Depósitio Sonoro

Electronic

Dominick Fernow y su voracidad techno, noise, industrial detrás de Vatican Shadow y Prurient

Pareciera como si hubiera surgido de todo eso que asecha a una escena subterránea velada en secretos, pecados y delitos. Dominick Fernow crea pasajes siniestros fuera del mundo real e inspirado en las guerras del medio oriente como Muslimgauze lo solía hacer, todo desde su base interna de operaciones ya sea como Vatican Shadow, Prurient y demás proyectos de tintes techno/drone/noise/industriales. Ha liberado numerosos casettes que datan de finales de los 90 bajo su alias Prurient hasta que finalmente desarrolló un sonido de culto bajo las sombras del vaticano en 2011. Cada versión deja al descubierto una fotografía o pasaje militar y un título de alguna emisión extremadamente rara, maneja todo un concepto abstracto. La música de Fernow cuenta con la etiqueta de Blackest Ever Black, Hospital Productions y Modern Love. Por supuesto, no es un archivo mucho más profundo de las liberaciones en virtud de sus muchos otros aliases. El acto en vivo que presentará está cargado de explosiones espirituales, atmósferas negras y como su sello lo ha venido marcando: una conceptualización de la guerra en donde las únicas ruinas serán las que dejen bailando cada uno de los asistentes. Vatican Shadow es hostil y oscuro, está hecho de patrones repetitivos, su disco de 2013: Remember Your Black Day es la clara prueba absoluta. Distorsiones, percusiones y darksynths perfectamente equilibrados a través de las paredes cerebrales que habitan en Fernow. Su música es turbia y difícil, golpea fuerte y no deja lugar a respiro, es una extrema composición que redefine ritmos industriales, irregulares, atemporales, adormilados y que van por igual pintando un nuevo laberinto para mostrarnos un panorama infernal. Sus álbumes son muy directos y de gran propulsión, siguen la línea de un cambio evolutivo visible a una conexión funcional afinada al sentir inhumano, al apocalipsis. Es la mejor apuesta para una experiencia sombría, como si nos sumergiéramos en las profundidades de los abismos más para descubrir a nuestros peores fantasmas.

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u-Ziq, un ente creativo del IDM destacable en su generación

Mike Paradinas es un ente creativo del IDM destacable en su generación, ya que ha ido dejando huella poco a poco a través de su propio sello Planet Mu que es muy venerado en la actualidad. Su catálogo musical ha sido una bendición de texturas que pintan melodías de colores exuberantes con un efecto muy relajante. Es como la miel para los oídos que escuchan los creyentes de una síntesis suprema. Es impresionante. Está en la misma línea que otros gigantes como lo son Aphex Twin, Autechre, Luke Vibert y el mismo Squarepusher. μ-Ziq ha declarado que se siente  más cómodo tocando como DJ que tocando en vivo porque no siempre está al 100% en seguridad y confianza con sus propias canciones, pero últimamente ha experimentado y probado algunos métodos para hacer bailar a la gente. Cada disquera ha estado en un momento diferente de su carrera,  y ciertamente siempre genera algo de presión estar en un sello tan grande como lo es Virgin. Ya que dependes mucho de las ventas y después de un cierto resultado de ellas, ligeramente se limitan muchas de tus posibilidades. Para Mike Paradinas (su nombre de pila) la escena de la música electrónica actual es tan saludable como siempre lo ha sido. Tiene grandes ofertas en su  discográfica Planet Mu.

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Luke Vibert: trigonogramas del breakbeat

Luke Vibert es un productor británico muy prolífico, quizá un poco a la sombra de Squarepusher y Aphex Twin, éste último con el que comparte una amistad desde hace muchos años y que los ha llevado a tocar y grabar cosas juntos, sobre todo sets. Vibert fusiona breakbeats con acid, dub y hasta electro, el panorama sonoro que maneja es bastante amplio y nunca encasillado, le gusta experimentar, es un acérrimo de hacer eso. Tanto que sus diferentes alias lo avalan, dígase de Plug, Wagon Christ o Kerrier District. El imperio sonoro de Luke combinaba post-techno y ambient con hip hop experimental y drum’n bass, más tarde y con el paso de sus diferentes grabaciones e influencias definió un sonido más dubstep electro IDM, estilo esquizofrénico mezclado delicadamente con mucho funk. Su legado ha sido discreto pero sustancioso e importante, pues sin estar en la mira de los reflectores todo el tiempo ha tratado de redefinir los contornos de la música electrónica de los últimos años, lo cual le ha valido colaborar con artistas de renombre como Nine Inch Nails, David Sylvian o la agrupación de culto Meat Beat Manifesto.

