Depósitio Sonoro

Reseña de Disco

El productor mexicano Von Krup estrena EP en la disquera alemana Freude Am Tanzen

Von Krup estrena Schoentl en la disquera alemana Freude Am Tanzen, famosa por editar música de Robag Wruhme, DJ Koze y Dominik Eulberg Von Krup se ha convertido en un productor sólido; la interacción entre lo metasónico con la síntesis que escuchamos y a la que nos invita a ser parte en Schoentl no tiene restricciones y sí mucho sentimiento. Un triángulo perfecto que se genera desde sus ondas ambientales a los beats y la producción.  Todo fluye; están esos matices de sensibilidad, esos paisajes parpadeantes y ese palpitar minimalista, con guiños disfrazados de jazz. El corazón de este EP son cuatro tracks, que por momentos se deslizan simplemente más allá de lo convencional, que nos invitan al ensueño y a no parpadear entre cada puente que nos conecta con una de la otra canción en el medio de todo: te engancha mientras al mismo tiempo se te escapa. Un gran y excepcional trabajo en el que se conecta realmente con la idea de que la música más personal siempre trasciende a cualquier sentimiento. Es real, y perdura. Así es el Schoentl de Von Krup.

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Así sonaba Snake Charmer con Jah Wobble de PiL, Holger Czukay de CAN y The Edge de U2

En 1983, Jah Wobble de Public Image Ltd; Holger Czukay de CAN y The Edge de U2 fueron reclutados por el productor Francois Kevorkian para dar vida a la música de Snake Charmer, un EP de experimentación Sin duda es una combinación rara de entrada, sin importar el año en que varios lo hayan descubierto o si tú que estás leyendo te encuentras en ese momento ahora; sobre todo, por el tipo de alineación y enfoque musical, en particular de cada uno de sus miembros. Recordemos que en 1983 los músicos que lideraban el proyecto no eran tan relevantes a escala mundial, o la historia aún no estaba por brindarles un estatus de reconocimiento; eso fue con el paso del tiempo. Snake Charmer es raro, no suena a nada de las bandas de las cuales provenían sus integrantes, y ahí está la magia: era un viaje sicodélico y bizarro lleno de improvisaciones guitarreras, funk, jazz, cajas de ritmo y sintetizadores, como si fuera inspirado en fuerzas ancestrales y un poco visionario si me dejan apresurarme. La idea de Kevorkian fue juntarlos y que improvisaran en lo que mejor sabía hacer cada uno en su instrumento, hasta que las canciones fueron tomando forma; todo esto en Londres. Quizá el álbum en su momento pasó sin pena ni gloria y hoy podemos encontrarlo como un experimento de culto, de lo que alguna vez la historia y la creatividad de la música, se dio el lujo de permitir.

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La importancia del disco Give Up de The Postal Service a 20 años de su creación

En 2003, Benjamin Gibbard llegaría a la encrucijada de su vida artística gracias a The Postal Service, un proyecto alterno que conformaría junto al productor musical Jimmy Tamborello (Dntel) y Jenny Lewis, vocalista de Rilo Kiley     El impacto de un disco debut que estaba pensado como un “simple proyecto alterno” fue tal, que bien pudieron renunciar sus antiguas bandas para seguir al frente de TPS, sin ningún tipo de culpa. De pronto, The Postal Service era más grande y más conocido que las tres bandas de sus integrantes juntas.   En ese momento, Gibbard y su banda Death Cab For Cutie ya contaban con cuatro discos de estudio y un EP, publicados de manera independiente, y se mantenían a flote en un incipiente sector juvenil que a la postre conformaría el subgénero musical denominado indie. Sin embargo, aún no contaban con ningún éxito comercial que los identificara.   Por otro lado, Jenny Lewis al frente de Rilo Kiley ya contaba con dos discos de estudio; mientras que Tamborello, tenía tres discos en su haber bajo su nombre artístico Dntel, con el que pudo trabajar con Benjamin en la canción “(This Is) The Dream of Evan and Chan” en 2001.   Con tan sólo tres sencillos (Such Great Hights, The District Sleeps Alone Tonight y We Will Become Silhouettes) y 12 canciones en su totalidad, Give Up llevó a The Postal Service a los primeros lugares de miles de estaciones de radio en el mundo; en especial gracias a “Such Great Hights”, que fue usada incluso para promocionar M&M’s, los procesadores de Apple en 2006 y alguna que otra película.     Ese nivel de éxito no lo había conocido ninguno de sus tres integrantes con sus respectivas bandas. Por lo que resultaba tentador dejar todo atrás para enfocarse de lleno en este nuevo proyecto. Afortunada o desafortunadamente no fue así.   Gibbard entendió a la perfección que atravesaba por un gran momento creativo y era una oportunidad que podía llevar a su primer banda, sabía que una genialidad de tal proporción pocas veces lograba repetir el éxito y decidió que, después de una extensa gira de promoción con The Postal Service, lo mejor sería dejar al disco existir como una joya solitaria en el tiempo, a la par de discos como The Yardbirds, Temple of The Dog y Mad Season, y regresar a su antigua banda.     Algunos meses después del debut con TPS, Death Cab For Cutie publicaría el disco que cambiaría su carrera por completo y la daría el último empujón a la escena indie: Transatlanticism. El resto es historia.   La última vez que The Postal Service regresó a los escenarios fue en el décimo aniversario de Give Up en 2013, cuando los tres miembros originales decidieron reunirse por última vez y ofrecer una serie de presentaciones en Norteamérica y Europa, como el Primavera Sound en Barcelona, una de las tocadas mejor documentadas. Asimismo, dejarle a la disquera Sub Pop, el segundo LP más vendido de toda su historia.     Hoy en día Give Up, de The Postal Service es de tal importancia para el indie, el synthpop y el electro-pop, que aún sigue siendo un disco referente para bandas como Chvrches, The Shins, Warpaint, The Decemberists, Matt & Kim y Stars, sigue sonando tan fresco y propositivo de principio a fin como hace 17 años.   Un álbum seminal que cada día cobra más importancia en medio de la vorágine de las masas polarizadas y anticlimáticas, en un mundo convulso y dominado por el reguetón y el trap.     Vale la pena escucharlo nuevamente en su totalidad, una especie de futuro idealista que sigue aquí. Por y para siempre.    

