Depósitio Sonoro

reseña de película

1999, año de películas distópicas: The Matrix, Fight Club, American Beauty, Office Space y Being John Malkovich, comparten algo en común

¿Qué hicieron los años 90?  Las computadoras se estaban volviendo rápidas, fáciles y baratas, y con ellas llegó un sentido de igualdad para todos.  A diferencia de “las películas de monstruos que muestran ansiedades de la Guerra Fría y las películas de terror que transmiten temores,” las películas de 1999 “no trataban de sobrevivir al presente, porque el presente iba bien. Se trataba de estar cansados ​​de ese estable presente y buscar un futuro radicalmente diferente. Esas palabras provienen de “por qué todas las películas de 1999 son iguales”, el ensayo en video de la parte de abajo de la nota. The Matrix, Office Space, Fight Club, American Beauty, Being John Malkovich, y todos los otros principales lanzamientos de Hollywood que presentan “un personaje principal cansado de la estabilidad, la monotonía y el desenvolvimiento de su vida”, “casi siempre involucra un trabajo corporativo constante y aburrido. Esa época fue también cuando el cómico Dilbert de Scott Adams llegó a la cima del espíritu de la época satirizando los elementos de la existencia de oficina: jefes incompetentes, compañeros de trabajo holgados y cubículos. Llamando a 1999 “el año de la película del cubículo”, este ensayo en video describe su representación cinematográfica de las frustraciones de los trabajadores de oficina como “un espejo perfecto de finales de los 90”. No es que esas representaciones fueran literalmente “lo mismo”: los hombres aburridos de Fight Club “hacen todo lo posible para crear conflictos y caos”; Office Space hace comedia y atascos; siendo que John Malkovich “exagera las imágenes corporativas opresivas en películas como Office Space al crear una oficina absurda con techos bajos” que “literalmente afecta a sus empleados”; American Beauty “critica la estabilidad percibida de la era, sugiriendo que es simplemente una máscara que oculta el verdadero yo”. Y en The Matrix esa apariencia de estabilidad y prosperidad existe solo para ocultar la esclavitud total de la humanidad. Es posible que la humanidad moderna nunca deseche sus distopías, pero es justo decir que las visiones distópicas que mantenemos hoy en día son bastante diferentes a las que se recibieron hace 20 años, y también es justo decir que muchos de nosotros los entretenemos mientras soñamos con seguridad relativa, estabilidad y prosperidad, real o imaginaria, que algunos disfrutaron en aquel entonces. Pero como nos recuerdan las películas de 1999, esas mismas cualidades también podrían llevarnos a una especie de locura. Coupland puede llamar acertadamente a los 90 “la buena década”, pero incluso si pudiéramos volver a esa época podría haber buenas razones para no querer. Checa este video:

1999, año de películas distópicas: The Matrix, Fight Club, American Beauty, Office Space y Being John Malkovich, comparten algo en común Leer más »

Retrospectiva de 4 películas del director F.J. Ossang: poeta, músico, escritor y cineasta

F.J. Ossang es uno de los principales cineastas de culto franceses de los últimos años, amante de la música industrial y cantante del grupo punk M.K.B (Messagero Killer Boy) Después de 30 años, F.J. Ossang ha logrado convertirse ya en uno de los principales cineastas de culto franceses. Ha estado en el mundo del cine desde 1982 cuando estrenó Le dérniere enigme. Un cortometraje en el que deja constancia de otra de sus grandes pasiones: la música. En su banda sonora participan algunos de lo grandes pioneros del punk y la música industrial: Cabaret Voltaire, William Burroughs, Throbbing Gristle, Killing Joe, Public Image Limited. Ossang vivió en carne propia toda la movida punk gracias a su banda M.K.B (Messagero Killer Boy), de la que fue vocalista. Sus películas  casi siempre son en blanco y negro y con claras influencias en el expresionismo, surrealismo, el cine negro y la literatura. Es un director “muy francés con todo lo bueno y malo que ello conlleva”, como alguna vez leímos en una nota de el periódico El País, de España. Te hablamos de 4 películas que puedes encontrar en mubi.com DRARMA GUNS (2010) “F.J. Ossang imaginó una obra completa que surge de la imaginación de un hombre muerto, mezclando la cultura americana, griega y francesa”. 2. THE CASE OF MORITURI DIVISIONS  Una retrospectiva del poeta, músico y cineasta punk. Su primera obra de crítica política, mitos re-mezclados y espíritu renegado. Ubicados en un mundo donde los punks han dado la espalda a la sociedad y coquetean con la muerte.   3.-THREASURE OF THE BITCH ISLANDS “Fascinante viaje junto a un grupo de científicos locos hacia los confines más oscuros del destino de la humanidad, Treasure of the Bitch Islands es un cóctel molotov de belleza anárquica”. 4.-DOCTEUR CHANCE 1997 Esta febril película on the road recorrer el desierto de Atacama. Con Marisa Paredes y Joe Strummer como amantes, Doctor Chance por primera vez ve al poeta punk a todo color. Aquí el trailer de la película, filmada en Francia y Chile  en el año de 1997, específicamente en Iquique, mamiña (cementerio).  En esta película participo Joe Strummer (ex-vocalista de The Clash) y Francisco Reyes, actor chileno. Una vez que ya conoces los trailers de las cintas, puedes encontrarlas en mubi.com

