente a hacer un esfuerzo para entenderlo plenamente, pero si el esfuerzo es tan intenso, probablemente el entendimiento de este álbum no dependerá del individuo. En medio de toda la confrontación y caos del disco hay momentos dolorosamente dulces, casi tiernos con atmósferas casi obsesionadas parecidas a un requiem.  Aceptemoslo, Xiu Xiu a través de sus discos y su música nunca prometió a nadie un jardín de rosas, pero el nivel de pandemónium y desesperación en  Girl with Basket of Fruit hace que la escucha sea profundamenete perturbadora pero fascinante, haciéndonos mantener un frasco de pentobartbial a la mano.  

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“Gone” el nuevo sencillo de The Destroyer-1, el nuevo álbum de TR/ST

TR/ST lanza el sencillo Gone como parte de su nuevo disco The Destroyer-1 programado para salir al público el 19 de abril. Una mezcla de música muy melódica de raíces oscuras con un pop de sintetizador extraordinariamente pegadizo En el primer álbum de TR/ST, el homónimo, en el año 2012 los medios resaltaban que en la portada había una persona de caracteristicas góticas, hinchada, andrógina, no muy joven que en aquel tiempo sin saber mucho de TR/ST, se pensaba que probablemente no se tratara del mismo al artista que hacía la música, quien es ópticamente más parecido a un modelo de pasarela que aun productor de música electrónica oscura. Pero tales trivialidades como la apariencia de un artista gótico o un galán no deberían ir en este punto musical. También en el 2012, las redes se llenaron de elogios hacia la música de TR/ST (en aquel tiempo Trust) de oyentes y críticos. Todos coincidían que se trataba de una combinación música extremadamente melódica de raíces oscuras combinadas con un pop de sintetizador de carácter extraordinariamente pegadizo.  En el 2014 TR/ST lanzó Joyland, segundo álbum  que no logró golpear las olas tan alto. Este antecedente y un largo tiempo de descanso podría dar paso a un gran disco que Robert Alfons piensa lanzar el 19 de abril de este año. Por el momento TR/ST nos entrega el primer sencillo llamado Gone, tema que llegó a 15 mil reproducciones el día de su lanzamiento en YouTube y un ejemplar claro de lo que tendrá este nuevo álbum, música rápida y bailable, sin embargo, la contraparte oscura se lanzará a finales de este año y se llamará, The Destroyer-2 ideal para volver a invitar a la portada al modelo del disco debut.    The Destroyer 1 playlist 1. Colossal 2. Gone 3. Unbleached 4. Bicep 5. Grouch 6. Poorly Coward 7. Control Me 8. Wake With

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Recordamos el disco Give Up, de The Postal Service, a 16 años de lanzamiento

16 años después, el disco Give Up de The Postal Service se siente fresco y relevante. Este es un recordatorio alegre de un disco con cosmovisión simplista, lanzado un 19 de febrero de 2003. The Postal Service fue un proyecto musical de la llamada escena indietrónica formado por el cantante Ben Gibbard (Death Cab for Cutie) y el productor Jimmy Tamborello (Dntel, Headset y Figurine). Además han colaborado con ellos Jenny Lewis (cantante solista y vocalista de Rilo Kiley), Jen Wood y Chris Walla (productor de Death Cab for Cutie). Give Up se convertiría en uno de los lanzamientos más vendidos de la disquera Sub Pop (junto con Bleach de Nirvana). Y aunque Gibbard y Tamborello continuarían haciendo música por separado, The Postal Service es quizás el esfuerzo más concreto de sus carreras. Un disco que se sirvió en el momento justo en el tiempo y trajo una notoriedad de alto perfil a un proyecto que duró escasos 4 años. Y cuando muchos lidiaban con una grave resaca de la música pop de finales de los 90, The Postal Service ofrecía diversión, música ligera con creatividad y carisma. Vale la pena regalarle una escucha a este grandioso discos que hoy cumple 16 años.

