Depósitio Sonoro

27 mayo, 2020

GG Allin, controversial del hardcore punk verdaderamente antisocial

GG Allin, fue nombrado a su nacimiento, como Jesucristo Allin el 29 de agosto de 1956, su hermano mayor Merle, de niño, no podía pronunciar Jesucristo y lo llamó GG. El hogar de GG no proporcionó el ambiente mas acogedor para los niños Allin, en una casa sombría sin agua corriente, ni electricidad, con aislamiento extremo gracias a su padre, el señor Merle Allin, un fanático cristiano que frecuentemente amenazaba con matar a su familia y los encerraba en el sótano para evitar todo tipo de conversación y contacto con el exterior, que finalmente se suicidó. Allin entró a la música a una edad muy temprana participando en bandas como Malpractice y Stripsearch, pero fueron los Jabbers quienes lo pusieron en el mapa. Luego de liderar varias bandas, GG Allin se consideraba el alma gemela de leyendas del country como Hank Williams y David Allan Coe lo que lo impulsó a grabar canciones country ilegales como Guns, bitches, brawls and bottles, Carmelita y Pick me up on your way down, incluidas en un álbum llamado Carnival of Excess.  Muchos músicos afirman que la música los mantiene fuera de problemas personales y pensamientos nocivos, y que sin ella habrían terminado en la cárcel o muertos, pero GG Allin estaba en un viaje totalmente diferente junto con su música. Para él, no había separación entre la vida y el arte: hacía música, terminó en la cárcel, y finalmente murió por su propia mano. Para GG, la música y la cultura del rock eran simplemente armas en su arsenal.  La producción de discos de Allin fue prolífica, con más de una docena de discos en su repertorio, Allin recorrió Estados Unidos sin descanso, dando conciertos con la convicción de que lo seguía una nube nociva que acabaría con él. Se calcula que fue arrestado cincuenta veces y finalmente encarcelado por golpear a un espectador en Michigan. El espectáculo de GG, entre actuación y efectos de drogas, incluía defecación, autoheridas, sangre, violencia y desnudez, dándole notoriedad por romper los límites de la ley, del comportamiento social y de las reglas sociales en general. El 27 de junio de 1993, Allin hizo su ultima presentación en el Gas Station en la ciudad de Nueva York, la luz se fue después de la segunda canción lo que causó un motín. Allin salió a la calle y se dirigió a un departamento en donde ingirió una dosis letal de heroína y fue declarado muerto al día siguiente, tenía 36 años. Allin había afirmado durante mucho tiempo que se suicidaría en el escenario, por lo que su muerte fue una muerte cliché del rock, algo que él no le hubiera gustado. Es difícil imaginar a GG Allin en un mundo del siglo XXI. Mucho ha cambiado, la vida actual se ha vuelto más conceptual, llevada a través de dispositivos móviles y en línea, y la experiencia visceral e inmediata ha dejado de lado el desapego voyeurista. La fascinación por el lado oscuro de la vida está todavía presente y se espera que llegue un antihéroe para romper las reglas de conformidad social y abrace totalmente a la oscuridad. GG Allin hizo todo eso.   Interprete, divisivo, destructivo y demente, GG Allin fue uno de los pocos músicos que convirtió el mito de los forajidos en realidad. Y que al final, miró al abismo, y el abismo lo miró a él. 

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Ecosistema Personal: discos, canciones y anécdotas con Oliver Tormenta