Retrospectiva de 4 películas del director F.J. Ossang: poeta, músico, escritor y cineasta Leer más »

Roma: la música que definió a México en los años 70

En diciembre del 2018 llegó a Netflix la galardonada película Roma, de Alfonso Cuarón. Una película que se enfoca en la vida de Cleo, una empleada doméstica en la Colonia Roma del México de 1970. La película ganadora del Oscar por Mejor Director, Mejor Película Extranjera y Mejor Fotografía logra transportar al espectador de vuelta al pasado, a través de los recuerdos de Alfonso Cuarón. Además, estuvo nominada a Mejor Sonido y Mejor Edición de Sonido, a cargo del talentoso Sergio Díaz, quien se encargó de encontrar cada uno de los elementos sonoros que hacen que la película tenga una gran peso evocativo. En cine, los elementos que componen un filme, como la fotografía, dirección, escenografía y el vestuario, le dan a éste las herramientas para sumergir al espectador dentro de ella. Pero hay un elemento en específico que llega a empatar con las fibras sensibles de la persona, y ese es la música. Uno de los elementos más fuertes dentro de la película multipremiada de Cuarón, es el Diseño de Producción, el cual, ha llevado al equipo de este departamento a reconstruir, con detalles minuciosos, el México de 1970. Roma es una película que carece de música original, todo lo que podemos escuchar dentro de este viaje a los recuerdos del pasado, son los sonidos que nos remiten a ciertos lugares, como el sonido del afilador, el del camotero, o inclusive ruidos, como los gritos de comerciantes ambulantes o el tráfico. Y es aquí, que la música entra de forma circunstancial, apareciendo como guiños, constituyendo un elemento fundamental para transportarse a esa época. El México de 1970 es una época definida por movimientos sociales que agitaron al país. Las marchas y represiones estudiantiles del ’68 y ‘71 dieron visibilidad a los problemas nacionales e hizo evidente el autoritarismo gubernamental. De este primer movimiento, la música de protesta se volvió parte del espíritu de los estudiantes, siendo Óscar Chávez y Judith Reyes los músicos que serían la voz del movimiento junto con Joan Baez, Leonard Cohen, Bob Dylan y Peter Seeger, quien fue invitado por el Partido Comunista a tocar en la Facultad de Ciencias de la UNAM. Los grupos de Rock&Roll de la década los 60 comenzaron a diluirse, Enrique Guzmán, César Costa y Johnny Laboriel dejaban Los Teen Tops, Los Camisas Negras y Los Rebeldes del Rock respectivamente, y comenzaron a forjar sus carreras como solistas. Mientras tanto, el movimiento hippie comenzaba a influenciar a los estados fronterizos. Si se tuviera que elegir a un género musical que haya definido a esta década, definitivamente sería el de balada romántica con arreglos sinfónicos. A pesar de las cosas que sucedían en el país, esta música sirvió para poder hacer al mexicano olvidar su realidad. Es en 1970, año en el que transcurre la película, que las carreras de artistas como Leo Dan, Juan Gabriel, José José y Rocío Durcal se consolidaron y marcaron a gran cantidad de la población haciendo que sus canciones vivan hasta nuestros días. Los grupos sudamericanos y españoles encontraron en México la cúspide de sus carreras, como lo fueron Los Pasteles Verdes, de Perú, Los Terrícolas, de Venezuela, o Los Ángeles Negros de Chile. Por ejemplo, Leo Dan, originario de Argentina, llegaba a tierras mexicanas en 1970 con el éxito Te he prometido. Él era gran aficionado de la música mexicana, y aquí, grabó otras canciones que le llegaron al público nacional, como Toquen mariachis canten y Mi última serenata. Este año, significó también el nacimiento de El Príncipe de la Canción, José José, quien tuvo como primer éxito la canción La Nave del Olvido. Meses después, se presentaría ante un público internacional televisado en el II Festival de la Canción Latina, con sede en el Teatro Ferrocarrilero de la Ciudad de México, en dicho evento, cantó por primera vez el éxito que marcó su carrera para siempre, El Triste. El Divo de Juárez, Juan Gabriel, después de graves problemas financieros e incluso penales, lanza en 1971 su primer disco Alma Joven, con el sencillo No tengo dinero, este álbum -al igual que con José José- ayudó a posicionarlo como uno de los interpretes de balada romántica más importantes del país. La música que nunca ha faltado en el corazón de los mexicanos es la de artistas como Álvaro Carrillo, Javier Solís y los clásicos Pedro Infante, José Alfredo Jiménez y las irreverentes canciones de Tin Tan. Todos estos artistas, consolidados 20 años antes, seguirían marcando a la población. Pero no todo fue música romántica y baladas durante la década de los años 70. Esta década representó el punto de quiebre para las bandas de rock nacional. Había una división musical demasiado amplia, porque, a pesar que los artistas antes mencionados eran de consumo masivo, las clases populares y sectores más contestatarios se inclinaron al rock. Es así, que tres meses después de la Matanza de Corpus, se llevó acabo el primer festival masivo de música en México, el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, considerado el Woodstock Mexicano, el cual estaba programado para 5 mil asistentes, que verían una carrera de autos acompañados de bandas, pero la asistencia final fue alrededor de 150,000 personas, que experimentaron en el festival una especie de catarsis social que emanaba del recuerdo de las matanzas de los años anteriores, además de expresar el amor libre y el uso de drogas. Fue en este festival que la banda Three Souls In My Mind, después conocida como El Tri, que marcaría y sería el estandarte del rock de esa década. Después de este evento, el gobierno mexicano prohibió grandes reuniones juveniles, para evitar nuevos movimientos y cerró las puertas en el país a grupos internacionales de rock a presentarse por esta misma razón. Es por eso, que la música en México que llegaba a las grandes audiencias, era aquella que fuera más tranquila y de temas más generales. Roma se desarrolla entre 1970 y 1971. Como se puede observar, este par de años sirvieron como punta de lanza para el desarrollo