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Una carta de amor a Berlín: Pet Shop Boys deliran sobre esta ciudad

Pet Shop Boys utiliza la capital de facto de la música electrónica como telón de fondo en un conjunto de canciones descaradamente impredecibles Label: X2 Recordings Limited / Kobalt Label Services Género: Synth Pop / Dance / New Wave /Art Pop Grabado en los legendarios estudios Hansa en Berlín, junto al productor Stuart Price, la producción de Hotspot es, como era de esperarse, inmaculada. Hotspot se nutre de un grupo de sonidos tan diversos que van desde la euforia del electroclash hasta el downtempo, pero este tercer álbum lamentablemente pierde parte de la energía aventurera de los Pet Shop Boys. Inusualmente, para un álbum de Pet Shop Boys, Hotspot tiene un comienzo tormentoso y le toma tiempo recuperarse. La portada del disco nunca cohesiona en torno a un estado de ánimo particular o un conjunto de ideas musicales. Por si solas, la mayoría de las pistas de Hotspot serían interludios decentes de otros álbumes de Pet Shop Boys. Su principal deficiencia es que todos las composiciones de audio están ahí, pero apenas están embalsamadas. Un álbum que se lee simultáneamente como una colección de sencillos y que suena casi en su totalidad como si estuviera escrito como relleno.

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30 años del lanzamiento del disco debut de Naked City

El álbum debut de Naked City cumplió 30 años; la obra que inauguró la brecha atemporal que allanó el camino para la fusión jazz-metal y otras mezclas. Escucha el disco completo en el video de Youtube de aquí abajo.  Naked City fue un grupo de música de vanguardia, inicialmente activo en la ciudad de Nueva York entre 1988 y 1993. Fue iniciado por el saxofonista y compositor John Zorn como un “taller de composición”​ para probar los límites de la composición e improvisación. Su música incorporaba elementos del jazz, surf, classical, heavy metal, grindcore, country, punk rock y otros géneros. Mucho antes de que el quinteto increíblemente versátil anunciara su álbum debut homónimo hace 30 años, Zorn ya había pasado años experimentando con conceptos que definirían el sonido de la banda, particularmente, su estética. Sin embargo, Naked City fue el proyecto que más sobresalió hasta ese momento para el compositor y saxofonista y el que le permitió llegar a un público más amplio y joven. La banda Naked City estuvo conformada por John Zorn, Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz, Joey Baron, Yamantaka Eye y, en ocasiones, Mike Patton. El disco debut de Naked City incluía 26 pistas y fue lanzado por el sello Elektra-Nonesuch, que colisionó con la versión de Zorn de los sonidos hardcore que había protagonizado en ese momento, sumado a temas de películas de personajes como Ennio Morricone, Henry Mancini, John Barry, Jerry Goldsmith y Georges Delerue. En 1989, la banda actuó en la Civic Opera de Chicago y su actuación perfecta dejó a la mayoría de la audiencia con la boca abierta. El álbum debut se desviaba por todas partes en sus diferentes estilos, pero a pesar de las fuentes dispares, la adaptación del hardcore en Naked City sirvió como el núcleo de la grabación. Zorn también se convirtió por aquellos tiempos en un gran admirador del grindcore, particularmente, de la banda británica Napalm Death. Poco después del lanzamiento del primer álbum de Naked City, Zorn formó Painkiller con el bajista Bill Laswell y el baterista de Napalm Death, Mick Harris; y tanto Naked City como Painkiller publicaron música en Earache, el influyente sello del Reino Unido. De hecho, Zorn siempre ha creado distintas oportunidades para los miembros de su propia comunidad musical, ya sea a través de los álbumes que publicaría con su propio sello Tzadik a partir de 1995. Es difícil imaginar las fusiones continuas del metal y jazz complejos representados por personas tan dispares, pero Naked City lo fomentó y realizó a la perfección.