  Soy Oliver Tormenta artista plástico y visual; y también formó parte de la banda I Can Fly. Actualmente me dedico a pintar murales y a mi obra de caballete. También estamos componiendo música nueva para nuestro proyecto, pronto verá la luz.   En esta nueva serie platicaremos con personajes clave en el desarrollo de la música en nuestro país, desde promotores, músicos, periodistas, gente de la radio y desde cualquier punto y situación que sacuda el ambiente musical de México. En esta ocasión platicamos con Oliver Tormenta, vocalista y guitarrista de la banda I Can Fly, quiénes ya han tenido el éxito de pisar lugares importantes como El Plaza Condesa. Oliver respondió amablemente a nuestras siguientes preguntas.     1.- ¿Qué artista o banda arraigó un amor muy grande por ti en la música? The Rolling Stones fue la primer banda que tocó fibras importantes en mí cuando era niño. Recuerdo con mucho cariño y nostalgia “Ruby Tuesday”.     2-Artista nacional más emocionante actualmente… Me gustan muchísimas bandas emergentes, no sólo podría mencionar una. Se está haciendo un gran e interesante trabajo desde las trincheras.     3-Disco que marcó un antes y un después en tu vida. Los discos de Minor Treath, Los Crudos, Sin Dios y demás bandas me acompañaron gran parte de mi adolescencia. Sin embargo cuando escuché el  Ok  Computer  de Radiohead (que nada tenía que ver con lo que escuchaba en ese tiempo), fue toda una revelación.       https://www.youtube.com/watch?v=dB8yemOpEo4   4- Disco de música electrónica y disco de rock esenciales en tu formación. Magic Fly de Space (si se puede mencionar como música electrónica) y Diminuendo de Lowlife, entre muchos otros, sobretodo de The Smiths.         5-. Disquera que amas y amarás y que la gente debería de conocer. Columbia Records por haber grabado Kind of Blue de Miles Davis, disco que disfruto muchísimo cuando estoy laborando.     6- ¿Cuál fue para ti la última gran revolución musical y por qué? Hay varios movimientos por demás interesantes, pero yo mencionaría uno que fue de vital importancia: el Sound System en Jamaica y lo que ocurrió en el mundo musical después de eso. Para mí uno de los movimientos más importantes.     7- Producción, música, colaboración o release que hayas hecho de la cual te sientes muy orgulloso. Sin duda de los EP’s de mi banda I Can Fly y los sencillos que tenemos, por lo que significa producir algo independiente. Y pues dentro de estos EP’s tengo mis tracks favoritos: “New Horizons” me parece uno de los mejores.     8- Canción que te recuerda a tu adolescencia… Sin Dios – “Intolerantes”     9- Anécdota junto con algún músico con el que hayas compartido escenario y recuerdes con cariño. Recuerdo mucho un show que dimos en Celaya junto a mis amigos de Bellenger. Fue un viaje bastante divertido y además nos fue muy bien a los dos proyectos y lo más importante un amigo muy querido quien fue vocal de esa banda estaba aún en este plano existencial. Otra fue el año pasado en una fecha que tuvimos junto a Soviet Soviet en la CDMX. Horas antes de empezar el show, el guitarrista que se llama Matteo, estuvo con nosotros platicando y compartiendo cigarrillos, en ese momento me di cuenta que vamos por buen camino. Y otra fue cuando entre Techniques Berlin (Canadá) y nosotros hicimos un cover de “Transmission” de Joy Division; nos pusimos de acuerdo días antes del evento y todo salió muy bien , fue un momento bastante especial.     10- ¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que tienes de haber asistido a un concierto en vivo, cuál, quién y cuándo fue? Allá en el ya más o menos lejano 2009 venía Radiohead por segunda vez al país después de muchos años de no hacerlo. Venía con ellos Kraftwerk, siendo el proyecto que abría una noche de ensueño. Esa noche para mí fue perfectamente especial.     Idea original: Rob Anaya.   Edición de foto y diseño visual: Ozz Ramos.

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Beautiful Noise, documental sobre la vanguardia de guitarras que vio nacer el shoegaze y dream pop

Beatiful Noise (que puedes disfrutar completo al final de esta nota) rinde homenaje a una generación de bandas vanguardistas en sus ecos de guitarra a finales de los 80 que dieron nacimientos a las etiquetas de shoegaze y dream pop que se volvieron icónicas como My Bloody Valentine, Cocteau Twins y The Jesus and Mary Chain, todos bajo la leyenda de que quienes los escucharon formaron una banda. Los miembros de las bandas mencionadas aparecen en el documental recordando como fue haber iniciado cada quien respectivamente en sus bandas, desde orígenes, anécdotas, disqueras, en especial le tenemos un gran cariño a la disquera de Creation Records de Alan McGee, quien absolutamente es un referente y  aparece de igual forma dentro del documental, que si no han indagado dentro de su disquera, tiene muchas y grandiosas bandas de este género y particularmente parecidas, son una escuela a esos sonidos.   Volviendo al documental, aparecen grandes personajes, desde Kevin Shields y Jim Reid o Neil Halstead, y demás bandas que vinieron después, contemporáneos, sobre todo,  cargando con ese estandarte encendido, como Ride, Slowdive, Pale Saints, Chapterhouse, Slowdive, Lush, Curve, Swervedriver, Loop, Medicine, AR Kane y los extraordinarios Seefeel, quienes después tomarían un camino hacía los terrenos del IDM, pero que surgieron de la escuela de Liz Fraser y Robin Guthrie.   La magia del documental son sin duda los efectos de guitarra muy procesados, o inclusive, los accidentes en el estudio de grabación y sobre todo la experimentación de pedales, todo eso, más las voces particulares y el estilo de interpretación de cada banda, ya que aunque parezca un movimiento, cada quien estaba muy metido en su concepto y en realidad eran muy diferentes en aspectos a fondo, no es que todos tomaron los mismos caminos. Otro punto interesante, son las entrevistas con Billy Corgan de The Smashing Pumpkins, quien menciona que en Chicago de joven fue importante poder asistir a ese tipo de conciertos en clubes pequeños, Trent Reznor de Nine Inch Nails, quien se inspíró en lo que hacían JAMC, aunque no musicalmente pero sí en espíritu, Wayne Coyne de The Flaming Lips y el mismísimo Robert Smith de The Cure, todos fans declarados de las bandas de las que se habla en el documental, éste último fan amoroso de los Cocteau Twins. Esperemos puedan disfrutarlo ya que los testimonios son en inglés y los subtítulos en japones, pero es el único archivo completo y disponible vía YouTube (sin necesidad de descargar de otras plataformas) por el momento, del cual se puede ver gratis. Es un gran documento a pesar de que salió en 2014 pero que no todos han podido ver desde su estreno.

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