Depósitio Sonoro

Reseña de Disco

Step Up de Manudigital: La Revolución Sonora del Reggae y la Experimentación Multicultural en el Universo del Bass Music

El aclamado beatmaker francés Manudigital ha regresado al mundo musical con su último álbum, “Step Up” (2023), llevando los límites del Reggae hacia nuevas dimensiones en la escena del Bass Music. No es simplemente un conjunto de pistas; es una progresión musical y una muestra de la audacia creativa de este virtuoso de la música. El Reggae, género musical originario de Jamaica, se caracteriza por sus ritmos contagiosos y relajados, típicamente estructurados en un patrón de 4/4 con acentuaciones en el segundo y cuarto tiempo. Sus letras, a menudo, abordan temas sociales y políticos. Manudigital, a lo largo del álbum, demuestra un profundo respeto por estas raíces, fusionando elementos clásicos del Reggae con sonidos más modernos. Afrobeat, por otro lado, es un género musical originario de África, popularizado por el legendario músico nigeriano Fela Kuti. Combina elementos de música tradicional y ritmos yoruba con influencias del jazz, funk y highlife. Se caracteriza por su rítmica compleja y sus vibrantes arreglos de instrumentos de viento y percusión. En “Step Up”, Manudigital explora esta esfera sonora en colaboración con Dynamq en la pista “Piki Piki”. El álbum se abre con “Step Up”, una colaboración emocionante entre Manudigital, el DJ jamaicano Joseph Cotton y el versátil MC británico Bellyman. Esta pista establece el tono para el álbum, fusionando elementos de varios géneros con una energía contagiosa que invita a los oyentes a un viaje sonoro más allá de los límites predefinidos del Reggae. Lo más destacado de “Step Up” radica en su diversidad sonora, resultado de la colaboración con 17 artistas de diferentes rincones del mundo. Cada pista es una aventura única que explora géneros y estilos diversos. Desde incursiones en el Drum & Bass con Liam Bailey en “Enough” hasta la combinación de influencias en “Love on Tap” con Alo Wala, Manudigital demuestra una narrativa musical compleja y rica. Este álbum es un testimonio de la profunda conexión de Manudigital con el Reggae. Colaboraciones como “Reggae Music and Love” con Alborosie y Yami Bolo reflejan su respeto y amor por las raíces jamaicanas. Manudigital no solo experimenta con sonidos contemporáneos, sino que también rinde homenaje a la rica historia del Reggae, fusionando lo clásico con lo moderno de manera orgánica. Cada pista en “Step Up” no es solo una composición; es una manifestación del talento excepcional de Manudigital para trascender las barreras musicales. Desde la incursión en el Baile Funk con “Love on Tap” hasta la exploración del Afrobeat en “Piki Piki” con Dynamq, cada canción ofrece una experiencia auditiva única y emocionante. “Step Up” representa una afirmación del genio musical de Manudigital y su capacidad para evolucionar constantemente. Es un recordatorio de que el Reggae no se limita a un género, sino que es un vasto universo de posibilidades sonoras que continúa expandiéndose bajo la guía innovadora de artistas visionarios como Manudigital, que encuentran frescura a través del trabajo colaborativo. La música, como lenguaje universal, actúa como un puente entre diferentes mundos, ofreciendo una ventana a la identidad y las tradiciones de cada comunidad. A través de esta fusión musical, Manudigital no solo rompe las fronteras sonoras, sino que también derriba prejuicios y estereotipos culturales, mostrando la belleza y riqueza que existe en la diversidad del mundo. La capacidad de la música para crear conexión y empatía es innegable; es un vehículo que nos permite sumergirnos en nuevas perspectivas, comprender mejor a los demás y celebrar la multiplicidad de expresiones culturales en un mundo cada vez más interconectado.

