Depósitio Sonoro

Reseña de Disco

Añoranza shoegaze: Loveless de My Bloody Valentine cumple 29 años

Un 4 de noviembre de 1991 salió un disco considerado cumbre y que permanecerá en el olimpo del shoegaze: el Loveless de My Bloody Valentine, trascendental hasta el día de hoy.       Kevin Shields  fue/es uno de los mejores guitarristas irlandeses o al menos de los más innovadores de finales de los 80 y principios de los 90, pero no fue hasta que Loveless salió al mercado para irrumpir la escena con sonidos relativamente innovadores en una corriente musical que fue catalogada como shoegaze; el equilibrio perfecto entre el noise y letras pop depresivas que apelaban a la añoranza o a los sueños inconclusos de juventudes olvidadas.      Este disco fue refugio para muchas bandas que vinieron después y una de las producciones más memorables de aquella década. El disco fue acogido por la disquera de Alan McGee: Creation Records, que perdió mucho dinero en el proceso de grabación, el mismo Alan McGee pensó que “iba a tener el mismo impactó que Nevermind y lo tuvo, pero 20 años después”. Y sigue siendo la obra suprema de My Bloody Valentine, un disco que sigue siendo redescubierto cada año y que sin duda tiene su lugar ganado como uno de los discos de textura sónica en la atmósfera de las guitarras más impresionantes que jamás habíamos escuchado.  

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La simplicidad es la clave; Cry de Cigarettes After Sex, un álbum minimalista, delicado y humilde en sonido

En pleno apogeo otoñal, Cigarettes After Sex nos entrega un álbum de nueve pistas bellamente melódicas, fáciles de escuchar, pero con un sonido tóxico en lugar de aventurero Género: Dream pop | Shoegaze | Ambient pop  | Slowcore Label: Partisan Records ★★ Con temas tan famosos como “Nothing’s Gonna Hurt You Baby” y “Apocalypse”, Cigarettes After Sex nos ha llevado a la música romántica, angustiante y sexual. Compuesto la música para Cry poco después de su álbum debut, el trío pasó otros dos años curando sus letras durante los paseos nocturnos en sus vacaciones en Mallorca.  Indiferente, inocente o simplemente fascinante, Cry es un álbum puro de principio a fin, y una agradable segunda entrega del trío de Texas. Sin embargo, también es una víctima clara del síndrome del segundo álbum, cargado de erotismo y una sobredosis del complejo de ser el “chico agradable” en el que ha caído Gonzalez. Incluso, los temas parecen el índice de un libro de poesía para los antihéroes del shoegaze.   Los nueve temas están tan empapados de una somnolienta línea de bajo acompañados de un lamento vocal demasiado complicado que parece que el disco en cualquier momento te hará llorar, recordando que es un álbum consciente de sí mismo, nostálgico, melancólico y romántico.  Sin escuchar demasiado, es fácil dejarse llevar por los ritmos simples del crepúsculo inspirados aparentemente en el pop romántico de los  años cincuenta. 

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Del underground al mainstream: 25 años del MTV Unplugged de Nirvana

Han pasado 25 años desde el lanzamiento del más exitoso y popular Unplugged de MTV, nos referimos al de Nirvana   Si bien todos conocemos el desenlace de la banda y de Kurt Cobain, y cómo después de salir de una escena underground y sucia entraron a un mundo dominado por las grandes corporaciones musicales, destacamos los puntos, influencia y trascendencia que ha tenido esta grabación. Desde la ambientación y los fallos que la banda tuvo durante la interpretación de varias de las canciones, hasta cómo las convirtieron en míticas. Es un disco que alguna vez te acercó al rock and roll y que algunos decidieron, probablemente, seguir el camino de la música y devoción por la banda y, otros simplemente lo recuerdan o conocieron, con el paso del tiempo y se despidieron de él.   Lo que nosotros queremos recordar y, destacar al mismo tiempo, es que Kurt era un gran escucha musical de gustos geniales y lo-fi, no por ello en el Unplugged se incluyeron covers a los Meat Puppets, The Vaselines, Leadbelly y “The Man Who Sold The World”, de David Bowie. Una cosa hay que aceptar: ¿cuántas personas que conocemos piensan que es canción original de Nirvana? La hicieron suya. Y en ti, ¿qué cambió después de escuchar este disco?