Roma: la música que definió a México en los años 70 Leer más »

Comienza tour de cine francés, 7 de septiembre a 18 de octubre

El TOUR DE CINE FRANCÉS es un muestra itinerante que presenta la mejor selección de cine francés contemporáneo (en versión original subtitulada) alrededor de la República Mexicana y Centroamérica, previo a su estreno comercial en salas. Con 22 ediciones en su historia esta muestra de cine galo se ha convertido en el festival de cine francés más visto en el mundo con más de 300,000 espectadores. México es el tercer país que más ve cine francés en el mundo después de E.E.UU y China. No te pierdas este 2018 de una selección muy bien escogida entre cine comercial, cine de arte y cine de autor. Dando clic en este enlace podrás conocer más a detalle la cartelera. 

Comienza tour de cine francés, 7 de septiembre a 18 de octubre Leer más »

Conoce el soundtrack de la nueva película de Gaspar Noé

 ‘Climax’, la nueva película de Gaspar Noé, una fiesta repleta de sexo y violencia, nos transporta a mediados de los años 90 para contarnos las historia de un grupo de bailarines veinteañeros que se reúne en un antiguo colegio durante tres días para practicar su nueva obra.  A Gaspar Noé lo recordamos por sus pasados largometrajes: “Sólo contra todos” (1998), “Irreversible” (2002), “Enter the Void” (2009), “Love” (2009). El cine de Gaspar Noé ha sido provocador y polémico desde hace casi dos décadas. Lleno de sexo y caos. Ahora, con “Climax” lo que sabemos es que durante una fiesta de celebración en la que toman sangría alguien adultera las bebidas, lo cual provoca una degenerada noche repleta de sexo y violencia. La película se estrenó formalmente en salas el pasado 18 de enero 2019.   Sin más, les dejamos el soundtrack. TRACKLIST: 1. [0:00] Gary Numan – Trois Gymnopedies 2. [2:44] Chris Carter – Solidit 3. [10:29] Cerrone – Supernature 4. [20:15] Patrick Hernandez – Born To Be Alive 5. [23:22] M|A|R|R|S – Pump Up the Volume 6. [27:28] Lil Louis – French Kiss 7. [37:20] Dopplereffekt – Superior Race 8. [40:27] Dopplereffekt – Technic 1200 9. [44:58] Thomas Bangalter – What To Do 10. [49:24] Neon – Voices 11. [53:10] Suburban Knights – The Art of Stalking 12. [58:08] Daft Punk – Rollin’ & Scratchin’ 13. [1:05:37] Aphex Twin – Windowlicker 14. [1:11:45] Wild Planet – Electron 15. [1:19:22] Soft Cell – Tainted Love 16. [1:22:05] Soft Cell – Where Did Our Love Go 17. [1:25:14] Giorgio Moroder – Utopia Me Giorgio 18. [1:28:38] The Rolling Stones – Angie 19. [1:33:11] Cosey Fanni Tutti & Coh – Mad

Conoce el soundtrack de la nueva película de Gaspar Noé Leer más »

A quite place: experiencia sensorial sorprendente de cine de terror contemporáneo