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Belief Defect anuncia Remixed 01, la primera parte de una serie de lanzamientos que remezclan Decadent yet Deprave, su obra maestra

El dúo de productores con base en Berlín y Los Angeles, Belief Defect ha anunciado que lanzará este 8 de febrero la primera parte de una serie de álbumes que incluyen temas arreglados y remixeados de su aclamado Decadent yet Deprave. Género: Industrial Techno | Ambient | IDM | Noise | Label:  Raster Noton 2019 ★★★★★ Remixed 01 es solo el punto de inicio para entender una parte de la estructura e intenciones de esta colección que será lanzada y que en su primera parte incluye a productores tan emblemáticos como Kangding Ray, Alessandro Cortini, Surachai Nihilist y Telefon Tel Aviv, lo que lo lleva a ser un álbum con cuatro temas de Decadent yet Deprave arreglados con los potentes sonidos industriales de Kangding Ray, el ambient clásico de Alessandro Cortini, el diseño sonoro atemporal de Telefon Tel Aviv y las repeticiones análogas de Surachai.  Remixed 01 será lanzado el 8 de febrero a través de Raster Noton para después continuar con otras versiones de Decadent yet Deprave.

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Siku, el álbum de Nicola Cruz mezcla del folklore latinoamericano y la cultura de los clubes occidentales

El nuevo álbum del Dj y productor ecuatoriano Nicola Cruz fusiona el folklore sudamericano de hace siglos con la cultura electrónica de los clubes occidentales, un experimento nacido recientemente en Sudamerica que ha tenido éxito y expansión por todo el mundo. Género: Downtempo | Latin | Orgánica | Electrónica | Label:  ZZK Records 2019 ★★★ Titulado como un instrumento de viento de madera que es esencial para los rituales indígenas del altiplano andino, Siku es un álbum en donde se alternan desde los suaves sonidos de la samba de Brasil, hasta los sonidos secos y fríos de las pistas de baile occidentales, pasando por temas con gran carga andina y otros con sonidos de flautas, tambores y baldones que en conjunto crean melodías lentas homogéneas pero diferenciadas. 

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Assume Form el verdadero álbum de amor de James Blake

Assume Form ha sido considerado como “el álbum de amor” de James Blake, con baladas románticas que no están destinadas a formar parte de listas de reproducción de bodas. Género: Pop | Dance | R & B | Electrónica | Label:  Polydor 2019 ★★★ James Blake se convirtió en una estrella vocalista y productor hace casi ocho años y desde entonces parece estar permanentemente en la cúspide del estrellato pop siendo capaz de mantener la intriga e integridad de su sonido, sin embargo Assume Form podría ser su álbum más accesible hasta la fecha, con sonidos y emociones de todo tipo excepto simples.   Centrado en la devoción de James Blake por su novia, la maravillosamente talentosa Jameela Jamil, Assume Form está lleno de incertidumbre y desequilibrio de emociones, un concepto que no es nuevo en la música de Blake. Después de todo Blake ha pasado desde su debut reflexionando sobre el amor concluyendo que se trata de un sentimiento que provoca un estado de delirio sin fin. Assume Form es un álbum que refleja todas estas reflexiones y emana energía romántica pura, con voces que envuelven y crean un ambiente de intimidad ideal para acercarse lentamente a otra persona, sin embargo se trata de una intimidad rara que amenaza  con también hacerse alejar de ella.  Ciertamente los álbumes anteriores de James Blake no son geniales ni a pesar de la majestuosidad de algunas de sus letras, pero históricamente las palabras de cada tema han sido cuidadosamente elegidas y acomodadas de tal manera que le han permitido evitar temas fríos e imágenes sonoras más allá de lo que representan los sonidos de sus sintetizadores y algunas capas de audio casi fallidas. Si bien Assume Form es un álbum producido con pasión y generosidad, con grandes momentos cautivadores, se puede decir que en la mayor parte del disco existe un segundo plano como si se tratara de un proyecto alterno que Blake lleva al mismo tiempo.  Lo que vaya a ocurrir en la carrera de James Blake a partir de este nuevo álbum está por verse. La progresión del productor post-dubstep ha sido fácil de seguir pero no de una manera completamente predecible porque ha abierto su sonido sin lijar sus bordes. Anteriormente parecía que Blake estaría luchando contra si necesitaba más apaciguar su sonido experimental o resaltar sus sencillas inclinaciones hacia el pop. Al escucharse, Assume Form permite llegar a un punto muerto temporal de esta batalla interna y centrarse más en uno mismo y en aquellas personas que realmente nos importan.

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