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NUESTRO DÍA LLEGARÁ: Blanco Palamera y la Celebración de la Amistad Creativa

En el ecléctico mundo de Blanco Palamera, la música es más que notas y melodías; es una celebración de la amistad, la creatividad desenfrenada y la exploración sonora. Su reciente EP, NUESTRO DÍA LLEGARÁ (2023), es un testimonio vivo de su evolución artística, un año después de su fascinante álbum INTIMIDADE (2022). Con cinco canciones que trascienden los límites del pop tradicional, Blanco Palamera teje una narrativa única en cada acorde. Este dúo español, formado por Manuel Blanco y Xoán ‘Palamera’ Domínguez, no solo es un exponente musical; es una prueba palpable de cómo la amistad puede ser el catalizador de la creatividad más inspiradora. NUESTRO DÍA LLEGARÁ es una experiencia auditiva que se sumerge en géneros tan dispares como la electrónica experimental, la psicodelia y la bossa nova. Cada canción es una expresión artística que desafía las convenciones, ofreciendo un festín de sonidos que se mezclan y fusionan en una amalgama única. La identidad musical de Blanco Palamera es una fusión atrevida de R&B, jazz, hip-hop y más. Su capacidad para entrelazar estas influencias en un tapiz sonoro cohesivo es verdaderamente notable. Este EP no solo es un álbum; es un compendio de experiencias personales y culturales, destiladas en un sonido fresco y contemporáneo. En su travesía desde su álbum debut Promesas (2021) hasta NUESTRO DÍA LLEGARÁ (2023), Blanco Palamera ha demostrado ser arquitecto de su propio destino musical. Como parte del sello Raso, han labrado su camino en la vanguardia musical gallega, y ahora, están listos para cautivar al público en el Multiforme 246 de la Ciudad de México el 21 de noviembre.

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20 años del ‘Fever To Tell’, disco que comenzó el incendio sonoro de los Yeah Yeah Yeahs