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Reseña del nuevo disco de Nymbvs

Por Ruvaak Malembe Estamos de estreno con la más reciente producción de Nymbvs, que más que un disco se siente como una experimentación sonora desde la libertad e inocencia en su máxima expresión Nymbvs es una banda originaria de la Ciudad de México, destable por tener un sonido fresco y lleno de juventud. En anteriores producciones, la banda nos había presentado un sonido muy promesa del post rock en nuestro país con su debut de 2016 Hidrometeoro, producido por una de las personalidades más respetadas de la música alternativa en México Mario Sánchez “Chavo“, ex guitarrista de Austin TV. Ahora, con este nuevo álbum con título homónimo buscan una experimentación mayor, tanto a la hora de la composición como de la producción, potenciando su sonido que llevan trabajando desde hace varios años.  N y m b v s es un disco repleto de texturas, voces dulces con melodías muy sencillas, y que llegan a sonar hasta infantiles, pero para nada simplonas. Es un juego con efectos como un genial vocoder, algunas canciones con letras cercanas y otras más en las que crean espaciosos ambientales sonoros con un uso excesivo de reverb y delay en coros espaciales con los que es fácil perderse. Al contrario de las anteriores producciones de la banda, en este disco las guitarras son más tenues y contagiadas con sintetizadores juguetones y percusión electrónica muy bien hecha; igualmente, cuenta con arreglos que llamaría “ruidismo dulce”, pero que, en ocasiones, se muestra estruendoso creando un contraste único y unos matices que hacen que las canciones no sean aburridas o tediosas. No todas las canciones usan el recurso de la percusión electrónica y se agradece demasiado, ya que da un dinamismo más amplio al disco extendiendo su panorama, con temas como “Noctámbulo” en el que la banda nos recuerda sus raíces en el post rock con una batería cañera y guitarras eléctricas con más protagonismo que en otros temas. Sin duda, N y m b v s es un álbum honesto y original sin pretensiones: es lo que es, para disfrutarse de principio a fin.  Te recomendamos escucharlo completo y en orden porque varias de las canciones están unidas entre sí, lo que hace este viaje musical una gran experiencia. Facebook | Instagram

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Drahla: como la oscuridad al ruido entre las vibraciones de Sonic Youth

Drahla es una de las nuevas y más emocionantes bandas de este 2019 que viene a confirmar que el legado de Sonic Youth nunca morirá   El Useless Coordinates de Drahla ha puesto a la ciudad de Leeds, Inglaterra, en el mapa de bandas a mirar en el futuro, su disco debut encapsula perfectamente ese noise y distorsiones oscuras que tanto nos gustan: conjuntan y ejecutan de una forma extraordinaria sus canciones. Se siente también el espíritu de sus predecesores Wire y los bajos de The Fall; el resultado es enérgico como sacudidor, tal vez no están descubriendo el hilo negro pero sí presentan una  visión moderna de lo que se puede hacer inspirados en el post punk que cambió el sonido a finales de los 70, combinado con una propuesta artística visual.

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El icono del dabke, Omar Souleyman

El icono del dabke, es el sirio Omar Souleyman, músico en lengua árabe y kurda de Ras al-Ayn, de la región noreste de Siria. “Comenzó su carrera en 1994, trabajando con un grupo de músicos con los que todavía colabora. Alrededor de 500 álbumes en vivo y de estudio han sido puestos en circulación bajo su nombre, gran parte de ellos son grabaciones realizadas en bodas y regaladas a las parejas, que luego se copian y se venden en los quioscos locales”.​   Dato El dabke es un baile popular del Medio Oriente, una de las expresiones artísticas más importantes entre el mundo árabe que se compone de complejas coreografías, danzas en grupo, zapateos (dabke), palmadas y gritos. Tiene sus orígenes en Líbano, cuando las casas aún no tenían techos de tejas y eran hechas de ramas de árboles mezcladas con barro. Entonces, cuando el techo sufría averías por las lluvias, el dueño de la casa llamaba a los vecinos para que lo ayudaran a repararlo, así, un grupo de vecinos se reunía en el techo, se tomaba de la manos formando una fila y comenzaba a golpear con los pies mientras caminaba sobre el techo para ajustar el barro. Posteriormente, estos grupos comenzaron a utilizar música y cantos para llevar el ritmo, hasta que surgió el dabke. En los años sesenta, este baile llegó a su cúspide cuando el coreógrafo ruso Igor Motsseiev presentó una danza inspirada en dichos movimientos en un festival internacional, convirtiéndose en una tradición en el Medio Oriente. Actualmente, el dabke se baila en todos los hogares árabes, especialmente, en fiestas y bodas.  “Desde los años 90 de la pasada década, Omar Souleyman ha sido el embajador cultural más importante de Siria, atrayendo constantemente la atención del mundo occidental con sus discos y conciertos. Su música, una combinación de la música tradicional dabke (la música regional de baile y fiesta) con sonidos de Turquía e Irak. El resultado es una mezcla de culturas y contextos que desembocan en shows de altísima energía, todo impulsado por el uso incesante de la electrónica. La utilización de sintetizadores y cajas de ritmos, al mismo nivel que los instrumentos tradicionales, hacen que la música de Omar Souleyman desemboque en puro éxtasis bailable, frenético y explosivo”. beatburguer