Lo que hace de “A Quiet Place” (2018) una muy buena película es que termina donde la mayoría de producciones recientes del género comienzan y se estancan; piénsese en mediocres productos al uso que mezclan ciencia ficción y terror como “Abraham Lincoln: Vampire Hunter” (Bekmambetov, 2012) “Dawn of the Dead” (Snyder, 2004) o la mejor (?) de “Resident Evil” (“Final Chapter”, W.S. Anderson; 2017). Lo que convierte a “Un lugar en silencio” en posiblemente el mejor filme de horror en lo que va del año, es que precisamente comienza donde un clásico como “The Birds” (Hitchcock, 1963) termina.   John Krasinski, el famoso actor de la comedia “The Office” (NBC,2005), cambia completamente de registro y sale , por lo menos como director, por fin victorioso. Krasinski consigue sumergirnos en un escenario del que se nos informa poco, una tarea que ni falta hace, ya que en los primeros minutos de su largometraje, por las pocas situaciones que se muestran, lo entendemos todo y aceptamos sus reglas de juego. “¡ES EL SONIDO!”, puede leerse en la pantalla, como titular en la portada de un periódico abandonado a su suerte, y es, curiosamente, la ausencia de este, la que también permite que la sala conecte fácilmente con todo lo que se le va presentando. Pocas veces, desde que se abarataron los smartphones y se amplió el menú en los múltiplex, se podrá disfrutar de una audiencia tan aconductada . El juego cognitivo aquí es bastante simple, aunque no faltará el público más ilustrado que presuma de su intelecto durante la proyección, ese al que le gusta hablar con la boca llena de palomitas y razón. A estos amantes de diseccionar la realidad como a un texto o como si se tratara de un pollo asado que se come con la mano, a ellos, les recomiendo quedarse mejor en casa. Para los demás, para nosotros, para los vulgares, esto es, gente ordinaria que va al cine a ver y a entretenerse y que sabe hablar solo lo suficiente, les anticipo una bella cinematografía y una ingeniosa mezcla de sonidos extraídos de la América profunda; una experiencia sensorial sorprendente, finamente orquestada con saltos y cacofonías, varios sustos, loables interpretaciones, modestos pero perturbadores efectos especiales, mucha tensión y, sobre todo, emociones humanas en estado puro. ADVERTENCIA: Las imágenes de “A Quiet Place” están desprovistas de cualquier propaganda o agenda ideológica, porque por fortuna cada vez que vemos el fin del mundo llegar, valen verga la exigencias de falsa igualdad, los derechos estatales y la equidad de género. Y es que en este “lugar en silencio” solo importa la supervivencia amparada en la estructura biológica e institución social por excelencia: la siempre necesaria familia nuclear y sus valores y tradiciones a prueba de todo. Esta cinta actualmente se encuentra en cartelera.

A quite place: experiencia sensorial sorprendente de cine de terror contemporáneo Leer más »

Scroll al inicio