A dos décadas del lanzamiento de su primer álbum de estudio, el trío neoyorkino recoge sonidos del garage rock, indie y punk, creando un sonido sucio, estridente y contagioso que marcó el inicio de su carrera y del nuevo milenio. Tenía 16 años cuando el ‘Fever To Tell‘, de los Yeah Yeah Yeahs, entró en mis oídos, tras haber sido lanzado al ruedo de una industria musical que había puesto al pop en la cima de las listas de popularidad. Sin embargo, entre ese enramado de boy bands y solistas creados para el mainstream, la vocalista Karen O, el guitarrista Nick Zinner y el baterista Brian Chase consiguieron despegarse de esa directriz, haciendo del garage rock y el punk las bases sonoras que definirían el estilo de sus primeros tres discos y que serían la materia prima de su álbum debut que este 29 de abril de 2023 cumple 20 años. Había pasado más de año y medio del atentado a las Torres Gemelas en Nueva York. La sociedad estadounidense estaba temerosa y dolida, pero también furiosa y harta, sensaciones que alcanzaron a la tercia fundada en 2002 y que, en cierto modo, están presentes en las 12 canciones que componen su primer disco de estudio. Bajo el sello discográfico Interscope Records y co-producido por David Andrew Sitek y la tercia de músicos, los Yeah Yeah Yeahs grabaron una placa de casi 40 minutos de duración que, al igual que su portada, nos comparte un collage repleto de estridencias, suciedad, caos y rebeldía. 20 años del ‘Fever To Tell’ de Yeah Yeah Yeahs El álbum arranca con “Rich”, tema que nos da una probadita de lo que los dedos de Zinner pueden lograr sobre las seis cuerdas de su guitarra. Escasos segundos después Chase hace lo propio con el bombo, toms y platos, y junto con él la también pianista, en plena metamorfosis, nos atrapa con unos agudos y guturales que emanan de una garganta lista para lanzar gritos en su siguiente canción, “Date with the night”. Para entonces, los riffs de Nick abren nuevamente, dando paso a una Karen O que en la noche tiene una aliada para hacer lo que se le dé su regalada gana, algo que queda muy claro con su interpretación que raya en lo sexual y gritos sugerentes que incitan el headbanging y saltos interminables. Luego de poco más de seis minutos de un sonido estruendoso por los guitarrazos y baquetazos, llega “Man”, rola que con solo 1:49 minutos de duración hacen que la female fronted saque su lado Riot Grrrl, escupiendo energía y desenfreno, demostrando que el punk también está hecho por y para mujeres. Para “Tick” los tres músicos se dejan venir con todo. Mientras los guitarrazos de Nick y los golpeteos de Brian sobre la batería salen de las bocinas, la voz y gritos de Karen completan este track breve, pero al mismo tiempo intenso y ensordecedor. En “Black Tongue” lo ruidoso baja un poco, pero no la fuerza y pesadez de sus riffs y batería, ni la feroz interpretación de una mujer que, además, desprende sensualidad a través de la garganta. De nueva cuenta Zinner y su instrumento de seis cuerdas se apropian del álbum con “Pin”, al tiempo que Brian hace su entrada al sonido de bombo y platillos, mientras Karen nos ataca con una velocidad y agudeza vocal que combina perfecto con la melodía que la envuelve. Llega “Cold Night” y con ella un ligero cese en la rapidez de los instrumentos y voz que pronto se ve compensado con riffs ásperos y macizos, más una batería furiosa y vigorosa, elementos que se impregnan en “No, No, No”, canción que en sus últimos segundos apuesta por bajar las revoluciones y abrirle las puertas a la experimentación sonora, creando una atmósfera futurista. Y como el amor y desamor siempre han sido materia prima de la música, “Maps“, acrónimo de ‘My Angus Please Stay’ y uno de los cuatro sencillos del ‘Fever To Tell‘, hace su arribo triunfal, siendo hasta ahora una de las canciones más coreadas de toda su discografía, tema que destaca por la sinceridad y fragilidad que salen de la boca de Karen O, regalándonos una interpretación emotiva, honesta y que, en cierto modo, baja la guardia de la cantante ante una relación sentimental que se diluye entre sus dedos. Pero esta tristeza y lucha por rescatar lo insalvable empieza a mutar hacia un equilibrio y redirección del rumbo con “Y Control”, en donde el caos gutural se transforma en una voz más suave, al igual que los sonidos que la acompañan. Para “Modern Romance” , la cantante de 44 años de edad, junto con Nick y Brian, nos transportan a un lugar apacible en donde todo parece suceder más lento, fórmula melódica que se repite en “Poor Song”, la última pista de este álbum con la que los Yeah Yeah Yeahs aceptan que tener miedo es parte de nuestra naturaleza, pero no por ello una limitante para aventurarnos a tomar riesgos y confiar. ‘Fever To Tell‘ fue catalogado como uno de los mejores álbumes del 2003, y está incluido en el libro “1001 discos que hay que escuchar antes de morir”, del escritor y editor inglés Robert Dimery, placa que durante su primera edición se distribuyó en formato CD y que hoy habita en el mundo virtual en varias plataformas digitales. A pesar de que cada canción tiene un sonido distintivo, hay elementos que prevalecen en su primogénito. La rapidez, brevedad, simplicidad e intensidad extraídas del punk, más lo rasposo, pesado y sucio del garage rock, mezclados con el estilo sonoro e interpretación vocal, hacen de la propuesta musical de los Yeah Yeah Yeahs una de las más icónicas de la Gran Manzana que hace dos décadas llegó fuerte con el nuevo milenio y que al día de hoy se mantiene activa, regalándonos sonidos que a muchos nos remontan a una adolescencia donde solo había cabida para la rebeldía y ruidos ensordecedores. Para celebrar el

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Pop Ambient 2023, la compilación más emocional del sello Kompakt