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Biomasa industrial: Pretty Hate Machine de Nine Ninch Nails

Pretty Hate Machine de Nine Inch Nails está lejos de ser un álbum debut perfecto, pero es imprescindible cuando hablamos del sonido de finales de los 80 y principios de los 90 Ya son tres décadas de un disco cuya construcción sonora ha envejecido razonablemente bien, dejando más que claro cómo las máquinas son armas de perforación de sonido al futuro. Podría sonar anticuado, pero Trent Reznor supo romantizar su discurso auditivo, nunca sobrepasó esa línea de caer en una caricatura. Su obra prima está enmarcada excesivamente por un sonido mecánico lleno de sintetizadores que jamás claudican, es una combinación de sonidos analógicos que van de arriba hacia abajo; y de abajo hacia arriba. Sonido distintivo de la banda y que ahora, con tantos años desde su lanzamiento, es ya considerado un clásico en su género y en la historia de la banda.

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Reseña del nuevo disco de Refused titulado “War Music”

 No es fácil para Refused apartarse de las glorias pasadas o superarlas; sin embargo, la banda publica un disco que vuelve a posicionarla como innovadora. El quinto y último álbum de los suecos, sin duda, suena más fresco Género:  hardcore punk | post-hardcore | rock experimental | metal alternativo ★★★★ 18 de octubre 2019 Cuando Refused se disolvió en 1998, unos meses después del lanzamiento de su seminal The Shape Of Punk To Come, era poco probable que imagináramos lo que sucedería después, lo que habían creado con esa obra maestra. La canción clave de ese álbum “New Noise” era una canción punk de variedad angular. En general, el título de esa obra describía perfectamente la música que contenía, al mismo tiempo, que era completamente inexacto. Después, la banda se reunió en 2012 y lanzaron Freedom en 2015 con reacciones mixtas. Ahora, tenemos el álbum número cinco. Mientras que Freedom se siente como si la banda tocara con “estilos modernos”, War Music revive el cóctel que primero vertieron con himnos incendiarios de The Shape Of Punk To Come; si queríamos Shape parte 2, esto es una aproximación. Hacen lo que saben hacer mejor: enfurecer el punk rock con elementos matemáticos que mejoran las partes rockeras. Ésa es la clave de lo que hizo a Refused tan novedoso cuando golpearon miles de oídos por primera vez. A diferencia de bandas como Botch (que son excelentes a su manera), los suecos hicieron que su música fuera accesible. En este disco se condensan explosiones hardcore con carga política como “Blood Red” y “Damaged III”, además, la banda también lanza algunas canciones con algunos riffs de metal épicos.   El mundo está repleto de músicos que podrían haber sido algo, sus almas se volvieron frágiles a medida que anhelaban el secreto de dónde se equivocaron y por qué nunca lo fueron. La verdad es que la ecuación para este tipo de éxito es reescribirse para siempre, retomar el camino y reinventarse. En el caso de Refused, quizá no volverán emociones tales como cuando nos enteramos sobre su reunión en 2012. Básicamente, “War Music” se siente más como una continuación de “The Shape of Punk to Come” que “Freedom”. No esperes quedar impresionado, pero sí escuchar un disco con enorme sentimiento y potencia.  

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