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Paula Temple, techno intenso y ecléctico

Paula Temple es una de las referencias femeninas más representativas en la música electrónica global que podremos disfrutar en el presente. Es una mujer y productora con habilidades increíbles. Es intensa, astuta y ultra mega ecléctica, aunque pareciera que sólo se inclina al techno, no es así. Explora en sus “live sets” con música propia, los lanzamientos más voraces y clásicos que en ocasiones abarcan los géneros industriales o el techno de Detroit. Sus registros de creaciones cubren un futuro muy brillante por delante para ella ya que muchos tienen la idea de que se trata de una nueva artista pero no es así. Paula debutó en 2002 con The Speck Of The Future bajo el sello Materials y desde entonces ha mostrado una idea muy clara en su visión de redefinir la música techno. Su impresión artística la llevó a convertirse en la primera mujer en ser firmada en toda la historia de la legendaria discográfica de Bélgica: R&S Records. Pero ser DJ y productora no le ha bastado y también ha aportado en materia de tecnológica musical, siendo co-creadora de uno de los primeros controladores midi para tocar en directo llamado MXF8, que ella misma llevó de gira entre 2003 y 2005. Para el 2012 creo su propia disquera a la cual nombró Noise Manifesto, con producciones que llevan un mensaje de confrontación, y que éste a su vez, fue la inspiración detrás del título de la discográfica, que todo fuese invisible para alcanzar una liberación y eventos para recordar a través de un 50% de mujeres y artistas homosexuales. Paula Temple es infernal, desata patrones de ruido constantemente recurrentes a una realidad industrial, mientras que el ritmo que va construyendo está cargado de una energía muy obscura, lo que hace realmente interesante a dónde terminará todo esta odisea que se encuentra emergiendo de cero hasta alcanzar una brutalidad superior a las guerras atmosféricas de otros mundos. Es la señal que marca el nuevo origen de un nuevo templo en la electrónica completamente transhumano y sónico, quizá más uno que otro. No importa hacia donde se dejen llevar cuando la escuchen, el resultado siempre será un estruendo apocalíptico digno de una expansión/explosión muy cercana a un nuevo ¡Big bang!

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Richard Devine, ilusión y perfección análoga

Richard Devine es un músico y diseñador del sonido cuya música, caracterizada por ritmos complejos y el uso intensivo de modulares, se hizo de un nombre respetable dentro de los fanáticos de IDM luego de que remezclara el monstruoso sencillo ‘Come To Daddy‘ de Aphex Twin. Devine es un experto en pulir sonidos orgánicos de tremenda calidad mediante un proceso primordial que da la ilusión de caer fuera del reino de la creación humana, es decir, más inclinado a las tendencias robóticas y a las máquinas que tanto ama. Está activo comercialmente desde 1995 y desde entonces su paso por las disqueras Tape, Schematic, Sublight Records y Detroit Underground le han ayudado a mantener un status de coloso. Un ser original y estudioso, experimental y radical. Es música de primera clase verdaderamente contemporánea, desde la producción a los sonidos, el tiempo, la nitidez y la complejidad. En una era en la que su música electrónica sigue sumando al globo. Devine se toma su trabajo muy en serio, tan en serio que ha trabajado con las marcas de Korg, Native Instruments, Clavia y muchas más. Sí lo tuyo son los sonidos análogos, Richard Devine reforzara tus conceptos acerca de todo lo que necesitas seguir aprendiendo.

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The Human League: de sueños y sintetizadores