Pop Ambient es una medicina contra enfermedades que no se padecen. Hojas de loto musical de las que gotas de agua residuales virtuales salpican el alma. AQUÍ ABAJO ESCUCHA LA RECOPILACIÓN 2023: 22 años ya de Pop Ambient, una celebración silenciosa de notas tranquilas en las que el alma se deja llevar por la elegancia del ambient pop. En los 22 años de celebración de la compilación anual de la disquera Kompakt dedicada a la música ambient, continúa con el tema central que mantiene el concepto estético de esta compilación. Kompakt es un sello discográfico independiente de música electrónica y distribuidor de vinilos/CD con sede en Colonia, Alemania, fundado en 1993, propiedad de Wolfgang Voigt, Michael Mayer y Jürgen Paape. Se especializan en microhouse y minimal techno, y son conocidos por su serie de compilaciones. Según la revista Grooves, “el principal objetivo estético de Kompakt siempre ha sido la combinación perfecta de textura ambiental y estructura lineal 4×4: combinar un diseño de sonido profundo y granular con la intensidad rítmica de 4 compases y el patrón que hace que el house y el techno sean tan efectivos en los clubes”. [4] Kompakt se ha destacado por sus lanzamientos que enriquecen las pistas de techno abstracto con elementos pop como voces; Mayer ha declarado que “crecimos con la música pop y realmente nos gustan los rastros de pop en la música techno. Esta es probablemente la mayor fortaleza de Kompakt: que podemos detectar estos rastros pop y darles un hogar”. Entre los productores que han hecho lanzamientos en Kompakt destacan Gas, The Orb, The Field, Panda Bear, John Tejada, Dettinger, Michael Mayer y Klimek. Aquí el playlist de su copilación 2023: 1.Leandro Fresco / Thore Pfeiffer – Sonne 2.Gen Pop – Blue3.Morgen Wurde – Ende Sah feat. Tetsuroh Konishi 4.Max Würden – Retrieve 5.Triola – Kupferblüte6.Sono Kollektiv – Bolzano Sessions IV 7.Jens-Uwe Beyer – Nero 8.Sono Kollektiv – Bolzano Sessions V 9.Reich & Würden – Receiver 10.Joachim Spieth / zakè – Air 11.Thore Pfeiffer / Kinbrae – Instinkt 12.Blank Gloss – Down At The Heel 13.Ümit Han – Sieg Über Das Ungute 14.Pop Ambient 2023 (Continuous Mix)

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Reseña de Fragments, el emotivo disco de Rachika Nayar

La compositora Rachika Nayar usa sus propias líneas melódicas como fuente de material para la manipulación electrónica, retorciéndolas y estirándolas hasta que ondulan y brillen como reflejos en aguas. El espejismo se disipa y nos quedamos con una figura solitaria arpegiada, uno de los pocos sonidos de guitarra fácilmente reconocibles en el álbum Fragments. Nayar agrega gradualmente más capas, pero pronto se detiene en una nota ahogada entrecortada que sugiere el final abrupto de una improvisada jam session solitaria. La producción y arreglos siguen siendo equilibrados y deliberados incluso cuando la música atraviesa enormes picos emocionales, el aire no planificado de este momento ofrece una mirada detrás de la cortina. El EP Fragments llegó 5 meses después de Our Hands Against the Dusk y funciona como una especie de pieza complementaria. Extiende esa mirada anterior al funcionamiento interno de la música de Nayar, revelando el tipo de grabaciones en bruto que a menudo sirven como puntos de partida para sus composiciones más grandes, según los materiales promocionales. Las 11 pistas del EP varían en duración desde 54 segundos hasta 2 minutos y medio, y generalmente contienen varias partes de guitarra entretejidas en un entramado intrincado, en bucle con acompañamiento electrónico ocasional. A menudo son encantadores y casi siempre terminan antes de lo que quisieras. Su magia radica no solo en sus texturas cristalinas sino también en la forma en que Nayar las desarrolla a lo largo del sofisticado arco compositivo de una pieza determinada. Cada pista en Fragments es similar a una sola parada en uno de esos viajes. Nayar presenta una idea, la deja funcionar por un tiempo, luego desconecta y pasa a la siguiente. Escuchar el EP se parece un poco a examinar los materiales auxiliares de una exposición de museo, mirar los primeros borradores de carboncillo sobre papel mientras cuelgan lienzos espectaculares detrás de usted. Nayar cita el midwest emo como una de sus influencias, que en el pasado era más audible en su trabajo como un trasfondo de sensibilidad en lugar de un punto de referencia explícito, una franqueza descarada de sentimiento y un instinto para los cambios de acordes que hacen que se te haga un nudo en la garganta. En los Fragments, la conexión está mucho más cerca. Nayar también menciona el trabajo del compositor minimalista Steve Reich, interpretado por el virtuoso guitarrista de jazz fusión Pat Metheny, como fuente de inspiración. La interacción de guitarra tintineante de pistas como “allegheny” y “softness” recuerda claramente el sonido emo canónico del midwest emo o incluso en el Math Rock, pero la forma en que Nayar usa estos riffs como recipientes para la repetición similar al trance es puro Reich. Como menciona una reseña del medio binaural: “… es ambient como nexo entre el math, el post rock y el emo de estética más digital”.