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Have We Met: el nuevo álbum de Destroyer, imposible de dejar de escuchar

Desde la publicación de Streethawk: A Seduction en el 2001, Dan Bejar estuvo creando un gran álbum tras otro, que, muchas veces, ha terminado en varias de las mejores listas del año. Seguramente será lo mismo este 2020 Label: Dead Oceans Género: indie pop, jazz, trap, R&B  Los álbumes de Dan Bejar siempre han sido un paquete completo de música y letras en el que, frecuentemente, es difícil asimilar todos sus matices. No obstante, la clave con Destroyer ha sido que Bejar es capaz de combinar todas sus influencias y convertirlas en algo completamente propio y personal. Bejar es el tipo de persona con el que sus oyentes y, particularmente, sus fanáticos pueden relacionarse con su música y, a su vez, hacerla propia.  En esencia, con pocas fallas y con bastantes puntos que resaltar, Have We Met es uno de esos discos, tan cautivador que casi se desea que no termine, e incitar a explorar sus paisajes sonoros por un buen tiempo. 

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Endtroducing de DJ Shadow, el perfecto trip hop que nació del jazz, el hip hop y los sampleos

Uno de los discos supremos que demostraron hasta dónde se puede llegar con el jazz, el hip hop, la cultura de la música de tornamesa y vinilos, dando nacimiento a un nuevo escalón en el que conocemos como trip hop y yendo al núcleo de los sampleos, una especie de reciclaje sonoro en el que las posibilidades son infinitas: Endtroducing de DJ Shadow   Endtroducing es prácticamente un milagro en la música de los últimos 20 años. DJ Shadow tomó y deconstruyó todas aquellas influencias que el hip-hop le había dado, desde técnicas hasta funciones con otras vertientes sonoras.   Anclaje que encajó de manera extraordinaria y que, sin duda, fue una piedra angular en el desarrollo de la música en la mitad de los años 90, logrando un punto importante para que nuevos artistas o de otros géneros prestaran atención a lo que estaba sucediendo con este disco.   La idea de hacer funcionar las estructuras melódicas con sampleos y voces en su mayoría femeninas acentuaron ritmos que abarcan emociones tanto sentimentales como imaginativas. Un claro y perfecto ejemplo de lo importante que es reciclar la música en colaboración con una visión arriesgada dentro de una burbuja global musical en la que los géneros que se volvieron comerciales como el grunge estaban pasando de moda al igual que el britpop, pero otros titanes como Portishead, UNKLE y Massive Attack estaban revolucionando las formas y expresiones musicales hacia un nuevo sentido.   Endtroducing de DJ Shadow resucitó de alguna forma la música en el tiempo y momento indicado de una década que siempre recordaremos.    

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Capítulo 2 de Silis, simbolismos actuales entre el techno pop y la dark wave

Silis es uno de los pilares de la escena subterránea mexicana electrónica desde hace muchos años, tantos que sorprende que no sea tan conocido como quizá él lo deseara. Sobre todo, por su trabajo que suena por sí solo con una calidad maravillosa   Capítulo 2 by Silis Es innegable la magia absoluta de Capítulo 2 que vio la luz gracias a We Are One Records, parece que todo estuviera en su lugar; desde la estructura de las canciones y las líricas de cada una de ellas, todas comandadas asombrosamente por el poder análogo de las máquinas. Silis nos acerca a una de sus mayores obsesiones como lo es la música rara que no encaja en el mainstream, y que nunca lo hará, una música diferente que toma un valor simbólico y personal sin igual. Su base sonora está compuesta por una fusión entre dark wave, synth pop, new wave, techno pop, minimal synth, el kraut y muchos otros sonidos del mundo. Es a la vez, altamente, experimental y es que, la electrónica sigue teniendo ese misticismo por más que alguien quiera convencerte de que se escucha igual. Puede ser tan conmovedora como visceral, pero jamás carente de una carga de emociones y discurso, Capítulo 2 de Silis lo es y me alegra compartirlo con ustedes.

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