Es innegable la influencia que The Human League ha tenido dentro de la música electrónica y el synth pop desde su fundación en 1977, pasando por varias alineaciones y radicalizando la música pop. Además esta banda ha dejado un gran impacto con altas y bajas de como entendemos la música hecha con sintetizadores. Su legado es importantísimo para la música de nuestros días. Origen Fueron pioneros en tocar con puros sintetizadores y aunque en sus inicios eran comparados con Kraftwerk (por que usaban la misma marca de sintetizadores), ellos siempre quisieron ser una banda de música pop. Todo esto a raíz de que escucharon ‘I Feel Love’, el mega hit de Donna Summer producido por Giorgio Moroder, dando paso así a un grandísimo protagonismo y que nos dejaría una serie de canciones icónicas que nos sirvieron para entender la música ochentera hecha con teclados. Marcando el camino La banda comenzó a abrir un camino a otra serie de grupos que muy pronto empezarían a imitar su sonido. Después de su sencillo debut ‘Being Boiled‘ y de recibir una buena aceptación, The Human League junto a su alineación original conformada por Phil Oakey, Ian Craig Mash y Martyn Ware más la integración de Ian Burden y Jo Collins, presentaron un nuevo sencillo titulado ‘The Dignity Of Labour‘, canción que fue dividida en cuatro partes y en donde la música se impone a la voz. Esto se consideró toda una revolución para lo que se hacía en la música de ese entonces y que capturó a muchos jóvenes aficionados que descubrían ese tipo de producciones tan futuristas. Ruptura y avance Phil Oakey supo reponerse a una ruptura interna y el abandono de los miembros fundadores de la banda porque tenían ganas de volverse más experimentales, Oakey quería suavizar de alguna manera toda esa experimentación con el fin de que los tocaran más seguido en la radio y llegaran a los charts del Reino Unido. Para esto, Phil integró a dos vocalistas bastantes carismáticas: Joanne Cahtedral y Susan Annn Sulley, quienes iban a inyectar de nuevos aires las composiciones de la banda y que marcaban sin saberlo, el comienzo de la escalada a la cima del éxito. El éxito implacable de DARE, su obra maestra Con este asombroso disco, The Human League abriría miles de puertas hacia los mercados en los Estados Unidos, al synth-pop que se hacía en el viejo continente y a diversas creaciones que hasta ese momento la música pop no ofrecía. Dare fue respaldado con grandes temas como ‘Open Your Heart’, ‘Love Action’, ‘The Things That Dreams Are Made Of’, ‘The Sound Of The Crowd’ y el más popular pero a la vez espectacular de todos: ‘Don’t You Want Me’. Esta canción fue un acontecimiento musical sin precedentes y me atrevo a decir que es una de las más importantes dentro de la historia de la música moderna, además de que los puso en la mira de todo el mundo y les hizo alcanzar el éxito que tanto habían buscado desde sus dos discos anteriores. Desde sus inicios hasta sus etapas más oscuras, de lo experimental al imperio pop,  y hasta las que jamás imaginamos que podrían lograr, la agrupación sigue conservando esa esencia como si nunca hubiera pasado el tiempo sobre ellos,  o tal vez sí, pero han trascendido y eso es lo más importante. The Human League forma parte de la historia como una de las bandas más importantes que han existido en su género, pioneros del synth pop y de introducirla a la cultura popular.

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Nuevo remix de Ryuichi Sakamoto a Oneohtrix Point Never

Oneohtrix Point Never ha lanzado una nueva pista en colaboración con el legendario compositor japonés: Ryuichi Sakamoto. Se trata del hermoso tema “Last Known Image Of A Song (Ryuichi Sakamoto Rework)”. El año pasado, OPN contribuyó a la compilación de remezclas de Async Remodels de Sakamoto con una nueva versión de “Andata” y ahora le regresa el favor. Es un bellísimo arreglo. Aquí lo pueden escuchar:

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Línea de tiempo especializada por música electroacústica de 1937 a 2001

Tratando de encontrar música poco convencional nos encontramos con Ubuweb, ese repositorio incondicional de todas las cosas de vanguardia del siglo XX, que en esta ocasión alberga una compilación extraordinaria: una Historia (diferente) de la música electrónica / electroacústica con 476 canciones, originalmente un conjunto de 62 CDs.  La historia de la música electroacústica abre muchas brechas. En los años 1937-2011, la colección debe atraer especialmente a aquellos con una tendencia vanguardista o musicológica. De hecho, el creador original de este archivo de sonido experimental, Caio Barros, puso estas pistas en línea en 2009 mientras estudiaba composición en la Universidad Estatal de Brasil en São Paulo. La iniciativa de Barrios, como escribe en Ubuweb, “se convirtió en una especie de leyenda” entre musicófilos. Ubuweb vuelve a publicar esta colección fenomenal. Barrios señala que las exclusiones tienen que ver principalmente con “la forma en que funciona nuestra sociedad y la tradición que representa esta música”. El creador de esta lista agregó: “Cuando comencé a subir la colección, en 2009, era estudiante de pregrado de una clase de composición en el estudio de la universidad para música electroacústica. Nuestro profesor hizo esta colección, creo, de su biblioteca particular, recogiendo algunas obras que él encontró importantes. Así que había una pila de CD para que escucháramos como una especie de tarea. Porque no podía estar en el estudio todo el tiempo que llevaba los CD a mi computadora para poder escucharlos en casa. Fue algo natural entonces comenzar a compartirlo a través de la famosa rapidshare, aunque no fue una idea totalmente altruista: las descargas me dieron puntos que me permitieron obtener una cuenta para descargar otro material compartido. Esta iniciativa se convirtió ya en una especie de leyenda. Puedes escuchar la lista en este link. 

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