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Stereolab anuncia ‘Pulse Of The Early Brain’, quinto compilado de rarezas

El pasado 26 de junio, Stereolab celebró 30 años de su debut formal, marcado por el estreno de su primer álbum Peng! (1992). Desde entonces y hasta ahora, la discografía del grupo londinense se ha mantenido como un work in progress gracias a las constantes reediciones, remezclas y colecciones de rarezas que estrena año con año. A esta serie de lanzamientos se sumará el álbum Pulse Of The Early Brain, quinto volumen de la serie de compilados Switched On, dedicada a reunir lados B y tracks inéditos de Stereolab. Pulse Of The Early Brain será distribuido por Duophonic Records y Warp Records en formato digital y físico, de doble disco compacto y de 3 vinilos. La compilación incluirá un total de 21 piezas que abarcan los 30 años de existencia de Stereolab, desde piezas de la época de su EP seminal Low Fi (1992) hasta rarezas de Chemical Chords (2008), último álbum oficial del grupo. Como primer adelanto de este material, Stereolab compartió la canción “Robot Riot”, pieza que el grupo compuso originalmente para una exposición del artista estadounidense Charles Long —con quien la banda había colaborado anteriormente, en una obra que quedó registrada con el álbum Music for the Amorphous Body Study Center de año 2000—. Además de “Robot Riot”, el compilado incluirá piezas como “ABC”, cover estrenado originalmente en un tributo al grupo neoyorkino de los sesenta Godz; “Magne-Music” y “The Nth Degrees”, las cuales vieron la luz dentro de la edición japonesa del álbum Chemical Chords; “Blaue Milch”, grabada originalmente para un compilado de Peter Thomas Sound Orchestra, y “XXXOOO”, tema lanzado en 1992 como promocional del fanzine Tea Time. Asimismo, Pulse Of The Early Brain incluirá canciones conocidas, como una versión en vivo de “Cybele’s Reverie” grabada desde el Hollywood Bowl en 2004, así como “Refractions In The Plastic Pulse”, esta vez remezclada por Autechre. De igual forma, el compilado incluirá los temas que Stereolab estrenó en colaboración con Nurse With Wound en 1997, y las versiones en físico reunirán también las remasterizaciones de las cuatro canciones que conformaron el EP Low Fi (1992). Pulse Of The Early Brain es el segundo lanzamiento de la serie Switched On desde la entrada de los años 2000, siendo el primero Electrically Possessed, lanzado a mediados de 2021. Sin embargo, es también el quinto volumen de la serie Switched On, la cual comenzó en 1992 con el compilado del mismo nombre, dedicado a reunir los tres primeros EP de Stereolab; continuó en 1995 con Refried Ectoplasm, donde se juntaron rarezas de los primeros años del grupo, y siguió en 1998 con Aluminum Tunes, uno de los compilados favoritos de los fans. El lanzamiento de Pulse Of The Early Brain coincidirá con la gira que Stereolab dará por Estados Unidos y Canadá, la cual abarcará más de 20 ciudades entre los meses de septiembre y octubre de este año. Por su parte, Pulse Of The Early Brain se estrenará este 2 de septiembre y la preventa ya está disponible en el Bandcamp del grupo (https://stereolab.bandcamp.com/) y en su sitio web oficial (https://stereolab.co.uk/).

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30 años de Vulgar Display of Power, de Pantera

“Súbele a esa madre”, es lo que una de mis hermanas suele decirme cada vez que escucha música que le resulta demoledora, cuatro palabras que pronunció cuando sonó mi disco de Vulgar Display of Power de Pantera, por primera vez. Tenía 23 años cuando el sexto álbum de estudio de los texanos llegó a mis manos, uno que me hizo ojitos con su portada de un compa recibiendo un golpe directo a la cara, y al título que poco tiempo después supe que se trataba de una expresión dicha por Regan al padre Damien Karras en la película El Exorcista, justo cuando le pide una muestra de su poder a la posesa. Qué osado el sacerdote aquel. El disco que lo definió todo Antes de ver a un Phil Anselmo contorsionarse sobre los escenarios, escuchar el doble bombo de Vinnie Paul, los riffs endemoniados de  Diamond Darrell y a un Rex Brown desgarrando las cuerdas de su bajo, Pantera ya llevaba tiempo en el glam metal, género que después de la entrada de Anselmo, en sustitución de Terry Glaze, quedó en el olvido. A Vulgar Display of Power abrió las puertas del infierno un 25 de febrero de 1992, bajo el sello Atco Records, con Terry Date como productor, quien 2 años antes había maquilado junto con el cuarteto el Cowboys from Hell, quinto material discográfico que ya nos daba un adelanto de lo que estaba por venir. Al término de un tour con Judas Priest, Exodus, Sepultura, Suicidal Tendencies y Prong, en el que promocionaban ese quinto álbum, Pantera regresó al estudio para preparar su siguiente disco, uno que ya contaba con demos de 3 canciones antes de la intervención de Date. Su decisión de dejar atrás el spray para el cabello y los jeans ajustados estaba más que tomada, así como su interés por definir, sin miramientos ni inhibiciones, ese sonido característico que hasta la fecha los tiene como una de las bandas más representativas del groove metal, subgénero que se distingue por riffs no tan veloces, pero sí profundos y contundentes. La aparición del álbum negro de Metallica, en 1991, uno que de plano no agradó nada a ninguno de los cuatro, y su búsqueda de una identidad musical, fue lo que llevó a Pantera a marcar un antes y un después en su trayectoria; además de crear el sonido definitivo que los distinguió y los colocó en la cima y que mostró el talento lírico de Phil. Once canciones que arrancan con “Mouth of War”, tema que invita a quien la escucha a tomar venganza hacia uno mismo, a usar la ira a nuestro favor y no dejar que los demás opinen sobre tu propia vida, mensaje que se mantiene en “New Level”, segunda pista que motiva a confiar en nosotros mismos y avanzar juntos en contra de una sociedad que quiere verte caer. “Walk” es la siguiente canción, una que se volvió un grito de guerra para la banda y los fans, además de un reclamo abierto hacia aquellos que envidian tu éxito, que te critican y que les arde ver cómo eres fiel a tus ideas, acciones, palabras y a ti mismo, sin importar lo que los demás piensen o digan de ti. En “Fucking Hostile” la invitación de dejar tu mala actitud y adueñarte de tu propia vida continúa, acompañada de la rapidez de los riffs de un Darrell preciso y lleno de furia, sonidos que no dejan de salir desde los primeros segundos del disco. Sin perder la contundencia de la letra ni de su melodía, Phil se detiene un momento para entregarnos “This Love”, un tema cargado de sensibilidad, honestidad y una voz atiborrada de furia y crudeza. El doble bombo de Vinnie Paul y la velocidad a la que se mueven las cuerdas de la guitarra de su hermano regresan de inmediato con “Rise”, rola que reitera esa necesidad de revelarse contra lo social y políticamente impuesto, y de dejar de culpar a los demás por tus malas decisiones. Para “No Good (Attack the Radical)” el juego de tonos vocales de Anselmo se hace presente, predominando esa ira y aspereza que lo distingue durante los poco más de 58 minutos que dura el álbum, canción donde las mentes cerradas, plagadas de prejuicios, no tienen cabida. “Live in a Hole” abre con un bajo tajante, en manos de Brown y una precisión en la batería, tema con el que Phil se abre de capa reconociendo sus miedos e incluso su incompetencia para encarar una realidad cruel que lo asfixia. Pero poco le dura ese temor, pues en “Regular People”, el cabeza rapada, nacido en Luisiana, se reivindica diciéndole al mundo que tiene la suficiente fuerza para mostrarse tal cual es y hacer lo que muchos no se atreven. Con el siguiente track, “By Demons Be Driven”, las cuerdas vocales de Anselmo, envueltas en la melodía del bajo y la batería, hablan de cómo los demonios de la época arrastran lenta y dolorosamente a los jóvenes hacia un abismo del cual parece no haber retorno. Y como estocada final, este disco cierra con “Hollow”. Aquí se puede sentir la melancolía de un Phil que debe dejar ir a un ser que le dio luz y paz, partida que a pesar de no creer la asume y la desahoga con música impregnada de rabia y sufrimiento. Identidad llena de poder Gestado entre el heavy metal y el hardcore, Vulgar Display of Power fue la punta de lanza que definió el sonido e identidad de Pantera, al igual que la línea que seguirían sus próximos discos. Los temores, angustia, la lucha por definir quién eras y hacia dónde ibas, y la cotidianidad asfixiante que se vivía en aquel entonces, junto con los sonidos particulares salidos de cada instrumento, sumados a lo áspero y descarnado de la voz de Phil, hicieron de este sexto álbum un emblema en su carrera. Les dio un doble disco de platino por sus más de 2 millones de copias vendidas, 77 semanas en el

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Gracia, gravedad y morir en el Golfo con la música de Sonido Clúster

Según Simone Weil, existen dos fuerzas que rigen el mundo: la gravedad y la gracia. Todo lo tosco, material, ruidoso pertenece a la gravedad; por otro lado, lo sobrenatural, la luz, lo liviano es constitutivo de la gracia. El siglo XXI parece ser dominado por la gravedad, sobre todo en arte, la mayoría los productos son pesados, mecanizados, ninguna manera de luminosidad les son propios, sin embargo, la gracia se resiste a morir, existen encantadores ejemplos de personas comprometidas por producir obras más cercanas a la grandeza de la gracia, uno de ellos es Sonido Clúster, que con Exhúmame en Tezonco (2020) se resisten a las leyes de gravedad. Exhúmame en Tezonco es un trabajo obsesivo, muestra una búsqueda de sonidos inquietantes, lejos de las normas que gobiernan las listas de popularidad, Sonido Clúster se arriesga a descender a otros planos auditivos, por supuesto que nada se realiza en el vacío, pero Exhúmame en Tezonco crea sus propias reglas, tiene una coherencia muy propia de las exploraciones que están más cerca de la gracia. En arte, no es ninguna contradicción que el caos sea creador de orden, armonía; en Porphura, séptimo tema del disco, existe una saturación de elementos que puestos aisladamente son estridentes y groseros, pero el genio creador que se revela en Sonido Clúster le confiere una coherencia muy peculiar esa canción en concreto, y aunque dicho genio caótico-armonioso se hace presente en todo el álbum, el encanto se revela sobre todo en ese tema siete. El genio creador que trabaja con el caos mencionado anteriormente es un ejemplo de un fenómeno que aconteció en el siglo XX, me refiero a la noción del héroe como maníaco. Artaud, Genet, Bataille, la propia Weil, son ejemplos de esta clase de héroes culturales que acontecieron en las crisis sociales; cada una de estas conciencias maniacas revela que en la histeria y la destrucción hay muchas cosas que admirar. Exhúmame en Tezonco es una obra que surge de esta clase de extremismo personal, en una época en donde la cordura se torna evasión y mentira, Sonido Clúster nos viene a recordar que sólo en lo onírico, en el canto desgarrador, en el extremo del éxtasis de las percusiones es en donde podemos profundizar en los estados imaginativos más cercanos a la gracia. La mayor parte de las personas que retoman temas indígenas lo hacen desde una postura hipócrita, no asumen la responsabilidad de adentrarse con humildad al imaginario prehispánico, no llevan hasta las últimas consecuencias las exploraciones que se pueden hacer conociendo las cosmovisiones mesoamericanas, la única manera de realizar dicha tarea auténticamente es parecer falso, aunque pueda resultar una contradicción, para tener éxito al adentrarse en lo prehispánico no hay que ser serio, que parezca que el tema es una excusa, un pretexto para hablar de algo más. Y precisamente es lo que resulta en Exhúmame en Tezonco, pues toda la luminosidad prehispánica es lo que atraviesa todo el trabajo, pero al ser la gracia algo liviano, parece que el tema prehispánico no se toma en serio, y de esa falta de seriedad resulta el triunfo. Si nos aferramos a lo dicho hasta ahora, Exhúmame en Tezonco es un ejemplo de resistencia, al igual que la vida y obra de Simone Weil, es un antídoto contra las normas que dominan la vida cultural contemporánea, los estados de conciencia extremos y sus productos siempre serán un arma contra la hegemonía de lo mecanizado y repetitivo, Sonido Clúster nos regala un trabajo para alejarnos de las pretensiones de verdad y gravedad que sólo nos alejan de los beneficios de la gracia, Exhúmame en Tezonco nos permite regresar a las pretensiones modernas de contemplar sin necesidad de conceptos intelectuales, de poder volver al reino del puro sentido estético y su catarsis, es un álbum que nos permite la divinidad en el caos de una guitarra. NOTA POR: Daniel Juliette

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